油画艺术鉴赏
油画作品《星月夜》艺术特点研究
油画作品《星月夜》艺术特点研究1. 引言1.1 介绍油画作品《星月夜》《星月夜》是荷兰后印象派画家文森特·梵高于1889年创作的一幅油画作品，被视为他最具代表性的作品之一。
这幅作品展现了梵高独特的艺术风格和独特的表现手法，深受人们喜爱和赞赏。
在这幅作品中，梵高运用了丰富的色彩和浓烈的情感，刻画了一个寂静而神秘的夜晚场景。
画面中的星星闪烁，月亮皎洁，让人仿佛置身于一个梦幻般的世界中。
梵高通过对光影的处理和线条的运用，展现了他独特的世界观和艺术感悟。
这幅作品不仅仅是一幅美丽的油画，更是梵高内心世界的一次流露和表达。
通过《星月夜》，我们可以感受到梵高对于生命、自然和宇宙的思考和感悟。
这幅作品不仅是艺术的杰作，更是一次心灵的对话和共鸣。
《星月夜》以其独特的艺术风格和深刻的内涵，成为了艺术史上的经典之作，影响了无数后代艺术家和观众。
它的艺术特点和情感表达，将会被我们长久地铭记和传承下去。
1.2 艺术特点的重要性艺术特点是评价一幅艺术作品的重要标准之一。
通过对作品的艺术特点进行分析，可以帮助观众更好地理解作品所表达的意义和情感，深入感受艺术家的创作理念和艺术价值。
通过对色彩、构图、线条等方面的分析，可以揭示出作品的独特魅力和表现手法，帮助观众更全面地把握作品的艺术内涵。
艺术特点也可以反映出艺术家的个性和风格，帮助观众更好地了解艺术家的创作思路和技法特点。
对艺术作品的艺术特点进行深入研究和分析，不仅可以提升我们的审美能力和艺术鉴赏水平，还可以拓展我们对艺术世界的认识和理解，为我们打开了解艺术作品的新视角和思维方式。
在探讨油画作品《星月夜》的艺术特点时，将有助于我们更深入地欣赏和理解这幅作品，感受到其中蕴含的艺术之美。
2. 正文2.1 作者及背景介绍《星月夜》是荷兰后印象派大师梵高的代表作之一，创作于1889年。
梵高是一位颇具传奇色彩的艺术家，他的一生充满了激情和挣扎，也正是这种内心的冲突和情感的表达在其作品中得到了完美的展现。
画艺网：油画《自由引导人民》鉴赏
油画《自由引导人民》鉴赏
1995年，远在中国北京的艺术家岳敏君，对这幅作品加以篡改，重新演绎了他眼中的群众革命与社会运动。
油画《自由引导人民》原是法国19世纪浪漫主义艺术家欧仁·德拉克罗瓦的代表作，作品以描绘街头巷战和群情激愤的人群，表达了法国大革命这个真实的历史事件。
在岳敏君挪用油画《自由引导人民》里，原作中的神圣感与悲剧气氛没有了，取而代之的是一种调侃、戏谑和把玩的心态：硝烟弥漫的战场被置换成了现代城市的工业废墟.
朗朗晴空下一群刻意重复的“我”，正赤手空拳地效仿着《自由引导人民》里的战斗场景，他们嘻哈的表情，调侃的姿态，将整个气氛消解在了打打闹闹的游戏中，变成了一场极为荒诞的闹剧。
1995年之前的中国，经历过一场大的风暴，整个社会还没有完全从阴影中摆脱出来，便迅速进入了消费时代。
这使得那一时期的中国人，大都处在一种思想真空与精神迷惘的状态。
岳敏君就是在这期间脱颖而出的，他的作品以千篇一律的傻笑为符号，表面上看虽然有些单调、肤浅和无聊，但却深刻地关联着当时的社会背景。
尤其是以自嘲为特征，跳出社会的各种矛盾，来实现对正负两方的双重消解，也为独立自我的重构留有了余地。
父亲艺术鉴赏
画中的人物形象刻画非常生动真 实，无论是面部的皱纹、皮肤的 黝黑，还是手部的细节，都展现 出了罗中立深厚的绘画技艺。这 种写实主义的画风也使得这幅画 具有了极高的真实感和代入感， 让观众仿佛置身于画中人物的生 活之中
从主题上来看，《父亲》揭示了 我国广大农民的生活状态和情感 世界，表达了作者对农民父亲的 深深敬意和怀念。这也使得这幅 画具有了深刻的社会现实意义， 反映了我国农村社会的生活状态 和农民的命运
在技巧方面，罗中立运用了丰富的油画语言来描绘父亲的形象。他巧 妙地运用颜色、笔触和光影等手法来表现人物的形态和情感。通过深 色和浅色的对比运用，突出了父亲的沧桑和疲惫；通过细腻的笔触和 光影效果，表现了父亲皮肤的质感和面部的皱纹；通过对手部细节的 描绘，展现了父亲手部的粗糙和劳累。这些技巧的应用使得这幅画具 有了极高的艺术价值和观赏价值
罗中立父亲艺术鉴赏
从艺术角度来看，《父亲》无疑是一幅非常成功的油画作品。它以其深刻的主 题、精湛的绘画技巧和极高的真实感，成为了中国当代艺术的代表作之一。它 也引领了我国80年代的油画创作潮流，对后来的艺术家们产生了深远的影响
总的来说，《父亲》是一幅非常出色的油画作品，它以一位农夫父亲的形象揭示 了我国农村社会的现实生活和农民的命运。同时，它也展现了罗中立深厚的绘画 技艺和敏锐的社会观察力，对于我国的油画创作和发展具有非常重要的意义
其次，《父亲》对中国当代艺 术产生了深远的影响。它以精 湛的绘画技巧和深刻的社会现 实意义成为了中国当代艺术的 代表作之一。它引领了80年代 的油画创作潮流，启发了许多 艺术家对于社会现实问题的思 考和关注。《父亲》也成为了 中国写实主义油画的代表作品 之一，对于后来的艺术家们产 生了深远的影响
最后，《父亲》成为了中国美 术馆的镇馆之宝之一。自1980 年以来，《父亲》一直是中国 美术馆的重要馆藏之一。它代 表了中国当代艺术的最高水平 之一，
开国大典油画艺术鉴赏100字
开国大典油画艺术鉴赏100字摘要：一、油画《开国大典》简介1.油画作者简介2.创作背景二、油画内容鉴赏1.开国大典场景描绘2.人物形象刻画3.色彩与构图分析三、油画艺术价值1.历史价值2.艺术价值3.社会影响四、结论正文：一、油画《开国大典》简介《开国大典》是新中国第一幅油画，由我国著名画家董希文创作于1952 年。
这幅画描绘了1949 年10 月1 日中华人民共和国成立大典的盛况，具有极高的历史意义和艺术价值。
二、油画内容鉴赏1.开国大典场景描绘《开国大典》油画展现了新中国成立时天安门广场的盛况。
画面中央是毛泽东主席等领导人，背景是鲜艳的五星红旗。
广场上人山人海，人们欢呼雀跃，共同庆祝新中国的诞生。
2.人物形象刻画在画中，毛泽东主席等领导人的形象栩栩如生，展现出了他们在这一伟大历史时刻的豪情壮志。
画中人物的表情、动作各具特点，生动地反映了当时现场的氛围。
3.色彩与构图分析整幅画色彩鲜明，红、黄、蓝等色彩的运用，强化了画面的庄重感和热烈气氛。
构图上，画面以天安门为中心，左右对称，呈现出一种稳定感，体现了新中国成立后的崭新气象。
三、油画艺术价值1.历史价值《开国大典》油画见证了新中国成立这一伟大的历史时刻，成为记录历史的生动画卷。
它让人们能够直观地感受到那个时代的气息，回顾新中国诞生的辉煌历程。
2.艺术价值在艺术上，《开国大典》展示了董希文卓越的绘画技巧。
画面细腻丰富，富有层次感，将历史与艺术完美地结合在一起。
这幅画作为中国油画的代表作之一，为后世留下了丰富的艺术瑰宝。
3.社会影响《开国大典》油画自问世以来，受到了广泛的社会关注。
它不仅成为新中国美术史上的典范之作，还多次作为邮票、纸币等印刷品的设计图案，充分展示了国家的文化底蕴。
油画艺术鉴赏活动策划方案
油画艺术鉴赏活动策划方案一、活动背景与目的油画作为一种重要的艺术形式，具有丰富的表现力和独特的美感，对于培养观众的艺术鉴赏能力和审美情趣具有重要意义。
本次油画艺术鉴赏活动的目的是让参与者更好地了解油画的发展历程、艺术特点和技巧，并通过实际操作和互动交流，进一步提升其对油画艺术的欣赏能力。
二、活动时间与地点1. 活动时间：XX年XX月XX日（星期六），上午9:00-12:002. 活动地点：XX市文化艺术中心大厅三、活动内容安排1. 活动开幕仪式（9:00-9:30）- 主持人致辞：介绍活动背景和目的，向参与者介绍油画艺术的基本概念和发展历程。
- 现场展览：摆放油画作品，展示不同流派和风格的作品，吸引观众的兴趣。
- 名家分享：请邀请一位有丰富油画创作经验的艺术家，分享其创作心得和艺术理念。
2. 油画艺术讲座与互动（9:30-10:30）- 讲座内容：a. 油画的基本知识：介绍油画的材料、工具和技巧，解释油画与其他艺术形式的区别。
b. 油画的发展历程：回顾油画艺术的发展，介绍不同流派和代表作品。
- 演示与互动环节：a. 老师示范：请一位资深油画艺术家进行现场油画创作示范，讲解创作方法和技巧。
b. 参与者操作：为参与者提供油画纸和颜料，让他们亲自尝试使用油画材料进行简单创作。
并由艺术家进行指导和评价。
3. 油画作品展示与评选（10:30-11:30）- 油画作品展示：将参与者的作品摆放在指定的展示区域，给予观众观赏和评价的机会。
- 评选环节：a. 专业评委评选：请邀请专业评委组成评审团队，对参与者的作品进行评选，从中选出优秀作品。
b. 观众评选：设置观众评选环节，让观众对参与者的作品进行投票，选出观众最喜爱的作品。
4. 颁奖仪式与闭幕活动（11:30-12:00）- 优秀作品颁奖：请有关领导或专家为获奖者颁发荣誉证书和奖品。
- 活动总结：对本次活动进行总结，并展望以后的油画艺术鉴赏活动。
四、活动宣传推广1. 媒体宣传：通过报纸、电视、广播等媒体进行活动宣传，吸引更多的观众参与。
油画艺术鉴赏
油画艺术鉴赏摘要：本文主要从内容与形式的关系，色彩，构图，对比的运用，寓意、象征和含蓄及光的运用等五个方面对油画的鉴赏进行了分析。
通过这些鉴赏油画的基本素质的培养，读者可以更加深刻的理解西方油画积极其他艺术，并对中西绘画有更全面的了解及对比。
关键词：油画形式构图色彩光引言：油画是从西方传来的画种，是在与中国传统绘画艺术截然不同的历史条件下形成的，它反映了西方各民族的文化传统和艺术爱好，也反映了审美情趣和美学观，因而有它独特的发展道路。
人们看到油画，并不等于都能欣赏。
由于东西方的艺术积淀，对美的形式感受能力、情感状态、理解力、想象力，以及艺术修养等背景的差异，东方人在鉴赏油画时存在许多障碍。
因此，我们东方人要鉴赏油画，就必须具备与此有关的素养与准备。
正文：一、内容与形式的关系艺术的内容是指作者根据自己的世界观和审美观反映到作品中的社会生活和作者对这种生活的见解和态度，这两方面，或者说是生活内容和思想内容，或者叫作品的题材和主题思想。
艺术的内容的特点是写人，无论是题材还是主题思想都离不开人。
题材包括人物、情节和环境三个方面，三者紧密相关。
艺术的形式包括两个方面，即艺术语言和结构。
不同的艺术种类有不同的艺术语言和结构。
绘画的艺术语言是色彩、线条、面等，结构就是构图。
艺术的特点是形象性。
任何艺术品的形象都由内容和形式两方面构成。
没有内容，形式就无从产生；没有形式，内容也无从体现。
艺术的内容和形式是不可分割的。
艺术的内容和形式既相互区别，又有联系；既是矛盾的，又是统一的。
艺术形象是其内容和形式的矛盾统一，而以内容为主导。
艺术的内容和形式的辩证主义关系表现为：内容决定形式，但形式又反作用于内容；新的内容要求新的形式，但形式又有继承关系；在艺术的发展过程中，要不断克服形式和内容的矛盾，发展和突破旧形式，创造和建立新形式。
二、色彩色彩是绘画中的重要形式因素。
它的变化最为丰富和微妙，也最富于个性和情感意义。
如果没有色彩的话，很难想象我们生活的世界将会变成什么样子，一切都将暗淡无光，一切都将死气沉沉。
开国大典油画艺术鉴赏100字
开国大典油画艺术鉴赏100字
摘要：
一、开国大典油画简介
二、油画创作背景与意义
三、艺术鉴赏要点
四、总结与评价
正文：
【提纲】一、开国大典油画简介
开国大典油画是一幅描绘1949 年10 月1 日中华人民共和国成立场景的历史画。
画家董希文创作于1952 年，该作品以现实主义手法展现了新中国成立的历史时刻，具有很高的艺术价值和历史价值。
【提纲】二、油画创作背景与意义
1.创作背景：1949 年10 月1 日，中华人民共和国在北京天安门广场举行开国大典，标志着新中国的成立。
董希文亲身经历了这一历史时刻，为了纪念这一重大事件，他决定创作一幅油画。
2.意义：开国大典油画不仅记录了新中国成立的难忘时刻，还展现了全国各族人民在中国共产党领导下，为实现民族独立、人民解放和国家富强的伟大事业而努力奋斗的精神风貌。
【提纲】三、艺术鉴赏要点
1.构图：画面以天安门广场为背景，前景是毛泽东等党和国家领导人与群众在一起，形成一个庞大的阶梯式构图。
画面中的人物形象生动、富有动感，
展现了新中国成立的喜庆氛围。
2.色彩：画面的色彩以红、黄为主调，强调了中国红的元素，展现了新中国的繁荣昌盛。
同时，画面中的人物服饰、道具等细节也充满了生活气息，增强了作品的真实感。
3.技法：董希文运用现实主义手法，以精湛的绘画技巧刻画了画面的每一个细节，使作品具有很强的视觉冲击力。
【提纲】四、总结与评价
开国大典油画是新中国美术史上的经典之作，它以独特的艺术手法记录了新中国成立的历史时刻，展现了全国各族人民在中国共产党领导下为实现民族独立、人民解放和国家富强而努力奋斗的精神风貌。
艺术欣赏：西方油画史上最具代表性的作品赏析
艺术欣赏：西方油画史上最具代表性的作品赏析1. 引言：1.1 概述：西方油画是世界艺术史上的重要组成部分，具有悠久而辉煌的历史。
自文艺复兴时期起，西方油画开始迅速发展，并产生了众多具有代表性的作品。
这些作品不仅是艺术家们对现实世界和内心感受的表达，也是历史、文化和审美观念变迁的见证。
1.2 文章结构：本文将从文艺复兴时期开始，逐个时期进行分析与赏析。
首先介绍文艺复兴时期的油画代表作品，接着探讨巴洛克、印象主义、现代艺术以及抽象表现主义等各个时期最具代表性的作品。
最后，总结西方油画史上这些作品赏析的重要性和影响，并对未来油画发展进行展望。
1.3 目的：本文旨在通过对西方油画史上最具代表性作品的赏析，提供读者一个全面了解西方油画发展脉络与特色的机会。
通过深入分析不同时期作品背后所蕴含的思想、技法以及艺术家对时代的回应，读者将更好地理解西方油画的历史演变和艺术风格的多样性。
同时，对于当代艺术爱好者和创作者来说，本文也为他们提供了借鉴和启发。
通过了解过去，我们可以更好地塑造未来。
2. 西方油画史上最具代表性的作品赏析2.1 文艺复兴时期在西方油画史上，文艺复兴时期是一个重要的时期，涌现了许多具有代表性的作品。
其中一幅极具影响力的作品是达·芬奇的《蒙娜丽莎》。
这幅画以其神秘而微笑的女子形象而闻名于世。
通过巧妙运用光影和透视效果，达·芬奇成功地创造了逼真而深邃的形象。
另一幅代表性作品是拉斐尔的《西斯廷教堂》壁画系列，这些壁画描绘了宗教与人类之间的关系，并展示了拉斐尔精湛细腻的绘画技巧。
2.2 巴洛克时期巴洛克时期是西方油画发展过程中一个富有创造力和独特风格的阶段。
卡拉瓦乔是该时期最杰出的艺术家之一，他借助强烈的光暗效果和戏剧性构图，打破传统绘画规则，塑造出别开生面的艺术形象。
其代表作品《星夜》展示了他独特的天才和对个人情感的深刻描绘能力。
同时，巴洛克时期还有一位重要艺术家是鲁本斯，他的作品《春天之娱》以宏伟的画面、丰富细腻的色彩和生动活泼的人物塑造赢得了广泛赞誉。
美术鉴赏油画拾穗者
首先，这幅画提醒我们要尊重自然，珍惜资源。在现代社会中，人们对自然资源的过度开发和浪费现
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象普遍存在，这导致生态环境遭受破坏，自然资源日益枯竭。而《拾穗者》所展现的农妇们对剩余麦 穗的珍惜和拾取，正是对自然和资源的尊重和珍惜。这启示我们要树立环保意识，珍惜自然资源，保
持生态平衡
其次，《拾穗者》呼吁我们回归简单，追求内心的平静和真实。在现代社会中，人们往往被物质所迷
这幅画以其独特的艺术魅力和深 刻的思想内涵，成为了世界艺术 史上的经典之作，对后世产生了 深远的影响。通过《拾穗者》， 我们可以更好地了解米勒的艺术 风格和思想内涵，同时也可以思 考现代社会所面临的问题和挑战， 寻求更好的解决方案
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感谢各位观看
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演讲人：XXX 时间：20XX年XX月XX日
在当今社会，《拾穗者》仍然具有重要的 意义。它提醒着我们关注社会的不平等和 贫困问题，呼吁我们尊重劳动、珍惜资源、 回归自然。这幅画以其独特的艺术魅力和 深刻的社会寓意，成为了世界艺术史上的
经典之作，对后世产生了深远的影响
艺术价值
艺术价值
《拾穗者》的艺术价值主要体现在以下几个方面
艺术价值
独特的风格
此外，《拾穗者》还象征着一种朴素的生活美学。在那个机械化、城 市化的时代，农村生活被视为落后的、原始的。《拾穗者》却通过朴 实无华的画面和深刻的社会寓意，展现了农村生活的美好和价值。它 呼吁人们回归自然、回归简单，追求内心的平静和真实
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结语
结语
《拾穗者》是让·弗朗索瓦·米勒的代表作之一，以其 朴实无华的风格和深刻的社会寓意成为世界艺术史上的 经典之作
态感
深刻的主题
这幅画以农村生活和劳动人民为主题， 通过细致入微的描绘和深刻的寓意，反 映了社会现实问题。这种对社会现实的 关注和批判，使得《拾穗者》具有很高
油画艺术欣赏与鉴赏
油画艺术欣赏与鉴赏油画啊，那可是艺术世界里的一抹绚丽色彩。
就像一场视觉的盛宴，每一幅油画都像是一道精心烹制的菜肴，有着独特的风味。
咱先说这油画的色彩吧。
你看那梵高的《星夜》，那色彩就像是夜空中炸开的烟花，蓝的深邃，黄的耀眼。
色彩在油画里可不像在平常生活里，仅仅是为了区分东西。
在油画里，色彩就像是一个个有性格的小精灵，它们互相搭配、互相碰撞，能产生出千奇百怪的效果。
有时候你看到一幅油画，那色彩浓郁得像一碗熬了很久的浓汤，每一笔颜色都像是浓汤里的精华，满满的都是画家的情感。
你能想象把世界上所有的颜色都扔到一个大染缸里，然后画家再从中捞出他想要的颜色，涂抹在画布上吗？这就是油画色彩的奇妙之处。
再看看油画的笔触。
这就好比是厨师做菜时的刀工。
有的画家笔触细腻得像江南刺绣的针法，一笔一笔，精致得不得了。
像达芬奇的《蒙娜丽莎》，那脸上的每一处肌肤，就像是用最柔软的羽毛轻轻拂过画布，留下的痕迹都那么温柔。
而有的画家笔触豪放得像北方大汉喝酒，大碗大碗地灌。
比如德拉克洛瓦的《自由引导人民》，那笔触就像是汹涌澎湃的海浪，一波接着一波地冲击着你的视线。
每一种笔触都传达着画家作画时的心境，是平静，是激动，还是愤怒，都能从笔触里感受出来。
那画面的构图呢？这就像是一场戏剧的舞台布局。
人物、景物在画面里的摆放可不是随随便便的。
就像导演安排演员站位一样，画家要把画面里的每个元素都安排得恰到好处。
你看拉斐尔的《雅典学院》，那众多的人物在画面里的布局，就像是一场和谐的交响乐演奏。
每个人物都有自己的位置，他们之间的关系、互动，就像是音符之间的跳动，共同构成了一个完美的整体。
要是构图乱了，那就像是舞台上的演员们都挤在一起，乱成一锅粥了，整个画面看起来就会让人觉得很不舒服。
说到油画的主题，这就像是一本书的核心思想。
有的油画主题是宗教故事，画家就像是一个虔诚的讲述者，把那些古老的故事用画面呈现出来。
像米开朗基罗的《创世纪》，他用画笔把上帝创造世界的宏大场景展现在我们面前，每一个细节都充满了对宗教的敬畏。
油画艺术鉴赏心得体会(实用15篇)
油画艺术鉴赏心得体会（实用15篇）心得体会是对自己成长经历的一种回顾和反思，有助于我们更好地改进自己。
这是一些经典的心得体会范文，通过阅读这些范文，我们可以学到一些写作的技巧和方法。
艺术的鉴赏心得体会艺术是人类对美的追求和表现的方式之一，它通过绘画、音乐、雕塑等形式，使人们产生情感的共鸣和思考。
鉴赏艺术需要细心观察和深入思考，通过与艺术作品的互动，可以拓宽我们的视野、丰富我们的情感世界。
下面我将从几个方面分享我在艺术鉴赏过程中的心得和体会。
首先，鉴赏艺术需要用心观察。
一幅优秀的绘画作品或一首动人的音乐作品往往蕴含着丰富的细节和意义，而这些细节常常需要我们用心去体会和发现。
例如，在欣赏一幅油画时，我会仔细观察每一处线条的细腻，每一幅人物的表情和动作，每一处色彩的配合和对比。
这样的观察不仅帮助我更加全面地理解作者要传达的意思，同时也让我更加注重细节，善于发现身边的美和细微之处。
其次，在鉴赏艺术时，我们需要通过自己的思考去理解作品背后的意境和主题。
艺术作品不仅仅是形式上的美，更多的是内涵上的表达。
比如，一首优美的音乐作品往往能够引起我们的共鸣，唤起我们内心深处的情感，通过对旋律和歌词的理解，我们能够领悟到作曲家或歌手想要表达的情感和思想。
在这个过程中，我们需要发挥自己的想象力和思考能力，并尝试用自己的话语去描述和解读作品，与艺术家进行一种心灵上的对话。
此外，鉴赏艺术也需要我们拓宽视野和培养审美能力。
艺术作品的形式和风格多种多样，而我们的审美能力往往需要通过不断的学习和观察来培养。
例如，在学习绘画时，我了解到了西方油画、国画等不同的绘画风格和技法，这些了解不仅让我对不同的绘画作品有了更深入的理解和欣赏，同时也让我有了更多的质疑和思考。
将不同形式的艺术作品与自己的生活经验进行联系，能够让我们拓宽视野，丰富思维。
除了以上几点，鉴赏艺术还需要我们保持独立的思考和判断能力。
艺术作品的价值无法用经济价值来衡量，而是需要我们根据自己的感受和理解来判断。
油画鉴赏课件
布利奇特·赖利 《流》
谢谢
—— ·
《 舞 蹈 》
亨 利 马 蒂 斯
《走下楼梯的裸女》——马塞尔·杜桑
野兽派
• 野兽派画家热衷于运用鲜艳、浓重的色彩，往往用直接从颜料管中挤 出的颜料，以直率、粗放的笔法，创造强烈的画面效果，充分显示出 追求情感表达的表现主义倾向。
弗朗西·毕卡比亚 ——《扎拉肖像》
抽象派
• 抽象是具象的相对概念，抽象绘画是以直觉和想象力为创作的出发点， 排斥任何具有象征性、文学性、说明性的表现手法，仅将造形和色彩 加以综合、组织在画面上。因此抽象绘画呈现出来的纯粹形色，有类 似于音乐之处。
• 波普风格是一种流行风格，它以一种艺术表现形式在20世纪50年代中 期诞生于英国，又称“新写实主义”和“新达达主义”，它反对一切 虚无主义思想，通过塑造那些夸张的、视觉感强的、比现实生活更典 型的形象来表达一种实实在在的写实主义。波普艺术最主要的表现形 式就是图形。
《玛丽莲·梦露》——安迪·沃霍 尔
20世纪现代派绘画出现多种不同风格派系
• 野兽派——马蒂斯 • 抽象派——康定斯基、马列维奇 • 达达派——比卡皮亚、杜桑 • 立体派——毕加索 • 超现实派——达利，克利 • 几何冷抽象派——蒙德里安 • 波普画派——劳申博格
彼得·保罗·鲁本斯代表作《强劫留西帕斯的女儿》
这幅描写的是传统的"抢婚"场面：卡斯托耳 与波吕刻斯两个黝黑的壮汉把留西帕斯的两 个女儿从睡梦中劫走，正准备强行拉上马背 的情景。画面上人和马占据了整个空间，两 匹马和两对男女的交错动势，给人以强烈的 运动感。马头、人手、马脚、人脚，放射般 地向四角展伸，这里既是暴力，又是一种充 满喜悦的游戏。不管这种风俗是表现双方的 心愿还是双方的敌对，对画家鲁本斯来说是 并不重要的，他所注意的是肉体与马匹之间 的色调对比，关心的是人仰马翻般的猛烈的 场面。这种动势的色彩，线的运动与裸体的 质感造成一种狂热的色彩交响。近乎方形的 构图，本来是稳定的，但形象组成了X形， 却又构成了极不稳定的动乱。画面左侧一角， 画家又添画上一个长着翅膀的小爱神，它给 整个画面作了一点暗示：这是一种爱情的暴 力。
开国大典油画艺术鉴赏100字
开国大典油画艺术鉴赏100字
摘要：
一、油画概述
二、开国大典油画的创作背景
三、开国大典油画的鉴赏要点
四、油画艺术的价值和意义
正文：
油画作为一种具有悠久历史的艺术形式，在世界艺术舞台上占据着重要地位。
在我国，油画艺术同样具有深厚的基础和丰富的内涵。
开国大典油画便是其中一幅具有代表性的作品。
开国大典油画创作于1950年，是为庆祝中华人民共和国成立一周年而作。
画家董希文以独特的视角和精湛的技艺，描绘了新中国成立的伟大时刻。
这幅画作不仅具有极高的艺术价值，还具有很强的历史意义。
在鉴赏开国大典油画时，我们可以从以下几个方面入手。
首先，关注画面的构图和布局。
画家巧妙地将天安门广场的宏伟景象收入画中，体现出宽阔的视野和宏大的气魄。
其次，关注人物形象的刻画。
画面中的领导人、民众等形象栩栩如生，展现出新中国成立的喜庆氛围。
再次，关注色彩运用。
画家以鲜明的色彩搭配，突显出画面的喜庆气氛，彰显了祖国的繁荣昌盛。
开国大典油画艺术鉴赏，不仅有助于我们了解新中国成立的历史背景，更能让我们感受到油画艺术的魅力。
在我国，油画艺术逐渐形成了具有中国特色的独特风格，成为世界艺术花园中的一朵奇葩。
通过对开国大典油画等作品的
鉴赏，我们可以更好地认识到油画艺术在我国的发展历程及其价值所在。
总之，开国大典油画是一幅具有极高艺术价值和历史意义的佳作。
通过对它的鉴赏，我们不仅可以欣赏到油画的魅力，还能深入了解新中国成立的辉煌历程。
艺术欣赏 - 著名油画作品赏析
艺术欣赏 - 著名油画作品赏析引言艺术是人类文明的重要组成部分，而人们通常通过欣赏艺术来表达对美的追求。
艺术的形式繁多，其中油画作为一种重要的艺术形式，以其丰富的色彩和独特的表现力深受人们的喜爱。
本文将介绍几幅著名的油画作品，并对其进行赏析，以帮助读者更好地理解和欣赏这些作品所传递的艺术信息和情感。
1.《蒙娜丽莎》H2：大师之作在艺术史上，《蒙娜丽莎》是一幅享誉世界的经典之作。
这幅由著名艺术家达·芬奇创作的油画作品，被誉为艺术史上的经典之作。
简单而神秘的微笑、逼真而深情的眼神，使得这幅作品成为了人们广泛研究和欣赏的对象。
H2：背后的意义《蒙娜丽莎》的背后有着深刻的艺术意义。
通过该作品，达·芬奇成功地表达了人物内心世界的复杂与神秘。
当人们面对这幅作品时，不禁被那独特的神秘感所吸引，深陷其中。
H2：形式与技巧达·芬奇运用了精湛的绘画技巧和独特的光影处理，使得《蒙娜丽莎》呈现出丰富的层次感和立体感。
同时，他还通过细腻的色彩运用和精确的构图，为作品赋予了生命力和艺术价值。
2.《吃午饭的人》H2：描绘现实生活《吃午饭的人》是法国著名画家马奈的代表作之一。
作品以细腻的笔触和饱满的色彩，生动地描绘了一群工人在饭桌旁吃午饭的场景。
画家通过对细节的观察和捕捉，展现了人们日常生活中的普通场景。
H2：社会意义与批判这幅作品除了生动地描绘了日常生活，也带有一定的社会意义和批判色彩。
通过对工人们劳动生活的描绘，画家传递了对社会底层人群的关注和呼吁。
作品中的人物由于劳动的辛苦，显得疲惫不堪，这也暗示了社会不公和劳动阶层的困境。
H2：细腻而真实的表现马奈在《吃午饭的人》中运用了细腻而真实的画风，通过对人物表情、姿态和细节的刻画，使得人物形象栩栩如生。
观者可以感受到人物的真实感和情感，更容易产生共鸣。
3.《星空》H2：浪漫与神秘荷兰画家梵高的《星空》是一幅以夜空为主题的油画，以其独特的浪漫和神秘感而闻名。
油画鉴赏ppt课件
几种起稿用的工具。
• （1）炭条。炭精棒与木炭条都适于在画布或木板上画素描。木炭条 的性能更好，因为它的印痕较轻，更容易擦掉，用起来较为灵活。炭 精棒能留下很重的线条，使轮廓线较为明确。 （2）炭笔。线条较细， 更适于画细部。有人不主张用铅笔，认为铅印会从油画色层底下泛上 来。 （3）色粉笔与蜡笔。在画布上使用不易过多，要避免使用白色 或浅色。在这种素描中过多使用色粉笔或蜡笔会使底子不稳定。 （4） 水彩与丙烯色。极薄的水彩不会对油画色的覆盖产生任何影响。若要 厚涂，就用丙烯色。 （5）水墨。使用中国书画用水墨，是很有趣的 事。墨线既可以用油画色覆盖，也可以保留，它不会轻易被松节油洗 掉。 （6）复写纸。可将纸上的素描稿复印到画布上。 在起素描稿阶 段，发胶、胶液等固定液是不可缺少的。对于易脱落或泛色的材料有 必要喷上一层固定液。另外，各种橡皮、抹布等也是必备品。
油画的素描稿
• （1）先勾出一个设想性的草稿，用铅笔在纸上画出大构图和人物大 体表情，然后对照模特进行写生。画家在写生时多以感性因素为主， 人物的外形和神态尽可能接近对象。 （2）在写生过程中充分体味模 特的内在气质，紧紧地抓住这一开启性灵的契机加以强化。然后，画 家根据写生稿进行加工、概括、提炼。 （3）在前两张素描稿连续嬗 变和语言净化的基础上进行第三张素描稿的创作。这一步强调轮廓线 处理，使外形更加丰满，人物在光影的作用下产生一种浮雕感。同时 对局部的内容加以充实，画得更加肯定。素描稿敲定之后，画家以极 其严格的方法（方格放大法）将素描稿拷贝到画布上。 由此看来， 起素描稿是一个灵活的造型过程，它允许甚至鼓励不断修改和调整， 所有这一切都是为了确定一个明确满意的视觉形象。在任何油画的起 步阶段，都有理由也有必要花费大量时间来起素描稿。 起素描稿并 不一定上调子，可直接用线在画布上修改、调整，也可以用简单色来 确定画面的主体色调与色彩关系。
油画的鉴赏方法
油画的鉴赏方法
油画的鉴赏方法包括以下几个方面：
1.观察画面整体：首先要观察画面的整体构图和色彩的运用。
注意画面的基本结构和比例是否合理，画面是否和谐统一；同时要注意色彩的运用是否丰富多样，是否相互协调。
2.观察细节：细致观察画面中的细节，如线条的运用、光影的
处理、纹理的表现等。
细节的处理能够反映画家的技法水平和创作意图。
3.解读主题：试图理解画家所要表达的主题和情感。
观察画面
中的人物、物品、背景等元素，以及它们之间的关系和组合方式，看是否能够找到画家的创作动机和主题思想。
4.了解画家背景：了解画家的生平和创作背景，可以帮助我们
更好地理解和鉴赏他的作品。
了解画家的艺术风格、技法特点和创作思想，可以更深入地欣赏他的作品。
5.比较和对比：多观察、比较和对比不同画家、不同时期的作品，可以帮助我们更全面地理解和鉴赏油画。
通过比较和对比，我们可以发现不同画家的风格特点和创作手法的差异，丰富自己的艺术鉴赏眼光。
总的来说，欣赏油画需要通过多角度的观察和思考，从技术层面和艺术层面去理解和欣赏画作。
同时，也要保持自己的独立思考和感受，发现作品中的独特之处，形成自己的艺术感悟。
油画鉴赏的教学大纲
油画鉴赏的教学大纲油画鉴赏的教学大纲油画作为一种重要的艺术形式，具有丰富的表现力和艺术价值。
学习油画鉴赏不仅可以提高审美能力，还能够增强对艺术作品的理解和欣赏。
本文将从油画的历史背景、基本技法、艺术风格以及名家作品等方面，探讨油画鉴赏的教学大纲。
一、油画的历史背景油画起源于15世纪的欧洲，经过几个世纪的发展，逐渐成为艺术史上的重要流派。
学习油画鉴赏的第一步，就是了解油画的历史背景。
了解油画的起源、发展和演变，可以帮助学生更好地理解油画的艺术特点和风格。
二、油画的基本技法油画的基本技法包括调色、画笔运用、层次表现等。
学生需要通过实践来掌握这些基本技法，并在实践中不断提高。
在教学中，可以通过示范、练习和指导，帮助学生熟练掌握油画的基本技法。
三、油画的艺术风格油画有许多不同的艺术风格，如写实主义、印象主义、表现主义等。
学生在学习油画鉴赏时，需要了解不同的艺术风格，以及每种风格的特点和表现方式。
通过观察和比较不同风格的作品，学生可以培养对艺术风格的敏感性和辨识能力。
四、名家作品的鉴赏学习油画鉴赏的重要一环就是欣赏名家的作品。
通过欣赏名家的作品，学生可以了解到不同时期和不同地区的油画艺术成就。
在教学中，可以选择一些代表性的名家作品，进行详细的鉴赏解读。
通过分析作品的构图、色彩运用、表现手法等，学生可以进一步深入理解油画的艺术价值和内涵。
五、创作实践与鉴赏相结合油画鉴赏的教学不仅仅是理论的学习，更需要通过实践来加深理解。
在教学中，可以引导学生进行创作实践，通过自己的实际操作来体验油画的魅力。
学生可以选择一个主题，进行创作，并在创作过程中运用所学的技法和风格。
通过实践的过程，学生可以更深入地理解和欣赏油画艺术。
六、展览和交流油画鉴赏的教学不仅局限于课堂，还可以通过组织展览和交流活动来加强学生的学习体验。
学生可以将自己的作品展示出来，与他人进行交流和讨论。
同时，学生还可以参观艺术展览，了解当代油画艺术的发展动态。
油画鉴赏方法介绍
油画鉴赏方法介绍油画是一种以油颜料为主要材料制作的绘画艺术，具有丰富的色彩和细腻的表现效果，它是艺术史上非常重要的一种绘画形式。
油画的鉴赏是一项综合性的工作，需要对画家的技艺、主题、构图、色彩以及作品所蕴含的情感和文化内涵进行分析和解读。
下面我将介绍几种常用的油画鉴赏方法。
首先，了解画家的技艺和风格是进行油画鉴赏的基本前提。
画家的技艺包括线条的运用、造型能力、色彩运用和构图等方面。
通过观察画面中的笔触、层次和细节处理等，可以判断画家的技艺水平和创作意图。
画家的风格则是指画家在表现主题和情感时所呈现出来的独特的绘画方式和艺术特点。
通过对画家的风格进行研究，可以更好地理解和欣赏其作品。
其次，分析作品的主题和表现手法。
油画作为一种艺术形式，往往把现实生活中的人物、风景、静物等作为主题进行描绘。
在欣赏一幅油画时，我们可以通过对作品的主题和表现手法进行分析，来理解画家想要表达的思想和情感。
主题可以通过作品中的人物形象、景物或符号等来体现，而表现手法则包括透视、构图、色彩运用、绘画技法等方面。
第三，注重色彩的鉴赏。
油画具有丰富的色彩表现力，通过对色彩的运用可以表达出画家对主题的独特见解和感受。
在鉴赏一幅油画时，我们可以通过对色彩的明暗、冷暖、亮度和饱和度等方面进行分析，来理解画家对画面氛围和情感的表达。
同时，还可以通过色彩的对比和层次来增加画面的空间感和立体感。
色彩是油画的灵魂，通过对色彩的鉴赏，可以更好地欣赏和理解一幅油画作品。
第四，重视构图和绘画技法。
构图是油画中的重要环节，它决定了作品的整体结构和形式美。
通过对作品的构图进行分析，可以了解画家的构图意图和整体布局。
绘画技法则是画家在绘画过程中所采用的技巧和手法，它在一定程度上反映了画家的思维方式和艺术追求。
通过对画家的绘画技法进行研究，我们可以更好地理解并欣赏作品的艺术价值。
最后，探究作品的情感和文化内涵。
艺术作品往往蕴含着丰富的情感和文化内涵，通过对作品所表达的情感和文化内涵的解读，可以更好地理解和欣赏艺术家想要传达的信息和意义。
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油画艺术鉴赏梵高《向日葵》机电工程学院000 学号：0000向日葵的花语是信念、光辉、高傲、忠诚、爱慕，，向日葵代表着勇敢地去追求自己想要的幸福。
向日葵的花姿虽然没有玫瑰那么浪漫，没有百合那么纯净，没有兰花那么无邪，但它阳光、明亮，爱得坦坦荡荡，爱得不离不弃，有着属于自己的独特魅力，而且，它绽放的不仅是爱情，还有对梦想、对生活的热爱。
当花朵在阳光底下慢慢伸展，当阳光刺透它薄弱的叶，那天生与阳光最搭配的花朵，高贵又不失风度，看着天空，它好像希腊神话里的阿波罗，他是高贵的太阳之子。
向日葵是我最喜欢的花朵，因为我爱着它不计名利的完全绽放。
爱它对阳光的无限渴望，它永远不追随别人的脚步，它只跟着光，跟着它的信念，也只有光。
我无意中在画册上看到了一个画家所画的的向日葵，这幅画直击了我的心灵，震撼了我的灵魂。
我认为这是无限爱生命的人才能用画出油画《向日葵》，至少也是因为喜爱向日葵啊，然而让我迷惑的是，画向日葵不正是代表爱生命的表现，为何画家在艺术面前走向自我毁灭呢？既然怀有无限热情，又为何在大好年纪放弃了艺术，选择了死亡。
于是我开始关注他的生平，追问画家是何人，原来他就是梵高。
我问过我的同学和老师，很多年过去了，梵高为什么让人久久不忘，让人动容。
有人说是他的画，是啊，一个画家最重要的还是他的艺术作品，风吹过的麦田，迷人的星空，美丽的果园，金色的向日葵，他不曾放过一丝生活细节，他着迷了色彩，那种有强烈感觉的色彩，冲击感，那个世纪，也只有梵高做到了。
正如他所说：“画面里的色彩就是生命中的热情。
梵高一生命运多磨难，他屡遭挫折，艰辛备尝，在仅仅37岁的生命里，他把最重要的时期留给了艺术，而事实上他生前却从品尝过艺术带给他的荣誉，贫困潦倒，用来形容他是最好不过了，他到处流浪，也曾遇到过爱情，和一个遭遇过生活摧残的女性，梵高收留了她，女人也给了他不岑有过的温暖和幸福，可梵高太执着艺术了总是把艺术放在第一位，试问又有几个女人能接受吃不饱，穿不暖的生活呢，更何况是经常饱受困苦的女人，所以离开了梵高，为生计所迫，梵高失去了爱人，可他却未曾抛弃艺术，我想这也许就是他后来被人熟知的原因吧。
就像他说的生活对我来说是一场艰难的旅行，但我又怎会知道潮水会不会上涨，及至淹没嘴唇，甚至会长的更高呢？但我将奋斗，我将生活变得有价值，我将努力战胜并赢得生活。
生活在低处，灵魂在高处，这就是梵高，他不是残疾人，他是油画艺术里的巨匠。
文森特梵高出生在荷兰一个乡村牧师家庭。
他是后印象派的三大巨匠之一。
梵高年轻时在画店里当店员，这算是他最早受的“艺术教育”。
后来到巴黎，和印象派画家相结交，在色彩方面受到启发和熏陶。
他在学习前辈伦勃朗等人的基础上，吸收印象派在色彩方面的经验，并受到东方艺术的影响，形成了自己的艺术风格，以此，人们称他为“后印象派”。
梵高早期只以灰暗色系进行创作，使用荷兰传统的褐色调，直到他在巴黎遇见了印象派与新印象派，融入了他们的鲜艳色彩与画风，创造了他独特的个人画风。
他最著名的作品多半是他在生前最后二年创作的，期间梵高深陷于精神疾病中，其最后在他37岁那年将他导向自杀一途。
梵高全部杰出的、富有独创性的作品，都是在他生命最后的两年中完成的。
他最初的作品，情调常是低沉的，后期他又远离了印象派因为印象派对外部世界瞬间真实性与他理想的精神状态相去甚远，他天生就是热情如火，后来，他不用线条而是用环境衬托形象，他笔下的人物风景无一不带着这一因素，既生动又活泼。
所以他大量的作品即一变低沉而为响亮和明朗，好象要用欢快的歌声来慰藉人世的苦难，以表达他强烈的理想和希望。
一位英国评论家说：他用全部精力追求了一件世界上最简单最普通的东西，这就是太阳。
他的画面上不单充满了阳光下的鲜艳色彩，而且不止一次地下面去描绘令人逼视的太阳本身，并且多次描绘向日葵。
太阳代表了热情，凡高用自己的热情，来感染着每一个看到他画作的人，仿佛是救赎，又仿佛是光芒万丈，闪耀着人间独特的真实，又有不存在人间的圣洁光芒，它让你感到纯粹，干净。
人们如果真的看到了并相信了美好纯粹的信念，那么生命则将是永存的，梵高将这一信念融入到了画里，希望人们懂得它所表达的意义，这就是梵高的愿望。
可是在那个年代里，物欲纵横的现实终于使这个敏感而热情的艺术家患了间歇性精神错乱，他是理想主义者，他需要世人给他理解和尊重，病发之时陷于狂乱，病过之后则更加痛苦。
他减掉了自己的耳朵，是因为无人愿意倾听他的心声他不愿成为家人朋友的负担和累赘，因为没有谁懂得它痛苦的内心，自杀身亡，或许能够减轻他的苦痛和灾难，他就这样随死神走了，享年只有37岁。
梵高最有名的作品是这幅画有16朵的《向日葵》。
他用他神奇的想象力，赢得了赞扬，描绘了对于梵高而言，向日葵这种花是表现他思想的最佳题材。
夏季短暂，向日葵的花期更是不长，梵高亦如向向日葵般结束自己短暂的一生，这或许就是他与向日葵早早结下的不解之缘吧，向日葵表达了他的内心，火热强烈甚至是燃烧，在艺术上的他曾多次描绘以向日葵为主题的静物，他爱用向日葵来布置他的房间。
他爱这种朝着光与热开放的花，向日葵是太阳之光，是光和热的象征，是内心翻腾的感情烈火的写照，亦是热爱生命选择生活的表现，但为何却成了梵高苦难生命的缩影。
他自己则成了向日葵的背叛者，如此看来热爱生命与选择灭亡并不矛盾。
梵高身为一个画家，成就了艺术却蔑视了生命。
纵然有向日葵这样的名作，却也落下了悲苦一生的结局，明明是光的追求者，却不得不在暗处流浪。
他一生追逐着光明选择了光明却不得不投身黑暗，这未尝不是一种悲剧。
梵高一生中共作了11幅《向日葵》，有10幅在他死后散落各地，只有一幅目前在梵高美术馆展出。
他以《向日葵》中的各种花姿来表达自我，他就是那《向日葵》，他的向日葵花得都是自己的缩影。
以前听过一些报道见到梵高《向日葵》原画泪流满面，那时猜想不过是几幅画作，真的可以让你感动至深吗？可当我见到这幅《14朵向日葵》时，也不由黯然叹息：不停的工作，不停的工作，真是一个工作机器，只有工作能让他忘记了俗世，忘记了生活所给予的的苦难，也只有工作让他注满了心血，注满了他对生活的无限渴望，他未曾不爱生命，造化弄人罢了。
从梵高开始画了一组向日葵油画后，向日葵就属于梵高。
再也没有人像梵高一样，在向日葵上寄托着的情感厚重，细腻。
《14朵向日葵》隔邻是高更的《梵高画向日葵》从未有人为向日葵投注这样激烈专注的热情！梵高化的向日葵好像在燃烧，在着火，浮雕般色彩如此强烈厚重，感情笔触如此饱满有力，一朵朵天真充沛生命旺盛的太阳旋转之花在黄色与蓝色中脱影。
梵高爱向日葵就像我们国人所说的风骨，陶渊明独爱菊，郑板桥爱竹子一样，向日葵是追光拜日的希望之花。
画向日葵即画太阳，也是自画。
当太阳、向日葵及梵高融成一体。
梵高和向日葵共同谱出相濡以沫生命与共的蓝与黄交响乐章，那是最美的和弦之声，《向日葵》是其悲剧一生的象征物也是他一世的才华。
梵高强烈地爱上了遍地生长的生机勃勃的向日葵及炙热目眩般的阳光。
他不无自嘲：“我越是年老丑陋、令人讨厌、贫病交加，越要用鲜艳华丽、精心设计的色彩为自己雪耻。
梵高啊，梵高，你知道吗，追求光与热，本来就是人类的天性，人们的奸诈与势利，把双眼蒙蔽了，一颗真诚善良的心比任何东西都高贵。
你用你的双手又换回多少泯灭的良心与灵魂，你从心底灵魂呐喊的声音，刺透了天空与大地，向日葵是战士，是你不屈不挠地反抗下的产物。
梵高是天才，也是疯子。
你说他陷入癫狂割下自己的耳朵，可他偶尔清醒冷静得可怕。
他要求寂寞，他要求在精神病院度过，向日葵用色如此大胆强烈，恐怕是因为他清楚地知道：岁月是把杀猪刀，时间能让一切冲淡甚至过于暗淡。
只有那重重的色彩，才能让向日葵保持着生机，不至于过早枯萎，哪怕枯萎，也要奋不顾身地绽放，只有绽放，才是它生存努力的理由。
我们都爱梵高的光与热,因为我们正常聪明世故得不会把自己逼向绝境。
可梵高不同，他有一颗过于追求完美的心，他想有人了解，梵高知道高更喜欢他的向日葵多于莫奈的向日葵而高兴万分。
高更这么形容：在我的黄色房间里，带紫色圆环的向日葵突出于一片黄色背景之前，花梗浸在一只黄色壶中，壶放在一张黄色桌上。
金黄色的太阳透过我房间里的黄色窗帘，生气盎然沐浴在一片金黄色中。
梵高是单纯的，是理想主义者，他仅用绚丽的黄色色系组合绘成的《向日葵》，堪称梵高的化身，也可说是他的代表作。
梵高集中精力创作《向日葵》系列作品时，正是他的艺术成熟时期，此时他非常喜欢使用黄色。
因为黄色这能表达它所表达的情感。
尽管向日葵那么美，高更因艺术理念分歧离开了梵高，梵高是个对艺术由衷喜爱的画家，他穿着棉袄，混在农民中间，在大地里，在果园里，在纺织机前，甚至是农民的饭桌前，这些都带给给他灵感，他疯狂地为之着迷，及时风吹日晒，即便大风滚滚而来，他也坚持在户外感受着大自然带来的光与热。
高更无法与这样的梵高相处最终离开了。
也许他认为他是疯子，可这不也正是梵高让人动容的原因吗。
画了向日葵后的梵高便是金黄色的化身，把这金黄色的火焰撒遍天际田野，也涂上夜晚的星空，卷成旋涡直到麦田群鸦乱飞，才举枪结束了这场金黄色的癫狂。
金黄色从此属于梵高。
生前寂寥、死后荣耀的画作一九七八年，在伦敦拍卖会上，梵高的《向日葵》以大约五十九亿日元的天价被日本人买走了，这个消息震惊了全世界。
无论是有钱人的附庸风雅还是《向日葵》真的找到了会欣赏它的人。
梵高作画时,怀着极狂热的冲动,追逐着猛烈的即兴而作,这幅流芳百世的《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。
梵·高笔下的向日葵，像闪烁着的熊熊的火焰,是那样艳丽,华美,同时又是和谐,优雅甚至细腻,那富有运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。
然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。
观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。
总之,梵高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体。
堪称梵高的化身的《向日葵》仅由绚丽的黄色色系组合。
梵高认为黄色代表太阳的颜色，阳光又象征爱情，因此具有特殊意义。
他以《向日葵》中的各种花姿来表达自我，有时甚至将自己比拟为向日葵。
梵高写给弟弟西奥的信中多次谈到《向日葵》的系列作品，其中说明有十二株和十四株向日葵的两种构图。
他以12来表示基督十二门徒，他还将南方画室(友人之家)的成员定为12人，加上本人和弟弟西奥两人，一共14人。
作为现代表现主义的先锋，极端个性化艺术家的典型，梵·高更强调他对事物的自我感受，而不是他所看到的视觉形象，他大胆追求线条和色彩自身的表现力，不拘一格，恣意妄为。
他曾说过:"为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。