泉(油画)
世界十大名画之一泉的创作(画了26年的一幅人体油画)
世界十大名画之一泉的创作（画了26年的一幅人体油画）1856年，76岁的安格尔完成了人体油画《泉》的最后一笔，这幅作品他已经画了26年了。
作为新古典主义油画开创者大卫最得意的弟子和新古典主义代表画家，作为曾经的拿破仑国王的御用画师，作为当时法国学院派的首席权威，安格尔已经誉满法国乃至欧洲。
但如何塑造出一位清澈纯净唯美典雅青春女性形象，一直是安格尔苦思冥想孜孜以求矢志不渝的创作目标和方向。
《泉》以无可挑剔的审美和技法将画中的每一个细节都处理得恰如其分恰到好处，塑造出一种纤尘不染的纯洁的美，一种恬淡超脱的质朴的美，一种清水出芙蓉的自然的美，一种脱离了低级趣味的典雅的美，一种于静穆中彰显凝重庄严的美。
安格尔（JeanAugusteDominiqueIngres），1780年出生于法国西南部的小城蒙特班，有6位弟妹，生长在一个艺术家庭。
他为了追求画面上的美感而舍弃传统解剖学的精准度。
虽然在初期他总是看着模特儿作画，但他不断的重画素描，将模特儿的形体修改成几何形状，然后以曲线来描绘轮廓，然而却不符合正常人体解剖结构。
安格尔的画风线条工整，轮廓确切，色彩明晰，构图严谨，擅长在平光下表现人体的微妙色调和形体的变化。
更难得的是，在技巧之外，他还能深入洞悉人物的内心，将人物性格、心理状态、情感如实的掌握，使观画者仿佛对画中人也有真切的认识和深刻理解。
安格尔的《泉》获得巨大成功，被誉为西方人体油画艺术的巅峰之作，成为许多国家美术教学的样板范例。
安格尔一生致力于追求古典形式的完美，或许因为长期居住意大利，倾心于古典形式，革命的骚乱和浪漫主义的激情没有对他造成什么冲击。
他恬静优雅，纯净而精致的风格，在艺术史上成为坚持古典理想美的又一个重要典范。
油画欣赏
油画欣赏1.《大宫女》 1814年完成，布面油画 91*162cm现藏巴黎卢浮宫博物馆。
这一幅《大宫女》(这时法国的贵族上层对具有强烈的东方情调的土耳其内宫生活极感兴趣，一些画家为满足贵族这种视觉需要刻意去描绘土耳其闺房的淫艳生活。
安格尔先后画过好几幅土耳其宫女的形象。
《大宫女》这一画题是为区别他的另一幅油画《宫女》)就是这时期他描绘裸女题材的代表作之一。
这幅画在巴黎展出时，引起了观众更大的抨击。
人们说，作为达维特的学生，安格尔走得太远了。
他们讽刺说:“安格尔先生画活人，就象几何学家画固体一样。
为使其预算好的线条赋予素描以立体感，他什么事都做了～他把人体的各个局部忽而放大，忽而缩小，就象普洛克鲁斯特床上的俘虏(Procrustes; 传说中的古希腊强盗，缚其俘虏于铁床上，如身长过榻则断其足，如不及则强伸之使与榻等)一样随意伸缩。
有时他感到沮丧，便不再去加强这种可诅咒的立体感，开始使轮廓完善。
这就叫舍本求末，用刀鞘代替宝剑来决斗。
” 评论家德?凯拉特里说得较为中肯些，他曾对安格尔的学生说:“他的这位宫女的背部至少多了三节脊椎骨。
”然而安格尔的学生、曾为其老师作传记的阿莫里?杜瓦尔说得就更中肯:“他可能是对的，可是这又怎么样呢,也许正因为这段秀长的腰部才使她如此柔和，能一下子慑服住观众。
假如她的身体比例绝对地准确，那就很可能不这样诱人了。
” 这幅《大宫女》就严格的古典风格去要求，确实存在很多“越轨”之处，首先，色彩的“音域”受到严重破坏，背景上很强的蓝色和裸体肌肤的黄色，以及人体的明暗和粉红色调极不谐调，其次是前面所说的夸张了的形体，这个女裸体几乎成了变形美的一种试验，它完全背叛了老师的庭训。
安格尔的学生杜瓦尔为此曾竭力为他作辩解，他说:“我并不想说，安格尔先生是个浪漫主义者。
但我也要肯定，他从来不是当时所理解的那种意义的…古典主义者?。
”安格尔似乎在这幅画上显示了自己在自然面前的独立性，但由于安格尔的美学信念的坚定性，这里的表现反而给人们造成对他的见解的模棱两可性，攻击与批评是在所难免的。
【艺术赏析】安格尔《泉》
【艺术赏析】安格尔《泉》画作是由法国著名艺术家让·奥古斯特·多⽶尼克·安格尔于1814年所作，其创作风格深刻的体现了当时⽂艺复兴时期的时代背景。
其主要内容是绘画⼀个平凡⼥⼈的裸背，没有太过细致的刻画，通过平凡表现当时的时代背景。
【画作名称】《泉》【创作者】让·奥古斯特·多⽶尼克·安格尔（法国）【创作年代】作于1856年【类别】画布油画【风格】新古典主义【题材】⼈体【规格】163*80cm【材质】布油彩【存藏处】巴黎卢浮宫藏赏析/《泉》《泉》安格尔⼀⽣追求和表现理想美，⼗分迷恋于描绘⼥性⼈体，在他的笔下，每个⼈体都画得圆润细腻，健康柔美。
他严谨的素描功⼒充分发挥了线条的表现作⽤，把⼈物的形体动态刻画得极其准确、简洁⽽概括。
安格尔反复探索完美的艺术形式，视拉斐尔为典范，以温⽂典雅为理想，迷醉于希腊雕刻。
在他的美学主张中强调以永恒美和⾃然为基础，他⼼⽬中的⾃然是理性的、理想的、⾮现实的、⽆内容的纯形式美。
他创造的理想美典范就是在中国流传最⼴的《泉》。
《泉》中少⼥的造型在整体上是遵循古希腊雕刻的原则，但更为细腻微妙。
左边以⾼举⼿臂的转折处为顶点，⾝躯的轮廓是⼀根略有变化的倾斜线，它宛若⼀缕缓缓飘落的轻纱；右边则复杂多了，不仅⽔罐与抬起的⼿臂组成圆和三⾓的⼏何结构，胸部和腹部的转折起落也形成波浪式的曲线，这正好与左边的单纯与宁静形成对⽐。
画家严格遵守⽐例、对称的原则，我们仔细观察就可以看到，少⼥的体形姿态遵循古希腊普拉特西克列斯发现创造的S形曲线美。
《泉》是安格尔⼀⽣追求的美神，也是他⼀贯倡导的“要拜倒在美前去研究美”的典范。
西⽅⼀位评论家说：“这位少⼥是画家衰⽼的产⼉，她的美姿却超过了所有⼥⼦，她集中了她们各⾃的美于⼀⾝，形象富有⽣⽓和更理想化了。
”的确像画中如此完美的⼥⼦在现实⽣活中是没有的。
在这幅《泉》中，安格尔把他⼼中长期积淀的古典美与写实的现实美完美地结合了起来。
《泉》何以成为艺术杰作？
《泉》何以成为艺术杰作？英国艺术大奖特纳奖曾发起一个关于“二十世纪最具影响力的艺术品”的调查，法国艺术家马塞尔·杜尚的《泉》力压毕加索的《亚维农少女》，排名第一。
诚如有艺术批评家所言：“在现代艺术史上，杜尚的《泉》已经成了最著名的作品。
”然而，从形式上来讲，《泉》其实就是一个货真价实的男用小便池。
1917 年春，美国独立艺术家协会举办艺术展，杜尚从商店里买了个现成的小便池，题名“泉”（Fountain），签上假名“R·马特”（R·Mutt），什么都没加工就送去参展。
一件影响深远的艺术杰作就这样诞生了。
那么，一个小便池如何就成了艺术杰作呢？马塞尔·杜尚《泉》艺术家的选择男用小便池变成艺术杰作，当代艺术史上仅此一件。
显然，并非所有的小便池都能成为艺术品，它首先要被艺术家选中。
就《泉》而言，“杜尚的选择”是前提。
起初，匿名送展的《泉》遭拒，展览委员会给出的理由是，“《泉》是下流的”。
为了让《泉》得到认可，杜尚做了很大的努力，包括联合他的赞助人瓦尔特·阿伦斯伯格与展览委员会发起激烈的论战。
论战失败后，杜尚又把《泉》送到好友阿尔夫莱得·斯提尔格里兹的著名的291 画廊。
遵照杜尚的要求，斯提尔格里兹精心地拍了张《泉》的照片，并以“浴池圣母”之名置于争议杂志《盲人》卷首页。
与此同时，以《盲人》为阵地，以“理查德·马特事件”为名，杜尚和他的朋友们发起了一场讨论，小便池被赋予了各种意义，包括被诠释成女性子宫。
为《泉》所做的一系列辩护，特别强调了艺术家选择的必要性。
如阿伦斯伯格就坚持认为：“毕竟只有艺术家而非其他人才能决定什么是艺术。
”被认为可能是杜尚本人写的《盲人》卷首“编辑手记”指出：“马特先生是否亲手制作了《泉》，这并不重要。
他选择了它。
他赋予一个普通的物品以生命，把它如此摆放，在新的名字和视角下，它的使用功能就消失了——为这个对象创造了一个新的思想。
杜尚《泉》
法国艺术家马塞尔·杜尚的作品《泉》在英国艺术界举行的一项评选中，已故法国艺术家马塞尔·杜尚的作品《泉》打败现代艺术大师毕加索的两部作品成为20世纪最富影响力的艺术作品。
而所谓《泉》其实就是一个陶瓷小便池，而且这个小便池也不是杜尚自己制作的，而只是从商店买来，签上他的大名，并冠以《泉》的名字而已。
评选结果令人惊讶英美媒体纷纷以《杜尚的小便池打败了毕加索》或者《一个小便池成最具影响力艺术品》等为题报道了这一令人感到吃惊的结果。
要知道，组成评审团的并不是缺少艺术细胞的普罗大众，而是500名英国艺术界最权威的专家，包括艺术家、艺术品交易商、艺术批评家、博物馆和美术馆工作人员。
在许多人看来，这一结果令人吃惊不仅仅是因为杜尚竟打败了在现代艺术史上举足轻重的毕加索和马蒂斯，更主要的是小便池这一艺术作品根本登不了大雅之堂。
《每日电讯报》更评论说，从评委们的趋向可以看出今天的艺术到了“多么不堪”的地步。
毕加索落后20多个百分点1917年，法国艺术家杜尚将一个从商店买来的男用小便池起名为《泉》，匿名送到美国独立艺术家展览要求作为艺术品展出，成为现代艺术史上里程碑式的事件。
杜尚之所以把小便池命名为《泉》，除了它确实水淋淋的外表之外，也是对艺术大师们所画的泉的讽刺。
在这次评选中，64％的评委把票投给了杜尚的《泉》，而名列第二位的毕加索名画《亚威农少女》只得到了42％的选票。
《亚威农少女》被看作是立体画派的开山之作，也一度被艺术界奉为现代艺术的第一部伟大杰作。
野兽派代表画家马蒂斯的《红色画室》在这次评选中名列第五。
不过，令人感到奇怪的是，在参加投票的艺术家中没有一个人选马蒂斯的作品。
对此，泰特美术馆前馆长威尔逊这样解释：“今天的艺术家都希望艺术能间接表达社会或者政治观点，传递政治或道德信息。
而马蒂斯说过，他的艺术就像一把在一天结束后让你坐下休息的躺椅，是纯粹的感性主义，现在的艺术家对此并不推崇。
”现代艺术争议颇多负责向公众解释评选结果的专家西蒙·威尔逊是泰特美术馆的前馆长。
杜尚-泉
杜尚《泉》广艺小QQ杜尚是西方理性主义逻辑发展中的一个例外。
他的影响深远而持久，而且他所达到的新境界至今无一人能够真正继承。
今天人们大多能欣赏和津津乐道的是他的那些出新的艺术作品，但对马塞尔·杜尚于他最出色的思想，即超越艺术局限，走入自由境界尚理解不足。
1917年，杜尚将一个从商店买来的男用小便池起名为《泉》，匿名送到美国独立艺术家展览要求作为艺术品展出，成为现代艺术史上里程碑式的事件。
杜尚之所以把小便池命名为《泉》，除了它确实水淋淋的外表之外，也是对艺术大师们所画的泉的讽刺。
2004年《泉》击败毕加索的《亚威农少女》和波普艺术家安迪·沃霍尔的《金色玛丽莲》，被推选为现代艺术中影响力最大的作品。
1919年,杜尚用铅笔给达·芬奇笔下的蒙娜丽莎加上了式样不同的小胡子,于是“带胡须的蒙娜丽莎”成了西方绘画史上的名作。
杜尚的《泉》意在质疑人们关于何为艺术品的观念：很少会有什么东西去让人们思考艺术实际上是什么，或它是如何被表达的问题；他们只是假定了艺术要么是绘画，要么就是雕塑。
所以才会很少有人会将《泉》视为一件艺术作品。
“这个小便器可能是件艺术品吗？”在小便器摇身一变成为艺术品的过程当中，名字的变化原来是如此的重要。
正是这个名字的变化，变得不同寻常，使得人们审视物体的角度也发生改变。
不等大雅之堂的小便器，也就随之被视为格调高雅的艺术。
1917年，杜尚在独立艺术家协会展览上展出一个小便器实物，称之为《泉》，当时杜尚的同道瓦尔特-阿伦斯伯为这个《泉》作了一个辩护，认为杜尚是让人注意小便器的光洁透白的美，他说：“一种可爱的形式已经被呈现出来，摆脱了它的功能目的，很显然，人类做出了审美贡献。
”《泉》表现出的是对一切传统艺术观念彻底的否定与批判。
此前的任何艺术流派，哪怕再激进，起码承认艺术品必须要有艺术家的创作过程，而且一般来说，艺术起码要表现美。
而《泉》的出现，则连这最“起码”的艺术观念也被否定了。
杜尚《泉》
法国艺术家马塞尔·杜尚的作品《泉》在英国艺术界举行的一项评选中，已故法国艺术家马塞尔·杜尚的作品《泉》打败现代艺术大师毕加索的两部作品成为20世纪最富影响力的艺术作品。
而所谓《泉》其实就是一个陶瓷小便池，而且这个小便池也不是杜尚自己制作的，而只是从商店买来，签上他的大名，并冠以《泉》的名字而已。
评选结果令人惊讶英美媒体纷纷以《杜尚的小便池打败了毕加索》或者《一个小便池成最具影响力艺术品》等为题报道了这一令人感到吃惊的结果。
要知道，组成评审团的并不是缺少艺术细胞的普罗大众，而是500名英国艺术界最权威的专家，包括艺术家、艺术品交易商、艺术批评家、博物馆和美术馆工作人员。
在许多人看来，这一结果令人吃惊不仅仅是因为杜尚竟打败了在现代艺术史上举足轻重的毕加索和马蒂斯，更主要的是小便池这一艺术作品根本登不了大雅之堂。
《每日电讯报》更评论说，从评委们的趋向可以看出今天的艺术到了“多么不堪”的地步。
毕加索落后20多个百分点1917年，法国艺术家杜尚将一个从商店买来的男用小便池起名为《泉》，匿名送到美国独立艺术家展览要求作为艺术品展出，成为现代艺术史上里程碑式的事件。
杜尚之所以把小便池命名为《泉》，除了它确实水淋淋的外表之外，也是对艺术大师们所画的泉的讽刺。
在这次评选中，64％的评委把票投给了杜尚的《泉》，而名列第二位的毕加索名画《亚威农少女》只得到了42％的选票。
《亚威农少女》被看作是立体画派的开山之作，也一度被艺术界奉为现代艺术的第一部伟大杰作。
野兽派代表画家马蒂斯的《红色画室》在这次评选中名列第五。
不过，令人感到奇怪的是，在参加投票的艺术家中没有一个人选马蒂斯的作品。
对此，泰特美术馆前馆长威尔逊这样解释：“今天的艺术家都希望艺术能间接表达社会或者政治观点，传递政治或道德信息。
而马蒂斯说过，他的艺术就像一把在一天结束后让你坐下休息的躺椅，是纯粹的感性主义，现在的艺术家对此并不推崇。
”现代艺术争议颇多负责向公众解释评选结果的专家西蒙·威尔逊是泰特美术馆的前馆长。
马塞尔·杜尚《泉》1917
ห้องสมุดไป่ตู้
几乎所有现成品原件——酒瓶架、小便器（美其名曰“泉”）和其他他称为艺术品的物品——都丢了。为使有些东西能替代它们，杜尚一生中都不断在各种小便器和其他物品上随意签名（其中有十来件能确知如今还在）。他同样制作了约300版他的“微型博物馆”——《绿盒子（Boite-en-Valise）》，其中包括他的68件重要作品的微缩复制品（后来的版本中是80件），并在20世纪60年代与米兰艺术商家阿图罗·施瓦兹（Arturo Schwartz）一起精心制作了一组特别的限量版现成品组件。这些组件的一版中的《泉》由阿尔弗雷德·史蒂格利茨（Alfred Stieglitz）拍摄原件的照片一丝不苟地翻制而成，如今这件作品可以毫不费力地在拍卖场拍到百万美元（据传闻一件《泉》的拥有者为他这件藏品买了8位数的保险），与丢失了的原件相比，这一件显不出破旧来。
油画创作的语言表现探析
油画创作的语言表现探析油画语言，作为一个复杂而庞大的体系，正应从多方面，以各种不同的形态被画家充分释放与展现，其目的就是表现画家心中的“艺术品”。
通过对古今中外优秀画家作品的解读，本人认为，油画艺术创作的语言表现可以从以下四个方面来理解。
一、光影表现从15世纪欧洲文艺复兴时期达•芬奇开始，就形成了一种传统的画法，即利用光影的层次来表现客观的立体感、深度或三维度。
卡拉瓦乔大胆处理光线，用光作为塑造形象、构图布局、突出戏剧性主题的重要手段，在油画《召唤圣马太》中，首先映入观者眼帘的就是画面中那束集中又强烈的光线。
同时期受卡拉瓦乔影响最大的伦勃朗一生画了不少自画像，这些油画很有个性，画面经过许多的提炼和加工，将光线概括为一束束电筒光似的集中线，着重在画的主要部分，突出主体。
17世纪还有一位用光表现的画家，维米尔以微妙的光影变化，通过对阴影和高光的运用，营造出和谐、优雅、静谧的生活气息，赋予了光影神奇的表现力。
发展到19世纪，光影观念深入人心，印象主义画派影响到整个欧美画坛。
作为现代绘画的起点，它将光与色的科学观念引入到绘画中，创立了以光源色和环境色为核心的现生色彩学。
20世纪至今出现了众多的思潮或流派，它们强调主观情感的抒发，强调艺术的纯粹性与绘画语言自身的价值。
画家们在作品中表达自己的艺术观念的同时，不可避免地，光影表现因素作为一种语言手段不自觉地融入到画面中。
二、色彩表现无论在任何时期，色彩都是油画艺术的重要表现手法。
照相术发明以前，几乎所有画家想要表现的终极目的是模仿与再现自然。
我们可以看到，传统绘画艺术中色彩的功能在于增强绘画的真实感，这可以说是色彩的天然功能，尽管不是色彩的唯一功能。
安格尔是传统绘画艺术的佼佼者，《瓦尔平松的浴女》中，画家从这个美妙的女子背部看到了使他激动的东西，那就是微妙的色调变化，半明半暗的光色在女子柔嫩的背部微妙变化着，浮动着。
照相术发明以后，写实性绘画艺术向主观表现和形式方面转化，印象主义可以说是传统绘画艺术与现代主义绘画的分水岭，它反对照相机式的模仿自然以及古典学院派贵族化的美学观念，“为了色彩去画一个主题，而不是为了主体本身”，这就是印象主义绘画的宗旨。
浅析安格尔作品《泉》的艺术价值
浅析安格尔作品《泉》的艺术价值作者：秦子茜来源：《中国科技博览》2014年第34期[摘要]安格尔是法国新古典主义的代表人物，是举世闻名的绘画大师、美学理论家和教育家，他勤于创作，孜孜以求地在艺术道路上追求实践着自己的理想，在当时、以及对后世都产生了深远的影响。
他的代表作《泉》更是影响深远。
早年间他曾追随新古典主义代表人物大卫，从他的作品中也不难找到一些有关古典主义的东西，但后来还是脱离了大卫的模式，他的做品强调纯洁而淡漠美，从而与大卫所倾向于现实主义的古典主义相背离，走上了另一条道路。
[关键词]安格尔艺术价值构图中图分类号：H311 文献标识码：A 文章编号：1009-914X（2014）34-0118-01世界美术史上一代巨将—安格尔，通过几十年创作完成他的传世巨作《泉》。
在一八O 七年开始着手起草构思、直至一八五六年完成了这幅传世巨作。
这幅美丽而又震撼人心的作品早已被世人以及中国的读者所熟悉熟知。
整幅作品以模糊不清的树荫、山石为背景，色彩典雅而沉静，以深沉凝重的调子，衬托出婷婷玉立的少女全身优美起伏的线条，显示出及其强烈的雕塑感。
展现了安格尔对于人体比例的完美追求和对生命的热爱。
构图平稳、恬静、温尔倩雅、以少女所特有的健康而丰美的体态、显示着人体的盎然生机，诉说着生命的无限美好，给人们以安祥的慰藉，醉美的享受和欣悦的满足。
在观赏这幅画时，我们可能与穆瑟有同感（雷查特·穆瑟在评论这张作品时说，“安格尔所画的姑娘，会使人忘记自己是在观赏一件艺术品，感到这个艺术家是创造这裸体处女的上帝”。
）但同时又可能提出这样一个问题：画中少女的形象与真人有多少相符之处呢？假如我们把这个姑娘想象成现实生活中有血有肉的真人，大概就会发现，她手执水罐的动作显得是那么的不自然和那么的费力。
这种感觉或许是在我们的头脑中很突然地出现的，因为她美丽的姿态在我们的眼中显得十分的自然和鲜活。
在这个本身的画面里和我们的头脑中的画面里，这种美丽的姿态体现出了一种清晰但又得体的解决方式。
世界著名油画中女性形象欣赏
世界著名油画中女性形象欣赏作品资料：【画作称号】《吻》【创作者】】F·A·Moller,F·A·莫勒（俄国)【创作年代】1840年【创作题材】风俗【作品规格】59x65cm【作风】古典主义【材质】布油彩【收藏地】圣彼得堡俄罗斯博物馆关于作品及作家：画家以古典主义的疏松手法，描绘了男女青年的爱情之吻。
囿于古典主义准绳，人物描写得理性而冷静。
但画家的描绘十分精细逼真，并且以细微的观察力表示了女青年的惊惶与男青年的主动。
吻的瞬间是出人预料的，又是甘美的。
作家先容：莫勒(1812—1874年)，是俄国19世纪风俗画家，在他的画中已表示出梦想主义精神。
作品资料：【画作称号】《大宫女》（The Grand Odalisque）【创作者】让·奥古斯特·多米尼克·安格尔（法国）【创作年代】1814年【种别】画布油画【作风】新古典主义【题材】人体【规格】91×162cm【材质】布油彩【收藏地】巴黎卢浮宫作品剖析：安格尔的艺术“傲慢绝俗，严肃庄重”，这一切可以经过他的次要作品《大宫女》表示出来。
画中，安格尔坚持了很多不必要的细节，使之同一在一片安定喧哗的谐和气氛之中，就像是仔细计算过一样，每一个“数字”所代表的都是和部分绝不相关的极端“风险”的事情，随意改动其中的任何一处，都会使整个画面完整坍塌。
这也似乎考证了古希腊哲学家毕达哥拉斯“数与谐和”的实际，毕氏俯视夜空，都能觉获得星斗的组合像是用数字组成的音乐，他曾说他有很多次真的听到了“诸天音乐”。
在这幅画上，比例、色彩像数字一样按一种拙劣的次第陈设着，华丽而不失温顺。
安格尔晚年游学意大利时，也肯定经过古希腊的艺术作品感遭到了毕达哥拉斯哲学的这种富于神性的美。
故意拉长的身体，似乎表示了一种古希腊雕琢的庄重严肃的美感。
艺术并不是盲目地复制梦想，而是对倾入部分感情的生活中绽放的精神之花的倾力表达。
浅析《泉》的艺术特色
浅析安格尔《泉》的美学构成《泉》是新古典主义旗手安格尔在76岁才完成的一幅作品。
画中一位举罐倒水的裸体少女，身躯婀娜呈S型，双目透出清纯，虽然身体袒露，却让人觉得她如清泉般圣洁。
作品色彩运用非常柔和而富于变化，表现出清高绝俗和庄严肃穆的美。
本文将对这幅画进行美学解构，进而分析它被称为裸女画代表的原因。
一、《泉》的造型美在《泉》这幅画里，安格尔画了一个直立的全裸的女性身体，占据了全篇几乎三分之二的面积，她的双臂是向上举着的，裸体正面呈现在欣赏者眼前，小腹甚至微微凸出，如此舒展式的裸体给人强烈的视觉冲击，这样正面地不加掩饰地呈现女性裸体的画作也是很少见的。
这是造型对欣赏者第一次的美感冲击。
画面造型上的第二个特点是构图的和谐，这种和谐是经过深思熟虑的，略懂绘画欣赏的人在观赏《泉》这幅画时会明白，画面的和谐感主要由裸体少女和水罐相互支撑平衡带来的。
裸体少女将水罐架在左肩上，左手撑着罐口，右手扶着罐身，为了使身体的重心居中并且双手托罐的姿势更舒服一点，她的身体拗成了一个S型的曲线，使得整个身体的重心落在左脚上，右腿微曲右脚点地。
而欣赏者也因为这种和谐妥当的安排，能得到一种合理舒适的视觉感受。
第三，古典主义在造型上要求严谨，古典主义绘画的造型严谨不仅是指人体的动作和比例要完全忠实于现实中的情况，在细节处理上画家会有自己的思考。
有人认为《泉》中人物的右胳膊及躯干有被拉长和扭曲的嫌疑，但是在视觉效果上，这样的处理却是恰当的，这种理性的夸张处理服从于整个造型严谨的要求。
第四点美学分析与欣赏者的审美经验有关。
艺术创作是对美的永恒追求，每个人脑海中都有对女性形象的想象，有的窈窕，有的丰满，有的动，有的静，少女题材的画作往往最能激发欣赏者对审美经验的想象，引导他们更深层次地欣赏画作。
因此《泉》中裸体少女是综合画家对女性所有美好的想象，提炼虚构出来的一种形象。
如果把少女的头部和身体分开来看，会有一种不匹配的感觉，她的头部细节刻画明显更符合古典主义的特点，略呆板刻意，而身体因为过于栩栩如生而带有浪漫主义的特征，但这就是画家认为的最美的人体造型。
当代艺术作品泉简介
当代艺术作品《泉》有两个著名的例子，一个是法国新古典主义画家安格尔的作品，另一个是美国达达主义艺术家马塞尔·杜尚的作品。
安格尔的《泉》（La Source），别名《春之仙女》，创作于1830年至1856年，是一幅布面油画，现藏于法国奥塞美术馆。
这幅画展示了女性人体的古典美，描绘了一个年轻的裸女手拿陶罐倒水的场景。
她微屈的双膝和因举起陶罐所表现出的肌肉曲线，营造出一种典雅、纯洁的脱俗之美。
另一方面，马塞尔·杜尚的《泉》是2004年被推选为现代艺术中影响力最大的作品。
实际上，它是一个男用小便器，由杜尚在1917年购买并于其上签名“R.Mutt”。
这一作品挑战了艺术的传统观念，引发了关于艺术定义和边界的广泛讨论。
这两个作品虽同名，但在艺术形式、表达主题和影响方面截然不同，都是各自艺术时代的标志性作品。
世界名画系列之人体名画（1）：泉
世界名画系列之人体名画（1）：泉世界名画系列之人体名画（1）：泉1、泉1856年让－奥古斯特－多米尼克·安格尔法国163cm×80cm 布油彩巴奥赛博物馆藏76岁时的安格尔，创作了《泉》这幅作品，反映了画家对美的全新观念，即用精湛的技巧去创造古典美感是十分必要的。
《泉》实现了他对人体美与古典美完美结合的形式追求。
在这里，他展示了人类普遍赞美的恬静美、抒情美和纯洁美。
他描绘一位举罐倒水的裸体少女，身躯略呈S型，婀娜多姿，双目透出清纯，虽然身体袒露，却让人觉得她如清泉般圣洁。
2、《沉睡的维纳斯》乔尔乔内意大利约1510-1511年108.5cm*175cm 布油彩德累斯顿国家美术馆藏这是乔尔乔内最成功的油画作品，最后由提香完成。
作品中的维纳斯展示出造化之美，没有任何宗教女神的特征：在自然风景前入睡的维纳斯，躯体优美而温柔，形体匀称地舒展，起伏有致，与大自然互为呼应。
这种艺术处理不是为了给人以肉感的官能刺激，而是为了表现人的具有生命力的肉体和纯洁心灵之间的美的统一。
这种充满人文精神的美的创造，是符合文艺复兴时期理想"美"的典范的。
3、《真理》1870年朱尔斯·勒菲弗尔法国 265cm*112cm 布油彩巴黎奥赛博物馆藏这是具有象征意义的构思。
真理被一个美丽纯真的裸体少女，一手高举着“光明”，一手紧握一根绳索，形象他说明了真理既复杂又单纯。
画家以浪漫主义绘画的手法，描绘了身材修长的窈窕少女，少女纯净的眼睛凝视前方，体态匀称，曲线流畅，富于青春活力。
无疑，美丽的裸体少女是真理的象征，也是艺术理想的象征。
4、土耳其浴室1862年让－奥古斯特－多米尼克·安格尔法国直径110cm 布油彩巴黎卢浮官藏《土耳其浴室》这幅画，表现了画家追求的是幻影般的"自然本身"。
这幅作品显示出一种艺术的成熟性，他描绘了不同姿态的浴女，既描绘了众多女性裸体，又营造了一种东方阿拉伯式的情调；在这里，安格尔追求的，只有把裸体画成为自然本身，才算是实现了高度完美的境地。
安格尔《泉》
安格尔《泉》安格尔《泉》《泉》 1856年 164X80厘⽶ 收藏于卢佛尔美术馆⼀泓清澈的泉⽔从⽔罐⾥流泄下来另⼀泓清澈的泉⽔在少⼥⾝上隐约流动此时，⽉光很满从她⾝上溢了出来沿着她羞涩的⽬光此时，⽉光是个成熟的⼥⼈寂静中绽放⼀抹温柔如⽔的⽉光背后⼀朵纯净的花悄然绽放是泉⽔注⼊了她⽣命抑或她给⽣命注⼊⼀泓清泉？《泉》是安格尔裸⼥形象中最负盛名的⼀幅，安格尔从1830年在意⼤利佛罗伦萨逗留期间就开始创作《泉》，但⼀直没有完稿。
⼆⼗六年以后，当他已是七⼗六岁⾼龄时才画完此画，据说曾有助⼿帮他绘制。
《泉》的欣赏1856年象征“清⾼绝俗和庄严肃穆的美” 的最杰出的作品《泉》的诞⽣，标志着安格尔艺术达到光辉的顶峰。
《泉》也是西⽅美术史上描写⼥性⼈体的优秀作品之⼀。
他在处理轮廓边线时，始终本着虚--实--虚--实进⾏，这⼀⽅⾯是为了空间感和⽴体感的需要，同时，更体现了⼀种节奏感，从最⾼的右肘向⾄最下⾯的右脚为⽌：强---弱---强-- -弱，清晰——模糊——清晰——模糊，这样就产⽣了美感。
这幅画的姿势，从最⾼点肘关节开始，向下穿过头部，上⾝到右边的臀部，再向下⾛，直到左边的脚，是⼀根长长的s形曲线！从右⼿的⼿臂向左沿伸，通过优美的左⼿指托住了瓶，然后，这⼀条线⾮常流畅地从瓶⼝的⽔直泻⽽下。
此画重⼼在左脚上，因此⾝体的两边曲线是不⼀样的。
左边较平缓，右边曲的厉害些，尤其是右边的腰和⾻盆处。
这些都体现了变化和统⼀的规律。
⾊彩运⽤⾮常柔和⽽富于变化。
《泉》实现了他对⼈体美与古典美完美结合的形式追求。
在这⾥，他展⽰了⼈类普遍赞美的恬静美、抒情美和纯洁美。
他描绘⼀位举罐倒⽔的裸体少⼥，其肌⾁因安格尔美丽柔缓的曲线⽽更具魅⼒，⾝躯略呈S型，婀娜多姿，双⽬透出清纯，虽然⾝体袒露，却让⼈觉得她如清泉般圣洁。
画⾯左下⾓那朵含苞未放的雏菊下是她的象征。
头顶上的绿叶，脚下明净如鉴的潭泉，幽静的⼭都增加了这幅画的意境。
从这幅画⾥，⼈们感到的是⼀个宁谧、幽静的抒情诗般的境界，⼼灵得到慰藉，感情得到升华的崇⾼境界。
76岁老画家26年完成一幅女性人体油画，到底是图个啥？
76岁老画家26年完成一幅女性人体油画，到底是图个啥？相信很多喜欢油画的朋友都看到过《泉》这幅画，为这幅画呈现出的美丽、清纯、宁静、典雅、庄重的气息氛围所感染。
《泉》是一幅经典的女性人体油画，是19世纪法国绘画大师安格尔的代表作，被誉为西方人体油画的巅峰之作并被许多国家列为人体油画艺术教学的范本。
安格尔（1780年一1867年），法国19世纪新古典主义油画的集大成者、学院派首席代表，被誉为“少有的堪比达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、乔尔乔内、提香等文艺复兴时期油画大师素描水平的顶级素描高手”，以精于创作人物肖像画和人体油画而著称。
其实，早在1830年安格尔50岁时，他就萌动了创作《泉》的想法。
这时安格尔已因《大宫女》、《里维耶夫人肖像》、《瓦平松的浴女》等许多优秀作品成为享誉法国乃至欧洲的著名画家。
而这时，他做为忠诚捍卫和遵守古希腊古罗马和文艺复兴时期古典的理性的艺术范式规则的学院派保守势力代表，与以德拉罗波瓦为代表的浪漫主义油画画派也正处于不可开交的学术论争之中。
安格尔推崇拉斐尔“理性典雅唯美和谐”的艺术样式，信奉前辈艺术大师温克尔曼提出的“静穆的伟大，崇高的单纯”的艺术理念。
此前，安格尔创作的许多油画都体现出了这一理念，但安格尔觉得他以往的作品对这一理念体现的还不够充分，还不“足以服人”，还不能让对立的艺术流派“服劲”。
1830年，安格尔在意大利他创办的“法兰西艺术学院”教学时萌生了创作《泉》的想法。
在《泉》之前，虽然自文艺复兴时期以来西方艺术家创作了大量的以女性为主体的人体油画，但是以正面全身呈直立姿势的还没有。
安格尔在创作《泉》时面临着很大挑战和诸多困难。
安格尔《大宫女》局部图起初，安格尔是想以古希腊神话女神维纳斯的名义创作这样一幅女人体油画，但后来他觉得这样既有模仿前人之嫌也不太贴近现实，反复思考，他决定就以世俗的女子做为《泉》的主体和主题。
但是在创作过程中，即令安格尔这样的一流顶级画家，也遇到了诸多难题。
对安格尔油画作品《泉》的分析
对安格尔油画作品《泉》的分析作者：陈虹来源：《文艺生活·文海艺苑》2015年第12期摘 ; 要：让.奥古斯特.多米尼克.安格尔是十九世纪法国新古典主义的杰出代表。
他以古典主义所推崇的“静穆的伟大，崇高的单纯”作为毕生的奋斗目标。
安格尔最引人瞩目的成就要属女性人体画，他把十九世纪新古典主义裸体艺术推向了一个新的高峰。
他的油画作品《泉》纯真朴实，简练直接而毫无矫揉造作，对后世西方油画的发展影响甚远。
关键词：安格尔;泉;构图中图分类号： J205 ; ; ; ;文献标识码：A ; ; ; ;文章编号：1005-5312（2015）36-0067-01一、安格尔为什么会创作《泉》（一）《泉》是安格尔顺应时代要求，借用古代题材和形象进行的艺术创作无论什么时期，艺术总是与政治、社会背景紧密相联的。
18世纪下半叶法国封建君主制日渐衰落，而资产阶级逐渐强大。
资产阶级为取得革命的胜利，在意识形态领域高举反封建、反宗教神权的旗帜，号召和组织人民大众起来为资产阶级革命而献身。
为取得这一革命斗争的彻底胜利，首先要在人们的心理上注入为革命献身的美德和勇气，那就是为共和国而战斗的英雄主义精神。
因此，古代希腊、罗马的英雄成了资产阶级所推崇的偶像。
在这样的历史环境下，产生了借用古代艺术形式和古代英雄主义题材的新古典主义。
安格尔在创作《泉》之前，画过名为《维纳斯》的构图，这正是承袭了古典主义画家们对古典形象的永不厌倦的表达。
最初安格尔在心中构思的“泉”是仿效意大利大师笔下维纳斯的形象。
但画家经过数十年的世俗漂泊，他不满足于前人已画过的“维纳斯”样式。
安格尔企图使形象更单纯化，他修改了少女脚边的小天使，把原本整理秀发的动作替换为倾倒水罐。
安格尔如此调整，使画面给人以朴素纯净，简练直接的感觉，使得《泉》成为一幅具有古典主义象征意义的名作。
（二）安格尔钟爱人体画这一题材波特莱尔曾说：“当安格尔的天才同青春的美丽妖娆争艳时，他的幸运和强有力往往是空前的。
从《泉》与《布里洛盒子》的对比分析中看艺术概念的变化
从《泉》与《布里洛盒子》的对比分析中看艺术概念的变化于海生【摘要】马歇尔·杜尚在1917年展出的作品《泉》与安迪·沃霍尔在1964年展出的作品《布里洛盒子》有异曲同工之感.但在阿瑟·丹托的著作《艺术终结之后》中,他并没有将面世更早的《泉》作为划分"旧"艺术与"新"艺术的分界点,而是认为在《布里洛盒子》之后,传统意义上的艺术概念解体了.那么问题来了,为什么在两件看上去十分相似的作品中,阿瑟丹托要选择《布里洛盒子》作为划代的作品?两者本质性的区别在哪里?这种区别折射出艺术的概念发生了什么样的变化呢?【期刊名称】《音乐时空》【年(卷),期】2017(000)017【总页数】2页(P182-183)【关键词】现成品;艺术终结;熵;艺术的概念【作者】于海生【作者单位】铜仁幼儿师范高等专科学校【正文语种】中文【中图分类】J0-05先从20世纪初的那个著名的艺术事件说起，它在此后的时间里会时不时出现在艺术讨论的话题中。
1917年，纽约“独立艺术家协会”举办第一届“独立画家画展”，这次展览的组织者承诺对展览不做限制，只要缴纳6美元的费用就可以展出作品。
作为对这一承诺的调侃，杜尚在这次展览上匿名提交了最为大众熟知的那件现成品装置——《泉》。
这是一件从商店里直接买来的廉价的男性小便池，杜尚在上面签上了“R.Mutt 1917”的化名和年份，除此之外，没有进行任何艺术化的加工和修饰。
不出所料，杜尚的恶作剧触怒了展览委员会，作品被拒绝展出，但是这一事件却成为了艺术史中的重大事件，被此后的研究者们广泛提及，甚至由此奠定了杜尚作为后现代主义艺术之父的艺术史地位。
在这次事件中，“现成品”（Ready Made）这个概念被提了出来，并由此引起了关于艺术定义的广泛讨论。
虽然这并不是杜尚的第一件现成品作品，早在1913年，他就制作了另一件著名的现成品装置——《自行车轮》，一个去除了车胎的自行车轮倒置在圆形的椅子上。