浅谈学习萨克斯管的教学设计

浅谈学习萨克斯管的教学设计
发布时间：2021-10-27T01:42:09.745Z 来源：《教学与研究》2021年22期作者：曾尧锋
[导读] 萨克斯是由比利时人阿道夫·萨克斯（Antoine-Joseph Sax,1814-1894）于1840年发明的。

1846年在法国获得乐器专利。

曾尧锋
中山市小榄花城中学
摘要：萨克斯是由比利时人阿道夫·萨克斯（Antoine-Joseph Sax,1814-1894）于1840年发明的。

1846年在法国获得乐器专利。

在我国三四十年代的上海厅中曾经出现过萨克斯，但是在后来，萨克斯被视为不受欢迎的乐器之一，曾一度消失。

在七十年代改革开放以后，学习萨克斯的人又有所增多，而且在各类传媒及演出中，萨克斯以其优美的音色也被越来越多的国人所喜爱，加之国外著名的萨克斯演奏家及著名的爵士乐团来我国交流访问，学习萨克斯的人越来越多，甚至在我国的北京、上海、西安等地近10年间中国萨克斯爱好者正在急剧增加，与此同时，国内缺乏完整，完善的萨克斯教材，因此，本人通过多年萨克斯教学经验，写出这篇关于学习萨克斯管的教学设计。

关键词：萨克斯管；练习计划；演奏；节拍器；
一、学会制定《日常练习计划》
当你走进练习室前，你必须要提前把练习内容计划好，“我要完成什么练习（高音练习，颤音练习，呼吸练习等），要达到什么效果？”。

想要练习成功，你必须有一个具体的目标。

有太多学习萨克斯管的同学只是习惯性地练习，而没有设定每日、每周或每月的目标。

这样的练习方法只会浪费时间，进步空间非常有限。

关于练习目标：可以是在30分钟时间里练习音阶。

当演奏者在练习中完成嘴部和手指的热身，确立了良好的音色音准，然后再提高音阶模式的目标就可以开始了。

演奏者应该把节拍器调到一个适中的节奏，先对一个小单位的音阶进行大量的重复练习。

当掌握了这个短小的音阶，节拍器的速度可以开始加快，和扩展更多的音符。

这种逐渐加快节奏并结合分段和重复的方法应该一直持续到能清晰、均匀地演奏完整的音阶。

单单建立每日训练目标是不够的。

为了从练习中取得最大的收获，必须记录从一个阶段到下一个阶段的进展。

我建议演奏者明确哪些练习内容是需要注意的，并准确地记录每天的改变。

使用练习“日记”可以帮助演奏者更好地完成计划任务，使进步更明显。

关于练习计划：练习那些你所未能掌握的。

始终使用节拍器。

不要只把时间浪费在表演音乐上。

合理地安排和管理你的时间。

只有你能连续完美地演奏三遍，你才算掌握了一个乐段。

(其中包括的是音符、节奏、演奏法、力度和音乐表现)。

之后你才能加快速度。

不要一次只把速度调高一个节拍器的数值。

有时你可以跳转大一点点的数值来加快进程。

保持身体放松，以达到最佳状态。

这个计划主要是针对练习有难度的段落。

练习时间里还必须包括基础知识（如音色、颤音、音阶和琶音）、技巧性练习曲、乐曲和表演练习（无停顿的表演艺术）。

二、学会检验自己演奏的不良习惯
大多数学习萨克斯的同学在练习室里都是非常认真刻苦地为课堂或者表演而练习。

然而一些在演奏中的坏习惯往往会让我们的表演或课堂表现强差人意，阻碍了我们达到更高的水平。

所以我们需要学会检验自己演奏时的不良习惯。

身体节拍器。

这是指身体为了跟上节拍而做出不必要的晃动。

虽然轻轻地拍拍脚趾是保持节拍稳定的好方法，但许多其他夸张的身体动作则弊大于利。

最常见的两个例子：一是手臂的动作，上下拍打或者是摇晃；二是整个上半身跟着节拍晃动。

大肌肉运动会花费太多的时间，看起来很不美观，而且会减慢手指的小肌肉运动。

消除这些不必要的晃动常常还能改善很多演奏技巧的问题。

用镜子来观察你自己，可以帮助你摆脱这些笨拙的动作。

频繁地呼吸。

在大多数高阶乐曲中，休止并不意味着“换气”，它只是作为一种乐曲创作的沉默。

不要在每个休止的地方呼吸。

那些经常频繁换气的演奏者通常会出现换气问题，难以传达出乐曲的乐句感，而且在短暂的呼吸后会难以正确开始下一乐句的音头。

规划好呼吸点和演奏正确的音符和节奏是一样重要的。

随意和无计划地呼吸常常会导致错误。

在最后一刻才做准备。

在开始演奏第一个音符前做好准备是非常重要的。

第一个音符的指法、深呼吸、调整口型肌肉、将舌头放在哨片上、准备好一口空气，然后最重要的是，在思想上为开始演奏而做好准备。

许多演奏者都只是深吸一口气，张大嘴巴，然后就开始演奏，这样往往会出现非常糟糕的后果。

只要提前的做好演奏准备，才能让我们的练习事半功倍，并能做到更好的发音。

随意和不必要的身体动作。

优秀的音乐家常常随着音乐而律动，他们的身体动作是音乐声音的视觉表现。

例如，一个激动的乐段可能会有大幅度的，而一个平静的乐段可能是静止站立地演奏。

然而，许多同学会模范音乐家的身体律动，以一种混乱和不合逻辑的方式晃动，与所听到的音乐毫无关系。

这样的动作会使观众感到迷惑，并且会给表演者带来技术问题。

通过镜子或摄像机来观自己的动作，以确保它们在传达音乐时是恰到好处的身体律动。

在开始演奏之前，也要注意你有什么古怪的习惯，这可能会是包括经常调整领口、偶尔的摇头或者其他一些你在开始演奏前经常做的不良习惯动作。

额外的杂音。

表演者必须小心地消除他们在表演中所发出额外的杂音。

这些杂音包括大声的呼吸声，演奏安静的乐段时由于笛头里的唾液而发出的嘈杂声，响亮的按键声，吐音前可听到的啪啪声音。

所有这些不相干的声音都能被观众听到，并成为演奏的一部分。

没有往前看谱。

通过刻苦地练习，我们演奏的乐谱大部分音乐实际上已经被记住了。

在你演奏的同时，应该让耳朵引导手指演奏已经熟悉的部分，并让眼睛保持往前面的乐谱看。

过多的手指动作。

手指动作过多的萨克斯吹奏者，往往会非常紧张和很难地把乐曲演奏到预期的速度。

保持手指触摸按键在抬指的时候不要离按键太远，这对于能做到快速且轻松的技术上控制是非常必要的。

每天面对镜子练习对于改进这一重要技术要领至关重要。

耸起的双肩。

由于演奏萨克斯时左手比右手高，所以许多萨克斯管吹奏者的左肩会严重抬高。

有些人甚至会通过上下摆动肩膀来表达演奏情绪。

当然，所有这些动作只会导致额外的紧张感、肌肉疼痛，甚至会导致严重的颈部、手臂和手疼痛。

肩膀看起来很自然的演奏者往往是最放松的，这样也最能轻松自如地演奏音乐。

奇怪的脸部表情。

有些乐手会根据音乐而调整自己的面部表情，就像歌手一样。

然而，大多数萨克斯管吹奏者在演奏时会尽量保持放
松，无表情的，避免任何奇怪的面部表情。

这些奇怪的面部表情可以包括睁大眼睛、鼓鼓的脸颊、扬起或移动的眉毛、皱眉或怒容或者不断地皱起的眉毛。

你可以通过看镜子来决定自己想要的样子，并在练习时经常检查自己。

三、学会与节拍器交朋友
为什么要用节拍器？在学生们认同使用节拍器的需求前，他们要先了解为什么用节拍器练习是很重要的。

节拍器能帮助我们保持节奏的均匀和准确。

另一个原因就是节拍器能帮助保持拍子的一致性，把节拍卡在音乐中准确的位置上。

节拍器还能帮助学生发现并解决问题。

当节拍器的拍点和演奏者的节拍不一致的时候，节拍器便快速地提醒了演奏者的节拍问题所在。

这就是节拍器的最大用处，当学生们不再有节拍问题的时候，才能开始真正的学习。

所以，像镜子、调音器、指导老师一样，节拍器只是另外一件可以让学生们成为自己的老师的工具。

当然了，最主要的目的是最终能让自己脱离节拍器。

让这种不断的滴答声最终内化在演奏者的体内，从而创造出一个有规律、准确的“内心节拍器”。

和节拍器交朋友。

一个要被认为是朋友的人，他或她肯定是你花很多时间待在一起的人。

对于节拍器来说也是一样的道理。

如果你只是偶尔使用它，那么当然你会可能对它感到不适应。

我们需要时间来适应这种不停的滴答声，并把它看作是一种帮助，而不是一种麻烦。

考虑一下以下步骤，使自己与节拍器更加友好。

在每次练习中都使用节拍器。

频繁地使用会产生熟悉感。

起初这可能是一种折磨，但一开始就要强迫自己要一直使用它。

在日常的热身练习中使用节拍器是一个完美的开始，因为热身的练习通常是最需要准确的节奏。

聆听节拍器。

有很多学生打开了节拍器却完全忽略它，没有被听到的节拍器是没有价值的。

所以，我们打开节拍器准备开始演奏前，我们不妨聆听节拍器，先把需要演奏的练习曲跟着节拍器的节奏开始哼唱，让自己完全能掌握节拍器给出的节拍速度之后，再进行演奏。

不要用脚打拍。

脚打拍可以是一个非常有用的保持节拍的方法，但它经常很容易与节拍器冲突。

跟着节拍器，而不是你的脚，来保持在练习中的节拍。

最终，这种持续的节拍声会被内在化，让你用脚打拍的时候能变得更加均匀和连贯。

信任节拍器。

现代的节拍器的节奏是非常准确的。

每当你跟着节拍器练习而突然发现自己跟它没有卡在一起时，那便意味着你出错了。

这时你就要重来然后找到原因。

节拍器可以指出在技巧性段落中你可能会抢拍或拖拍的地方。

然而，最重要的是，节拍器可以帮助演奏者建立节奏感和节拍均匀感，这在创造音乐中是非常重要的。

四、学会提前为每一首新曲目预习乐谱
每个演奏家的大部分时间都花在对乐谱的准备上。

他们必须要通过视谱甚至会通过录音来学习乐谱。

先确定关键难点的乐句，确定作品的关键中心和主要解决的乐段，确定如何塑造音乐的方案。

没有这些基础的准备，演奏者就不能有效地表达作曲家的作品。

萨克斯管演奏者，尤其是学生常常不能以类似的方式来对乐谱进行预习。

大部分的乐手都只是把自己关在琴房并不停地吹奏。

这仅仅是对学习乐谱中的技术方面（音符、节奏、演奏法）有用，但并没有满足到更多关于音乐的方面。

通过在预习乐谱的过程中加入一些重要的步骤，萨克斯管演奏者可以获得更有价值和艺术性的演奏方法。

以我本人自己为例，在为一节课堂或一次排练准备一首作品时，我必须要解决预习乐谱时需要被涉及的基本问题：1.作品的创作历史/传记资料。

关于作曲家、题献、首演日期、对作曲家风格的影响这几个内容都是作品传记资料中需要被研究的。

这里其中的一些信息也许可以在出版的乐谱上找到。

如果旧的出版物没有列出太多的信息，那么较新的出版物通常会包括诸如创作日期、出版的日期、题献、作曲家的个人资料和作曲家的生卒年之类的内容。

这些内容给作品增加了有价值的信息，并帮助演奏者从历史的角度来认识作品。

2.作品上所标注的专业音乐术语。

一个萨克斯管演奏者如果没有查过作品中每个不熟悉的术语，就不应该参加课程或排练。

作曲家在他们的音乐中使用术语来帮助音乐家理解乐段中的风格、情绪或节奏。

忽略这些术语将不利于演奏，因为音乐家忽视了作曲家的所期望的东西。

在练习一首曲子之前，演奏者应该查阅每一个不熟悉的术语，并用铅笔将英文或中文的意思轻轻地写在上面。

有些术语本质上不是音乐术语，而是描述性的。

购买一套平装语言词典，音乐家就能用多种不同的语言，并翻译最基本的词汇。

3.作品的音乐风格。

作曲家经常通过使用音乐术语、作品或乐章的名称、演奏法记号和速度记号来表现某一特定作品的风格。

如作品《挽歌》的乐曲以庄重的（Grave）速度标记表明了其特定的风格。

《挽歌》是为纪念去世的人而写的乐曲，而庄重的速度是比较慢的速度。

当这样的音乐术语使用的时候演奏者便能知道乐曲的风格是缓慢的、令人惋惜的。

相反地，当速度标记为快速的（Allegro）；演奏法标记为吐音（staccato）和重音（accent）；再加上乐句的描述为充满活力的（With Energy），这便表明了是完全不一样的风格。

风格也应适用于所演奏音乐的时期。

伊贝尔的室内小协奏曲的轻盈流畅性，不应该以伊戈尔夫·达尔协奏曲的力量感和活力来表现。

与克莱斯顿奏鸣曲（ Creston’s?Sonata）相比，巴赫长笛的改编作品则需要更有限的力度变化和更小的调性焦点。

识别音乐风格和做出明智的风格决定的能力是预习乐谱中的关键步骤。

4.作品的形式结构。

许多同学不具备评价一首乐曲形式结构的知识。

识别回旋曲与奏鸣曲快板的对比，并分析其调性也许不是每个学生都能做到的。

老师可能需要把这个步骤尽可能地传授学生能理解的信息。

高水平的学生和专业人士应该把对这些信息的判断作为他们预习乐谱的其中一步。

下面的几个问题和提示能帮助他们识别乐曲的形式结构：（1）乐曲或乐章的标题告诉结构是什么形式的结构？（2）哪里是主要乐段？这些乐段都有着一样的素材吗？前面的乐段在后面有重复吗？哪里有双小节线吗？哪里有速度的变化？（3）调性是什么？在哪里？哪里有调号吗？如果有的话，可以确定为是什么大调或者小调呢？每个乐段的起始音和结束音是什么呢？这些音是属于调号中的什么和弦种类呢？你能演奏或唱出这个乐段的主音吗？有转调吗？如果有的话，在哪里呢？
5.作品的乐句结构以及换气点。

这是乐谱预习中最简单也是最容易被忽视的步骤之一。

通常学生自己也能找到乐句的起始和终止。

懂得了这点，萨克斯管演奏者便能更周到地标记呼吸的地方了。

另外更重要的是要意识到呼吸点和乐句的划分并不一定总是在同一个地方。

简单的乐曲通常在乐句结束的地方有休止，所以这时便是乐手可以呼吸的时候了。

高难度的乐曲则不一定这么明显，许多在作品中出现的休止符只是为了表达安静，而并非指乐句的结束。

很多学生犯的一个常见错误就是在每个休止符的地方呼吸。

这样会让所演奏的音乐听起来很不稳定和导致音头的发音有误，还会给乐句中带来多余的声音。

通过在乐曲准备的早期识别乐句，演奏者就可以标记呼吸点来帮助最有效的传达音乐信息。

6.作品的音乐表现。

当上述事项被完成，然后萨克斯管演奏者必须决定需要的音乐表情以有效地塑造音乐。

尽管作曲家通常对基本的强弱层次标记得很清楚，但他们常常把更细微的力度变化留给演奏者自行决定。

对于这些变化，它们并没有真正改变一个部分的整体强弱状态，而是增加了音乐线条的起伏。

没有仔细和周到的乐谱预习，演奏者则不能充分地发现乐曲的复杂性。

通过在学习过程中提前为每一首新曲子预习乐谱，萨克斯管演奏者可以达到更高水平的音乐素养和艺术性。

五、关于演奏上成熟的四个步骤
年轻萨克斯管演奏者的演奏，他们都有着美妙的音色、清晰和平稳的技巧，还有良好的节奏感。

然而，即使这样子，我们仍能知道他们是年轻的演奏者。

那么，与更年长、更成熟的音乐家相比，年轻学生们的表演到底缺少了那些元素呢？
1.颤音。

颤音是走向音乐上成熟所必需的最重要的元素。

没有什么比一种持续的直来直去的音调更能代表年轻演奏者的演奏了。

虽然并不是在任何情况下都是可使用颤音的，但它的缺失却能明显地表现出一个演奏者的不成熟。

萨克斯管演奏者必须每天通过练习颤音来掌握对肌肉的控制。

我赞成一开始先按照设定速度去练习的方法，比如以72的速度在每个四分音符上完成四个颤音。

最终将颤音练成是自然的，不需要数拍子的。

通过使用设定速度和均匀的颤音来演奏音阶和简单的旋律，学生们可以锻炼肌肉，使其发出优美的颤音。

许多年轻的萨克斯管吹奏者并没有意识到这些微妙之处，但只要向他们提出这些方法，他们便很快能掌握。

掌握颤音是增加音乐成熟度最快的方法。

2.呼吸。

恰当地控制气流是产生良好音色的必要条件。

虽然许多学生对吸气和呼气的过程有充分的理解，但他们在音乐表达中没有使用有逻辑的呼吸计划。

清楚地知道在哪里和什么时候呼吸是很重要的。

许多学生都只是等到需要呼吸时才呼吸，这可能会造成令人尴尬的空隙，并给音乐增加多余的休止。

如果句中标点符号的位置正确，这个句子的意思就会更合理。

对于乐句线条的概念也是一样的道理。

乐句必须“加标点”或准确地塑造，呼吸则在塑造正确的乐句线条中起着关键的作用。

要建立正确的乐句的第一步是在合理的地方呼吸。

学生们必须分析他们的乐谱，找到每个乐句的定位并标记出呼吸的地方。

同样重要的是要呼吸充分，这样演奏者才可以避免在句中便耗尽气息。

在决定呼吸点的时候除了要考虑音乐性还要考虑自身的身体需求。

有逻辑性和计划性的呼吸能快速地让乐句线条表达得更成熟。

3.音符结束时的释放。

一旦演奏者定下了呼吸点，他们便要决定最后一个音符将如何塑造。

大多数年轻的萨克斯管演奏者只是把音符的末尾卡断掉，在音乐线条上留下突然的安静。

而成熟的演奏者总会根据音乐风格来塑造这个音符。

典型的音符释放听起来就如带有渐弱记号一样。

这个音符将逐渐减弱，直到最后一点声音。

如果完成得好的话，声音是没有断开的；只是像消失了一般。

虽然这种类型的释放音符不适用于一些进行曲或爵士乐，但它是在大多数古典音乐中使用的释放风格。

这种释放的方式是简单的，但是学生必须要记得去使用它。

在一个乐句的结尾或呼吸之前添加这种有准备的和优美的逐渐消失是成熟演奏方式的重要组成部分。

4.风格。

走向音乐成熟的最后一步是恰当的风格诠释。

例如，保罗·克雷斯顿奏鸣曲（Paul Creston's?Sonata）的第一乐章就是一个积极的、充满活力的作品。

它需要使用明显的演奏力度对比、重音和充满激情的感觉。

相反地，尤金·波扎的咏叹调（Eugene Bozza's?Aria）是一首柔和而安静的作品，这需要采用类似演奏巴赫的风格。

虽然这两首作品使用了类似的演奏力度范围，但是在波扎的作品中强的力度的演奏要比克莱斯顿的弱。

克雷斯顿的作品比较直率，有时候甚至是粗犷的，而波扎的必须始终保持优美和优雅的气息。

年轻的萨克斯管演奏者必须通过学习各种练习曲、独奏和合奏来学习各种音乐风格。

教师可能需要提供一些历史背景，以帮助学生理解风格上的差异，并在可能的情况下演示它们。

随着学生的进步，他们将获得更多分析音乐风格的经验，并能够独立地应用它们。

缺乏表达风格差异的演奏是大多数年轻的萨克斯管演奏者常见的音乐性错误。

参考文献：
【1】《萨克斯管吹奏实用指南》（A Practical Approaches to Playing Saxophone）
【2】《萨克斯管热身练习》（Saxophone Warm-Ups)
【3】《Medici 中音萨克斯管名作第二卷》（Medici Masterworks for Alto Saxophone ?V oI.II ) 【4】《Medici次中音萨克斯管名作第二卷》（Medici Masterworks for Tenor Saxophone ?V oI.II ）。