中国山水画创作教学的若干维度

教学心得ART EDUCATION RESEARCH
传统的中国山水画创作教学偏重知识的教授，或注重美术技能教学，难以满足当前所提倡的偏重学科素养取向的美术学习。

在中国山水画教学中，教师应该注重多维度的山水画创作教学。

一、意境是中国山水画创作的灵魂
中国山水画崇尚意境的表达，古往今来，画家在意境的营造与表达上孜孜不倦、乐此不疲，最终留下许多经典的作品。

意境表现被视为最高境界，意境之美成为中国画创作的终极审美标准。

传统山水画创作追求以意写形、形神兼备。

刘正强认为：“意境乃是作者通过情趣的自然景象，把自己的抒情、想象和欣赏者的联想共鸣，互相沟通，从而产生一种特殊的艺术感染力。

”在中国山水画创作中，意境美主要体现在以下两个方面。

1.诗意美
中国山水画自古有“书画同源”一说，王维更是提倡“诗中有画、画中有诗”，指出中国山水画的意境美离不开诗意美。

宋代郭熙在《林泉高致》说：
“诗是无形画，画是有形诗。

”诗意美丰富了中国山水画的美学意境。

为了更好地理解诗意美，可将诗画结合起来欣赏。

如，王维既是诗人又是画家，欣赏他的画时，可通过他的诗感悟画面的意境。

其作品《江山雪霁图》卷使人自然而然地想起他的诗句“江流天地外，山色有无中”。

画面的诗意极其强烈，具有浓厚的抒情写意之美，体现了“诗画本一体，天工与清新”之境。

2.气韵美
南齐谢赫在《古画品录》提出“气韵生动”这一概念，成为我国传统绘画的重要美学准则。

如果一张画没有生动的气韵，那就谈不上品格与意境了。

黄庭坚的“凡书画当观”说的就是这个道理。

这种节奏和韵律表现了艺术中的“气韵”，创作一幅画，画中的“气韵”很重要，
“在意在象，在韵不在巧”。

气韵可以让人生出荡然激情和生机活力，其审美特征是曲折、飘然、流动，极具空灵、含蓄、传神、动态之美。

优秀的作品能更好地表达画家的思想，给人以和谐的美感。

如，董源在作品《潇湘图》卷中，不作奇峰怪峦，对山石的表现也无突出的主干线条，远树茂林草草写就。

这种不刻意经营布局的态度恰与其用墨的清润、落笔的娴雅混合成一种恬然之气，即后人所说的“淡墨轻岚为一体”。

这些特征营造了山水画创作的神韵，形成了独特的意境与审美价值。

二、寄情于山水之间
深入生活描绘大千世界固然是寻找素材的好方法，但要画出优秀的作品，还需要充满激情地进行表现。

任何艺术作品，如果没有感情的流露将会是苍白无力的，画家心中的“情”决定着创作的过程和结果，更决定着“境”的显现。

不仅要学会描绘生活，更要用激情点燃创作的艺术细胞，以提炼出属于自己的审美气质。

《大树风号图》描绘了一棵枝干粗壮、结实的参天大树，任凭寒风的怒号独自岿然不动，以借物抒情的手法，强烈地表现出画家对故国江山的怀念和坚贞不屈的精神。

三、形式美让山水画创作更富艺术感染力
中国山水画创作讲究形式美，形式美就是指任何审美对象的形式的总体美。

1.笔墨美
充分运用毛笔的性能，驾驭墨与色在宣纸上的渗化效果，表现不同物体的形状、质感、量感，塑造出生动、完美的艺术形象，这种综合性技巧在中国画中统称笔墨。

中国画以线造型，墨分五色，利用行笔的快慢、顿挫、提按与墨色的干、湿、浓、淡、枯、焦等，干湿、巧拙、涩畅互相交替使用，虚实相生。

在山水画创作教学中，为了让学生更好地体会笔墨的趣味性，教师要经常布置临摹写生练习。

2.色彩美
谢赫“六法”中的“随类赋彩”，使中国画一直以表现对象的真实色彩为标准。

中国画用色画法分为白描、水墨淡彩、重彩、没骨、勾勒填彩、泼墨泼彩等，体现了中国画独特的民族特色。

总之，在中国山水画创作教学中，教师要让学生在图像识读的基础上学习审美判断和文化理解，不能片面地强调某一维度的学习，要加强多维度的综合式分析、理解、欣赏、创作。

教师要让学生在创作山水画的过程中感受传统山水画的文化内涵和艺术魅力，并紧密联系现实生活，结合其他学科的知识，培养自身的审美能力和创作能力。

参考文献：
[1]尹少淳.“头摇尾摆”——学科核心素养本位的美术教学.中国中小学美术，2017（1）.
[2]李慧民.论山水画的诗意美.美术视点，2015（3）.
[3]晏明.意境——山水画创作之灵魂.国画家，2003（2）.
[4]赵振川.生活与山水画创作.国画家，2003（5）.
（作者单位：福建省尤溪第七中学）
编辑倪昌立
中国山水画创作教学的若干维度
□陈煌
摘要：中国山水画以丰富的文化内涵和独特的民族风格成为东方绘画的典范，在世界美术史的长廊里也堪称一绝，与西方风景画相比有过之而无不及。

在教材里，中国山水画内容占的篇幅较多，故中国山水画创作教学也是美术教师研究的重要课题之一。

画家在中国山水画创作过程中所面对的意境、情感、生活、形式等问题，是教师在教学中要探讨的几个重要维度。

关键词：意境情感生活形式
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