绘画艺术论文范文3篇

绘画艺术论⽂范⽂3篇
民间绘画艺术论⽂
⼀、传承民间绘画艺术的重要意义
随着科学技术的快速发展，对于艺术设计也产⽣了⾮常重⼤的影响。

特别是由于信息技术的发展，使艺术设计能够在全球范围内进⾏交流和合作，推动了艺术设计的发展。

对于我国的艺术设计来说，其发展过程相对⽐较晚，在艺术设计的教育⽅法和理念上还不够成熟，较多地引⽤和借鉴西⽅的教学内容和⽅法，使我国的艺术设计⼈员在艺术设计理念上受到的相关影响⽐较⼤。

在⼀定程度上忽略了民族传统艺术⽂化的教育和吸收，使部分设计者的作品缺乏⾜够的内涵和意蕴，在设计风格上往往关注表⾯形式，对中国传统艺术的风格和意境的把握⽐较⽋缺，使艺术设计缺乏中国的⽂化特⾊。

相对也影响了艺术设计的道路和⽅法，使很多⼈认为艺术设计的⽅法相对⽐较单调。

要想改变这种局⾯，就应当重视我国的传统⽂化，其中民间的绘画艺术对于我国的艺术设计来说具有深远的影响，⼴⼤艺术设计者可以从中得到丰厚的精神⾷粮。

为了有效拓宽艺术设计的道路，创建出具有中国特⾊和⽂化的艺术设计。

应当在艺术设计中注意对我国传统⽂化的吸收，对我国民间的绘画艺术做好传承⼯作，将民间的绘画艺术和现代的艺术设计实现有机结合。

在艺术设计中要强调民族艺术和民族⽂化的内涵，民族⽂化是我国进⾏艺术创作的瑰宝和营养，它包含了民族长期积累的审美观念、思想情感、道德观念等内容，它们和艺术设计具有千丝万缕的关系。

艺术设计从某种⾓度上说，也是⽂化的展⽰，艺术设计的美感也是和民族⽂化具有⾮常紧密的联系，它也是⽂化另外的⼀种传播⽅式。

在我们⽂化和世界⽂化交流⽇益频繁的今天，中国的艺术设计如果要想得到别⼈的赏识，就必须重视民族⽂化在艺术设计中的参与，特别是传统的民间绘画艺术，它是我国民族艺⼈经过⼀代⼜⼀代的艺术积累发展到了今天，包含了祖先的智慧和审美观念，也具有特殊的美学内涵。

只有加强中国民族⽂化和现代设计风格的结合，使传统的设计观念得到相应的体现和发展，才能在国际艺术设计中提⾼我国艺术设计的地位。

我国民间绘画艺术是中华民族优秀的⽂化遗产，具有独特的艺术魅⼒和丰富的表现形式，表现出了鲜明的民族特⾊，直接反映出了民间的⽣活，在艺术风格上也呈现出多样性的特点，对我国现代的艺术设计具有⾮常重要的影响。

在我国很多设计成功的艺术品中，例如标志设计、产品包装设计、⼴告设计等设计中，都能够看到民间绘画艺术的⾝影，可以看到民间绘画艺术对我国的艺术设计具有⾮常重要的影响。

在民间绘画中，通常⽤⼀些象征、⽐喻的⼿法，例如⽤灵芝、桃⼦、松、鹤等来象征长寿；⽤牡丹象征富贵；⽤⽵象征平安；⽤⽯榴、葫芦等象征多⼦；⽤龙、凤象征吉祥。

如果在现代的艺术设计中能够把传统的绘画艺术渗⼊到其中，就容易被中国⼈接受，相应的也拓宽了艺术设计的道路和内容。

传统的民间绘画艺术在我国的现代设计中已经得到了⽐较⼴泛的应⽤，⽽且也出现了⾮常成功的作品，例如⽐较有名的北京王府井饭店标志，当我们看到这个标志时，就会从内⼼感到中国传统的艺术⽂化，⼜能够感受到现代的艺术设计的⽓息。

⼆、加强民族⽂化的渗⼊，不断拓宽艺术设计的道路
我国的民族⽂化经过⼏千年的发展，具有⾮常丰富的内涵和内容。

民族⽂化具有⼀定的共性⼜有历史性，也具有社会性和多样性的特点。

我国民族的多样性，也相对地造就了民族⽂化的多样性，特别是在民间的绘画艺术⽅⾯表现得突出，其民族性和地域性特别强，不同的地⽅都有特⾊的绘画艺术和作品，这是历史和社会发展的必然。

对于少数民族来说，由于其在历史发展中特殊的发展道路和图腾崇拜，其绘画艺术更加的富有民族特⾊，这种民族特点在世界范围内都是⾮常独特的，如果艺术设计者能够主动地吸收和借鉴他们的民族特⾊，将会⼤⼤地扩展⾃⼰的艺术道路和⽣命，也能够设计出具有⽣命⼒的艺术品。

各个民族的绘画艺术是艺术设计中⽤之不竭的艺术源泉，传统的民间绘画艺术具有⾮常的⽣活性，它和⼴⼤⼈民的⽣活具有⾮常⼴泛的联系，这种联系相应地⼜反馈到绘画艺术创作中，所以民间的绘画艺术具有艺术和⽣活等⽅⾯的内涵，在民间的绘画作品中都包含了其设计者对⽣命、⾃然、世界的看法和理解，例如在我国原始社会中的陶罐上发现的⽐较简单的线条绘画，这种绘画⽅式具有⾮常单⼀的原始性，但是它准确地反映出了当时的⽣产⼒的特点和⼈们在⽣活中的审美情趣，甚⾄也包含了他们的⽣活态度。

在传统的绘画作品中都体现了创作者在特定的时代下的⽣活观念、态度和情感，这些艺术创作往往具有⾮常强的原创性，可以成为艺术设计者的艺术之源。

在我国传统的民间绘画艺术中⾮常重视意境的表达，这是我国传统绘画艺术中的瑰宝，也是中国传统的绘画艺术和西⽅绘画艺术之间的重⼤差别。

在我国民间的绘画艺术中，艺术家都不断地寻找能够符合⾃然和内⼼交融的绘画⽅式，在绘画的过程中，不断追求符合⾃然的韵味和情趣，这和中国⼈的思想观念具有重要的关系，特别是道家思想对中国⼈的影响——那就是道法⾃然，追求⼈和⾃然的和谐，使绘画艺术和⼈的内⼼的情感表达也表现出⾃然的韵味，将绘画艺术推向更深的层次美，特别是对于意境的追求和把握成为了千百年来我国绘画艺术不断推崇的最⾼点。

中国民间的绘画艺术常常能够把艺术、哲学等融合到其中，使艺术品具有深刻的思想深度和独特的美感。

从我国远古时期的绘画艺术中，就体现出了中国⼈对⼤⾃然、对天的敬畏和向往，例如在西安半坡出⼟的《⼈⾯鱼纹彩陶盆》，不仅反映出了当时⽣产⽔平的低下，对于绘画颜料的选⽤单调，同时也通过⿊和⽩的利⽤，恰当地表现出了当时⼈们天⼈合⼀的哲学观念。

在我国的民间绘画艺术中，在表现形式的选择上重视对“意”的表达，对于具体
的“实”则相对⽐较忽略，重视绘画艺术的意象的表达，不注重对客观事物的详细描绘。

在艺术设计中，把现代的艺术设计和我国的传统艺术结合，可以使设计的作品获得隽永、永恒的价值，这在我国的⼀些经典的艺术作品中已经得到了体现，它们常常得到了观赏者很⾼的审美评价和赞叹，同时也使我国传统的民间艺术受到了前所未有的重视和青睐。

在艺术设计中特别重视艺术品的⾸创性，所以对艺术设计的个性化要求⽐较⾼。

在艺术设计中不仅要具有世界性，也要具有民族性，民族的也是世界的。

如果要想实现世界性，就必然在艺术设计中包含和概括了民族性的⽂化，所以实现了世界性也相应地实现了民族性。

在艺术设计中，只有个性化的作品，只有民族性的艺术作品才能在世界范围内得到认可和认同。

在现代的艺术设计中，要重视从传统的民间艺术中汲取营养，重视对传统民间艺术的学习和对传统民间艺术的积累，这对于我国艺术设计师来说具有⾮常重要的意义。

因为好的艺术设计作品⾸先是⼀种⽂化的展⽰，是设计师内⼼⽂化的体现，这种⽂化⼜渗透了⼀个民族的美感选择，这种美感不是突然迸发的，它来⾃于对我国传统艺术⽂化的吸收和积累，来⾃于设计师⾃⾝的⽂化修养和内⼼的涵养。

如果中国
的艺术设计要想表现出独特的艺术风格和特⾊，提⾼中国设计在世界艺术设计中的地位和影响，就要重视对民间传统艺术⽂化的继承，特别是我国民间的绘画艺术，包含了特殊的历史和⽂化，是我们民族艺术发展中的宝贵财富，需要正确地对待和传承。

三、结语
我们的民间绘画艺术经过长时间的积累和发展，具有独特的民族风采，包含了丰富的⽂化内涵，是我们民族精神的象征。

在现代艺术设计中，应当重视对传统的民间艺术⽂化的传承和吸收，使它们能够在新的时代下焕发出新的活⼒，同时在艺术设计中加强对传统的民间绘画艺术的渗透和学习，也可以丰富艺术设计的内容，进⽽拓宽了艺术设计的道路，对于我国现代的艺术设计来说具有重要的现实意义。

作者：傅强单位：漳州城市职业学院艺术系
⽯鲁绘画艺术论⽂
⼀、⽯鲁绘画艺术的创作特征分析
（⼀）⽤墨⽤⾊
⽯鲁曾多次谈论中国画的墨与⾊问题，他认为：“墨是中国画调⼦上最⾼的，但墨⾊太盛，画的情趣就会消失。

因此，⾊也是可以追求的。

”他还指出：“中国画可以在民族审美的基础上适当吸收西⽅油画⾊彩强烈、丰富的效果。

”以此来表露新时期中国画的时代精神。

通过对⽯鲁作品的归纳、分析，笔者认为，⽯鲁的⽤墨⽤⾊思想可以从以下三个⽅⾯予以理解：⼀是⽯鲁在坚持以墨为主、以⾊为辅的传统墨⾊关系基础上，做到了“⾊不碍墨”。

他认为⽆论是以⾊破墨还是以墨破⾊都是不可取
的，“⾊”与“墨”在⽓韵上应当具有独⽴性，这样更加有利于构建相辅相成的关系，也才能真正保持中国画的欣赏价值。

例如，创作于上世纪60年代的⼭⽔画作品《⾼原放牧》《秋收》《上⼯图》等都是“⾊墨浑然，各顶半天”的典范。

在这⼏幅作品
中，“⾊”与“墨”均没有“拔尖”的现象，⽽是随着⽑笔的提按顿挫相互融合、相互渗透，⾃然衔接到了⼀起，呈现出了“墨有宝⽓、⾊含光韵”的效果。

⼆是⽯鲁的中国画⽤⾊强调“对⽐⾊”“观念⾊”的运⽤，⽽⾮简单的⾃然界⾊彩照搬。

他认为画家要想创作出“有情之画”，就要根据画⾯美感和⾃⾝对⾃然界的领悟添加“⾮⾃然之⾊”或“理想⾊彩”，这样的作品最能⾛近群众，也最能打动⼈⼼。

以他在西安美协巡回展上创作的作品《秋收》为例，⽯鲁为了表现陕北秋收的景⾊，选取了傍晚⼣阳斜照的瞬间作为素材画⾯，⽽后创造性地以墨调⾊，以⾊调墨，使雄浑的黄⼟⾼原和⾦黄⾊的庄稼、橘红⾊的晚霞相映成⽚，整幅作品⽤⾊恣意洒脱、⾊彩鲜明、令⼈叫绝。

三是⽯鲁在中国画选⾊⽅⾯有所创新，开始⼤胆尝试西⽅油画中绚烂丰富的⾊彩。

⾃幼通晓中外的⽯鲁选⾊思想⼗分开放，他顺应20世纪西⽅美术的光⾊潮流，⽤兼容并蓄的选⾊理念提升画⾯的视觉效果，增强中国画的⾊彩张⼒。

以他创作于建国初期的作品《幸福婚姻》为例，画家在这部作品中充分借鉴了西⽅绘画中⾊彩明暗对⽐的⼿法，选择了⼟黄与湖蓝、草绿与朱红相互调和，这种⼤跨度的冷暖对⽐、⾊调对⽐令整幅作品呈现出了开朗、活泼的效果，⼗分令⼈玩味。

（⼆）笔法皴法
笔法和皴法是中国画特有的造型⽅式，也是形成中国画意境的最重要⼿段。

⽯鲁认为，笔法和皴法“当随情绪之抑扬、空间之虚实，⾃然⽽然，⼀⽓呵成”，画家要“出笔有法、皴擦得当”，如此⽅能实现中国画“虚中有实、实中有虚”的意境。

下⾯笔者就分别从笔法和皴法两⽅⾯详细探讨⽯鲁的绘画精神。

⾸先来看⽯鲁绘画中的笔法。

⽯鲁在⽤笔时讲求“写”⽽⾮“描”，所谓“写”就是以书法的⽤笔对待中国画的⽤笔。

具体是指，画家要在起笔和收笔时完全放开，像书写笔画⼀样勾勒线条，“欲左先右，欲右先左”，使得“⾛笔之处，锋藏其中”。

这样待到⽔墨⼲透，笔锋就会⾃然呈现出⼲湿浓淡、或虚或实、或轻或重的变化。

这⼀笔法思想在⽯鲁创作的成熟时期很常见，当时他创作的花鸟画、动物画等均采⽤了这种“书法⽤笔”。

在这些作品中，⽯鲁只⽤寥寥数笔就将荷花、兰花、⽑驴、猫等物象的形态特征刻画了出来，形象⽣动、独富韵味。

以他1974年的作品《荷⾬图》为例，⽯鲁以写⾛笔，每⼀笔都写出了荷花形态中粗细、浓淡、枯湿的微妙变化。

⾦⽯般厚重劲拙的笔法⼀扫传统荷花中国画的娇柔脆弱，呈现出⼀种锋芒毕露、铁⾻铮铮的意蕴。

其次来看⽯鲁绘画中的皴法。

在皴法⽅⾯，⽯鲁以中国画史为借鉴，补以⾃⼰对肌理、地貌、墨性的理解，创造了⼀种崭新的皴擦⽅式。

⽯鲁早期中国画的皴法主要以线条勾勒轮廓，⽽后敷⾊，随着绘画技术的提⾼和创新理念的增强，他为了全⾯表现物象的脉络、纹路、质地、阴阳、凹凸、向背，开始探索⼀种全新的皴法，即他将朱砂浓墨作为皴法的原料，突破了画史上已经定型的各种皴法形式，开创了独特的“⽯鲁皴”。

我们所熟知的作品《⾚岩映碧流》《逆流过禹门》《南泥湾途中》等都是“⽯鲁皴”应⽤的代表作。

下⾯笔者就以《⾚岩映碧流》为例进⾏简要说明，在这幅作品中，⽯鲁以颜料直接皴擦的⽅式对⼭⽯进⾏上⾊，这就使得作品的⾊彩更为浓重、纹理更为粗犷，充分体现出了岩⽯的质感及霞光映照下的光感，令⼈观者沉浸于画⾯之中。

（三）以印⼊画
以印⼊画是⽯鲁中国画创作的独有⽅式，也是他作品中最⼤的特⾊。

纵观他的作品，许多都是各种各样印章“画”出来的。

要详细了解⽯鲁以印⼊画的创作特⾊，我们需要以1968年为界划分为两个阶段：在1968年以前，⽯鲁以印⼊画的作品⼤都选择了印章直接加盖的形式。

这些印章多是出⾃时任⼭西省美术家协会主席的柯璜之⼿，此时的印章印⽂也较为统⼀，⼤都是“磊磊落落”“长安芦屋”“⽯鲁所画”等。

⽽后，柯璜离世，正式改变了⽯鲁以印⼊画的⽅式，促使其“印章中国画”步⼊了下⼀阶段。

⽯鲁以印⼊画的后⼀阶段从1968年开始，这时的他由于痛失知⾳柯璜，没有现成的印章素材，开始了⾃⼰画印的创作历程。

此时的印⽂由于脱离了“刻印”⽽变得更为⾃由，⼏乎没有任何⼀幅画的印章印⽂是相同的。

同时，印章的⼤⼩形状也完全脱离了传统理念，⽯鲁在作画时随⼼所欲地对印章的外形进⾏安排，使之能够适合更多物象的塑造。

以他“印画”的代表作《花鸟鱼⾍长卷•局部》为例，画⾯中⽯鲁描绘了许多异形印章，弧形的代表明⽉，长条形的代表酒桌，除此之外还有形如酒壶和酒杯的
印章等。

半具象半抽象、似⽂⾮⽂、似图⾮图的印章出现在⼀幅画⾯中，共同构成了⼀派情趣盎然的⽉夜对饮图，令⼈拍案叫绝。

⼆、结语
通过以上对⽯鲁绘画艺术创作特征的分析，我们可以看出⽯鲁先⽣在中国画创作道路上既秉承了前⼈的经典理念，⼜借鉴了西⽅油画技法的精髓，同时还融⼊⾃⼰对于绘画语⾔的理解，才形成了他独树⼀帜的风格个性。

作为当代美术教育⼯作者，我们不但要学习⽯鲁先⽣技法上的成功之处，更要学习他为⼈⽅⾯的优秀品质，努⼒提⾼⾃⼰的绘画技艺和审美⽔平。

作者：尹红
维斯绘画艺术论⽂
⼀、光⾊特征
光⾊运⽤是维斯绘画艺术中最为世⼈所瞩⽬的成就。

在他的笔下，光影和⾊彩的处理不再只是表现事物外形的⼯具，更承担着营造画⾯氛围、突出作品主题、表达画家情感的重要作⽤。

下⾯笔者分别从光影处理和⾊彩处理两⽅⾯进⾏具体说明。

⾸先来看光影处理。

在维斯的作品中，光影不再只是物体表达的附属品，⽽成为了具有强烈“主观意识”的情感表现元素。

维斯通过对光线和影⼦或明、或暗的处理调节着画⾯的整体⽓氛，实现了作品意境的传达。

以《1946年冬天》为例，奔跑的男孩⼉⾝后拖着⼀团模糊、阴暗的⿊⾊影⼦，维斯借此表达了⽗亲去世对⾃⼰长久的打击，渲染了画⾯痛苦和孤独的⽓氛。

其次来看⾊彩处理。

维斯在⾊彩的处理上讲求厚重、沉静，这同他孤独的个性和不幸的经历有关。

纵观他的作品，我们可以发现暗褐⾊、黄褐⾊、砖红⾊、靛蓝⾊、⿊⾊等厚重的⾊彩经常被⽤于⼈物和景⾊的描绘，甚⾄成了维斯作品的标志性⾊彩。

这些⾊彩渲染着画⾯孤寂的氛围，同样也表现了画家不屈的⼈格。

如维斯的代表作《克⾥斯蒂娜的世界》，画⾯中除了主⼈公克⾥斯蒂娜的⾐服是淡粉⾊的，草坪、房屋等都被维斯施以了暗⾊系，黄褐⾊的草地、暗灰的房屋营造了⼀种荒凉、伤感的⽓氛，同时突出了主⼈公坚韧的品格。

⼆、构图特征
构图是画家对画⾯的处理和安排，同时也是画家对包括形、⾊在内的所有因素进⾏统⼀整合的过程。

在构图⽅⾯，维斯对当时盛⾏的极端现代主义不感兴趣，⽽是根据画⾯情感的需要选择构图⽅式。

具体来讲，维斯绘画的构图特征主要表现在两个⽅⾯。

⼀是简约的构图整体效果。

维斯绘画作品构图的最⼤特点就是简洁，他认为不饰繁杂的物体布局能够突出中⼼思想，给观者留下更为深刻的印象。

以维斯创作于1941年的作品《狄尔修的农庄》为例，画⾯中，他只选择了⼀颗枯树作为主体对象，整幅画除了作为背景的远⼭和湖⽔外再⽆他物。

这种极简的构图形式有效地突出了枯树破败却坚强的形态特征，很好地迎合了整幅作品要表达的主题。

⼆是构图中主体位置和数量的相对固定。

在构图时，维斯通常将画⾯主体安排在画幅的中间靠下的位置，⽽且只放置⼀个单独的⼈物或物体，⽽后才在画⾯上部开始其他⾮主要元素的绘制。

这种相对固定的构图是维斯长久实践的结果，同时也是他内⼼世界的真实写照。

他认为这种构图安排能够给⼈以旷远、孤寂的感觉，适合⾃⼰⼤部分的题材表现。

同样以维斯代表作《克⾥斯蒂娜的世界》为例，在这幅画中，维斯将主⼈公克⾥斯蒂娜放置在画幅稍靠下的位置，⽽后在上部绘制空旷的⼭坡和远处低矮、破旧的房⼦。

整幅作品悲凉的⽓氛被这种构图形式完全体现出来，令观者久久回味。

三、造型特征
造型是绘画艺术中各种元素外形表达的基础。

维斯作为现代艺术的造型⾼⼿，既讲求以简洁凝练、清晰明确的造型刻画物象，⼜崇尚造型对画家内⼼世界的表达。

下⾯笔者具体分析维斯绘画的造型特征。

⾸先来看简洁凝练的造型追求。

上⽂已经提到维斯对构图的要求之⼀就是简洁，同样，为了配合这种构图，突出事物最本质的特点，维斯在造型⽅⾯也要求尽量做到清晰、凝练。

以他创作的⽔彩画《远⽅》为例，画⾯描绘了维斯幼⼦吉⽶坐在草地上的情景。

在对吉⽶这⼀主体对象造型时，维斯选择了最简单的服装搭配和最单纯的⾯部表情，深⾊的外套和靴⼦、平静安详的表情赋予了整个画⾯⼀种沉静之美，给观者留下了⽆限的想象空间。

其次来看传达内⼼的造型追求。

维斯的绘画艺术虽然是对客观世界的描绘，但这并不影响他对⾃⾝主观世界的表达。

造型作为最具象的绘画元素，常被维斯⽤来传递内⼼情感和主观愿望。

以他创作于1964年的作品《爱国者》为例，维斯主观地将画⾯主⼈公拉菲•克兰的造型换成光头，同时设计了他两眼含泪斜视远⽅的神态。

他认为这样的造型⽅能表达出⼀个爱国⽼兵的精神和⽓质，也更能传达作品尊重⽣命、尊重和平的主题。

通过以上笔者对奈维尔•维斯绘画艺术创作特征的分析，我们可以看出，维斯在题材选择上主张关注现实、关注⼈民，在光⾊运⽤上追求光⾊同画⾯氛围的有机结合，在构图上崇尚简洁、单纯，在造型上专注于现实和内⼼。

作为当代美术⼯作者，我们要深⼊学习维斯的绘画思想，努⼒在实践中找到运⽤的契合点，以为当代中国绘画注⼊新鲜的⾎液。

作者：王永波单位：内蒙古民族⼤学美术学院
注：本⽂为⽹友上传，不代表本站观点，与本站⽴场⽆关。

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