自-审美自律(第五课【第二单元辉煌的美术历程】)

审美自律 (第五课【第二单元辉煌的美术历程】）‘ﻫ教学目标了解美术风格和形式的发展逻辑；理解美术作品是如何表达艺术家的个人感受与独特的形式之美的;了解中国的书法和文人画的主要观念和基本的发展规律；了解19世纪西方艺术的几个代表流派:新古典主义、浪漫主义、印象派。

ﻫ学习活动分析ﻫ本课共安排了两个活动,目的是分别用中国和西方的美术作品来考察形式演变的规律,也就是继承和创新之间的关系，教师可以结合教材内容以及“思考与交流”灵活安排。

ﻫ第一个活动主要是让学生理解中国美术作品中形式和风格的继承和变化。

这个活动可以和第38页的“思考与交流”结合起来进行。

该“思考与交流”中用来分析各个时期山水画空间表现方式的示意图来自方闻的《心印》一书,有条件的话，教师可以找来帮助消化教材内容。

根据该书三种空间表现方式的划分标准，米友仁的《潇湘奇观图》应该属于第二个阶段。

但这种划分不一定非常准确,带有较强的主观性。

另外要注意的是,这种分析仅仅是作品欣赏和比较的一个方面，不能因此而忽略了笔墨技法上更加明显的差异。

第二个活动通过对印象派画家莫奈的作品、现场照片以及透纳作品的比较,让学生较为具体和感性地理解绘画形式的演变现象。

两件作品都只关注纯粹的光—色现象，尤其是阳光透过雾气的生动景象，而不太注意物象的立体空间效果，也没有明确清晰的轮廓，这就跟传统的绘画拉开了很大的距离;但是莫奈的作品更注重色彩的准确和生动，笔触也更加放纵,我们甚至可以清楚地看到他的笔画痕迹。

可以说,透纳为新的绘画形式打开了一个缺口，而莫奈则充分发挥了透纳作品中的可能性。

通过这样的比较,学生就会理解绘画形式是如何按照自己的逻辑一步步演变的。

教学基本思路
本课教学主要是让学生理解审美自律这一概念的内涵,并且了解这一趋势在美术领域的反映，对艺术家的创作又产生了哪些方面的影响。

在教学过程中，可以充分利用教材提供的材料,有针对性地引导学生分析作品，帮助学生理解艺术风格的发展变化和艺术家的个性、情绪以及独特的审美观念对作品的重要影响。

主要运用比较鉴赏法,使学生通过直观的认识来把握教材内容。

教学材料分析
教材主要包括三个方面的内容:１.审美自律现象和个人风格的出现。

2．审美自律在中国书法和文人画中的体现。

3.欧洲19世纪几个有代表性的美术流派的创作观念和风格特征。

“审美自律”包括两个方面的含义:一是指艺术家不是为某一个阶级、社会团体或者其他人从事创作，而完全从个人的兴趣出发，强调一种个性化的表达，同时在作品的视觉形式方面也无需屈从于公众的审美品位；二是美术的风格发展和演变有着自己的内在规律，不受外界社会因素的干扰。

这两个方面是相互联系的,因为只有当艺术家具有独立的人格和地位，才有可能自由地探索自己个性化的形式语言。

但是，应该指出的是,尽管艺术家想获得创作上的充分自由，他们毕竟不是活在真空中,所以在风格上总是要继承前人的东西，然后再加以发展。

ﻫ在中国，这类创作心态主要体现在书法和自北宋中期逐步发展起来的文人画上。

在书法方面，教材列举了王羲之的作品《兰亭序》，使学生体会艺术家的情绪对书法创作所产生的影响。

也就是说，中国的书法并不是呆板的“写字”，而是受书法家情绪支配的艺术创作。

只有创作者的情绪参与其中,才能够达到一种酣畅淋漓、一气呵成的效果。

关于文人画,需要注意的是这么几个方面:1.美术家的身份。

他们不是职业画家,而是一些具有很高修养的文人、官员。

2.创作态度。

正因为他们不是职业画家,所以创作对他们来说只是一种业余的消遣和娱乐，只是为了表达自己的感受,而不是为了赚钱或者取悦于人。

3．风格上强调个性化的语言。

教材对北宋画家郭熙的作品《早春图》和米芾之子米友仁的作品《潇湘奇观图》进行了比较,大体上可以看出宫廷职业画家和文人画家之间的这些差别。

这种身份上的差异如果要落实到画面风格上来,就有必要让学生理解这样一些形式特征：例如郭熙的作品构图是刻意安排的，树木山石都比较写实而米友仁的作品无论是用笔还是构图都比较随意自由，而且也不太计较画得像不像。

ﻫ在欧洲,艺术家对个人风格的追求主要是从１９世纪以来的法国开始的。

有一些富于革新精神的艺术家反对当时官方美术学院所规定的绘画程式,试图开辟艺术发展的新方向。

在这方面,教材首先讲述了安格尔与德拉克洛瓦之间的对立，并且还安排了两个表格来对比新古典主义和浪漫主义的风格特征。

这种比较要突出的是流派和个人风格的差异。

这一部分的另一个内容是印象派,包括它在作画方式上的变化和主要的创作观念。

19世纪的法国画坛风格变化非常剧烈。

教材通过这些作品试图说明的是绘画越来越贴近个人,例如忠实于自己的眼睛和社会态度，而不计较传统的规范和程式。

这也是“审美自律”的含义之一。

学生在分析绘画时不一定能直接得出这样的结论，必要时教师可以补充一些背景内容，例如当时的艺术市场逐渐成形，美术家不是接受某些机构或个人的订件,而是画好以后挂在画廊里等人来买。

这样的交易方式也有利于美术家的自由发挥。

ﻫ教学建议ﻫ教师在教学过程中要注意加强对学生的引导,把握合适的方向和线索,既不能偏离主题太远，也不要过于为主题所束缚，影响学生思考和探索的积极性。

所谓个人风格,是通过比较来确定的。

因此本课需要对一些具体的作品进行对比分析。

这种分析着眼于两个方面,即延续性和差异性。

我们说某些艺术家创作的主要出发点是表达个人的感受，追求个性，这并不是说他们不需要参考和学习别人的技巧和方法;只是从“审美自律”的角度来看,他们自由发挥的程度要大一些。

这可能是需要向学生说明的。

书法和文人画是中国传统艺术的精华，这里只能做一个非常粗略的介绍，教师可以根据自己和学生的实际情况做一些补充。

也可以跟以前学过的一些作品进一步进行比较，让学生更深入了解文人画的特点。

教材安排的“活动建议”和“思考与交流”是为引导学生注意某些作品的特定方面，但并不意味着这些作品只能从一个角度来理解。

必要时可以适当偏离这些活动所指示的方向，从其他更符合学生实际情况的角度来进行阐释,以激发他们的学习兴趣。

ﻫ另外,教材用表格的形式列出了一些作品和流派之间的差别，注意不要太拘泥于字句，而要引导学生将文字描述落实到具体的画面上来。

ﻫ本课建议用2课时来完成教学。

第1课时分析中国美术的发展情况，第２课时分析外国美术的发展情况。

从传统到现代 (第六课【第二单元辉煌的美术历程】）
［学习任务]学习任务
教学目标
从传统到现代了解东西方文化的碰撞对中国艺术的发展产生的影响和中国美术走向“现代”的一些主要表现形式;了解西方现代主义的一些主要流派和代表艺术家；了解现代美术作品如何借鉴传统形式;学会用个案分析的方法来研究绘画作品。

学习活动分析
本课共安排了三个活动,教师可以结合教材内容以及“思考与交流”来安排。

第一个活动要求学生找出具体美术作品中的“现代”因素,需要学生作稍微深入一点的思考。

如果先完成第42页的“思考与交流”，这个活动可能会容易些。

(该“思考与交流”的参考答案是:3;4；2；1。

）教材中列出的画种主要有油画、中国画、年画。

所谓“现代”的因素，在20世纪的中国美术中主要是指西方的影响,其主要内容包括题材、素描的明暗法、透视、人物的比例结构、写实性的色彩和造型、平面化的结构块面等。

可以引导学生从这些方面来观察。

第二个活动要求学生根据范例对林风眠的《樱花小鸟》进行个案分析。

活动之前，最好让学生对范例有充分的理解，这样才能找到一些切入点，收到事半功倍的效果，否则学生会觉得很茫然。

尽管如此，这个活动可能还是有一定难度，因为学生对中西方的美术资源尤其是林风眠的绘画发展过程不一定很熟悉。

范例把《白衣女》的形式因素归为线条、姿势、造型三个方面,这对于《樱花小鸟》也有参考价值。

例如前者对线条的分析也可以适当移植到后者中来。

此外要注意的是樱花的立体感和画面的色彩和韵律。

第三个活动同样是个案分析。

跟“活动建议二”一样，操作时最好也让学生先消化范例的内容。

《泉》的分析可以分为观念和形式两个方面，观念是指现成品，教材提供了一张图片，表明杜尚在1913年已经用过现成的自行车轮。

形式的因素包括曲线和三角形造型、白色等。

实际上这件作品在形式方面的意义是相对次要的,因为其最大的影响是把现成的东西当做艺术作品来展出，从而引发了美术观念上的一场革命。

教学基本思路
本课的内容是美术“现代化”的问题,实际上主要体现在形式的变革上。

由于教材安排了几个活动来帮助学生理解这方面的内容,所以需要扣住这根主线。

可以有意识地让学生先对教材内容和所提供的图片有一个初步的了解和大致的印象,然后引导他们对具体的作品进行深入的分析,理解形式变革的重要意义。

由于现代派美术作品跟传统的美术作品有较大的差异,有必要先让学生放下成见,尽量试图理解其意义。

在这个过程中,可以为他们提供一些必要的背景知识，尤其是中国和西方美术在“现代化”过程中所处的不同情境、各自需要解决的问题以及相互之间的影响。

教学材料分析
本课主要讲述的是中西方美术的“现代化”问题。

中国部分的主要内容是：1.东西方文化碰撞对中国美术现代化的影响。

2.年画的现代化。

3.中国画的改革
与创新。

4．素描、油画等美术门类的改革与创新。

西方的主要内容则是一些有代表性的现代美术流派及其主要作品。

自2０世纪以来,东西方文化的碰撞对中国传统美术提出了挑战,但同时也
给美术的发展提供了新的契机，导致中国美术发生根本性的变革。

教材主要从中国传统的美术形式——年画、中国画以及来自西方的油画、素描等角度分析了这个进程是如何展开的。

ﻫ年画是中国的一个古老的美术门类，而且与人们的日常生活有着极为密切的联系。

在这个方面，教材主要通过对西方文化进入中国之后出现的年画和解放区年画的分析,阐明了年画在表现题材、艺术形式和技巧等方面的变化,以及这些变化与社会文化背景之间的联系。

西方文化进入中国之后,年画一改过去那种仅仅与迷信或老百姓追求吉祥的心态相联系的面貌,而把一些新生事物纳入了表现范围,在材料和技巧上也有了很大的变化。

在20世纪40年代的陕北解放区,艺术家们把宣传党的思想和表现解放区的生活纳入到年画创作,制作了一批有代表性的年画作品。

这些作品在创作过程中,悉心听取群众的意见，不断加以改进。

如教材谈到的艺术家改变西方木刻明暗造型(老百姓称之为阴阳脸)的方法,用阳刻线条来表现形象的例子就是如此。

从年画的发展历程中我们不难发现,年画作为一种传统的民间美术形式在现代社会中也不断地变革自身,出现了用传统的表现形式表现新的题材（“旧瓶装新酒”)或者把新的材料、新的技巧纳入到这一传统美术门类（“输血”）的现象。

中国画也是一个重要的传统美术门类，不过在元明清时期，文人画的兴起使中国画的创作逐渐走向了“曲高和寡”的境地，无论是在绘画的主题、形象和技巧方面都是如此。

它变成了艺术家抒发个人情感的一种艺术形式，而社会意义则较少被关注。

20世纪以来，中国画这一民族文化的象征如何同现代社会接轨一直是艺术界的一个重要话题。

教材谈到了陈独秀提出的“美术革命”，即利用西洋绘画技法来改良中国画的主张是20世纪最有代表性的观念。

很多艺术家都在努力实践这一观念,即走一条中西合璧的道路——既保留民族的艺术形式又吸收西方的表现方法。

在这方面较有代表性的是林风眠、吴冠中等艺术家。

[资料］教学资料
苹果与橘子（法国)塞尚
塞尚（Ｐａul Cezanｎe １839～1906) 是后期印象派的主将，从19世纪末便被推崇为“新艺术之父”，作为现代艺术的先驱，西方现代画家称他为“现代艺术之父”或“现代绘画之父”，可见塞尚对艺术革新所起的作用。

塞尚生于法国南部的埃克斯一个富商和银行家家庭。

父亲要他学法律，他却坚持学绘画，考巴黎美术学校未被录取，走的是一条自学成才之路。

曾与一些印象派画家交往,并参加印象派画展，但由于个人粗放的用笔和结实的立体造型，使他很快与其他印象派画家分道扬镳。

父亲去世后他得到一大笔遗产，使他能回法国南部故乡过起长期隐居生活,勤奋刻苦地摸索出一条与印象派迥然不同的艺术道路。

塞尚的艺术与印象派的不同之处在于“莫奈追求的是真实的效果,成为光的‘奴隶’。

塞尚在光之外,更侧重面和物的实际形状。

莫奈追求的是瞬间印象和暂时视觉，塞尚追求的是实在的形体和永恒的视觉”。

所以他不大注意光的表现,认为“光线对绘画来说在本质上是不存在的”。

塞尚一般都在阴天或多云天气外出画风景写生,更多的时间在家里画静物。

他对物体体积感的追求和表现,为“立体派”开
启了不少思路,他独特的主观色彩大大区别于强调客观色彩感觉的大部分画家。

塞尚一生的大半时间，画作是被人贬斥和不承认的，但这并没有动摇他对艺术风格的执著追求，他的静物、肖像、风景的浓厚结构吸引了年轻一代。

1895年画商沃拉为他举办大型展览会，画展受到普遍欢迎。

190４年在秋季沙龙中取得了决定性的胜利,他的“现代艺术之父”的名望也在这时初步确立。

构成（俄罗斯)康定斯基
对康定斯基而言,现实主义（Ｒeａｌｉsｍ）已经是一种过去的艺术,而新的艺术是要给观者更深刻的体验,把观者带入对象的内在情绪中。

1９10~１9１4年，是康定斯基绘画发展中的所谓“戏剧性时期”。

这一阶段他的作品，大多贯以“即兴”或“构成”这样的名字,似乎是在寻求以抽象的语言表现情感及内在精神。

这些被归为“抒情的抽象”风格的作品,大多并不是完全没有可辨的形象的。

这些画中,往往隐约地显现着某种俄罗斯民间传说的图像,反映出画家对其故乡童话所保持的痴迷与神往。

不过这些画中的图像并不清晰易辨。

它们往往只是以某种极简单的线条或色块暗示出来；色块常常涂在轮廓线外，与轮廓不相一致。

因而,这些图像往往被飞舞跳跃的形状及饱满绚丽的色彩所淹没。

色彩与形状通过一定规则的组合，却激发出一种内在的律动,形成一种新的空间概念。

这样，通过色彩、形式和内在的和谐诉诸观者的感官和心灵,最终达到精神的直接交流。

作为抽象主义的代表画家,康定斯基既在创作上做了深度的实践，又在理论上对该风格做了系统的阐述，在1９2６年，他发表了第二部论著《从点和线到面》,进一步把纯抽象因素做了想像的分析，说横线表示冷，竖线表示热等等，同时，其绘画中的抽象因素更为纯化。

康定斯基，俄罗斯画家,1918年十月革命后，他被聘为主管美术的政府部门的工作人员，并担任教职,直到19２1年。

1９20年被任命为莫斯科大学教授。

1921年，他负责建立艺术与科学学院，并任副院长。

同年底，由于他的抽象绘画及其理论与苏维埃政府提倡的社会主义现实主义相矛盾，离开俄国而去柏林。

１９２2年,在德国被聘为设立在魏玛的著名的包豪斯学院教授。

康定斯基这时的艺术活动频繁。

灰色的树（荷兰)蒙德里安ﻫ彼埃·蒙德里安（187２~１94４)生于荷兰阿麦斯福特。

早年曾在阿姆斯特丹艺术院校受过专门培训,189２年取得中学图画教师资格。

1904年前他一直是学院派的现实主义画家。

到了1908年,蒙德里安意识到要在现代艺术中寻求革新，他先试以最单纯的红、黄、蓝、绿等原色刻画森林大树的起伏线条和海上波浪的动势，在以后的几年里,以平面表现手法画了一些教堂和草堆的作品,选色随意,整个画面是红、黄斑点构成的图案。

１910年后，蒙德里安开始崇拜立体主义。

1911年末,这位年近四十岁的艺术家离开祖国来到了巴黎。

当时正值立体派从分析阶段走上立体综合阶段，他被分析派所吸引。

这时他最喜爱的题材是树木、沙丘、海洋、教堂和风车，所有这些正是与他熟悉的荷兰环境密切相关的。

而在这幅《灰色的树》中,他把凡·高的表现性、野兽派色彩的非描述性以及法国新艺术运动的线形图案熔于一炉，使之成为一幅构成型的、造型感强烈的，然而仍是极富独创性的作品。

1912年，蒙德里安已陷入立体主义的块面结构之中。

他在巴黎的最初几年里,由于受到毕加索、勃拉克的分析性立体主义影响,色彩上仅限于灰、绿、赭三种颜色。

尽管如此，即使在他最富立体主义的绘画中,也仍然坚持以纯正面形式来表现。

他很少画物体的倾斜面或加上一点雕塑般的投影，只有那种倾斜面或雕塑般的投影才使法国立体派画家
的作品产生确切而有限的三度空间的实体感。

蒙德里安虽然热衷于立体主义原则，但他已经超规越矩，既不需要主题，也不追求三维视觉的深度感。

随后,他超越了立体派,画树木或房屋几乎全是用线来构成，形象痕迹消失，留下的只是线条的迷宫，是把骨架显示出来的一种高度分析的作品。

新的实验 (第七课【第二单元辉煌的美术历程】)教学目标了解20世纪50年代以来艺术发展的新动向,特别是艺术家在对艺术的看法、艺术作品的创作方法、材料、技巧等方面的变化。

在此基础上,树立一种理性的态度来对待现当代的艺术实验。

学习活动分析本课共安排了两个活动，教师可以结合教材的内容以及“思考与交流”来灵活安排。

这些活动的目的是为了让学生能够更好地理解现当代艺术的形态与观念。

20世纪以来的艺术通常被称之为实验性艺术，主要是因为艺术家打破了原有艺术的界限,不断为艺术寻求新的发展空间。

特别是在第二次世界大战之后,新的创作观念和材料不断被纳入到艺术创作中。

这些艺术形态虽然打破了传统的艺术形式,但是他们并不是不可理喻，而是针对一些问题做出的反应或者对艺术观念的拓展。

在活动过程中,教师要引导学生深入研究教材所列举的图片和相关分析,学会举一反三。

可以采用分小组活动的方法，使学生在集体讨论的基础上确定自己的观点。

对于第一个活动，教师可以建议学生将要进行分类的内容按照教材中所列的五个方面制成图表,然后逐一对号入座。

不过在活动中要注意，实际上某个作品所体现出来的特点可能不止一个方面,所以产生不同的意见也不足为奇。

第二个活动具有一定的综合性,教师在组织这个活动时要先让学生进行比较充分的准备才能够有的放矢。

对于辩论的正方,传统艺术的审美规则不能评价现代实验性艺术，教师可以从几个方面引导学生进行思考：1.传统艺术产生的社会背景是什么？(如农业社会，人们凭借手工业来制造物品、人与自然关系密切、宗教对人们的影响等等)现代艺术产生的社会背景又是什么？（机械化生产,记录、复制形象的方法层出不穷、人与自然的关系较为紧张、寻求自我、张扬个性等等）２．艺术是否只能比较客观地记录物象？（不一定,像中国的书法就是一种抽象性的艺术,而中国明清时期的文人画也摆脱了对物象的客观描摹)照相机、录像设备出现之后，人们是否也可以将这些因素纳入到艺术领域？3．艺术是否应当反映现代社会的生存经验,比如新材料、新的生活环境、新的社会经济文化问题?4.改变过去艺术由手工制作的定义,将生活中的一些普通的物品纳入到艺术领域是否对我们的生活有益？（有一定帮助,拓展我们的审美视野和审美思维) 而对于反方,传统艺术的审美规则可以评价现代实验性艺术，教师可以引导学生从如下问题入手思考:1.从历史角度来看，传统艺术发展的历史有多久,而现代主义发展的历史有多久？2．从艺术标准角度来看，艺术标准的丧失会带来什么问题？（鱼龙混杂,信息量增大)３．从人们的内在感受来看，传统艺术的标准是否已经内化成为人们潜在的评价标准?4．从接受的角度来看，如果不遵循已经被公众所接受的传统艺术的标准，艺术家会不会变成“自言自语”、“自行其是”?这个活动不求最终取得什么一致的意见,关键是要求学生思考并参与其中。

教学基本思路现代实验性艺术的“求新”,主要是相对于传统艺术的观念而言，所以教师在进行本课的教学时，可以采用对比法，将本课内容与前面所讲述的内容进行比较。

在比较的时候，首先要将本课所讲述的内容进行分类，有针对性地找一些作品来进行对比。

分类的方法可以由教师根据教材的内容从几个方面入手,如绘画形象的来源与处理(波洛克依赖自发冲动作画、波普艺术将流行的形象作为灵感来源、拼贴、对古典绘画的挪用与。