书法学习方法

书法学习方法书法学习方法1、书法学习需要时间的保证。

虽然书法讲究悟性、天赋，这些先天的东西其实个人都差不了多少，最终还是落实到比耐心，比时间的投入上。

耐心就是要做好长时间默默无闻的准备，深刻领会书法的精神，要对书法有感觉，或者说要“来电”。

这个需要很多时间的投入，去不断的领会的。

2、学书法要深入传统，只有深入传统，真正领会了传统的精神，才会深切爱上书法。

传统对于当代来说，不是枯涸的，它的资源仍然新鲜、活泼。

对于传统的挖掘程度和理解的不同，可以开出不同的书法走向。

3、清代的碑学运动，传统的说法都认为在帖学系统之外建立了另外一个不同的审美世界。

其实，碑学虽然讲究奇趣、古趣，他们的格调和品质仍然是在传统之中的，可以说仍然符合传统文人书法的审美的。

我们看清末民初的碑学大家，如康有为、沈曾植、于右任等等，他们的书法突破了传统帖学，但是格调和品质仍然依归传统。

我相信，书法同绘画一样，绘画强调所描绘对象的品格的塑造。

比如说画松，就要具备松的品格。

这个都是客观的对象所具有的基本品质。

书法也是一样，我们写的汉字，每个字也都具有基本的品质，书法也是要把这种品质展现出来。

而现代的一些学碑的书法家，认为奇趣就是变形，于是书法的取法对象走向民间化便成了众向所趋。

这种对形式感的过分强调，其实是完全损害了书法的核心精神，即现代的书法丢掉了格调和品质。

4、书法的正脉乃是魏晋以来到明清书法名家构成的巨大的谱系，就是帖学系统，包括帖学的笔法以及帖学所崇尚的审美价值，即格调和品质。

但是帖学在宋以后为什么衰弱了呢？具体原因有很多。

其一：范本的差异性太大。

刻帖的流行一方面扩大书法群体，而一方面也引起了诸多误会和混乱。

刻帖的不断翻刻，离原本会越来越远，后人学刻帖，难免有雾里看花的遗憾。

这个是资料的限制，而我们现在的信息时代，完全可以突破古人资料匮乏的尴尬局面，这个可以说是我们学书法的有利条件。

其二：宋以后楷书的意识太强，可以说深刻影响了行草书的创作和审美。

从唐代那时候开始，中国的文字就在走规范化道路，这个大概和印刷术有关系。

唐之前，文本的流传都是靠手工抄写来完成，对于每个阅读者来说，每一个文字都是新鲜的、不同的。

但是在唐以后，印刷术的流行，带来了美术字在印刷行业的大量运用。

美术字就是规范字，如宋体，虽然刻工的不同会让规范字有所差异，但是总体来说，规范字确立了一个标准的书体形式。

对于阅读者来说，天天接触的就是这些一模一样的标准形式，这种规范字的阅读，深刻影响了书法家对于书法创作的理解。

这些规范的字体会逐渐在阅读者的心里造成一种心理定势——字的某种写法就是完美的，字的笔画安排符合某种规范就是完美的，等等等等。

而这些心理定势在魏晋人那里根本没有。

魏晋时代的书法远绍汉代。

汉代到魏晋这几百年中，成熟的书体不是楷书，而是草书。

也就是说，魏晋人学书法，面对的是一个成熟的草书系统，而不是如宋以后，面对的是一个成熟的唐楷系统。

这样差距就出来了。

草书对于楷书来说，更加自由开放，从草书化到行书，行书必定具有草书的品格。

所谓古法，就是一套从草书中化出来的笔法系统。

而宋以后，学书先学楷书的做法成了书法的常识，也可以说是偏见。

我们一开始就被灌输规范化的审美。

这种审美的最终结果就是馆阁体的出现。

明清的帖学笼罩在馆阁体的阴影之下，奄奄一息。

帖学的最后一位大家就是明代的董其昌。

但是，我们看到董的书法结构平正（正是楷书影响的结果），笔法单调。

唯一出色的就是墨法和格调。

而到了清代，更没有帖学大家。

对于我们来说，困难也许更大。

我们面对的是极其规范的'阅读文字，同时离魏晋时代有千年的距离。

这些都给我们领会古法造成了困难。

5、那么如何领会古法呢？最重要的是资料一定要丰富。

这个可以说是我们的优势。

比如说，学习唐楷，必须废除清代对唐楷的歪曲。

我们可以参看日本流传下来的诸多书法作品。

比如说日本空海和尚的作品中更多的保留了颜真卿的笔法；在嵯峨天皇的书迹中，我们看到了经典的欧阳询笔法，比欧书《千字文》要活泼的多、精彩的多。

这些书迹对于我们理解唐人的笔法有着重要的意义。

又比如说《兰亭序》，冯承素的摹本现在流传最广，大家对《兰亭序》的误解也最深。

冯的摹本解体固然潇洒，但是毕竟是钩摹出来的，不是写出来的，露锋太多，显得尖刻和做作。

有些笔画明显是违反运笔规律的，是假的笔画。

学习《兰亭》如果不能认识到这一点，那就很麻烦。

所以，从某种意义上说，禇遂良、虞世南的临本远比冯摹本和定武本重要。

尤其是禇遂良的临本，值得好好研究。

因为它是书写的结果，保留了更多唐人的笔法。

虽然结构风神不如冯本潇洒，但是线条更真实。

6、学书法一定要占有丰富的资料，可以互相比勘。

我们占据的资料多于古人，这个是我们时代的优势。

但是，我们的资料更多的是印刷品，于是问题又来了。

印刷品说到底还是二手资料，虽然比刻帖要好的多，但是对于理解古人书法还是存在着一定的差距。

所以要看真迹，这个非常重要。

多比勘资料，多观摩真迹，我们就能发现原来被我们深刻误解的东西。

比如说《伯远帖》，我们看印刷品觉得非常精彩。

但是上次我去上博参观的时候，发现《伯远帖》的线条居然这么软弱，这个让我很吃惊。

7、接下来讲书法学习问题。

要学好书法需要全面的训练，最基本的就是技巧的训练和积累。

技巧说到底就是练笔性。

这个需要手的灵活性和控制笔锋的能力。

所谓全面的技巧训练，就是要拓宽手的敏感度。

书法经过历史的积累，技巧非常多。

但是真正能被书法家吸收和运用的也不过十多种。

但是对于学习者来说，要扩大技巧训练的范围，不要局限于几种技巧的训练。

广泛的接触、涉猎，最终找到适合自己生理和心理的技巧。

而真正丰富的技巧在二王的书法体系中得到最全面的保留。

8、五种书体各有各的技巧要求，或多或少。

论技巧的变化、复杂和难度，行草的技巧要求更多，也更难。

但这个不是说技法相对简单的篆、隶、楷不重要。

相反，这些静态书法的研习对于我们掌握动态书法（行、草）有着重要的意义。

林散之先生是当代草书大家，他成功的基础是隶书。

老先生每天悬腕写隶书，慢悠悠的。

这种对笔的控制力和稳定性的学习对他的草书影响巨大。

而相反，我们看到现代的一些书家，专好写草书，线条打滑，留不住笔，明显是静态书法的功力不够。

所以说，技巧的训练要全面。

五种书体的学习可以同时展开。

即把静态书法和动态书法的学习结合起来。

学会每种书体用不同的状态书写。

美院那边还有一种方法，同样的一个内容，用同一种书体，尝试用不同的状态来表达，这种训练难度更高，但也更有效。

9、技巧和人文。

记得前几年，国美和南艺的书法教学有过争论。

在国美一方，讲究完全解剖技巧，“逼真模仿”，这种精微训练见效快。

而南艺讲究长远的修为，见效慢。

当然，对于我们来说，完全可以结合两种学习的方法。

首先，学习书法一定要学会运用理性剖析作品。

国美的方法很适合。

其次要对书法作品保持新鲜感。

如果一件书法作品换不起你的感觉，一是作品肯定没有深度，二是你自己缺少深度。

比如对于二王尺牍，需要经常产生新意，就是新鲜感，才能不断深入。

王字可以说大有文章可做。

最后，当技巧掌握到一定程度，必然要加强人文、品格等等方面的修养。

10、学书法对于整个书法史发展脉络要有清晰的把握。

我们之所以说晋、唐是中国书法史上的两座高峰，就是因为书写在那个时候保持了最自由、最本真的状态。

前面说过，印刷术带来的美术规范字对宋以后的书写产生了重大影响。

在晋、唐时代，书法家的书写思维和现代人完全不一样。

我们学传统，尤其是学宋以前的书法，就是要打破自己对文字的“意象”，就是说要突破深藏在自己潜意识中的规范的美术字审美定势。

如果我们带着这种潜意识去欣赏晋、唐人的作品，会发现很多奇怪的地方，也就是说超出了我们想象之外。

这些奇怪的地方对于古人来说是顺理成章的，对我们来说却是不可理解的。

原因就是我们被固定的规范框住了。

学习传统，尤其是学习宋以前的传统，说到底就是要打破原来的思路、规范（打破单一的美术字结构），如此才能真正理解古人。

11、“逼真临摹”非常重要，就是要达到伪造的地步。

很多人以为临摹只要抓住大概，他们自称是书法的“气韵”、“神”等等。

其实，所有的气韵神采都是建立在笔墨的基础上的。

如果笔墨无法达到或者接近古人，大谈“遗形取神”等等都是空洞无物的。

所以，在临摹的开始，要无条件的服从古人。

要抓住古代作品中丰富多彩的差异性来临摹。

比如说，对于一些奇异的结构，很多人会认为是偶然的效果，不必在意。

其实这些偶然也透露了一种必然。

我建议都要临，临的越像越好。

也许一开始觉得很难，难就对了，那是因为我们日常的规矩、定势在作怪。

我们总是想把古人的作品在临摹中套入自己的规范体系中。

这样就麻烦了。

你越是重复，规范就越牢固。

到最后，临摹只是加深了自己的偏见，而没有突破。

精细临摹古人作品就是要突破我们被美术字深刻影响的规范意识。

12、二王的书法体系笔墨要素更完善。

从中可以学到非常多的东西。

说二王是中国书法的源头，是有道理的。

深刻理解了二王，再学其以后的东西，会有“一览众山小”的畅快感。

13、要掌握“八面出锋”的运笔方法，就是要加强用笔的丰富性、灵活性。

切忌笔锋偏在一边，这样字容易薄；也要忌讳把笔当作刷子一样使用，那会让线条变得单调乏味。