声、器乐创作的本质区别与管弦乐作品的“器乐化”和“声乐化”
管乐演奏与声乐的相似性与差异性分析
管乐演奏与声乐的相似性与差异性分析【摘要】在学习多年的管乐之后，发现与我主修的声乐有着一些或多或少的联系。
这些联系可以在两个学科中共用，那些方法可以在两个学科之间相互补充。
无论在呼吸，共鸣，还是喉咙技巧和作品的表现上，都有着密切的相似性。
但在声音的振动位置，形成的方式，声音位置的集中，和艺术呈现方式方面，二者又存在着一些差别。
可以说，二者的联系是即相似，又有差异。
我们应该敢于学习不同学科的特点，从中找到一些共性，再将它们整合，提取之间的养分，来完善自身的音乐素养。
【关键词】管乐；声乐；相似性；差异性现代的管乐队起源于18世纪后，主要用于战争时军队集合、行进、发冲锋号，我们称之为“军乐队”。
到了十九世纪，由于美国将管乐教育纳入音乐教育之中，从小学连贯到大学、社会，这种发展的模式就形成了国际性的共通音乐团体。
我国早期出现的西洋管乐团是十九世纪七八十年代在上海英租界侨居的外国人创建的“上海公共管乐队”。
随着西洋管乐团这种艺术形式被开明人士所接受，它慢慢地出现在清末时期的一新式学堂中。
如今，随着人们精神物质生活的不断提高、对艺术修养的追求与日俱增，管乐团走进了众多大学艺术院校。
（1）声乐就是歌唱的意思，用科学的方法发出优美嘹亮的歌声，通过歌声，表达歌曲艺术性的语言，再通过艺术性的语言，生动地塑造乐曲中的人物形象，描绘其意境，表达其思想感情的音乐艺术。
经过多年的管乐学习之后，发现它与我主修的声乐有着一些或多或少的联系，声乐的歌唱方法与管乐的演奏技巧二者在很多的方面有着相通的地方。
一、相似性（一）呼吸方面呼吸方法对声乐起着决定性的作用，横膈膜具有十分特殊的作用，他由扁平肌肉组成，向上凸起呈拱顶型，把胸腔与腹部分开。
在深吸气时，其扁平肌肉纤维急速收缩，横膈膜很快下垂，胸廓亦随即大为扩张。
人的呼吸是一种自然地，正常的，无意识的反射活动，声乐对呼吸是有一定要求的，绝不放任自流。
他既要服从生理上的规律，又要满足演奏上的需要；既要自然，又要有所控制。
古典音乐中的器乐演奏和声乐演唱的比较
古典音乐中的器乐演奏和声乐演唱的比较在古典音乐中，器乐演奏和声乐演唱一直是两个备受瞩目的方面。
虽然这两者都是音乐的基本元素，但它们的表现方式却截然不同。
器乐演奏依靠乐器来传达音乐信息，而声乐演唱则需要歌唱者利用喉咙、呼吸和表情等因素来表现音乐感觉。
虽然这两种表现方式各有优点，但它们也有一些差异，让人们在欣赏古典音乐时会有不同的感受和体验。
首先需要明确的一点是，器乐演奏和声乐演唱在古典音乐中的作用是不同的。
器乐演奏往往被用于表达旋律、和声和节奏等音乐元素，而声乐演唱则通常被用于表达歌词和情感。
因此，这两种表达方式需要针对不同的音乐要素进行处理。
在器乐演奏中，各种乐器的音色和声音质感通常是人们最为关注的方面。
不同的乐器在演奏时产生的音色是独特的，这也是器乐演奏的魅力所在。
例如，在小提琴演奏时，它表现出的优美而又高亢的音色，可以令人心神荡漾，陶醉其中；在古典吉他演奏时，平衡而和谐的音感和清晰的旋律，使人感受到一种民间和抒情的气息。
乐器的音色和音质往往会左右人们对作品的感受，这也是器乐演奏在表达音乐要素方面不可替代的重要作用。
然而，在声乐演唱中，歌唱者的表现能力和演绎技巧更为关键。
在古典音乐中，歌唱者不仅需要具备极高的音乐素养，还需要有较强的表演能力，把歌曲中的情感娓娓道来。
歌唱者的呼吸、喉咙的韵律以及面部表情等方面的掌控，甚至能直接影响到作品的感染力和表现效果。
这也是为何有时候两位歌唱家唱同一首歌的效果截然不同。
例如，玛丽亚·卡拉斯和莎拉·布莱曼，她们的演唱风格各有所长，但在表现情感和细节方面都是极为出色的。
虽然器乐演奏和声乐演唱各有特点，但它们也有一些共同点。
例如，在同时表现旋律和和声的时候，器乐演奏和声乐演唱都需要注意到这两个要素的处理。
在器乐演奏中，需要在不失去旋律美感的前提下，掌握好乐器间的和声关系。
与此类似，在声乐演唱中，也需要在处理歌词和情感的同时，把握好旋律和和声的关系，使得整个作品能够更自然地呈现。
西方音乐史(第二学期)考点
巴洛克时期（1600-1750）一、巴洛克时期音乐特征1.音乐富于戏剧性和动力感，夸张和充满激情。
2.和声意义增强，复调音乐向主调音乐过度。
3.器乐逐渐取得了与声乐平等的地位，并得到的空前的发展。
二、蒙特威尔第是介于文艺复兴时期和巴罗克时期之间的人物，是意大利牧歌的奠基人，牧歌领域的集大成者。
提出了“两种常规”的思想。
创立“激情风格”。
代表作品《奥菲欧》《波佩亚的加冕》三、维瓦尔第巴罗克末期重要的作曲家，小提琴家，对协奏曲的发展有巨大的推动，代表作品大协奏曲《四季》。
四、拉莫巴洛克时期法国著名的作曲家和音乐理论家。
他50岁以后才开始创作歌剧，主要作品有《希波利特与阿丽西亚》等，著有《和声学》。
五、D·斯科拉蒂意大利作曲家、演奏家。
奏鸣曲式的奠基人。
代表作品《D大调奏鸣曲》六、康塔塔1600年前后诞生于意大利，规模比清唱剧小，是室内音乐，有对唱、合唱，分宣叙调和咏叹调，最后逐步变为一种大型的声乐体裁。
七、（古）组曲17世纪末18世纪初古钢琴的主要体裁，通常由德国的阿勒曼德(中速二拍子)，法国的库朗特(中速三拍子)，西班牙的萨拉班德(慢速三拍子)，英国的基格(快速6/8和12/8拍)四种舞曲组成。
著名的古组曲有巴赫的《法国组曲》、《英国组曲》和《德国组曲》。
八、通奏低音又称数字低音，主调和声织体，强调两端声部旋律线条，中间和声不写出，用相应数字标示和弦九、巴洛克时期的复调写作与文艺复兴时期的复调创作有什么区别？随着巴洛克时期“现代风格”，“情感论”“通奏低音”、以及新的和声对位规则的发展和使用，巴罗克时期的复调音乐创作也体现出与文艺复兴时期的创作的不同。
1.作曲风格的使用以及“情感论”的提出，原来在文艺复兴时期被限制使用的音程，及作曲规则取得了突破。
2.巴洛克时期的复调对位传统并没有完全消失，伴随着通奏低音的运用，这些对位手法逐渐被纳入了功能和声进行的框架中，出现了一种新的对位方式，与文艺复兴时期的调式对位相对而言，这可以称之为调性对位。
歌剧中声乐和器乐的几种不同关系
歌剧中声乐和器乐的几种不同关系1.引言在歌剧中，声乐和器乐是两种不可或缺的要素，它们相互作用、相辅相成，共同构成了歌剧的音乐世界。
声乐体现了人类的情感和意志，而器乐则传达了音乐的结构和纯粹性。
本文将深入探讨歌剧中声乐和器乐的几种不同关系，展现它们在音乐表达和情感传递上的独特魅力。
2.声乐与器乐的对话在歌剧中，声乐和器乐经常会进行一种独特的对话，它们相互呼应、相互交融，创造出令人心醉的音乐画面。
当男女主角用歌声交织在一起表达爱情时，背后的交响乐队则通过器乐旋律来承接和延展这种情感，使听众能够更加深刻地感受到角色内心世界的纷繁复杂。
这种声乐与器乐的对话，既增强了音乐的层次感，也为观众呈现了更为丰富多彩的听觉享受。
3.声乐和器乐的情感表达在歌剧中，声乐和器乐分别承担着不同形式的情感表达。
声乐通过歌词和情感的传达，直接触及听众的心灵，将人物的内心独白和情感表现得淋漓尽致。
而器乐则更多地通过旋律和节奏来传递情感，它能够将音乐的情感内核抽离出来，以一种更加抽象和普适的方式触动听众的情感共鸣。
这种声乐和器乐的情感表达方式的不同，使得歌剧音乐在情感呈现上更加立体和多元化。
4.声乐和器乐的结合在某些歌剧作品中，声乐和器乐还会进行一种高度密切的结合，二者相辅相成，共同创造出独特的音乐魅力。
在威尔第的《茶花女》中，男女主角的对唱与交响乐队的配奏相得益彰，达到了高度的和谐统一。
声乐和器乐的结合不仅使音乐更加丰富多彩，也为歌剧的表现形式增添了无限可能性。
5.回顾与总结通过对歌剧中声乐和器乐的几种不同关系的探讨，我们不仅更加深入地理解了音乐的丰富多彩，也感受到了它们共同为歌剧注入的生命力和情感力量。
声乐和器乐的对话、情感表达和结合，相互交融、相互激荡，创造出了不可思议的音乐奇迹，为人们带来了美妙的听觉盛宴。
6.个人观点和理解在我看来，歌剧中声乐和器乐的不同关系是音乐领域中最为引人入胜的话题之一。
它们的多样表达和相互配合，使得歌剧音乐不断焕发出新的艺术魅力，为我们带来无穷的激动和感动。
中国近现代音乐史名词解释简述题论述题填空题
中国近现代音乐史（名词解释，简述题，论述题，填空题）名词解释沈心工：原名沈庆鸿,字叔逵,笔名心工,上海市人。
我国近代学堂乐歌的主要作者,着名的音乐教育家.早年留学日本。
回国后一直从事音乐教育，是我国学堂乐歌的最早编写者，作品有《学校唱歌集》等。
1947年病逝于上海。
北京大学音乐研究会：中国音乐社团。
前身为北京大学音乐团。
不久改名北京大学音乐会，1919年1月在此基础上成立了北京大学音乐研究会，由校长蔡元培任会长。
创刊《音乐杂志》。
1922年12月，在音乐研究会基础上成立了北京大学附设音乐传习所，该会遂告结束。
它既培养了一定数量的演唱、演奏人才和音乐教师，又活跃了当时的社会音乐生活，起到了开创社会新风和推行社会音乐教育的良好作用。
王光祈：20世纪20年代音乐学家，社会活动家。
我国现代音乐学的奠基人，开东方民族音乐之先河。
他研究音乐是希望达到音乐救国的目的。
他是最早运用比较科学的方法进行音乐理论研究的音乐家。
着有《欧洲音乐进化论》《论中国古典歌剧》等。
左翼音乐运动：是20世纪30年代中国左翼文化运动的一个组成部分，是中国共产党领导的、以左翼音乐工作者为骨干并团结爱国民主音乐力量的无产阶级革命音乐运动。
由于“左翼音乐运动”的兴起和发展，造就了中国近现代音乐史上第一支自觉接受无产阶级政党领导的革命音乐队伍，在革命歌曲创作和群众歌咏运动的发动组织方面，创造了丰硕的成果和成功的经验，对中国新音乐文化的建设具有深远的影响。
学院派：是“国立音专”的代称。
其本义概念应指以我国最高音乐学府为核心的音乐流派。
其基本特征是：一、理论作曲或音乐表演均经由正规、系统、严格的专业训练；二、名教授云集；三、优异成果(音乐创作或理论研究)叠出；四、具有相同或相似的美学理念(如重视音乐的艺术性和强调作品的艺术质量)；五、影响乃至领导音乐时代潮流。
因此，学院派是一个国家音乐文化高度发展的标志。
救亡派：其产生标志着“九一八”事变后，抗日救亡歌咏运动高潮时期的来临。
论声乐教学中的“声”与“乐”
中图分类号 ： Ｇ４ ２ 文献标识码 ： Ａ 文章编号 ： １ ０ ０ ５ — ５ ３ １ ２ （ ２ ０ １ ３） ０ ６ — ０ ２ ２ １ — ０ ２
声乐 （ ｖ ｏ ｃ ａ ｌ ｍ ｕ ｓ ｉ ｃ ） ， 是指用人声 演唱的音乐形式 。这句话 有艺术感染力 。而只有歌唱技巧缺乏艺术感染力情感表现和 听起来很简单 ， 但 能够真正去理解它 的人却并不 多。其实 ， 我 艺术修养 的歌唱显然是不能打动人心 ，不能获得 良好的艺术
们拿它与音乐 的另一种形式——器乐相 比较 ， 就好理解 了。 从 字面意思上来看 ， 二者有共同 的意义是 “ 乐” ， 二 者 的不 同是在 “ 声” 与“ 器” 即“ 人声 ” 与“ 乐器声 ” 的不 同。 我们知道 ， 器乐是 以
练声音的同时 ， 音乐知识和音乐理论 的学 习是必不可少 的 ， 音
是歌唱发声技能技巧的应用 ， “ 乐” 就是指情绪和意境的表现。
一
、
“ 声” 与“ 乐” 的关系
乐乐感的培养 也是应该从小抓起 的。 完美的声乐演唱 ， 都是建 立在对作品创作 背景的理解 ，音乐内涵的表达以及歌唱者高 超的声音技巧之上 。 歌唱者如果仅仅只是一个好 的声音 ， 那只 能表明他 具备 了一件好 的乐 器。歌唱者如果一味追求作品的 表现 ， 不注重歌唱技能技巧的训练 ， 那 就无 法真正达到歌唱的 情感 表现。 因此 ， 在演唱中 ， 既要有 良好的声 音技术 的运用 ， 又 要有情感 意境 的合理表现 ， 只有将二者有机结合起来 ， 方 能引 起观众心灵 的共鸣 ，具有感人 至深的艺术魅力 ，才谓 之 “ 声
欧洲各时期音乐史
欧洲各时期的音乐巴洛克时期1、巴罗克——一词源于葡萄牙语，意为“形状不规则的珍珠”，是十四世纪西方建筑、雕塑艺术中奇异、变形、夸张甚至荒诞的风格，音乐沿用这个词，实指巴罗克音乐用流利酣畅得多声部旋律、鲜明的强弱对比和音色的对比等。
2、巴罗克时期音乐的旋律：乐句长短不以，主题较长，无论声乐或器乐，旋律都空前的华丽复杂，有相当多的装饰音和模进音节。
和文艺复兴时期的音乐一样，曲调带有形象性、色彩性的特征，引人注目的是，旋律中有明显的和声属性。
3、巴罗克时期音乐的节奏：有两种节奏——自由节奏和律动鲜明规整的节奏前者用于宣叙调、前奏曲、托卡塔，后者用于咏叹调、赋格等两种节奏在一个乐章中保持适中，这两种节奏还常搭配使用。
4、巴罗克音乐的调是：大小调体系取代教会体系。
5、巴罗克时期的和声：数字低音普遍使用，新的和声观念理论建立，已形成了完整的以主、属、下属为中心的功能和声体系，利用不协和音使调性转换，并使和声的进行富有情感的色彩，十二平均律在十七世纪的发明与和声体系的充分发展有密切关系。
6、巴罗克时期的音乐情绪：在一个乐章内保持一种基本情绪，各乐章间形成对比，乐章常是快慢交替的。
7、通奏低音——巴罗克时期特有的作曲手段，在键盘乐器的乐谱低音声部，表上明确音并表以说明其上方和声的数字，演奏者根据这种提示奏出低音和和声，而该和弦的排列有演奏者自己选择，高音声部和低音声部的分离感，也是数字底音的主要表现。
8、巴罗克时期的织体：复调织体占主要地位，写作技术达到了空前的高峰，与文艺复兴时期的复调不同，它是建立在和声基础上的对位，同时也有许多作品采用主调织体。
9、巴罗克时期的乐队结构：弦乐、管乐演奏音乐的旋律声部，古钢琴奏出通奏低音。
10、巴罗克时期的音乐体裁：声乐：弥撒、经文歌、众赞歌、格局、清唱剧、康塔塔、受难乐以及各种独唱合唱。
器乐：前奏曲、托卡塔、幻想曲、变奏曲、奏鸣曲、组曲、赋格、协奏曲。
1.巴洛克：从大约1600年到1750年这一个半世纪，在西方音乐史上被称为巴洛克时期。
声乐和器乐技巧的不同之处
声乐和器乐技巧的不同之处一、音乐是一种表现艺术音乐作品(这里泛指器乐作品)是通过演奏展现其轮廓的。
当我们对音乐表演作出评价时，常常可以看到这样的字眼：“基本功扎实”、“技巧娴熟”、“表现力丰富”以及“对作品的理解准确、深刻”等等。
首先，让我们研究一下基本功、技巧、表现力以及对作品的理解四个方面的相互关系。
我们是否可以说基本功、技巧是驾驭音符并使之成“形”的手段，对作品的正确理解则是挖掘作品之“神”并使之传神的前提。
换言之，音乐作品是否形神兼备与音乐表现是息息相关的。
音乐表现即演奏者对音乐形象的即兴塑造能力，与演奏者的年龄、气质、情绪、素养等有密切联系。
它千变万化，绝少雷同。
它不仅因人而异而且即使在同一人身上也往往因时、因地而异本文仅从常见的民族器乐的演奏入手，试探音乐表现的一般规律。
二、音乐表现什么?音乐表现情感、表现人们细微而复杂的内在情感。
这一点或许是世所公认的。
诸如爱与恨、喜与悲……，一句话：喜、怒、哀、乐无所不包。
民族器乐的表现能力来源于如下几个因素，即：唱——歌唱性，或称抒情性;说——叙述性;写景——描绘性。
这里，歌唱性，叙述性是对人的描摹，描绘性是对物的描摹，二者相得益彰。
歌唱性即器乐演奏形同歌唱，它是民族器乐表现的常用手法之一。
歌唱性的段落在人们信手拈来的乐谱中几乎垂手可得，随之可见。
我们在二胡曲《阳关三叠》中听到的是饱含着依依惜别之情的情意绵绵的歌唱;笛子曲《牧民新歌》则传送了豪迈的歌颂之情。
“大漠弧烟直，长河落日园”二胡曲《拉骆驼》表现了荒凉而孤寂的歌唱;烩炙人口的《三门峡畅想曲》则以近乎于朗诵的音调叙说了建设者的赞美的心声。
如果说二胡曲《春诗》散发着犹如“春风得意马蹄疾”那样畅快的歌唱;那末二胡曲《秦腔主题随想曲》时而高昂时而低回的歌唱似乎抒发了西北人民委婉的感情……乐手们普遍地钟情于歌唱性的手法并非偶然，其中自然制约的影响也许大有关系，首先，奇妙的人体结构使口耳配合默契：口发出信号，耳接受信号，耳朵对人声的感受永远是最深的。
《西方音乐史》A答案
一、填空1、迪斯康特 6 有量记谱法2、国际化（泛欧洲化）英国音乐勃艮第乐派杜费班书瓦3、托雷利维瓦尔第4、托卡塔赋格众赞变奏曲众赞经文歌众赞幻想曲5、自然音的变化音的四分音的（微分音的）亚里士多德6、歌剧受难乐清唱剧康塔塔7、萨拉班德、库朗特、阿拉曼德8、里拉琴阿夫洛斯管9、清唱剧弥赛亚二、简答题1\巴罗克奏鸣曲(1）含义与来由：奏鸣曲源于意大利文“sonare”，有鸣响之意。
16世纪的奏鸣曲泛指一切乐曲，巴罗克时期的奏鸣曲通常由几件乐器演奏，属于室内乐，音乐家们喜好创作三重奏鸣曲（Trio Sonata）（一般是两个小提琴分别演奏两行谱和两个通奏低音乐器演奏一行谱，共三行谱的合奏）；18世纪上半叶，独奏奏鸣曲（一般以键盘乐器为主，也有以小提琴为主，加上通奏低音乐器）取代了三重奏鸣曲的地位。
（2）17世纪以后奏鸣曲的分类：根据使用场合可分为教堂奏鸣曲（Sonata da chiesa）和室内奏鸣曲（Sonata da camera）两种。
前者比较严肃，由“慢-快-慢-快”四乐章组成，多用于宗教仪式，是古典奏鸣曲的前身；后者具世俗性，带有舞曲风格，常常在宫廷和私人客厅中演奏，为古典组曲的前身。
（3）特征：一般为四至六个乐章，每个乐章的速度和内容都具有对比性，通常由“慢-快-慢-快”结构组成。
2\那波里歌剧(1)朝正歌剧方向发展：那不勒斯是意大利歌剧发展的最后一个城市，始于17世纪末，至18世纪定型为正歌剧（Opera seria），这种歌剧的影响力一直延伸到了19世纪。
它常以虚构的历史或英雄事迹为题材，而且由于对美声的追求，使那些既具有男性的强有力肺活量又带有女性柔美明亮音色的“阉人”歌手盛行起来。
（2）代表人物及作品：那不勒斯乐派代表人物A.斯卡拉蒂（Alemandro Scarlatti，1660～1725）在声乐抒情调的基础上创作自由发展的咏叹调(aria)，给予美声演唱以广阔施展的天地。
交响曲的概念及体裁特征
交响曲的概念及体裁特征交响曲是西方古典音乐中最具代表性和影响力的体裁之一。
它起源于18世纪末，经过长期发展，在19世纪达到了巅峰。
交响曲的概念和体裁特征有以下几个方面：一、概念：交响曲一词源自希腊语symphonia（意为和声），最初用于指代声乐与乐器的融合。
后来，交响曲逐渐演化为指代一种主要由乐器演奏的、多乐章构成的管弦乐作品，通常由交响乐团演奏。
二、体裁特征：1.器乐作品：交响曲是一种纯器乐作品，没有声乐参与，其创作和演奏集中在乐器上。
它的基本构成是通过不同乐器的合奏创造丰富的声音和情感表达。
2.多乐章形式：交响曲通常由多个乐章组成，典型的为四个乐章，即快速-慢速-中速-快速。
每个乐章有不同的速度、情感和结构，形成一个整体的音乐故事。
3.交替的音乐性质：交响曲中各个乐章之间的音乐性质通常是相互对比和互补的。
比如，第一乐章常常是运动、激烈的，与之相对的第二乐章则是柔和、浪漫的。
这种交替的音乐性质使得交响曲在时间和音乐结构上具有丰富的层次感。
4.精确的管弦乐编配：交响曲的管弦乐编配精密而精确，使用的乐器包括木管、铜管、弦乐、定音鼓等。
作曲家通过合理的乐器组合和编配技巧，创造出丰富的音色和效果。
5.复杂的构造技巧：交响曲以其复杂的构造技巧而著名。
作曲家在交响曲中运用了众多的形式和结构，如奏鸣曲形式、变奏曲形式、序曲形式等。
这些构造技巧帮助作曲家创造出具有戏剧性、张力和逻辑性的音乐。
6.广泛的主题表达：交响曲是一种追求高度主题表达的音乐形式。
作曲家通过乐曲的主题和演奏的技巧，表达自己对生活、情感和思想的深入思考。
交响曲的主题通常是旋律丰富、情感真挚并经过发展变化的。
总结：交响曲作为西方古典音乐中最重要的体裁之一，具有纯器乐作品、多乐章形式、交替的音乐性质、精确的管弦乐编配、复杂的构造技巧和广泛的主题表达等特点。
这些特征使交响曲成为了一种高度艺术化和多元化的音乐形式，不仅体现了作曲家的创作才华，也为演奏者和听众带来了丰富的音乐体验。
声乐与器乐作曲技术的异同与融合
声乐与器乐作曲技术的异同与融合音乐作曲是一门艺术，而声乐与器乐作曲则是其中两个重要的分支。
声乐作曲是以人的声音为主要表现手段，而器乐作曲则是以乐器为主要表现手段。
虽然两者在表现形式上有所不同，但它们之间也存在着一些相似之处。
同时，随着音乐的发展，声乐与器乐作曲技术也逐渐融合，创造出了更加丰富多样的音乐作品。
首先，声乐作曲与器乐作曲在表现手段上存在明显的差异。
声乐作曲通过歌唱来表达情感和思想，人的声音可以直接传达出内心的感受。
而器乐作曲则通过乐器的演奏来表达，乐器的音色和演奏技巧对作品的表现力起到至关重要的作用。
声乐作曲更注重歌词的表达和声音的变化，而器乐作曲则更注重音乐的旋律和和声的构建。
其次，声乐作曲与器乐作曲在音乐结构上也有所不同。
声乐作曲通常以歌曲形式为主，包括前奏、副歌、间奏和尾声等部分，通过歌词的重复和变化来展现音乐的结构。
而器乐作曲则更注重主题的发展和变化，通过乐曲的主题、副主题、过渡和回旋等部分来构建音乐的结构。
然而，声乐与器乐作曲技术在某些方面也存在着融合的可能性。
首先，在声乐作曲中可以加入器乐的伴奏，以增加音乐的层次感和丰富度。
例如，流行音乐中常常使用吉他、钢琴等乐器来伴奏歌曲，使歌曲更加生动活泼。
同时，在器乐作曲中也可以加入声乐的演唱，以增加音乐的表现力和感染力。
例如，交响音乐中常常使用合唱团来演唱，使音乐更加庄重肃穆。
其次，声乐与器乐作曲技术在创作方法上也可以相互借鉴。
声乐作曲可以借鉴器乐作曲的和声和曲式结构，以丰富歌曲的音乐性和艺术性。
器乐作曲可以借鉴声乐作曲的歌词表达和情感传递，以使乐曲更具有故事性和感染力。
通过相互借鉴，声乐与器乐作曲技术可以相互促进，创造出更加多样化和丰富的音乐作品。
总之，声乐与器乐作曲技术在表现手段、音乐结构和创作方法上存在着一些差异。
然而，随着音乐的发展，声乐与器乐作曲技术也逐渐融合，创造出了更加丰富多样的音乐作品。
通过声乐与器乐的结合，音乐作品可以更好地表达情感和思想，同时也可以更好地展现音乐的艺术性和创造力。
古典音乐中的器乐演奏和声乐演唱的比较
古典音乐中的器乐演奏和声乐演唱的比较在古典音乐的广袤世界里，器乐演奏和声乐演唱犹如两颗璀璨的明珠，各自散发着独特而迷人的光芒。
它们既是音乐表达的重要方式，又承载着丰富的情感和深刻的内涵。
首先，让我们来谈谈器乐演奏。
器乐演奏是通过乐器来展现音乐的魅力，乐器种类繁多，每一种都有其独特的音色和表现力。
例如，钢琴以其宽广的音域和丰富的和声能力，能够演奏出复杂而华丽的乐章；小提琴则以其优美的旋律线条和细腻的情感表达，常常成为音乐会中的焦点；而管乐器如长笛、单簧管等，能够为音乐增添灵动和活泼的色彩。
器乐演奏的一大特点是对技巧的高度要求。
演奏者需要经过长时间的刻苦练习，掌握乐器的演奏技巧，包括指法、弓法、气息控制等。
例如，钢琴演奏者要具备灵活的手指和准确的节奏感，才能在琴键上自如地弹奏出快速而复杂的音符；小提琴演奏者则需要通过不断调整运弓的力度和速度，来表现出音乐的强弱和情感变化。
这种技巧的磨练不仅需要耐心和毅力，更需要对音乐的深刻理解和感悟。
从表现力方面来看，器乐演奏具有很强的独立性和自主性。
演奏者可以凭借自己对音乐的理解和诠释，自由地发挥，为听众展现出独特的音乐画面。
比如，在贝多芬的《命运交响曲》中，管弦乐队通过强烈的节奏和激昂的旋律，展现出命运的冲击和抗争；而在巴赫的《哥德堡变奏曲》中，钢琴以其精致的和声和细腻的变化，营造出宁静而深邃的氛围。
接下来，我们再聊聊声乐演唱。
声乐演唱是用人声作为“乐器”来传达音乐的情感和故事。
人声作为最自然、最直接的音乐表达方式，具有独特的感染力和亲和力。
与器乐演奏不同，声乐演唱对演唱者的嗓音条件有着较高的要求。
不同的嗓音类型，如女高音、女中音、男高音、男低音等，各自具有独特的音域和音色特点。
演唱者需要根据自己的嗓音特点，选择适合自己的曲目，并通过科学的发声方法和技巧，充分发挥嗓音的优势。
在表现力上，声乐演唱更加注重情感的直接传递。
演唱者通过歌词的表达和声音的变化，能够更加直观地与听众产生情感上的共鸣。
西方音乐史考试题
西方音乐史习题库（第一学期）一、填空题1、古希腊时期的音乐织体是（单声部）；采用（托洛斯体系（调式））调式；用（希腊字母、符号两种方式）记谱。
2、古希腊最早被记录下来的大型史诗称（荷马史诗），当时弹唱史诗的人称（行吟诗人）。
3、罗马教会的礼拜仪式分为（日课）和（弥撒）两大类。
4、西方最早的复调音乐产生在（中）世纪，是以（格里高利圣咏）为固定调，在它的上方或下方加上一个（平行四度）的声部，从而构成的二声部音乐，这种最早的复调音乐叫（奥尔加农）。
5、中世纪兴起的复调音乐形式主要有（奥尔加农）、（迪斯康特）、（孔杜克图斯）、（经文歌)。
6、公元9—11世纪，反映城市生活的世俗音乐兴起，一些骑士们经常饮酒唱歌，歌曲内容多反映战争、爱情，这些人在法国称为（游吟诗人），在德国称为（恋诗歌手）。
7、人们习惯以（新艺术）来通称整个14世纪法国和意大利的音乐，当时意大利兴起的世俗音乐体裁主要有（牧歌）、（巴拉塔）、（狩猎歌）。
8、文艺复兴时期声乐的主要体裁有（牧歌）、（尚松）、（利德）、（比良西科）等。
9、文艺复兴发源于北方的（勃艮第地区），即今日的法国北部，比利时，荷兰等地。
音乐史上称为（勃艮第）乐派。
10、16世纪的宗教改革运动始于（德）国，由（马丁.路德）发起。
11、罗马乐派和威尼斯乐派的代表人物分别是（帕莱斯特里纳）、（托马斯.路易斯.维托利亚）、（加布里埃利叔侄），其中威尼斯乐派成功培育出（宏伟壮观）的音乐风格。
12、16世纪意大利牧歌的代表人物有（马伦齐奥）、（杰苏阿尔多）、（蒙特威尔第）。
1、（数字低音）是巴罗克时期特有的作曲手段，沿用整个巴罗克时期。
2、现存的第一部歌剧是1600年里努契尼写剧本、（佩里）和（卡契尼）作曲的歌剧（《尤丽狄茜》），取材于希腊神话。
3、巴罗克时期的组曲是由不同国家的四种不同风格的舞曲组成的，分别是（德国阿列曼德）、(法国库朗特）、(西班牙萨拉班德）、(英国吉格）。
4、清唱剧是一种大型（声乐）套曲，它同歌剧一样，产生于17世纪初的（意大利）。
小议声乐与器乐的个性差异与融合性
小议声乐与器乐的个性差异与融合性【摘要】在音乐表演和创作中，器乐和声乐是必不可少的两大门类，在进行音乐教育的时候这也是不能缺少的两个重要学科。
器乐和声乐在教学理念以及教学方法方面不但有一些共通之处，还有着非常明显的差异。
怎样更好的保证这两种技能的协调发展，是很多学校在进行音乐教育的时候都面临的重要问题。
本篇文章对二者之间存在的差异进行了探讨和比较，发现了声乐和器乐之间的联系和转化，希望能够更好的帮助学生实现器乐和声乐的协调发展，将其更好的融合在一起。
【关键词】高校音乐教育；器乐；声乐；差异性；融合性现在高校进行音乐教育的时候，很多学生都存在声音或者器乐严重偏科的情况，这对学生将来的全面发展是非常不利的。
声乐和器乐在很多方面都存在比较严重的差异性，学习的时候也很难真正的做到均衡。
所以在进行教学的时候，老师必须努力根据二者的教学规律找到其融合点和共通之处，帮助学生实现声音和器乐的协调均衡发展。
一、声乐和器乐二者存在的差异性在音乐中器乐和声乐是不同的分支，差异性比较明显，主要体现在以下几点：1. 声乐和器乐的发生媒介存在明显的不同。
声乐在进行发音的时候，人体是其声音源，是利用神经系统来对呼吸器官、共鸣器官、吐字器官以及发声器官进行控制，从而完成歌唱，而器乐则是利用乐器本身的物理特性来进行声音的发出，从而进行音乐表演。
声乐发声媒介本身变式内置的、隐性的，并且其不稳定性也非常的强，而器乐的发声媒介则是外置的、显性的，并且其稳定性非常的强。
也正是因为发声媒介存在明显的不同，很多人都普遍的认为声音要比器乐更加的难学，并且掌控起来也更加的困难。
器乐的乐器本身便是一种商品，其声音是非常的稳定的，并且人们可以根据自己的需要进行选择。
但是由于声乐是人体发出的，所以其出现要远远的早于器乐，但是由于生理方面存在一定的限制，这也导致了音域、速度、因素以及力度等方面的变化性都要比器乐差很多，这也限制了其发展性，而器乐的出现，在一定程度上对音乐进行了完善，拓宽了其表现的空间。
分析声乐与器乐的相互关系
分析声乐与器乐的相互关系声乐与器乐演奏同作为表演艺术,具有一定的共通性。
通常,我们把学习发声方法的过程称之为“塑造歌唱的乐器”,通过多种有效的训练手段,建立好的气息、稳定的口咽腔,使人体这件“乐器”能够演奏出漂亮的音色。
同样,在学习乐器的时候,老师在课堂中经常会提醒学生,“如歌唱般地演奏”。
可见,声乐与器乐有着密切的联系。
笔者通过多年的学习和教学发现,在声乐课堂中,将声乐与器乐有机地结合起来,可以把抽象的声乐学习过程变得更加具体而形象,从而引导学生更快地找到正确的歌唱状态。
一、声乐与二胡在歌唱中,呼吸的训练至关重要,这也是教学中的难点。
学生往往在演唱过程中容易出现提气的情况,尤其在初学者身上体现得极为明显,教师经常会提醒学生,“把气放下来、把声音放下来”,但是怎么放下来却着实成了一个难题。
在最初学习声乐的时候我也经常被这个问题困扰,直到有一天声乐课上,我的老师王翼亭教授跟我说了这样一段话:“不管唱高音还是低音,声音一定要…坐在气息上‟,就像拉二胡一样,不管音区如何变化,琴弓始终是紧贴琴筒的,假如把弓子拿起来放到琴弦的上部去演奏,声音就会是干涩、刺耳的了;只有弓子贴紧琴筒演奏,音色才好听,音量才有保证。
”这样一个很简单的比喻,让我茅塞顿开,马上明白了气息安放的重要性。
下课后,我又专门去看了二胡专业的同学练琴,并实践体会了琴弓离开了琴筒,就无法产生好的共鸣,就很难发出响亮悦耳的声音。
在演唱过程中,气息的支点保持在横膈膜周围,这极像二胡的琴筒。
通过这个比喻能让学生更直观、更形象地理解并记住演唱时一定要把气息放好、放平。
二、声乐与小提琴1.力量的使用。
在学习声乐的过程中,大部分学生都会经常听到老师这样的提醒:放松地去歌唱。
于是便出现一种情况,学生为了追求放松的状态,大量运用假声,以致使中低声区唱出来的声音虚而空。
其实在歌唱中放松与紧张是并存的,要辩证地去看待这一问题。
“歌唱家的嘴在咽部”,咽喉部的肌肉在演唱过程中是积极参与的,比如,通过喉内肌可以调整声带,通过喉外肌可以调整共鸣管的使用。
中国近现代音乐史(名词解释,简述题,论述题,填空题)
中国近现代音乐史（名词解释，简述题，论述题，填空题）名词解释沈心工：原名沈庆鸿,字叔逵,笔名心工,上海市人。
我国近代学堂乐歌的主要作者,著名的音乐教育家.早年留学日本。
回国后一直从事音乐教育，是我国学堂乐歌的最早编写者，作品有《学校唱歌集》等。
1947年病逝于上海。
北京大学音乐研究会：中国音乐社团。
前身为北京大学音乐团。
不久改名北京大学音乐会，1919年1月在此基础上成立了北京大学音乐研究会，由校长蔡元培任会长。
创刊《音乐杂志》。
1922年12月，在音乐研究会基础上成立了北京大学附设音乐传习所，该会遂告结束。
它既培养了一定数量的演唱、演奏人才和音乐教师，又活跃了当时的社会音乐生活，起到了开创社会新风和推行社会音乐教育的良好作用。
王光祈：20世纪20年代音乐学家，社会活动家。
我国现代音乐学的奠基人，开东方民族音乐之先河。
他研究音乐是希望达到音乐救国的目的。
他是最早运用比较科学的方法进行音乐理论研究的音乐家。
著有《欧洲音乐进化论》《论中国古典歌剧》等。
左翼音乐运动：是20世纪30年代中国左翼文化运动的一个组成部分，是中国共产党领导的、以左翼音乐工作者为骨干并团结爱国民主音乐力量的无产阶级革命音乐运动。
由于“左翼音乐运动”的兴起和发展，造就了中国近现代音乐史上第一支自觉接受无产阶级政党领导的革命音乐队伍，在革命歌曲创作和群众歌咏运动的发动组织方面，创造了丰硕的成果和成功的经验，对中国新音乐文化的建设具有深远的影响。
学院派：是“国立音专”的代称。
其本义概念应指以我国最高音乐学府为核心的音乐流派。
其基本特征是：一、理论作曲或音乐表演均经由正规、系统、严格的专业训练；二、名教授云集；三、优异成果(音乐创作或理论研究)叠出；四、具有相同或相似的美学理念(如重视音乐的艺术性和强调作品的艺术质量)；五、影响乃至领导音乐时代潮流。
因此，学院派是一个国家音乐文化高度发展的标志。
救亡派：其产生标志着“九一八”事变后，抗日救亡歌咏运动高潮时期的来临。
走进西方音乐-网课答案
走进西方音乐-网课答案如果没找到答案，请关注公众号：搜搜题免费搜题1.单选题下列哪位作曲家属于浪漫主义初期（）（1.0分）没搜到哦~2.单选题交响曲的（）呈奏鸣曲式，由两个对立主题作呈示、展开和再现，示意矛盾的起因、发展和暂时的结果（1.0分）第一乐章3.单选题下列哪首作品是德彪西根据马拉美的诗进行改编的（）（1.0分）牧神午后4. 单选题（）是罗西尼大歌剧的经典作品。
（1.0分）《威廉·退尔》5. 单选题强力集团的成员中，写过管弦乐序曲《李尔王》的是（）。
（1.0分）巴拉基列夫6.单选题（）是西方第一部著名的打击乐曲（1.0分）电离7. 单选题门德尔松指挥了巴赫的（），使这部巨作重放光芒。
（1.0分）马太受难曲8.单选题“古典主义三杰”其中不包括()（1.0分）巴赫9.单选题下列是穆索尔斯基交响诗的是（1.0分）荒山之夜10.单选题下列是哪个作品是普罗科菲耶夫的代表作（）（1.0分）没搜到哦~11.单选题下列是穆索尔斯基交响诗的是（1.0分）荒山之夜12.单选题下列是哪个作品是普罗科菲耶夫的代表作（）（1.0分）没搜到哦~13. 单选题格里高利圣咏一般为（）音乐形式。
（1.0分）14. 单选题（）创用了“神秘和弦”。
（1.0分）斯克里亚宾15.单选题这个世界上最早，同时也最为优秀的小提琴乐派是()（1.0分）博洛尼亚乐派16. 单选题被誉为“奥地利第二国歌”的是（）。
（1.0分）《蓝色多瑙河》17.单选题以下哪部作品不是莫扎特的作品（）（1.0分）《睡美人》18. 单选题文艺复兴时期复调音乐发展的第三阶段是（）乐派。
（1.0分）罗马19.单选题贝多芬的（）将人声作为一个丰满的“乐器组”引人交响曲，扩大了作品的表现力（1.0分）《第九交响曲》20.单选题海顿的清唱剧（）被看作和亨德尔的《弥赛亚》一样伟大，人们评价它为罕见的宗教作品（1.0分）《创世纪》21.单选题“启蒙运动”主张崇拜（）（1.0分）自然理性22.单选题（）舞曲是16世纪下半叶起源于德国的一种二拍子舞曲（1.0分）阿勒曼德23.单选题第一部歌剧在（）诞生于意大利的佛罗伦萨（1.0分）1600年24. 单选题（）所创作的大部分作品都是叙事歌，且创作风格甜美、抒情，不追复杂的技巧。
古典主义时期音乐复习题
古典主义时期音乐复习题古典主义时期音乐复习题复习提示：古典主义时期确立了主调音乐形式，出现了三个重要的乐派和音乐家，这是本章的复习重点，同时也不要忽略它与前后章节的联系。
例如：主调音乐如何产生，它与巴罗克时期的数字低音有何关系；再如，歌剧在古典主义时期是怎样发展的，与它在巴罗克时期与浪漫主义时期的发展有何不同。
读者根据自己复习的习惯，进行提纲挈领的归纳与总结，就能事半功倍地掌握本章的内容了。
一、简述西方音乐古典主义时期的时间划分及文化特质？1、时间范围界定：（1）时间：将1750—1820年这70年的历史阶段称为西方音乐的古典主义时期。
（2）概念的区分：在理解古典音乐的含义上要注意两种概念，一是泛指19世纪之前的传统音乐中为后世公认的优秀典范作品；二是特指1750—1820年古典主义时期曼海姆乐派、柏林乐派和维也纳古典乐派的创作成果。
在西方音乐史上，古典音乐主要指后者。
2、社会文化特质：强调人性解放，崇尚英雄主义，追求人权平等。
它反映了该时期“启蒙运动”和“狂飙突进运动”的思想实质：“自由、平等、博爱”，关注人的本性和情感。
二、简述古典主义时期音乐的整体风格特征？1、音乐从教堂步入宫廷，并逐步走向社会，走向民众。
2、音乐创作不再以巴罗克时期的复调手法为主，采用的是主调音乐形式。
加强了旋律与和声的对应，建立起“主—下属—属—主”的功能和声进行。
3、确立曲式分段式结构原则，旋律不再采用巴罗克时期延绵不断、扩充的音型，而是以短小对称的2、4小节（也有3、5、6小节）为基本单位形成方整型乐句结构。
音乐呈现出优美、简单、均衡的特征。
4、主题动机式发展，以主题间的对比取代巴罗克时期单一主题的模进发展。
5、“通奏低音”被明确的乐器记谱取代，使作曲家对乐器音色的体验更明晰。
6、追求客观的美，描绘自然界中的人挣脱对教堂中的神、宫廷中的君主的依恋，拓宽了音乐的表现范围和表现力。
7、音乐的重心移到新型的器乐体裁——交响曲、协奏曲、奏鸣曲、四重奏上。
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①含各种音诗、音 画、交响童话 、交 响素描、交响传奇和交响幻想 曲等类似体裁 。 ②含古典协奏 套曲和单乐章 的小协奏 曲。 ③ 即狭义 的 “ 乐 队奏呜 （ 套 ）曲”概念。 ①业界专家对这一 问题 的见解稍有差异— —吴祖强先生认为，音乐表现手段可分为 “ 基本表现手段 ”和 “ 整体性表现手 段”两类 ；继而指出音乐的基本表现手段包括 曲调线 ， 调式 、和声、调性 ，节奏，节拍 ， 速度 ，音区 ， 音 强，音色，演奏 （ 唱） 法和 织体等 ｌ ０种不同要素；音乐 的整体性表现手段即作品的曲式结构 。茅原先 生亦对音乐表现手段做出了 “ 基本表现手段 ” 和“ 整体性表现手段 ”的区分； 但 他认为前 者主要包括旋律线 ， 节奏 、 速度 、 节拍 ， 调式 、 调性 、 和声 ， 音 区、 音强 、 音色 ， 演奏法和织体等 ６种要素 ；后者则专指作 品的 曲式结构。参见吴祖强 《 曲式与作品分析》第 １ ～４页和 １ ０ ￣４ ４页，茅原、庄 曜 《 曲式 与作 品分析 （ 上册 ） 》第 ４ ～７ ４页 。
领域。然而 ，笔者在 “ 中国当代 管弦乐创作 ”专题 的学习和研究过程 中，常可遇到对 某一作 品 “ ‘ 器乐化 ’特 征稍显不足 ”
或 “‘ 声乐化 ’特征较为 明显 ”的相关评论 。由此可见 ， 业 界对 管弦乐作 品的 “ 器乐化 ”与 “ 声乐化 ”问题 ， 尤其是对二者 本质属性 的界定与 阐释 ，也许仍有进一步深入与提 高的空间和必要 。而下列问题 ，则是本文在展开论述之前，自当先行界定
的 有 效 论域 ： １ ．关于作品类型：本文的研 究以中外 艺术音乐创作 中的调性作品为限，故属于所谓 “ 现代音乐 ”范畴的无调性作品 ，
则不在本文 的关注之列 。所 以，无调性作品的 “ 器乐化 ”与 “ 声乐化 ”的本质 区别 ，或许另有玄机、故而暂且不论 。 ２ ． 关于器乐创作 ： 本文主要 以管弦乐 （ ｏ ｒ ｃ ｈ ｅ ｓ ｔ ｒ ａ ｌ ｍ ｕ ｓ ｉ ｃ ） 创作领 域的各种相关作 品为研究对 象， 因而包括小品 （ ｂ ａ ｇ ａ ｔ ｅ ｌ ｌ ｅ ） 、 组曲 （ ｓ ｕ ｉ ｔ ｅ ） 、序 曲 （ ｏ ｖ ｅ ｒ ｔ ｕ ｒ ｅ ） 、交响诗 （ ｓ ｙ ｍ ｐ ｈ ｏ ｎ ｉ ｃ ｐ ｏ ｅ ｍ） 、协奏 曲 （ ｃ ｏ ｎ ｃ ｅ ａ ｏ ） 和交响 曲 （ ｓ ｙ ｍｐ ｈ ｏ ｎ ｙ ） 引 等体裁种类。 但显而 易见 的是 ，器乐创作中的室 内性作品 （ 如钢琴 、小提琴等独奏 曲，以及以弦乐四重奏 为代表 的各种重奏 曲等 ） ，也在 不 同程度上体现着与管弦乐创作如出一辙 的音乐思维原则和器乐创作规律 。 ３ ．关 于声 乐创 作 ：本 文 论 及 艺术 音 乐 创 作 中的 声 乐 作 品 时 ， 并 未 囿于 一般 的独 唱 歌 曲 ，艺 术 歌 曲 （ ａ ｒ ｔ ｓ ｏ ｎ ｇ ） 、 重 唱 曲 （ ｅ ｎ ｓ ｅ ｍｂ ｌ ｅ ） 、合唱 曲 （ ｃ ｈ ｏ ｒ ｕ ｓ ）等独立 的声乐作品， 以及声乐套曲 （ ｓ ｏ ｎ ｇ ｃ ｙ ｃ ｌ ｅ ） 、康塔塔 （ ｃ ａ ｎ ｔ ａ ｔ ａ ） 、清 唱剧 （ ｏ ｒ ａ ｔ ｏ ｒ ｉ ｏ ）和 歌剧 （ ｏ ｐ ｅ ｒ ａ ）等大型作品，亦在 笔者关注之列 。所 以本文对 声乐创作 的阐释和论证 ，不仅要关注到声乐部分 的曲调 （ 旋律 ） 、 节奏等线性因素，其器乐伴奏 部分 的纵 向因素 ，亦为必须认真考 究的重要 内容 。 ４ ．艺术音 乐创 作中的主要音乐表现手段：艺术音乐创作的实质，就是对旋律，节奏、节拍与速度，调式、调性与和 声， 音区、音强与音 色，演奏法和织体等表现手段要素 ，进行精心构思、巧妙设计、合 理选择和协调安排 ；而和声、复调 、配 器和结构布局 （ 曲式 ）等技术要素 ，在器乐 （ 尤其 是乐 队作 品的）创作 中显然发挥 着比在声乐创作 中重要得多的关键性作 用 。所 以笔者将在下文 中，对声 、器乐创作中的主要音乐表现手段 （ 含旋律、节奏和节拍、调式和调性、织体，以及和声 、 复调、配器和 曲式等要素 ） ，进行 逐一考查与辨析 。
优美 的歌唱性 曲调 ；其进行 （ 即横 向的旋律音程 ）也具有一定的局限性—— 如音程跨度不宜过大：增 、减音程等所谓 “ 生硬
进 行 ” 的运 用 ，也 不 宜 过 多 、 过 难 等 等 。
旋律也是器乐创作中乐思的重要载体之一 。但较声乐创作而言，器乐创作的旋律显然具有更加丰富多彩 的特性与种类； 前文述及的声乐创作中旋律进行上的诸 多局 限，也大大减少—— 由于借诸乐器的缘故，器乐创作 中的旋律进行 ，几乎 已然达
张少飞
《 声、器乐创作 的本质区别与管弦乐作品的 “ 器乐化”和 “ 声乐化 ”》
声、器乐创作 的本质 区别 与管弦 乐作品的 “ 器乐化 ”和 “ 声乐化 ＂ 张 少飞 Nhomakorabea摘
要： 管弦 乐创作 中的 “ 器乐化 ”与 “ 声 乐化”问题 ，虽是 业界使用频率较 高的一对 专业术语 ，但 业界对二者本质属 性 的界定与 阐释 ， 却 同样鲜见。文章通 过研 究、 论证 ， 指 出声、器乐创作 的本质 区别，当 是 “ 音 乐陈述方式”的主要构成不 同； 并采用 “ 穷举法” 、“ 排 除法”的思维方式和思辨 、例证 的论证方 法，对上述观点加 以检验。希望这些认 识与理解 ，能够对从
二 、上述主要音乐表现手段在声、器乐创作中的辨析：
１ ．旋 律 ：
不 管对 声乐还是器乐创作而言 ，旋律都是最易被欣赏者感知的音乐表现手段 。这一基本要 素是如此重要 ，以至常被称作 “ 音乐 的灵魂 ” 。旋律对 于声乐创 作而 言，显然可谓乐思 的首要载体。但囿于人 声的限制 ，声乐作品的旋律多表现为流畅、
所以其纵横交错的多维立体结构既相互独立地各司其职又相互协调地有机整合的局部要件含旋律长音和声对位和自由声部等以及其极为丰富多变的诸多写作种类即所谓主调式复调式和混合式等织体类型等等均使织体不仅成为了最具综合性的音乐表现手段而且具有了形象生动具体可感的内容表现意义甚至可以表现出鲜明浓郁的民族时代地域特征和作曲家的个人创作特点
业者 的创作和研究 ，发挥 一点点积极作 用。
关键词： 声 、器 乐创作
本质 区别 音 乐陈述方式
一
管弦 乐作 品 器乐化
声 乐化
、
问题 的提 出与论域 的界定 ：
艺 术 音 乐 王 国 中 的 声 乐和 器 乐 创 作 ，既 是 艺 术音 乐 创 作 缺 一 不 可 的两 个 重 要 构 成 ，又 是 各 具特 征 、差 异 明 显 的两 个 不 同