关于管弦乐写作中持续音问题的思考

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论管弦乐配器中持续音形态的多样化——以《在中亚西亚草原上》为例

①ｃ·瓦西连科：《交响配器法》第二卷下册（金文达译），北京：人民音乐出版社，１９６２年版，第５１４页。 ②鲍罗丁：《在中亚细亚草原上》总谱（胡旦俊译），湖南：湖南文艺出版社，２００２年版。
形成一种空灵的音乐意境，凸显了这部作品特定的画面感。
谱例３摘自总谱的第１５６—１６０小节，这是再现部分第二主题的首先出现。英国管悠扬的音色与大提琴一起奏出主题，高音声部的持续音以小提琴在极高音区的泛音来呈现，低音声部的持续音以低音提琴拨奏的方式来呈现，中音声部的持续音是以第－Ｉ１，提琴的弱拍拨奏来体现，它与低音提琴的强拍拨奏相互交错，形成动态效果。以上三个不同的持续音声部映衬着中声部的旋律，极大地丰富了音响的色彩感与画面感，这种静态与动态相结合的持续音写法，使作品的表现力更为细腻和丰富。
与东方歌曲相互融合，和谐的旋律随着商队的园区逐渐消失 ”。②这部作品中持续音形态的多样化及良好的表现力，给人以身临其境的画面感，成为交响音画这一体裁形式的代表之作。以下按照持续音的四种形态划分，逐一进行分析。
谱例２：
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音符的延音与连音技巧

音符的延音与连音技巧音乐是一门让人陶醉的艺术，而音符是音乐的灵魂。

在演奏乐曲的过程中，如何表达音符的延音与连音成为了一项重要的技巧。

本文将介绍音符的延音与连音的概念、技巧以及演奏中的注意事项。

一、音符的延音音符的延音是指将一定时值的音符长度拉长，延长音符的发声时间。

延音具有以下几种表现形式：1. 称为“加点”的延音：在音符上方加一个小点，表示音符时值增加一半，例如，在四分音符上加点，变成三个八分音符的总时值。

这种形式的延音常见于古典音乐中。

2. 延音线：将一连串的音符用一条线连接起来，表示这些音符同时一直持续发声，延长了整个节拍的发声时间。

在演奏过程中，表达音符的延音需要注意以下几点：1. 延长音符的发声时长：根据乐曲的要求，合适地延长音符的发声时间，不过分也不过短，使得音乐的节奏感和旋律感得以保持。

2. 延音的过程要平稳：延音时不要出现突然加速或减速的情况，保持稳定的速度。

3. 延音和其他技巧的结合：延音和其他演奏技巧如颤音、装饰音等可进行相互配合，以增加音乐的表现力。

二、音符的连音技巧连音是指在同一个拍子或跨越不同拍子的音符间，快速连接起来弹奏或唱出，使得音乐呈现流畅的效果。

连音技巧也有多种形式：1. 半音连音：相邻的两个音符之间存在半音音阶关系，如两个八分音符连起来弹奏，在演奏中要保持体验不间断，注意指法和音程的变化。

2. 全音连音：相邻音符之间为全音音程关系，例如两个四分音符连起来弹奏。

3. 跨拍连音：音符横跨两个拍子进行演奏，例如三个八分音符横跨两个拍子弹奏。

在演奏过程中，保持连音的流畅需要注意以下几点：1. 连音速度的掌握：根据乐曲的要求，把握好连音的速度，快而不乱，保持连贯性。

2. 连音间的过渡：在连音的两个音符之间，需要平稳地过渡，不出现突然的加速或减速。

3. 连音的准确性：保持正确的音高和节奏，确保连音的演奏准确性，不走音或错位。

结语音符的延音与连音技巧是演奏中必不可少的重要要素。

乐器演奏中的音符延长技巧

乐器演奏中的音符延长技巧音符延长技巧在乐器演奏中起着至关重要的作用。

它不仅能够增加音乐作品的表现力，还能够改变音乐的节奏和情感表达。

本文将就乐器演奏中的音符延长技巧进行深入探讨。

一、什么是音符延长技巧音符延长技巧是指演奏者在演奏过程中，通过特定的技巧将音符的长度进行延长，使得音符持续的时间比正常情况下要长。

这样一来，可以使得音乐更加细腻动人，更好地达到演奏者的意图。

二、音符延长的方式音符延长可以通过以下几种方式进行：1. 连音符：在音乐中，连音符是非常常见的一种延长音符的方式。

通过连音符，可以将多个音符连接在一起，形成一个整体，使得演奏者能够达到较长的音符持续时间。

2. 加点音符：在音乐中，加点音符是延长音符的一种常见方式。

在加点音符中，音符的持续时间会增加一半，这样就能够达到延长音符的目的。

3. 用颤音或滑音：颤音和滑音是常见的演奏技巧，也是音符延长的一种方式。

通过颤音或滑音的运用，演奏者可以将音符的持续时间延长，并且能够在演奏中增加音乐的表现力。

4. 使用延音踏板：延音踏板是一种乐器演奏中常见的技巧，尤其在钢琴演奏中使用较为广泛。

通过踩住延音踏板，可以使得琴弦继续共鸣，从而实现对音符的延长。

三、音符延长的效果音符延长技巧的应用能够给音乐带来许多不同的效果，其中包括以下几个方面：1. 表达感情：音符延长能够让演奏者在音乐中表达出更多的感情和情感。

通过延长音符的时间，演奏者可以在音乐中加入更多的细节和感情，使得音乐更加动人。

2. 强调重点：通过延长某些音符，演奏者能够更好地强调音乐中的重点部分。

这样一来，能够使得音乐更加有层次感，也能够更好地引导听众聆听。

3. 改变节奏：音符延长技巧还可以改变音乐的节奏。

通过延长部分音符的时间，演奏者能够使得音乐的节奏产生变化，从而让整个音乐更加有趣和多样化。

四、音符延长技巧的应用场景音符延长技巧在各种不同的音乐作品和乐器演奏中都有着广泛的应用。

以下是一些常见的应用场景：1. 慢板乐曲：慢板乐曲通常需要更多的音符延长技巧，以突出乐曲的悠扬和安静的特点。

中国民族管弦乐复调写作技术研究

中国民族管弦乐复调写作技术研究中国民族管弦乐复调写作技术研究中国传统文化的最大特点之一就是兼收并蓄、源远流长。

我国民族音乐的发展也是如此，中国音乐的发展不仅继承了我国的传统音乐，还借鉴并吸收了西方的传统技术。

很多作曲家在创作实践中都大量地运用西方传统音乐写作技术，其中，复调技术是重要的写作手法之一。

与主调音乐侧重纵向思维相比，复调音乐更强调横向运动，两者的结合使音乐更加完美，更具表现力。

主调与复调音乐有着密切的联系，不能孤立地分开。

纵览民族管弦乐，不难看出，我国的民族音乐以主调创作为主，复调创作为辅的特点。

但几乎每首乐曲都会在运用主调写作手法为主的同时穿插着复调写作技术，尤其是大型的管弦乐作品更是离不开复调写作手法。

其主要原因在于乐器选择的多样性和声部层次的独立性，可以在不改变旋律的同时改变其音色并通过声部的穿插，充分地呈现作曲家娴熟的技术，达到丰富音响的效果，使音乐主题更具有个性，并且在音乐发展的过程中形象更加生动，内容更加精彩。

在较为成熟的作品中多兼有主复调写作技术，虽然有的只是采用了复调因素，甚至是复调思维，但却被音乐评论家们冠之于打动人心、扣人心弦等美好的词汇，这些作品往往经得起时间的洗礼、演奏家们的赞美和作曲家们的认同。

20世纪中后期，我国的复调音乐发展逐渐趋于成熟化。

许许多多的作曲家为了使作品更具有深度和广度，在创作中大量运用复调写作技术也成了一种普遍现象。

同时，有很多的学者对复调有着极为高度的重视和深入的研究，并付诸于创作实践，取得了丰硕的成果。

由朱舟等人创作的《蜀宫夜宴》、何训田创作的《达勃河随想曲》、金湘创作的《漠楼》等优秀的民族管弦乐都是成功的范例。

一、对比复调的运用使不同的音乐形象巧妙地融为一体对比式复调是将两个或两个以上独立的旋律在音乐形象上形成鲜明对比，每个声部的旋律都具有不同程度的个性化特征，既可以是完全不同的两种性格相融合，也可以是同一性格中的不同侧面相融合。

《阿拉木汗》由黄晓飞编曲，根据新疆民歌《阿拉木汗》改编而成。

乐器演奏中常见的问题与解决方法

乐器演奏中常见的问题与解决方法在学习和演奏乐器的过程中，我们常常会遇到各种问题。

这些问题可能会影响我们的演奏技巧和音乐表达能力。

然而，只要我们能够正确地识别和解决这些问题，我们就能够在演奏时取得更好的效果。

本文将介绍一些在乐器演奏中常见的问题，并提供相应的解决方法。

问题一：音准不准确在演奏乐器的过程中，音准是非常重要的。

如果音准不准确，会导致音乐表达不清晰，影响整个演奏的效果。

解决这个问题的方法有以下几点：1. 耳朵训练：通过大量听音乐，尤其是专业演奏家的演奏录音，培养自己的音感和准确的音高判断能力。

2. 琴键意识：弹奏前先在脑海中形成正确的音符形象，使得手指在琴键上能够准确地找到位置。

3. 反复练习：多次反复练习相同的乐曲片段，特别是有问题的部分，通过反复修正和调整，提高音准。

问题二：技巧不够熟练演奏乐器需要掌握一定的技巧和手法。

如果技巧不够熟练，会导致演奏时手指僵硬，音符不连贯。

为了解决这个问题，我们可以采取以下方法：1. 慢练：从练习慢速开始，逐渐加快速度。

通过反复的慢速重复练习，使得手指能够熟练掌握技巧，并且逐渐提高速度。

2. 分解练习：将乐曲分解成小节、小节组合，针对技巧不熟练的部分进行重复练习，将注意力集中到细节处。

3. 使用练习曲：选择一些专门用于技巧训练的练习曲，例如汉斯·冯·鲁宾斯坦的《指挥大全》，通过演奏这些曲目来提高手指的灵活性和技巧。

问题三：演奏表现力不够音乐是一门艺术，乐器演奏除了技巧之外，还需要有表现力和情感的投入。

解决这个问题的方法包括：1. 研究乐曲：在演奏之前，对乐曲进行深入的了解，包括了解作曲家的意图和背景，掌握乐曲的结构和情感表达。

2. 置身于音乐之中：在演奏时全身心地投入到音乐中，通过自身的情感和体验来演绎音乐，使得演奏更具有表现力。

3. 观摩演奏家：多观摩专业演奏家的演奏，学习他们的表演技巧和表达方式，发展自己的表现力。

问题四：乐器保养不当乐器的保养对于演奏的效果有很大的影响。

武满彻《持续》的音级集合运用分析

关键词：武满彻；音高集合；音乐创作
中图分类号：Ｊ０１文献标识码：Ａ文章编号：１００８ — ７３４６（２０１７）０３ — ００９２ — ０５
武满彻（ＴｏｒｕＴａｋｅｍｉｔｓｕ，１９３０ — １９９６）作为日本２０世纪成就最大、最具影响力的作曲家之
一
关系三个方面对作品中音级集合的衍展进行分析与归纳，以期对现代音乐作品创作产生些许
指导性意义。
一
，
他运用西方现代作曲技法，把具有本民族色
彩的音乐语汇渗入其中，准确地表达了日本民俗文化中的特殊内涵。其主要作品有《面具— —
＾
■ ．点右，宴鲁
以下分别通过音高分析、节奏组织、声部
收稿日期：２０１７ — ０４ — ２８作者简介：张潇霞，女，福建福十Ｉ１／，－，福建师范大学音乐学院助教。
・９》的音级集合运用分析
中期的过渡阶段。这一时期武满彻的作曲风格和
技法均趋于成熟，因此在这一时期中武满彻广泛
依据图１显示，乐曲包含３种材料组织，
并分别以不同的音高集合为核心。即：
材料ａ，如例１所示：例ｌ：１ — ３小节
尝试了序列音乐、具体音乐、图标记谱等现代作曲技术手段，从观念到技法都体现 …出先锋精神。根据作品的音高、节奏等基本材料以及音

浅谈管乐演奏中的“休止”

在乐器演奏中的作用，对管乐的演奏和教学工作具有重大的意义和价值。关键词：休止；管乐器；管乐演奏
在音乐中有强弱高低疏密的区别都是有声级别内的对比，在音乐中促休止的演奏效果。１．２．２由句法形成的隐『－休止。句法就是将曲调划分最基本的也是最重要的对比其实是有音和无音之间的对比。无音的表现成乐节、乐句或者乐段等不同的方法。在演奏的过程中向读的划分可以形式就是“ 休止” 用来表示音乐休止的符号就是休止符，作为一种特殊的将音与音之间的连贯或者断开进行正确的处理还能够让演奏峤Ｕ的音乐符号的表现形式，在音乐的表现中具有重要的地位＇不容忽视它的作处理指法和如何用气等。常见的出现在管乐作品中的分句标示有逗号分用。在旋律的进行中出现“ 休止” 的时候能把其看成是音响的中断它是号向法连线等标示。在没有标示出具体的休止个音乐演奏过程中饱含一定感情的静默瞬间现在音乐的演奏中也末尾，气口和句读的地方就是—个断奏点演奏的时候尤为注意要断开演具有极强的表现作用。奏方可。１．２．３由节奏切分形成的隐隆休止。节奏指的是构成音乐的基本１‘ ，止， ’ 的表现形式要素指的是拍子、小节等在时间Ｅ进行规律运动的方式。其中重音在节在管乐的演奏作品中从结构的布局来看，分别有句首、句中以及句奏中的出现能够造成不同的强度产生各异样的节奏感，所以重音在节奏末的功能。从节奏Ｅ讲有强拍和弱拍之分。在停顿的时间上来看， “ 休止” 中起到关键的作用。把兀／卜重音放在没有重音的位置匕＿内会造成强具有全体止、二分或者四分、Ｉ的区别。在管乐演奏的最终效果上与弱置换的效即节奏成功的划分出来。在管乐的演奏中．可歪过在节具有规整、间插和延展等差别。在管乐的演奏作品中具有各自不同形态的奏的重音前利用短休ＩＥ进行断奏涞体现重音与不常规节奏的切分。休止，不管是作为一种节奏感的表现形式还是一种深切的情感表达过程，２休止的特殊意义都能过创造出—种绝美的艺术氛围。在—些完全意义层面上的停顿也能 “ 休止”的情感的变化在管乐的演奏过程中具有更突出的意义和价在管乐演奏的过程中林ｌＬ可以处于任意的值。例如，主题的阐述、使节奏持续的进行、转换风格的契机、技术难题解位置七报据不同的节奏进行不同的改变因此对于休止的类别的分析可决的前提准备等。管乐演奏是靠气息发出声音所以对于显性的和隐性的以从音乐作品存在的一种方式即乐＾、识休止。休Ｉ匕来说在停止声音的一刻滴凑者的气息交换问题是首要解决的问题，１．１显性休止休止展现了其主要的意义所在之处。在管乐的演奏过程中，气息作为发音显眭休止就是指用休止符做己自止。休ｌＥ符作为作曲者造语原动力，管乐演奏者处理好具有差异形式的休止表现的不同空间，进行良艘音乐演奏更完美。但是真正的演奏过程中经常会出现气言ｌ仓Ｉ胙的组成部分睁的休止具有跟有声的音符—样的作用。在创作的好的交换气息作品中，休止符的使用跟作曲者要体现的中心思想和表达的感ｆ青是密不息交换不Ｊｌ俐的现象。比如＇在演奏的过程中由于氧气造成的生理需求与会造成演奏者错误的对休Ｉ上处的气息进行交可分的。休止符的表现是作曲者内心声音的真实留露所以对于演奏者来音乐表演产生矛盾的过程，说对于显陛休止符的运用能够因人而异的对其有不同的理解层次镀换。尽力做到有休止处的地方就要换气癌需要的时候可以换气，以及有必管乐作品中跟其他所有音乐形式作品相同的情况显性休止也会有多种要时部是吸气对音乐的整个流程的演奏和呈现出来的效果都具有重要不同的表现形式。根据不同的表现形态＇休止可以分为五类形式。当其出的影响作用。那么若是在教学的环节里为要注意教学生气息交换的方现在句前或者句尾的时候，并且出现具有一定的规律陛，则可以给整个作式。休止所处的位置和时问进行气息交换时有以下几种方式：２．１句首或者句尾处品 —种平衡的美感。当其出现在一种亩潮的阶段或者声音｛；强的时候处于．突发的出现形式就会使音乐的流动暂时性的受到控制，营造—种对于时值比较长的休止符来说 —般是自然换气的位置。在句首或者可以作为句读的划分标志和换气的最佳时期。在换气的时候，即将出现新的高潮的变化感。当休止以一种独立的形态出现在乐段的中句尾的位置，间的时候此时能够起到情感表达的效果，以其独特的静默的方式营造传要根据明示出的句读的指示进行，吸气的速度和力度要考虑到音乐的进达感情的美感。重复的出现在乐曲的同—位置Ｅ通过不同的速度和力量行总和谐的进行气息交换。的改变可以体现出—种变化美。当它出现在—种特定的位置Ｅ＇并且出现２２句中或者句尾较长处时具有一定的规整性就能够与有声的音符构成较固定的节奏音型，充分在没有明确的标出休止符的时候藏者乐旬比较长的时候换气的最佳时间就是在长音的演奏停顿时。能够做到准确和迅速的换气＇１句结的表现出音乐演奏过程中１．２隐性休止束的长音上彳诡时间的陕速换气。２３力度变化之处在管乐的演奏中措面上没有标出的休止就是隐陛的休止。隐的休ＩＥ根据不同的句法或者节拍也会呈现出不同的停顿效果，所以在隐眭指的是在隐ｆ生沐止处，和形成重音之演奏要有力度上的改变，这时改善节奏’ 达到理想的音乐效果。休止中也有多种不同的类型。１．．２１由奏法形成的隐ｆ林ｌＥ。（１蜥奏：断奏就需要断奏形成休止３结论法指的是具有与连音相反的并且音与音之间是断开形态的演奏方式。在通过对以上休止的各方面的描述，可以证明休止在管乐演奏中具有用断奏演奏的时候它的实际的秭寸｛觇比音符的时值要短的。通过不司的断开的程度斯音也有三种不同的表现形式，即一般断音、短断音和次重要的意义它是音响的瞬间停顿Ｉ也值－把握节奏效：果的重要控制者。对于来觇它为演奏者在演奏过程中进行气息交换作出了基础性断音。断音的实际演奏时值就是音符上加点的—般为时值的一半。在音无声的休Ｉ符— 助口小三角的短断音则为四分之一。在音符上方连线加点的则约为音作用ｉ＝迂￡ Ⅱ ＝确的把握气息交换的方法，并结合起一定的理解和情感就能休止对于管乐演奏的意义和价值也能符时值的四分之三左右。所以，断奏法的音符具有不同的程度的休止，也因完美的演绎出有韵律的音乐作品，为乐器的种类导致的发音机功能不同所以对于演奏者来说在演奏的过够得以充分的体现出来。参考文献程中处理各种音的断开时值的效果也是多种多样的。在音符的上１悸金菁．论钢琴室内乐的演奏太原：山西大学２０１２或下面加入短横线进行标记的方式，是来表示凑足音符或者和弦的时值ｆ２１王鸯双簧管演奏中的呼吸运用与音乐表现［Ｄ］．上海上海音乐学Ｉ￣￣２０１０．的方式。这种隋况经常会在有断音的乐句或者片段里面出现舴用就是引ｌ『３ｌ］陈正星．管乐演奏胸腹式呼吸训练技巧初探口］．音乐时空２０１４．起管乐的演奏者的注意。如果是在演奏的很多连续保持音的时候那么其４１王墨涵产业论坛

持续音技法的演化和延展

持续音技法的演化和延展作者：金宏兆育来源：《乐府新声·沈阳音乐学院学报》 2018年第3期[ 内容提要] 从持续音技法的产生到逐渐运用到器乐作品的创作中，从持续音原始形态的使用到逐步发展成为结构音乐的新思维，一系列演化和延展的过程，使得持续音技法成为了贯穿“共性”与“个性”音乐创作时期都必然要触及的标志性创作技法。

[ 关键词] 持续音/ 模仿/ 音响造型中图分类号：J614.5 文献标识码：A 文章编号：1001-5736(2018)03-0094-7引言纵观现今国内音乐专业院校的作曲课程和配器课程教学中，大凡都会涉及“持续音技法”写作的内容，但真正有针对性的深入探讨和研究器乐作品中持续音的相关技法往往不甚详尽，并且疏于归纳。

某些专著和教材中也凸显了在这部分薄弱、狭隘的局限性。

有关于“持续音技法”方面的探讨，在配器和创作领域的研究与作曲技术理论其它门类相比（常见于和声学与复调学领域中）国内已公开发表的论文专著相对较少，而关于器乐作品中持续音技法研究的课题及科研成果则更是寥寥。

偶有一些研究成果就持续音技法在器乐作品中的表现形态研究而言，虽有所提及，但往往只是点到为止，并未真正从创作与配器的角度将其延展和演化过程对这一技法进行深入研究。

本文以持续音技法在若干器乐作品中的表现形态、演化和延展为主轴，以其雏形、巴洛克、古典主义、浪漫主义、序列音乐、简约主义等二十世纪的器乐作品为主要分析对象，深入探索和阐述器乐作品中的持续音技法运用特征，力求探寻其发展过程中演化和延展中的多重形态与变迁，以及对创作、配器过程中产生的作用与意义。

作为器乐作品创作的技法之一，持续音“在管弦乐法中占有非常特殊与独立的地位”[1]，其特有的织体形态是器乐作品重要的组成因素。

前苏联莫斯科国立音乐学院配器教研室的带头人瓦西连科的专著《交响配器法》于1950 年完成，上、下卷共三册，其中《拉弦乐器组在管弦乐中的各种持续音配置法》（第一卷第一章第十节）和《管弦乐的持续音》[1]（第二卷第八章）中较为详尽的就持续音这一问题予以阐述。

管弦乐编曲技巧范文

管弦乐编曲技巧范文1.对旋律进行改编和扩展。

在编曲过程中，可以对原曲的旋律进行改编和扩展，以增加管弦乐队的表现力。

可以通过增加音符、改变音程、增加装饰音等方式来实现，但要保持对原旋律的尊重和承认，确保编曲后的旋律依然清晰而有韵律感。

2.利用合适的和弦进行编曲。

合适的和弦是管弦乐编曲中非常重要的因素，它们可以让乐曲的基调更加鲜明和丰富。

在选择和弦时，可以根据原曲的音高和情感来进行推导。

一般来说，可以选择在旋律下方不同的音符上叠加和弦，以增强旋律的表现力。

3.选取合适的乐器组合和演奏技巧。

在管弦乐编曲中，选择合适的乐器组合和演奏技巧对于乐曲的效果和演奏质量至关重要。

可以根据乐队成员手中的乐器来进行选择，同时也要考虑到每种乐器的音色特点和重要程度。

在选择演奏技巧时，可以结合原曲的情感和氛围来进行决定，以达到更好的效果。

4.控制音量和平衡。

在管弦乐编曲中，控制音量和平衡可以使乐曲更加和谐和完整。

需要注意的是，不同乐器的音量和音色在演奏中各有特点，必须进行合理的平衡。

同时，要根据乐曲中的不同部分和情感变化来控制整体音色和音量的变化，以增加音乐的表现力。

5.添加合适的间奏和过渡部分。

在编曲过程中，可以根据需要添加一些合适的间奏和过渡部分，以便更好地连接各个乐曲部分和增加整体编曲的连贯性。

可以在过渡部分中运用一些技巧，如仿音、模糊节奏、渐弱渐强等，以增加乐曲的变化和张力。

6.利用合适的变调和变速。

在编曲过程中，根据需要可以利用变调和变速来增加乐曲的多样性和表现力。

变调可以使乐曲的音域更广阔，同时也可以改变旋律的情感色彩。

变速则可以增加乐曲的快慢和节奏变化，以增加乐曲的动感和张力。

培养古筝“持续感”需要注意什么问题

培养古筝“持续感”需要注意什么问题弹奏古琴修养中培养“持续感”是非常重要的，那么在培养“持续感”的时候需要注意些什么呢?下面就是小编为大家整理的培养“持续感”注意的问题，希望对大家有所帮助!培养持续感注意的问题1、心要静不可浮躁，不能只听音不求韵。

2、起指要慢，就是当两个手指先后按弦时，要尽量做到后一个音未出现，按前一个音的手指不动，保持余音不断的情况下有机地与后一个音联起来。

3、不能用两指交替，必须起指变换音位的时候可采用前一个音氵(注下)，后一个音卜上(绰上)，其目的就是让前一个音弱下去，后一个音由弱到强自然联起来，这样音与音的衔接就不会硬梆梆的不协调，同时还可避免突然中断出现休止符。

4、多弦连续取音的问题，它是一种技巧问题，一般采用“一指按多弦”和“蛇行鹤步”技法处理。

一指按多弦，一般有两种，一种是临近两弦连续音，用一指按两弦上下滑动或连弹两音;另一种是三根弦以上，手指可以同时按多根弦，这样出音的效果自然连贯无间隙。

古筝的起源早在公元前5世纪至公元前3世纪的战国时代，就在当时的秦国(现陕西)一带广泛流传，又名秦筝。

算起来，它已经有2500年以上的历史了。

古筝是一件古老的中国民族乐器，一共10级。

战国时期盛行于“秦”地，司马迁的《史记》所记载《李斯列传.谏逐客书》中所引资料，颇有值得我们注意的地方。

李斯《谏逐客书中》述及秦国乐舞的一段说：“夫击瓮，叩缶、弹筝、搏髀，而歌呜呜快耳者真秦之声也。

郑卫桑间，韶虞、武象者，异国之乐也。

也有说法为，筝是战国时的一种兵器，用于竖着挥起打敌人还有一句古话叫“筝横为乐，立地成兵”。

后来在上面加上琴弦，拨动时发现悦耳动听，于是发展成乐器。

随着时间的推移，兵器也越来越轻便，筝这种体形庞大、质量不轻的兵器就被遗弃了。

所以眼下人们见到的筝都是以0乐器的形式出现的，形态优美，并附有装饰。

汉代应邵《风俗通》载文：筝，“谨5按《礼乐记》，五弦，筑身也。

今并、凉二州筝形如瑟，不知谁所改作也。

乐器演奏中的音乐细节处理技巧

乐器演奏中的音乐细节处理技巧音乐是一门艺术，而乐器演奏则是音乐的一种表达形式。

对于乐器演奏者来说，掌握音乐细节处理技巧至关重要。

音乐细节是指乐曲中的各种琐碎而微小的音符和音响效果，对演奏者的表演水平和音乐感受力提出了要求。

本文将探讨乐器演奏中的音乐细节处理技巧。

1. 强弱音符的处理强弱音符是乐曲中的重点音符，使音乐更具动感和动力。

在演奏过程中，对强弱音符的处理需要把握好气息控制和音量变化，以营造出动态的表现。

演奏者应通过合适的呼吸方式，使强弱音符的表现更加饱满和自然。

2. 连音与断音的处理连音是将多个相邻的音符连接起来连贯演奏，断音则是强调每个音符之间的间隔感。

在处理连音与断音时，演奏者需要掌握好音符之间的连贯性和停顿的准确性。

通过适当的延长或缩短间隔时间，可以使乐曲更具个性和表现力。

3. 音色变化的处理乐器演奏时，能够灵活运用不同的音色变化是提升演奏技巧的关键。

通过音色变化，可以使音乐表达更加丰富多样，增加乐曲的层次感和色彩感。

演奏者需熟练掌握不同的音色技巧，如弓强弱、气息吹奏的变化等，以达到更好的音乐效果。

4. 节奏与速度的处理节奏是音乐的灵魂，正确处理节奏能够使乐曲更加紧凑和有力。

演奏者需要准确掌握乐曲的节奏变化和速度变化，通过适当的加速和延缓，使乐曲更富有韵律感和变化性。

同时，在演奏过程中，注意节奏的准确性和稳定性也是至关重要的。

5. 表情与情感的处理音乐是情感的表达，演奏者在演奏时，需要适当地表达乐曲中的情感和意境。

演奏者应注重对音乐的感悟和理解，通过技巧的运用和音乐语言的表达，使乐曲更具感染力和艺术性。

同时，注重细节处理，如音符的音色变化、用音的长短来表达情感等，也能使演奏更加生动和感人。

综上所述，乐器演奏中的音乐细节处理技巧是提升演奏水平和表现力的关键。

演奏者应通过不断的练习和体验，熟练掌握强弱音符的处理、连音与断音的表现、音色变化的运用、节奏与速度的掌握以及表情与情感的表达等技巧，以达到更高水平的音乐演奏。

音乐编曲知识：如何在编曲中处理乐器间的节奏延迟

音乐编曲知识：如何在编曲中处理乐器间的节奏延迟在乐器演奏中，不同乐器之间存在着一定程度的节奏延迟，这对于乐曲编曲来说是一个非常重要的问题。

在编曲过程中，如何处理乐器间的节奏延迟，是每个编曲人员都需要面对的一个难题。

本文将从以下几个方面探讨如何在编曲中处理乐器间的节奏延迟。

一、了解乐器间的节奏延迟在处理乐器间的节奏延迟之前，首先需要了解乐器间的节奏延迟。

乐器演奏时，不同的乐器每一个音符的演奏速度和力度都可能不同，因此不同乐器的声音到达听者的耳朵所需的时间也会存在差异。

在乐曲编曲时，应当先了解不同乐器间的节奏延迟情况，以此为基础进行编曲。

二、使用打击乐器强化节奏在编曲时，可以使用打击乐器来强化整个乐曲的节奏感。

打击乐器的声音一般都比较清晰有力，容易突出整个乐曲的节奏感。

在编曲时，可以将打击乐器的节奏置于整个乐曲的前面，让其他乐器的声音与之对应，以此来减少乐器间的节奏延迟。

在使用打击乐器强化节奏时，需要注意不要让打击乐器的声音过于抢眼，而是要融入整个乐曲中。

三、适当调整乐器的演奏速度和力度在乐器演奏时，乐手通常会根据自己的感觉来演奏每一个音符，不同乐手的演奏速度和力度可能会存在差异。

在编曲时，可以适当调整乐器的演奏速度和力度来减少乐器间的节奏延迟。

比如在弦乐演奏时，可以适当延长某些音符的时长，让不同的弦乐乐手能够更加协调地演奏。

在管乐演奏时，可以适当加重某些音符的力度，让不同的管乐乐手演奏更加统一。

四、合理安排乐器的空间位置在编曲时，可以合理安排乐器的空间位置，以此来减少乐器间的节奏延迟。

比如在管弦乐队的演奏中，可以将节奏强的乐器放在前面，而将节奏弱的乐器放在后面，让整个乐曲的节奏感更加明显。

在录制乐曲时，也需要合理安排乐器的录制距离，让每个乐器的声音能够协调地结合在一起。

五、使用数字化编曲工具在数字化编曲领域，有很多编曲软件可以帮助我们处理乐器间的节奏延迟。

比如在Cubase和Logic Pro等软件中，可以通过调整时间轨和强度来实现乐器间的协同，从而减少乐器间的节奏延迟。

管弦乐音乐问题探究

管弦乐音乐问题探究【摘要】随着我国社会经济的进步，人民生活水平的提升，人们对精神文化追求越来越高。

尤其是在音乐欣赏能力上在不断上升，提高管弦乐音乐问题探究，可以更好的满足我国音乐发展的需求，促进管弦乐音乐的进步。

本文通过对管弦乐音乐问题进行相应的探讨和研究，找到更加科学的发展方法，提升管弦音乐的质量和水平。

【关键词】管弦乐；艺术特性；问题研究；发展策略0前言在我们所熟知的音乐形式中，管弦音乐以其独特的魅力征服了许多的听众，赢得世人的欢迎。

它作为古典音乐的重要组成部分之一，向人们展现了它独一无二的特色，在音乐表现上以及音响的动态方面都显示出它的强大，因此它具有很强的艺术欣赏价值，能够给听众带来不同的音乐感受，让听众在音乐中领悟音乐的情感，与作曲家形成音乐共鸣。

随着音乐艺术的发展和进步，管弦音乐不仅仅能够展现古典音乐，同样也可以应用到现代音乐的演奏中，从而提升现代音乐的感染力，增加音乐文化深度，帮助听众找到心灵感触，最终达到管弦音乐演奏的目的，为管弦音乐创新与发展提供强大的动力。

1管弦音乐的定义在我们传统的意识中，认为管弦乐就是指欧洲古典交响音乐，它离我们的生活比较远。

但是实际生活中，我们无时无刻不在接触者管弦音乐，比如手机音乐、电视音乐甚至是影视作品中的音乐，都能够看到管弦音乐的影子。

管弦音乐作为一种演奏形式，它能够充分表达音乐中的思想情感，能够展现出作曲家内心的想法，提升听众对曲子的理解，最终达到管弦音乐演奏的目的。

在管弦音乐的演奏中，主要是由大型的管弦乐器集体演奏，从而达到更加良好的演奏效果。

但是在乐器的配置之中也要遵循一定的规则，这样演奏出的音乐才更有效果，在这样的演奏中不仅包含木管组乐器，同时还包含铜管组，通过这样的演奏可以将音乐更加完美的演绎出来，提升音乐的魅力。

管弦乐器不仅包括国外的，同时也包括国内的，尤其是近些年来，我国民族文化的发展壮大，带动了我国民族管弦乐的发展，为中国民族管弦乐的发展提供良好的环境。

乐理知识：持续音的各种应用

乐理知识：持续音的各种应用乐理知识：持续音的各种应用音乐中所使用的音并不是杂乱无章的，它们是人们在长期的音乐实践中为了表现自己的生活和思想感情而特意挑选出来的。

这些音被组成为一个固定的体系，用来表现音乐思想和塑造音乐形象。

1、属持续音的应用属持续音具有属功能的作用，它的应用使音乐保持不稳定与开放性的效果，并倾向于主和弦。

(1)、属持续音用于乐曲的引子部分，保持不稳定的作用，引出主题。

(2)、属持续音用于最后结束的主和弦之前，增长不稳定的倾向，延伸不稳定的和声，准备最后的结束。

(3)、属持续音用于新的段落、新的主题出现之前，用新调的属持续音作准备。

(4)、属持续音用于主题再现之前，在经过了调性与和声的发展后，进入主调的属持续音，准备回到原调性。

(5)、在小型乐曲的中部，为了保持其不稳定性，用属持续音作为和声基础。

2、主持续音的应用主持续音具有主功能的意义，起明确主音或主调的作用，有稳定的效果。

(1)、主持续音应用于乐曲的开始处，用以强调调性的呈示与和声的'稳定。

(2)、主持续音应用于乐曲的结尾或尾声处，可作为结束主和弦的延伸，在主持续音的基础上，音乐做补充、呼应，加强结束的作用;在主持续音保持的时间内，可向下属系统和声做离调进行;在较长的尾声中，和声可以做较大的发展，这时的主持续音则起保持主和弦的稳定与结束作用，并明确结构上的尾声意义。

(3)、主、属五度双音持续的原则与主持续音相同。

但持续音的和声效果增强，主功能的作用更加明显。

3、持续音的应用(1)、持续音是和声功能的延伸，因此在持续音的开始处与结束处，都应是和弦音。

而在持续音延续的过程中，随着其他声部和声的变化，持续音可以用和弦外音。

(2)、应用主持续音时，开始与结束都应是主和弦。

应用属持续音时，它的开始可为终止式四六和弦(K46)或者属和弦，结束为属和弦。

(3)、持续音一般开始于强拍，结束于弱拍，从强拍进入其他音;在结构内部的持续音，有时可以在强拍上结束，从弱拍开始进入其他音。

持续音的各种应用

持续音的各种应用介绍持续音是指音符或和弦在一定时间内保持不变的音乐元素。

在音乐中，持续音具有重要的作用，并被广泛应用于各种音乐风格和场景中。

本文将介绍持续音在音乐中的各种应用，包括背景音乐、和声、环境音效等。

背景音乐在电影、电视剧、广播剧以及游戏等媒体作品中，背景音乐起到了衬托和增强情绪的作用。

而持续音在背景音乐中的应用非常普遍。

通过使用持续音，可以创造出一种持续的音乐氛围，使观众或玩家更加沉浸式地体验作品。

例如，在悬疑片中，持续音常常使用低沉的合成器音色，并保持相对稳定的音高和音强，营造出一种紧张、神秘的氛围。

而在浪漫片中，持续音一般选择轻柔的钢琴或弦乐器音色，用于渲染爱情的甜蜜和柔情。

和声在音乐的和声中，持续音也扮演着重要的角色。

在和声中，持续音可以通过稳定的声部或和弦来提供稳定的音乐基调，并与其他音乐元素进行和声处理。

在古典音乐中，常见的和声规则要求每个声部在进行时应尽量保持和声的连续性，即不产生断裂感。

持续音在此情况下常用于填充和声间隙，起到连接不同音符和和弦的作用，使声部之间的音乐流动更加平滑。

环境音效除了背景音乐和和声，持续音在环境音效中也有着广泛的应用。

环境音效主要用于模拟特定场景或环境中的音响效果，例如雨声、风声、海浪声等。

持续音在环境音效中可以用来模拟这些自然环境中持续存在的声音。

在电子游戏中，环境音效经常被用来增强玩家的沉浸感。

通过使用持续音，可以营造出一个真实且连续的游戏世界。

例如，当玩家探索森林地图时，持续音可以模拟鸟鸣声、树叶沙沙声等自然环境音效，使玩家感觉仿佛身临其境。

总结持续音在音乐中的应用非常广泛，无论是作为背景音乐、和声还是环境音效，都发挥着重要的作用。

通过使用持续音，可以创造出不同的音乐氛围，并增强作品的情感表达。

无论是在电影、电视剧、游戏中，还是在日常音乐欣赏中，我们都可以感受到持续音带给我们的音乐体验。

希望本文能够帮助读者更好地理解持续音的各种应用，并在音乐创作或欣赏中运用到其中。

论巴松管练习与演奏中出现的问题及对策

论巴松管练习与演奏中出现的问题及对策一、作曲家简介及乐曲分析（一）作曲家韋伯简介韦伯（Weber，1786年-1826年），德国作曲家、浪漫主义早期的代表人物。

韦伯出生于戏剧之家，对德国民间音乐有着很深的体验。

韦伯作为钢琴演奏家，拥有一双可以轻松地弹奏十度内的四部和声的大手，他的演奏风格亲切而富于技巧。

（二）乐曲简要分析《F大调协奏曲》创作于1811年。

在这个时期正处于作曲家韦伯的事业的低谷期，在1807年到1811年，21岁的韦伯仅仅创作了一部歌剧和两部交响乐，这对一个创作者无疑是巨大的打击。

1811年对于慕尼黑的宫廷演奏员无疑是一个值得纪念的日子，因为正是这一年韦伯为其中的大管演奏员谱写了这首流传至今已经200多年的《F 大调协奏曲》，并且这首曲子奠定了韦伯在大管乐曲创作者中无可动摇的地位。

《F大调协奏曲》第一乐章为奏鸣曲式、四四拍、ff力度、采用双呈示部的手法。

由呈示部第一音乐主题气势磅礴的旋律转到优美的第二呈示部主题。

在第一乐章韦伯采用了大量的8分附点音型，这一音型构成了呈示部主部强硬雄伟的主题，因此我们在实际演奏时，这一附点音型里的附点可以当做“休止”来处理，以凸显果断强硬的音乐性格与呈示部的副部相对比。

这首乐曲的创作采用了基础的运指连线、气息的强弱处理以及大量的持续断奏。

而持续的吐音断奏对于大管演奏者来说是需要着重攻克的难关，正如《现代乐器学》中对大管“吐音”奏法的评价是：“在这方面，巴松管似乎没有遇到过能与之匹敌的了.....”。

除此以外并无太大技术难度，但对演奏者的基本功（长音、音阶、吐音）的要求极为严格。

例如第一乐章的主题通过二分音符与之后的装饰音、八分附点音符的配合来塑造其辉煌、宏伟的音乐形象。

乐曲中的上下行连音，以及之后的快速吐音与运指结合的旋律线条，演奏者在练习时，要着重注意手指与舌头的高度配合，以达到吐音的清晰和旋律线条的流畅，在处理强奏记号时不要使用过多力量的吐音造成旋律的突然“失重”，应使用软音头快速渐强的演奏方法来处理音头。