西方美术鉴赏论文
美术鉴赏论文2000字(通用3篇)
美术鉴赏论文2000字(通用3篇)论文一：对达芬奇《蒙娜丽莎》的艺术鉴赏达芬奇是文艺复兴时期最杰出的艺术家之一，而他的作品《蒙娜丽莎》则是他最具代表性的作品之一。
这幅画作是一幅肖像画，绘制于16世纪初期，目前收藏在法国卢浮宫。
通过对《蒙娜丽莎》的深入观赏，我们可以欣赏到达芬奇在绘画技巧和表现手法上的独特魅力。
首先，在绘画技巧方面，达芬奇运用了光与色彩的巧妙组合，使得画面显得十分生动。
画中女子的面部充满了光影效果，而眼神中的微笑更是达芬奇的创作精髓所在。
他通过运用细腻的笔触和渐变的色彩，使得画中的蒙娜丽莎仿佛具有生命力，能够和观者进行交流。
此外，达芬奇还巧妙地运用了透视法，使得画面具有深度感，使蒙娜丽莎的形象更加立体。
其次，在表现手法方面，达芬奇以其深厚的艺术造诣展示了他对人物心理的独特洞察力。
在画中，蒙娜丽莎的面容表情并非丰腴的微笑，而是一种微妙的、难以捉摸的神秘微笑。
这种表情使得观者难以揣摩她内心的情感，给了观者更多的想象空间。
这种不确定性与神秘感正是达芬奇追求的目标之一。
他通过巧妙挑战传统肖像画表现方式，创造出了一种独特的艺术语言，使得观者能够在作品中感受到蒙娜丽莎内心深处情感的种种可能性。
最后，我们还可以从《蒙娜丽莎》中感受到达芬奇对于自然界的赞美和对于人类美的追求。
画中的蒙娜丽莎身着一袭华丽的礼服，头戴一顶菊花装饰的帽子，这些细节展示了达芬奇对于细节的精心雕琢。
同时，画中的背景正是美丽的自然风景，这个细致描绘的背景象征着达芬奇对于自然世界的热爱与崇敬。
达芬奇通过这幅画作将人类的美与自然美相结合，传递出对于真实与理想的追求。
总之，达芬奇的《蒙娜丽莎》是一幅艺术品，它展示了达芬奇卓越的绘画技巧和对于艺术的深刻把握。
通过细腻的绘画技巧、神秘的表现手法以及对于自然与人类美的追求，达芬奇创造出了一幅极具魅力和内涵的杰作，给观者带来了无尽的欣赏乐趣。
论文二：对梵高《星夜》的艺术鉴赏梵高是19世纪后期最重要的艺术家之一，而他的作品《星夜》则是他在画作风格和表现手法方面的代表作。
外国美术鉴赏论文
西方文艺复兴时期的美术风格谈到文艺复兴，人们总会先联想到中世纪，因为它们是两个完全不同的伟大时代，也许没有了中世纪的压抑就不可能有文艺复兴时的灿烂辉煌。
中世纪是欧洲的封建社会时期，欧洲中世纪时代的艺术是为宗教服务的，基督教被作为罗马后期维持统治的精神支柱，在进入中世纪以后被作为了一种森严的礼教。
教会神学经过理论化、系统化达到了巅峰，产生了庞杂而严密的经院哲学。
所以，中世纪的一切都被打上了宗教的烙印。
文艺复兴的思想基础是以人为本，要求文学艺术表现人的思想和感情，要把思想、感情、智慧都从神权的束缚中解放出来，提倡个性自由，反对人身依附。
人类的文学艺术发展到今天，经历了不同的阶段，每一个阶段都有自己的价值，其总的发展趋势是向着文明和进步迈进的，但进程是曲折的。
从中世纪到文艺复兴，经过了一个复杂的酝酿阶段，它们之间有着承前启后的内在联系。
中世纪后期，理论化的宗教信仰和向往世俗享受的趣味在特殊的历史条件下奇异地结合起来。
这时的艺术具有既矛盾又统一的风趣，在这背后隐藏着信仰的危机和对现世的回归。
黑格尔认为导致文艺复兴的因素是某些内在的矛盾，这些内在的矛盾促使中世纪的结束和一个新时代的到来。
自中世纪后期出现的哥特式美术便是这种内在矛盾的体现，成为文艺复兴时期美术风格的内在的、直接的源头。
一、中世纪早期的美术早期基督教堂是在拱形结构的古代巴西利卡建筑基础上发展出的一种长方形有祭坛的教堂样式，称为“巴西利卡式”教堂。
教堂正面不失沉重感，屋顶是用木头做的，重要部分是由三个或五个长廊组成的空间，每个长廊之间用柱子隔开，中间的长廊比周围的宽而高，并有窗户照明，周围处于昏暗状态。
长廊的一头是入口，另一头是横廊，连接横廊的是一个有列柱的前庭。
走入教堂的人很容易把注意力集中到明亮的中间长廊和教堂深处的圣坛。
在早期的罗马，有许多“巴西利卡式”教堂，在这些“巴西利卡式”的基督教堂里，最突出的是以基督教为内容的镶嵌壁画。
基督教极大地发挥了镶嵌艺术。
西方经典美术作品赏析论文
西方经典美术作品赏析论文我深信，只有高度的文化建设，才能造成现代强盛的民族和国家，对美和艺术的理解，是文化修养的一个重要部分，而“美育”的最有效的方法便是多接触艺术，包括了解一些艺术史，经验证明：人们对于美的鉴赏和理解力，是要靠学习才能获得的————是知识之所赐。
西方艺术往往让人觉得驳杂繁芜,高深莫测,让人不明就里,不知所措。
对西方数千年艺术发展概况的解读，体验到西方艺术的源远流长，博大精深，领略到西方艺术典雅精致的风格和浓浓的人文情怀，有身临其境的感受，深入艺术的现场，感悟艺术之趣、历史之真，知性之美。
从这本书中，学有所获，常有所思，偶有所悟，其乐融融。
西方美术发展的精神基点，始于与自身的认识上。
“美术”一词，在西方指非功利主义的礼堂艺术，或主要指为纯审美而创作出的有形艺术。
艺术是人们把握现实，表达思想感情和审美理想的特殊方式。
纵观整个西方美术的发展历程和存在状态，由于不同的民族历史传统和相异的社会文化因素的影响，使之呈现出丰富而又相对复杂的艺术景观。
西方美术的真正起点在希腊。
尽览西方美术发展的线索，有过三次高峰时期。
第一，古希腊古罗马时期；第二次，文艺复兴时期；第三次，19世纪。
对于文艺复兴，在我学这门课以前的记忆里，留下足迹的仅仅是文学作品，远远不知道美术作品的丰富、无限和逼真。
到此刻才了解到艺术的无垠天地。
历史的继承性是艺术发展的普遍规律，革新是艺术发展的必然规律。
中世纪是基督教统治西方的一千年，人们的思想，生活都受到基督教义的全面渗透和压抑。
这个时期的人们缺乏创造力，缺乏自主思想，只为了上天国而活着，而文艺复兴唤醒了西方人的创造力。
文艺复兴为世界文化史的新阶段奠定了基础，恩格斯说：“这是人类前所未有的最伟大的进步的革命。
”就文艺复兴在发展文化艺术方面所具有的意义而言，只有古希腊罗马文明的繁荣时代可以和它相提并论。
文艺复兴的艺术文化，是人类无与伦比的不朽的珍品。
而近代先进的艺术文化，是在文艺复兴艺术文化的基础上诞生，成长起来的。
西方美术鉴赏论文
论述印象派与后印象派在绘画形态与创作理念上的差异印象派是19世纪后半期诞生于法国的绘画流派，其代表人物有莫奈、马奈、毕沙罗、雷诺阿、西斯莱、德加、莫里索等人。
而后印象派则是继印象派之后产生的以塞尚、梵高和高更等人为代表的本质不同于印象派的另一艺术流派。
那么接下来我们就二者在绘画形态与创作理念上的差异问题进行论述.在创作理念方面，印象派强调画家对客观事物的感觉和印象，主张艺术上的革新，受现代科学，尤其是光学的启发,认为一切色彩皆产生于光，因此他们主张他们根据太阳光谱所呈现的赤橙黄绿青蓝紫七种颜色来调配颜色从而去反映自然界的瞬间印象.他们认为，只有捕捉瞬息间光的照耀，才能揭示大自然的奥秘。
因此在绘画中注重对外光的研究和表现，主张走出画室，在阳光下依据眼睛的观察和现场的直感作画，表现物象在光的照射下，色彩的微妙变化。
印象主义画家多描绘现实中的人物和自然风景，他们的绘画生长在写实主义的土壤之中，但他们的主要兴趣在于准确而客观地描绘个人面对世界时的视觉感受。
印象派画家对瞬间视觉感受,对色彩、氛围、笔触的关注,甚至超越了对社会历史、宗教、伦理的关注。
而后印象派则不满足于印象派的“客观主义”表现和片面追求外光与色彩,转而强调抒发作者的自我感受和情绪。
其根本观点是反对真实的表现自然界的光与色，而主张在艺术形式和技巧上大胆尝试和探索，重视自我的表现，用大脑去思考艺术真实表现的方法和手段，通过理性的组合和安排使所看的一切在有意味的秩序形式之中得到表现，使画家的情感得到充分的表达。
在绘画形态方面，印象主义绘画在阴影的处理上，不再像传统绘画的黑色和灰色，而是改用有亮度的青、紫等色。
并且不再使用轮廓线,物体的外形因而模糊，这使得印象派绘画变成了光影、气氛和色彩融合之作。
印象派绘画用点取代了传统绘画简单的线与面,从而达到传统绘画所无法达到的对光的描绘。
具体的说，从近处观察印象派绘画作品时，我们看到的是许多不同的色彩凌乱的点，但是当我们从远处观察时，这些点就会像七色光一样汇聚起来,给人光的感觉，达到异想不到的效果。
西方美术鉴赏期末论文
西方美术鉴赏期末论文：艺术中的残缺美在美学领域里，有一种“大成若缺、大巧若拙”的美，说的就是残缺美。
何谓残缺美?我没有能力，也不愿用一个条条框框的定义把它束缚住，既然它是美，必定动人。
虽然，我不知道怎么定义它，诉说它。
只知道，当我接近她、聆听她，感受她，我的心灵也随之澎湃，有时壮阔，有时低吟，却无时无刻不惊心动魄。
我只能以自己对西方美术短浅的认识，来讲述这博大的残缺艺术，却已经不知如何挑选例子。
因为，这样的美，太多太多。
残缺的美，是岁月和历史的倾诉；残缺的美，是人类思维的飞翔；残缺的美因为遗憾更加灿烂。
在西方艺术的长河里，美妙的杰作无处不在，那是祖先、前人给我们留下的宝贵的财富。
那些建筑、雕刻、绘画艺术都各自以她们独特的姿态，伫立在这条历史的河流中，有时静谧，有时磅礴。
残缺的美，是岁月和历史的倾诉。
就说说这建筑之美吧。
说到建筑，不得不提的是古罗马的建筑群。
经历了岁月的洗礼，在罗马这片土地上，这里巍峨雄伟的建筑经历了无数的战争，接受着自然的洗礼，人为的破坏……但罗马却并没有因为这些，失去罗马斗兽场、君士坦丁凯旋门、庞培城、万神庙这些传奇……当时的世俗建筑已经相当成熟，建筑艺术成就很高。
大型建筑物风格雄浑凝重，构图和谐统一，形式多样。
罗马人开拓了新的建筑艺术领域，丰富了建筑艺术手法。
斗兽场在建筑史上堪称典范的杰作和奇迹，以庞大、雄伟、壮观著称于世。
现在虽只剩下大半个骨架，但其雄伟之气魄、磅礴之气势犹存。
意大利的古罗马斗兽场平面呈椭圆形，占地约2万平方米，共四层。
外部全由大理石包裹，下面3层分别有80个圆拱，其柱形极具特色，按照多立克式、爱奥尼式和科林斯式的标准顺序排列，第4层则以小窗和壁柱装饰。
场中间为角斗台，仍为椭圆形，相当于一个足球场那么大。
整个斗兽场就这么矗立在意大利的市中心，从那些残存的建筑体里磅礴之气喷泄而出。
如今的斗兽场只有半个残荷般的躯壳，帕特农神庙也只剩下一堆柱子。
而就是这些看似破旧不堪的建筑群，映射了整个罗马文明的发展，她随着罗马而生而亡，即使残破也永远以骄傲的姿态伫立着。
美术鉴赏-论文-毕加索
巴勃罗·鲁伊斯·毕加索——爱好和平的画家作者：曹越班级：11小教文2 学号：11150904 毕加索在我的印象中是一位伟大的画家。
他的伟大之处在哪儿呢？并不是因为他是西班牙画家、雕塑家、剧作家、诗人，也不是因为他是法国共产党党员，是现代艺术(抽象派)的创始人，西方现代派绘画的主要代表，而是因为他是爱好和平的探求者。
毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用。
他一生中画法和风格几经变化,分为这样几个时期：“蓝色时期”，“玫瑰红时期”，“黑人时期”，“立体主义时期”（分成分解和综合两种形式），“古典主义时期”，“超现实主义时期”，最后是“抽象主义时期”。
毕加索一生是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。
他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。
他有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。
在他一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。
他说过：“当我们以忘我的精神去工作时，有时我们所作的事会自动地倾向我们。
不必过分烦恼各种事情，因为它会很然或偶然地来到你身边，我想死也会相同吧！”毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用。
20世纪正是属于毕加索的世纪。
他在这个多变的世纪之始从西班牙来到当时的世界艺术之都巴黎，开始他一生辉煌艺术的发现之旅。
30岁以后毕加索进入一个又一个不安分的探索时期，他的作品和他的生活一样没有丝毫的统一，连续和稳定。
他没有固定的主意，而且花样繁多，或激昂或狂躁，或可亲或可憎，或诚挚或装假，变化无常不可捉摸，但他永远忠于的是——自由。
世界上从来没有一位画家像毕加索那样以惊人的坦诚之心和天真无邪的创造力，以完全彻底的自由任意重造世界，随心所欲地行使他的威力。
西方美术欣赏鉴赏相关论文
西方美术欣赏鉴赏相关论文西方美术欣赏是高校美术专业的重要课程，对于提高学生的综合素质发展创造力有着重要的意义。
下面是店铺为大家整理的西方美术欣赏相关论文，供大家参考。
西方美术欣赏相关论文篇一：《试论中西方美术的融合与当代工艺美术》工艺美术的创作初衷是对艺术的感悟，基本点在于美，这一点与传统艺术(包括绘画)的出发点是一样的。
无论什么形态的美，它必定是包括着人们美好的愿望。
形态的多样性使工艺品更具广泛的市场与发展空间，艺术的创造来源于生活的各个角落，任何东西都有可能成为一件艺术品。
用艺术的眼光来创造工艺品，是人们物质生活和精神生活提高的表现，也是人们喜爱艺术的愿望，艺术对于社会、对于人的成长起着非常重要的作用，体现了人们的精神面貌。
在西方美术中，注重绘画材料与工具的多样性及绘画材料与写实观念的紧密结合，体现了它的科学性。
强调对客观事物的真实再现，描绘自然界中一切事物的真实情况。
严谨的比例，光线的变化，空间以及色彩的表现。
通过绘画的过程找寻事物的特征并逐步进行科学的研究，形成完整的，科学的绘画语言，创造真实的“理想之美”。
“艺术的使命在于用感性的艺术形象的形式去真实”(黑格尔《美学》)。
中国美术早期则深受儒家、道家文化的影响。
“礼之用，和为贵。
先王之道，斯为美;小大由之。
有所不行，知和而和，不以礼节之，亦不可行也”(《论语·学而》)，“淡然无极而众美从之”(《庄子·养生主》)，强调抒发主观意志，以主观的思想来控制情感，从美好的一方面来净化内心世界。
塑造理想的人格，从而达到人与社会，人与自然的和谐之美。
通过所要描绘的具体对象表达自己内心感受，以咏物来寓志，借景抒情，形成中国美术特有的“意境”。
讲求“气韵生动”，不求形似但求“传神”，(明·徐渭)“须得书意，转深点画之间皆有意”(东晋·王羲之)，把主观的情感和客观的景物相融合，通过画面上的“物”与“意”即“书”成为一个整体，形成“诗、书、画”一体的特有表现形式。
西方美术史论文
通过这四个星期的学习，使我更深的了解了西方美术的博大精深，感受到国外众多画家流派的风格，我深刻地感觉到，不能以好看不好看来评价画的好与坏，要深刻地了解当时的社会背景和画家们的思想境界才可能对某个画家作出正确的判断。
首先西方美术在经历了较长时间的原始美术之后逐渐发展，接下来的中世纪美术由于受到基督教的制约，开始不注重客观世界的真实描写，而强调所谓精神世界的表现，具有了浓厚的宗教色彩。
这一时期建筑艺术高度发展，拜占庭教堂、罗马式教堂和哥特式教堂是主要的成就。
十七世纪在欧洲出现了巴洛克美术，发源于意大利，主要是追求激情和运动感的表现，强调华丽绚烂的装饰性。
十八世纪洛可可风格在法国兴起，其特点是追求华丽纤巧和精致。
期间随着法国资产阶级大革命的到来，先后出现了新古典主义艺术运动和浪漫主义画派。
德拉克洛瓦和席里柯都是杰出的代表人物。
十九世纪是现实主义美术蓬勃发展的时期，期间的大量作品或深刻反映了当时的社会矛盾或歌颂人民的辛勤劳动。
十九世纪后期在法国产生了印象派，受到现代光学和色彩的启示，注重在绘画中表现光的效果。
二十世纪以来，现代美术呈现出流派迭起，千姿百态的局面。
在如此多的流派时期的作品与画家当中，印象派给我的感觉最深刻也最独特。
德彪西尝试以音乐捕捉事物的印象或情绪，在他的音乐中，色彩、音色与节奏的重要性绝对不亚于和声与旋律。
这种特点跟印象派美术非常相似，印象派画家就是注重表现绘画中光与影的变化。
莫奈的《日出印象》给人静谧，朦胧，深邃，富有韵律，富有节奏的。
一种素描的风格，一种诗的意境。
观看日出给我们带来了人生感慨，而对艺术家是好的表现题材。
红日冉冉上升，阳光由柔而强，一个个连续的变化的瞬间组成了动态的画面，莫奈用“零乱”的笔触来展示雾气交融的景象，画面的物体比较模糊，给人以一瞬间的感受，而印象派绘画的最重要的特点之一，就是捕捉动态大自然的一瞬间，把它定格，将它用绘画的方式表现出来，莫奈把理想化的主题排斥在绘画目的之外，他为着运用色彩去作画。
西方美术鉴赏论文
《最后的晚餐》赏析《最后的晚餐》是表现耶稣已经知道自己的不幸将临时，在与门下众弟子共进最后的晚餐宴席上，宣布说；“你们中间有一个人出卖了我”，这句话刚说完，就在十二个门徒中引起了极大的震动。
画家着意刻画弟子们瞬间所表露出来的极其复杂的、各不相同的心理反应。
画家赋予画中每个人物以鲜明的性格气质，紧紧扣住每个门徒对基督的话做出明白的、毫不含糊的表态。
这个场面就好像在一池平静的水面上投掷一块石头所引起的那愈来愈大的波纹浪图一样，在此之前是十分平静的晚餐，突然引起巨大的波动，门徒中每个人的动作、手势及面部的表情所传达出来的是微妙的因人而异的心理差别和变化。
全画总共十三人，基督居于面面中间位置，其余十二个门徒分四组平均对称排列左右，这些组合是由每个人的心变化和感情联系自然结合在一起的，画中人的情绪造成画面的气氛有动有静，有声有色。
画家运用造型艺术的手段使画中人和欣赏者的感情紧密联系在一起，我们如果来探究一下画幅中每个人物的性格和情绪发展是很有意思的。
请看：基督在说完“你们中有一个人出卖了我”这句话以后。
神色镇静而又慈祥，很自然地摊开两手，微微低垂着头，毫无恐惧之色，为刚才所说的那句话似乎还有点不甚感慨之情；门徒中反应强烈、显得特别激动的是坐在基督左手边的那一组三个人，他们各具有一个表达情感的动作。
我们首先看到的是年轻的、具有火爆性格的菲利普突然按捺不住地从座位上跳了起来，带着不可捉摸的疑问转向基督，想弄清楚这到底是怎么回事，他用手捂着胸口，欲向基督表白自己对老师的真诚与纯洁，那个老雅各极度愤慨，用力地摊开双手，身子因失去重心而稍向后仰，好像在向同伴表示：我实在不知道，竟然出了这么大的事，简直不可思议；在他们后面站着的是多马，他尽量按下性子，向基督举着食指向上，哆嗦的说出“真的？天晓得，事情怎么会是这样？”他实在弄不清楚刚才发生的事情。
在靠近基督右边的一组三个人中充满着一种复杂情绪，显然处于克制状态。
那个告密的叛徒犹大就在这一组里，当他听了基督的话以后，做贼心虚地急速扭动身子，惊恐万状的想远离老师，并且慌忙地握紧告密所换来的钱袋，战栗而极端害怕地斜视着威严的基督，他阴沉而丑陋的，又显得特别粗鲁的脸皮，被善良貌美的约翰和坚强勇敢的彼得面孔衬托，对照得更加鲜明突出，约翰优柔地把头垂在一边，搭拢双手，神志焦虑，不知如何办是好，在倾听彼得细言。
西方美术鉴赏 结课论文
燃烧吧，太阳————记《麦田上的群鸦》（一）高中时期，看梵·高的画，总觉得表现力过分夸大了现实。
现在，看梵•高的画，越发真实，恍然明白于人的心灵世界中存在的和现实一样真实。
梵•高画过很多关于麦田的作品，唯其此幅最具抽象的感染力。
金黄色的麦田，吞没了面前的三条路，没有一条能到达地平线。
麦秆如钢刀一般坚硬，条条扎在土地上。
目光随着道路延伸，却只能迎来深蓝色能滴下眼泪的天空，寻不见太阳，甚至寻不见希望，最后连路也消失了。
透过画面，我仿佛听到群鸦扑扑楞楞拍打翅膀的声音和风吹起麦浪的呼呼声。
群鸦从很远很远的地方飞来，速速飞过深蓝色的压抑，他们缓缓地试探性地擦过麦的肩膀，终又匆匆飞去另个未知的远方。
后来，一声枪响刺破了司空见惯的骚乱与狂乱，诗人倒下，温热的血液染红了麦田。
啊，诗人，为何你的面容如此安详，为何你的嘴角还挂着笑意？啊，黑鸦，你黑黒的样子啊，人们都认为你冷的像冰一样。
后来的后来，只剩下风的悲泣，不是挽歌。
在我看来，梵•高是诗人，他的画作就是一部部无字长诗。
黑鸦，是魂灵，是远方孤独的、怪癖的、被隔离的浪人。
诗人啊，我知道摆在你面前的何止三条路，明明路有很多，却为何寻不到一个出口？麦地，燃烧的是你的激情，是你对世界每个生灵的热爱。
而恰是这种爱成为了你痛苦的源泉，像刀子割伤你的心。
深蓝的天空，含着泪，泪水比深蓝的海水咸涩。
爱比死冷？37岁，你做了最后的也是最有力的抗争，你留下遗言：The sadness will last forever.然后，永远地闭上那湛蓝而忧郁的双眼，此时的你，安静的像睡熟的孩子。
（二）当我将视角由外在转向内心时，发现梵•高的画真实得如同我戴上眼镜看到的实物。
他的画毫不留情地抛出了人内心深处的孤独和沧桑，并非单薄的感伤，而是一种浓重的忧郁。
宁愿清醒地苦痛，也不要麻木地欢乐。
他把生命的沉重晾在画布上，撕开展现在大家眼前，成为一种美，而不再需要伪装，来藏起悲伤。
这反倒让我感觉舒服了很多，原来痛也能嚼出滋味，或者成为另一种快乐。
西方美术鉴赏论文
米开朗基罗的绘画艺术特色及艺术影响系别：软件工程系班级：*****姓名：**学号*******摘要：米开朗基罗1475年生于佛罗伦斯卡普莱斯镇，雕塑家、建筑师、画家和诗人。
他与列奥纳多·达芬奇和拉斐尔并称「文艺复兴三杰」，以人物“健美”著称，即使女性的身体也描画的肌肉健壮。
美第奇墓前的“昼”、“夜”、“晨”、“昏”四座雕像构思新奇，此外著名的雕塑作品还有“摩西像”、“大奴隶”等。
他最著名的绘画作品是梵蒂冈西斯廷礼拜堂的《创世记》天顶画和壁画《最后的审判》。
他还设计和初步建造了罗马圣伯多禄大殿，设计建造了教皇尤利乌斯二世的陵墓。
米开朗琪罗脾气暴躁，不合群，和达·芬奇与拉斐尔都合不来，经常和他的恩主顶撞，但他一生追求艺术的完美，坚持自己的艺术思路。
他于1564年在罗马去世，他的风格影响了几乎三个世纪的艺术家。
人生之所以美好，不仅由于造化，还因为有艺术，艺术作为人们认识世界、把握世界的一种独特的方式。
主要是借助美的力量诉诸人的情感，使人在领略美的同时并为之陶醉，灵肉和谐，心地纯净，犹如从尘世飞升、而艺术家，正是发掘，表现和传播美的使者。
本文通过对艺术大师米开朗基罗部分作品的分析，试图走进大师的精神世界，领悟米氏艺术中所隐含的精神意义。
关键词：人文主义，人体美，力量，基督精神一、画家生平1475年3月6日生于佛罗伦萨附近的卡普莱斯（卡波热斯），他父亲是卡普莱斯市的自治市长。
母亲在米开朗琪罗六岁的时候就去世了。
米开朗琪罗13岁时进入了佛罗伦萨著名画家多梅尼科·吉兰达伊奥（Ghirlandaio）的工作室，在那里他最初接触终生所从事的神圣事业，并以神奇的速度掌握了绘画技巧。
后又跟随多纳太罗的学生贝托多学习了一年雕塑，之后他又进了佛罗伦萨统治者罗伦佐·美第奇开办的“自由美术学校（美第奇学院）”，由于他的超群才华倍受罗伦佐的重视和爱护，宫廷中大量的艺术品成了他学习、研究的对象，经常出入于宫中的人文主义诗人和学者给了他极大影响。
西方美术鉴赏论文
东西方美术鉴赏美术鉴赏课马上就要结束了，通过对这门课的学习，我收获了许多东西。
通过学习这门课，我了解到西方美术和我们中国美术一样也有悠久的历史，也有辉煌的成就，也有令人叹为观止的优秀在作品。
西方文化是一种外向型文化，始终在努力地表现着人性。
虽经历了中世纪神学的束缚，但因文艺复兴人文主义的兴起，人之本欲又得到张扬，一直到近现代西方美术仍然以表现人性为主。
这其中诞生了像拉斐尔、达•芬奇、米开朗基罗、毕加索等伟大的画家，也产生了像达芬奇的《蒙娜丽莎》、凡高的《自画像》西方古典艺术在文艺复兴时期当数达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔的成就最高。
他们的艺术成就达到了西方造型艺术继古希腊之后的第二次高峰，仅绘画而言，则达到了欧洲的第一次高峰。
其中尤以达·芬奇最为突出，恩格斯称他是巨人中的巨人。
在艺术创作方面，达·芬奇解决了造型艺术三个领域——建筑、雕刻、绘画中的重大课题：1、解决了纪念性中央圆屋顶建筑物设计和理想城市的规划问题；2、完成了15世纪以来雕刻家深感棘手的骑马纪念碑雕像的课题；3、解决了当时绘画中两个重要领域——纪念性壁画和祭坛画的问题。
达·芬奇的艺术作品不仅象镜子似的反映事物，而且还以思考指导创作，从自然界中观察和选择美的部分加以表现。
壁画《最后的晚餐》、祭坛画《岩间圣母》和肖像画《蒙娜丽莎》是他一生的三大杰作。
这三幅作品是达·芬奇为世界艺术宝库留下的珍品中的珍品，是欧洲艺术的拱顶之石。
达芬奇最为世人所熟悉的就是他绝高的绘画艺术，其最著名的作品有：《蒙娜丽莎》《最后的晚餐等。
《蒙娜丽莎》的绘制前后历时四年。
据说模特是佛罗伦萨人，刚刚丧婴，为解除她的痛苦并露出自然的微笑，莱奥纳多便请人来为她奏乐。
她的微笑是人们津津乐道的话题，有时似乎是很严肃有时又象很温柔；有时略含忧伤有时又显讥讽。
蒙娜丽莎的右手更被称为“美术史上最美的一只手”。
《最后的晚餐》绘制在格拉齐教堂圣餐厅的墙壁上。
西方美术鉴赏论文西方美术鉴赏课论文
西方美术鉴赏论文西方美术鉴赏课论文导读：就爱阅读网友为您分享以下“西方美术鉴赏课论文”资讯，希望对您有所帮助，感谢您对的支持! 我眼中的艺术与科学的关系（以达芬奇为例）众所周知，列奥纳多·达·芬奇是意大利的文艺复兴三杰之一，也是整个欧洲文艺复兴时期最完美的代表。
在这里，我将以达·芬奇为例谈一下我眼中的艺术与科学的关系。
在我看来，艺术与科学从来就不是两个独立存在的毫无关系的学科，而是以一种相辅相成、互相促进的形式存在的。
这一点在达·芬奇身上有很明显的体现。
达·芬奇认为自然界中最美的研究对象是人体，人体是大自然的最奇妙的作品，画家应以人作为绘画对象的核心。
他说绘画是自然（指万物）的唯一模仿者，绘画包罗自然的一切形态在内，它能够将自然界中转瞬即逝的美生动的保存下来。
绘画能够比语言文字更真实更准确的将自然万象表现给我们，并可以永久保存，经得起岁月的磨蚀。
有人说铜匠作品更经得起岁月的磨蚀，但是他们的作品却缺乏想象。
我觉得艺术是科学的一种感性体现。
艺术作品是通过一种被艺术家们加工过的形式来向人们展示自然科学的魅力所在。
它可以使科学变的更容易被人们所接受，就像通常情况下，相比较看晦涩难懂的文字，人们更愿意通过图画的形式来了解一件事物。
绘画作品有两个作用：第一是传播知识的作用；第二是让人们欣赏到美。
这毫无疑问比文字作品更让人赏心悦目。
艺术和文学被分为两个不同的学科就是因为它们是以两种不同的学科在像我们展示科学的魅力所在，同时也像我们传达作者个人的感情。
只是，艺术作品在这一方面却显得更为直观，它并不需要你有多么深厚的自身修养才能看懂作者想要表达的意思，而文学在这一方面就有很硬性的要求了。
另一方面，科学也以它独有的形式在影响着艺术的发展。
正如达·芬奇所说，绘画是一门科学。
绘画并不是说我们简简单单随便画几笔就可以被称为艺术了。
我相信每个伟大的画家肯定都曾研究过以怎样的手法才能将他自己想要表达的意思表达出来。
美术鉴赏论文2000字(通用3篇)
美术鉴赏论文2000字(通用3篇)一、《蒙娜丽莎》——对达·芬奇绘画艺术的鉴赏达·芬奇是文艺复兴时期最伟大的艺术家之一，他的绘画作品具有深厚的艺术内涵和卓越的技巧。
其中最著名的作品之一就是《蒙娜丽莎》。
这幅画作是达·芬奇的代表作之一，也是西方绘画史上的经典之作。
首先，《蒙娜丽莎》以蒙娜丽莎的肖像为主题，展示了达·芬奇对于人物形象的精准把握和对情感表达的深入思考。
画面中的蒙娜丽莎微微一笑，眼神深邃而又神秘。
她身着华丽的衣饰，头上的小帽点缀着颜色丰富的珠宝。
蒙娜丽莎的形象透露出一种难以言喻的神秘感，引发观者的无尽想象。
其次，《蒙娜丽莎》的构图精妙而又复杂。
达·芬奇巧妙地运用了透视法和对比法，使得画面中的蒙娜丽莎形象显得栩栩如生，仿佛能从画布中走出来。
他将蒙娜丽莎放置在一座开阔的景观中，背景中的山川和河流仿佛随着时光的流转而变幻。
这种细腻的构图技巧使得整幅画作更加具有动感和立体感。
再者，《蒙娜丽莎》的色彩运用极富特色。
达·芬奇巧妙地运用了明暗对比和色调的渐变，在画面中形成了丰富而又和谐的色彩层次。
蒙娜丽莎的面容及若隐若现的微笑，通过轻柔的光线和柔和的色彩展现出来，使她的形象更加神秘而又诱人。
最后，《蒙娜丽莎》所传递出的艺术思想也是其深受赞誉的原因之一。
达·芬奇通过这幅作品表达了他对于人性和情感的思考。
蒙娜丽莎那微微一笑的面容中隐藏着无尽的秘密，仿佛在告诉观者们人性的复杂和多变。
这种思想层面的表达使得《蒙娜丽莎》成为了一幅永远不会被人们遗忘的杰作。
总之，达·芬奇的《蒙娜丽莎》不仅是一幅绘画作品，更是一部关于人性和情感的艺术篇章。
他精准的人物形象塑造、复杂的构图和精妙的色彩运用，打造出了一幅令人陶醉的经典之作。
这幅作品以其独特的艺术风格和丰富的内涵，在人们心中留下了深刻的印象。
二、《星夜》——梵高的色彩盛宴梵高是后印象主义画派的代表人物之一，他的画作以其独特的色彩运用和个人表达风格而著名。
西方美术鉴赏论文——浅谈印象画派
西方美术鉴赏论文——浅谈印象画派内容摘要：印象画派是十九世纪下半叶法国兴起的一个画派，是西方绘画史上划时代的艺术流派。
该派反对当时学院派的保守思想和表现手法，采取在户外阳光下直接描绘景物，追求光色变化中表现对象的整体感和氛围的创作方法，主张根据太阳光谱所呈现的赤橙黄绿青蓝紫七种色相去反映自然界的瞬间印象，一反过去宗教神话等主题内容和陈陈相因的灰褐色调，使欧洲绘画出现发挥光色原理加强表现力的新方法，对绘画技法的革新有很大影响。
关键词：印象派绘画现代绘画传统绘画内容：印象派绘画是西方绘画史上划时代的艺术流派，19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期莫奈《印象·日出》其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。
19世纪后半叶到20世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制。
印象派画家走出画室，深入原野、乡村、街头写生，力求真实地刻画自然。
借用“物体的色彩是由光的照射而产生的，物体的固有色是不存在的”这一最新的光学理论，印象派画家认为，景物在不同的光照条件下有不同的颜色，他们的使命便是忠实地刻画在变动不居的光照条件下的景物的“真实”，这种瞬间的真实不恰恰就是一种转瞬即逝的“印象”吗？而印象派画家把这种“瞬间”永恒地记录在了画布上。
一、印象派的构图印象派画家几乎都强调那种偶然一瞥，力求从一种全新的角度去审视对象，例如从晚会包厢里俯视舞台，从某一个角落侧视大厅，从头顶上仰视一群舞女，都是以前传统绘画里没有的。
传统艺术主要关注神话、战争和历史题材，讲究构图的舞台戏剧化效果，场面宏大富有文学性。
而印象派的构图突破旧的固有模式，多作架上小品，并根据自己的喜好和审美要求对画面构图进行随意剪裁。
这种似乎漫不经心的构图与传统的舞台样式的构图相比，要自然生动多了。
二、印象派的造型由于印象派画家重写生，重实践，他们大多在户外描绘外光和大自然的瞬息变化，常常在很短的时间内完成，笔触奔放而果断。
西方美术鉴赏课论文——阿波罗和达芙妮
《西方美术鉴赏》期末论文今天，我想要鉴赏的是巴洛克艺术中的经典之作《阿波罗和达芙妮》之所以选择这个作品，是因为当我第一次在西方美术鉴赏课上看到它时就被它独特而完美如舞姿的造型所吸引，在听过老师讲述了那个凄美的希腊神话故事后，更是对它感触良多。
这则作品的作者是意大利雕塑家、建筑家贝尔尼尼，他是巴洛克艺术的主要代表人物之一，也是巴洛克艺术的创始者。
贝尔尼尼可谓是多才多艺。
颇具文艺复兴时代的遗风。
对于贝尔尼尼，当时人们这样写道：“上演了一出大众戏，其中布景是他画的，雕像是他雕的，机械是他发明的，音乐是他谱曲的，喜剧的剧本是他写的，就连剧院也是他建造的。
”这样的全才我想大概只有达芬奇才能与之媲美吧《阿波罗和达芙妮》贝尔尼尼创作的大理石雕像，取材于希腊神话，描绘的是太阳神阿波罗向河神女儿达芙妮求爱的故事。
目空一切的阿波罗瞧不起小爱神丘比特的箭法，而丘比特为了向阿波罗复仇，将一支使人陷入爱情的金箭射向了他，使阿波罗疯狂地爱上了达芙妮，同时，又将一支使人拒绝爱情的铅箭射向达芙妮，使达芙妮对阿波罗不理不睬。
因此，阿波罗一看到达芙妮就深深爱上了她，他对她的爱就像疾病一样无法控制。
有一天当达芙妮兴高采烈地在林中游玩时，阿波罗在树林里看到就走过去想向她表白，可是因为丘比特箭的作用，达芙妮害怕得飞跑起来,但情绪激昂的阿波罗紧追不放。
她越过旷野，穿过人迹罕至的树林，但追赶的脚步声愈加逼近。
奔逃的的达芙妮根本顾及不上这些。
她甚至没朝身后瞥了一眼，她不停的逃开他~达芙妮越跑越惊慌，就在他快要追到的时候，他们都被一条大河拦住了，最终达芙妮气喘吁吁地向她的父亲（河神）求救:"爸爸你请你张开大口把我吞下去吧."河神向来疼爱这个美丽的女儿，不忍心那样做，于是他施展魔法将她变成一株月桂树.阿波罗看到了变成月桂树的达芙妮，感到懊悔万分，他轻拥着月桂树向她道歉，并且表示他对她的爱慕永远不变.阿波罗为了表示他对仙女永不磨灭的爱情，于是将月桂树作为他最喜爱的的树种，用她的花朵装饰他的弓箭，让她青春永驻，并决定将它作为一种对荣誉与威望的奖励，把它授予那些永恒的诗人和流芳百世的诗。
西方美术鉴赏结课论文
毕加索——我最喜欢的超现实主义画家在《西方美术鉴赏》老师给我们讲解了许多画派的画家以及许多不同风格的作品，整个课程走下来，让我印象最深的是毕加索。
之所以对毕加索印象深刻是因为我不真正懂得他的画却欣赏他的生活，他的作品给人一种朦胧的感觉，似懂非懂，有所感悟却又无法言语。
巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso，1881年～1973年）出生在西班牙马拉加（Malaga），是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家之一，立体画派创始人，他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。
毕加索是位多产画家。
据统计，他的作品总计近37000 件，包括：油画1885 幅，素描7089 幅，版画20000 幅，平版画6121幅。
跟一生穷困潦倒的文森特·梵高不同，毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个活着亲眼看着自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。
在1999年12月法国的一家报社进行的民意调查中，他以40%的高票当选为20世纪最伟大的画家之首。
问起他创作的秘诀时，毕加索说：“我的每一副画中都装有我的血，这就是我的画的含义。
”全世界前10名最高拍卖价的画作里面，毕加索的作品就占据4幅。
多数画家在创造了一种适合于自己的画派风格后，就不再改变，特别是当他们的作品受到人们的欣赏的时就更是这样。
随着艺术家的年岁的增长，他们的艺术风格也会变化，但这些变化不是很大。
但是毕加索却像是以为终生未找到他的特殊艺术风格的画家，一生都在寻求完美的手法来表达他那颗不平静的心。
毕加索一生中画法和风格几经变化。
也许是对人世无常的敏感与早熟，加上家境不佳，毕加索早期的作品风格充满了早熟的忧郁，早期画近似表现派的主题。
在求学期间，毕加索努力地研习学院派的技巧和传统的主题，而产生了象《第一次圣餐式》这样以宗教题材为描绘对象的作品。
德加的柔和的色调，与罗特列克所追逐的上流社会的题材，也是毕加索早年学习的对象。
在《嘉列特磨坊》、《喝苦艾酒的女人》等画作中，总看到用罗特列克手法经营着浮动的声光魅影，暧昧地流动着款款哀伤。
美术鉴赏论文：梵高的画作特色
美术鉴赏论文：梵高的画作特色
引言
梵高（Vincent van Gogh）是一位伟大的荷兰后印象派画家，以其独特的绘画风格和狂热的创作精神而闻名于世。
他的画作具有明显的特色，这篇论文将探讨梵高画作的特点。
亮色运用
梵高的画作以鲜明和饱和的色彩为特点。
他善于运用亮丽的颜色，例如，金黄色的麦田、深蓝色的星空等。
这种亮色运用不仅烘托了画面的氛围，还能够引起观者的共鸣，使作品更加生动有趣。
纹理表现
梵高的画作充满了丰富的纹理表现。
他使用厚重的画布和浓稠的油画颜料，通过粗犷的笔触和凹凸的画面表现出物体的质感和层次感。
这种纹理表现使观者能够感受到画面中事物的触感，增强了作品的现实感。
主题选择
梵高的画作主题广泛，包括风景、人物、静物等。
然而，不论
图像的主题是什么，他总是通过个人的情感和体验来表达内心世界。
这使得他的画作更富有个性和感情，触动了许多人心灵深处的共鸣。
艺术风格转变
梵高的画作风格在他的短暂绘画生涯中发生了明显的转变。
早
期的作品着重于写实和自然主义，而后期的作品则更加夸张和表现
主义。
这种风格的转变反映出他对艺术的探索和个人生活经历的影响，使他的画作更加独特和具有狂热性。
总结
梵高的画作以亮色运用、纹理表现、个人主题选择和艺术风格
转变为特色。
他通过独特的绘画技巧和情感表达，创作出许多令人
称赞的作品，对后世的艺术影响深远。
注：以上内容均为个人观点，如有引用请注明出处。
西方美术鉴赏论文外国美术鉴赏论文
M A S T E R041三、现代体育中需要融入更多艺术特色当体育摆脱了仅仅为了强身健体的局限意识后，人们就越来越讲究体育运动的艺术表现力，甚至将某些体育运动人为地艺术化，从而创造出新的体育运动项目，使之具备了更加强烈的观赏效果和艺术感染力。
值得注意的是，虽然将艺术融入了体育运动中，使体育锻炼的作用减弱了，但是却使体育获得了更强的艺术性。
然而，艺术的融入并不能改变体育的本质属性，无论体育怎样地艺术化，仍然还是体育运动。
以艺术体操为例，艺术体操需要在音乐的伴奏下表演，同时，运动员的表演道具都非常的精美，具有较高的审美价值，甚至与艺术一样可以视为审美意识集中的物化形态，具有与艺术同样的魅力，但它本身却不能变成纯粹的艺术门类。
所以，运动员表演的主要目的就是通过自己的表演展示高超的运动技巧，从而获得尽可能高的比赛分数。
我们发展这一运动的目的，主要的目的就是为了让更多的人通过不同的方式加入到体育运动中来。
体育与艺术，他们都能展示美，但在体育运动中所表现出来的美是短暂的、分散的、模糊的，而艺术所展示的美是稳定的、集中的、强烈的。
因此，增强体育中的艺术感，可以使体育运动具有更多的观赏性与艺术的魅力。
四、体育中的艺术表现形式伴随着人类物质文明和精神文明的发展和提高，人们对于体育的要求不仅仅局限于锻炼身体、增强体质这一狭义的效果，而是成为了人们娱乐休闲和艺术欣赏中的重要组成部分。
在各类运动会上的艺术表演活动、体育场馆周围的艺术装饰、创新的具备艺术表演形式的体育项目，都充分地展示了体育的艺术价值。
体育中的艺术表现形式，主要包括人体的形态的艺术性、运动的形式的艺术性、运动环境的艺术性等各种因素。
体育运动以人的身体为媒介，通过身体的不同部位的动作组合达到锻炼身体的目的，是人类从事生产劳动实践中所得出来的人体的最佳运动方式，揭示了人体运动的规律，概括了人体的运动能力和范围。
体育运动以人为主体，人同时又是艺术表现的主题，没有人的参与，一切事物都不具备审美的价值。
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《西方美术鉴赏结课论文》赏析弗洛伊德理论对西方美术的影响西方美术鉴赏课马上就要结束了，通过对这门课的学习，我收获了许多东西。
通过学习这门课，我了解到西方美术和我们中国美术一样也有悠久的历史，也有辉煌的成就，也有令人叹为观止的优秀在作品。
西方文化是一种外向型文化，始终在努力地表现着人性。
虽经历了中世纪神学的束缚，但因文艺复兴人文主义的兴起，人之本欲又得到张扬，一直到近现代西方美术仍然以表现人性为主。
这其中诞生了像拉斐尔、达•芬奇、米开朗基罗、毕加索等伟大的画家，也产生了像达芬奇的《蒙娜丽莎》、凡高的《自画像》、德拉克罗瓦的《自由引导人民》、戈雅的《五月三日枪杀》等优秀作品。
西方美术之博大精深与中国美术一样，无法用三言两语就能说的清楚的。
因此本文仅从弗洛伊德理论对西方美术影响进行分析。
1.弗洛伊德及其理论1.1弗洛伊德简介西格蒙德·弗洛伊德（1856.5.6－1939.9.23），犹太人，奥地利精神病医生及精神分析学家。
精神分析学派的创始人。
弗洛伊德出生在一个犹太大家庭中，他上面还有两个同父异母的哥哥，下面有两个同胞弟弟和五个妹妹。
弗洛伊德自小天资聪颖，学习成绩优异，且胸怀大志，坚信自己会成为一个伟大的科学家。
西格蒙德·弗洛伊德1856年5月6日出生于摩拉维亚，4岁时举家迁居维也纳。
他在中学时代就显示出非凡的智力，成绩一直名列前茅，17岁考入维也纳大学医学院，1876年到1881年在著名生理学家艾内斯特·布吕克的指导下进行研究工作。
并在1881年开始私人开业，担任临床神经专科医生。
1881年开始私人开业，担任临床神经专科医生。
1886年与马莎·伯莱斯结婚，育有三男三女，女儿安娜·弗洛伊德后来也成为著名的心理学家。
1938年因遭纳粹迫害迁居伦敦，于1939年9月23日因口腔癌在伦敦逝世。
弗洛伊德对精神分析的兴趣是在1884年与J·布洛伊尔合作期间产生的，他们合作治疗一名叫安娜·欧的21岁癔症患者，他先从布洛伊尔那里学了宣泄疗法，后又师从J·沙可学习催眠术，继而他提出了自由联想疗法，1897年创立了自我分析法。
他一生中对心理学的最重大贡献是对人类无意识过程的揭示，提出了人格结构理论，人类的性本能理论以及心理防御机制理论。
1.2弗洛伊德的理论“无意识”冰山理论无意识是在意识和前意识之下受到压抑的没有被意识到的心理活动，代表着人类更深层、更隐秘、更原始、更根本的心理能量。
“无意识”是弗洛伊德学说的核心概念，在弗洛伊德看来，传统心理学的研究对象主要是人的意识，而精神分析认为人的意识活动在其全部的精神活动中只不过是极小一部分。
无意识是藏在水下更巨大的部分，在人的全部精神活动中占主导地位。
无意识是人类一切行为的内驱力，它包括人的原始冲动和各种本能（主要是性本能）以及同本能有关的各种欲望。
由于潜意识具有原始性、动物性和野蛮性，不见容于社会理性，所以被压抑在意识阈下，但并未被消灭。
它无时不在暗中活动，要求直接或间接的满足。
正是这些东西从深层支配着人的整个心理和行为，成为人的一切动机和意图的源泉。
比如过失，弗洛伊德深信任何偶然性背后都受到必然性的支配，因而人的各种失误，如笔误、口误、遗失、遗忘、误听误读等，都是无意识动机与意识的控制相互冲突的体现，都是无意识的不自觉暴露。
性本能理论人之为人，首先其是一个生物体，既然人首先是生物体，那么，人的一切活动的根本动力必然是生物性的本能冲动，而本能冲动中最核心的冲动为生殖本能（即性本能或性欲本能）的冲动，而在社会法律、道德、文明、舆论的压制下，人被迫将性本能压抑进潜意识中，使之无法进入到人的意识层面上，而以社会允许的形式下发泄出来，如进行文学、艺术的创作。
弗洛伊德以身体不同部位获得性冲动的满足为标准，将人格发展划分为5个阶段，其人格发展理论又称性心理期发展论。
口唇期：从出生到1岁左右。
此期婴幼儿以吸吮、咬和吞咽等口腔活动为主满足本能和性的需要。
肛门期：2－3岁左右。
此期儿童性欲望的满足主要来自于肛门或排便过程。
性器期：4－5岁左右。
此期儿童性生理的分化导致心理的分化，儿童表现出对生殖器的极大兴趣，性需求集中于性器官本身。
他们不仅通过玩弄性器官获得满足，而且通过想象获得满足。
此期男孩会经历“恋母情结”，对于女孩，则经历“恋父情结”。
潜伏期：6岁到12岁左右。
在这一时期，儿童的兴趣转向外部世界，参加学校和团体的活动，与同伴娱乐、运动，发展同性的友谊，满足来自于外界、好奇心和知识满足，娱乐和运动等。
生殖期：13岁到18岁。
青春期性器官成熟后即开始，性需求从两性关系中获得满足，有导向的选择配偶，成为较现实的和社会化的成人。
弗洛伊德相信性欲的发展，如升华概念所示，为不断转换客体。
人生来即属“多相变态”，任何客体都可能成为快感之源。
随不同发展阶段，人会固著于特定欲望客体——初为口欲期（如婴儿因哺乳产生的快感），继之以肛欲期（如小儿控制肠道产生之快感），随之为性器期。
孩童接着经历固著性欲于母亲之时期，即所谓恋母情结，但因此欲望有着禁忌的本质，必须予以压抑——较不为人知的恋父情结则是性欲固著于父亲。
释梦理论弗洛伊德认为梦是清醒时被压入潜意识里的欲望的一种表达，好比是潜意识的X片，可以看见人内部心理，探究其欲望与冲突。
弗洛伊德是一个心理决定论者，他认为人类的心理活动有着严格的因果关系，没有一件事是偶然的，梦也不例外，绝不是偶然形成的联想，而是欲望的满足。
在睡眠时，自我的检查松懈，潜意识中的欲望绕过抵抗，并以伪装的方式，乘机闯入意识而形成梦，可见梦是对清醒时被压抑到潜意识中的欲望的一种委婉表达。
梦是通向潜意识的一条秘密通道。
通过对梦的分析可以窥见人的内部心理，探究其潜意识中的欲望和冲突。
2.弗洛伊德的理论对西方美术的影响2.1利用弗洛伊德理论鉴赏弗洛伊德相信性欲的发展，如升华概念所示，为不断转换客体。
人生来即属“多相变态”，任何客体都可能成为快感之源。
随不同发展阶段，人会固著于特定欲望客体——初为口欲期（如婴儿因哺乳产生的快感），继之以肛欲期（如小儿控制肠道产生之快感），随之为性器期。
孩童接着经历固著性欲于母亲之时期，即所谓恋母情结，但因此欲望有着禁忌的本质，必须予以压抑——较不为人知的恋父情结则是性欲固著于父亲。
我们应用这一理论，对《俄狄浦斯王》进行赏析。
弗洛伊德恋母情结一词，原名俄狄浦斯情结，即取自著名希腊悲剧作家索福克里斯之名作《俄狄浦斯王》。
弗洛伊德说：“我从自己身上发现对我母亲的爱，对我父亲的妒。
如今我认为此乃孩童遍存之现象。
”弗洛伊德尝试于心理动态层面落实此发展模式。
每一阶段均为迈向成人的性成熟期之进程，该成熟期将产生坚实自我，并发展出延迟欲望满足之能力。
（参见《性学三论》）。
弗洛伊德视俄狄浦斯冲突为性心理发展与启蒙之型态，借此指出他所确信人性对乱伦的渴求，与压抑此欲望的必要。
他转求文化人类学对图腾崇拜的研究，主张此崇拜以仪式性演绎，正反映出部落型态之俄狄浦斯冲突。
伊拉克特拉情结(Electra complex)。
精神分析学派的一个概念。
伊拉克特拉（Electra)为希腊神话中人物，曾助弟俄瑞斯忒斯杀母为父报仇。
弗洛伊德认为伊拉克特拉是女孩在2-3岁时具有的一种无意识欲望，其内容是对父亲的爱，对母亲的轻视与敌视，并认为这一情结持续时间长，不易升华。
2.2弗洛伊德的理论对西方美术的影响而弗洛伊德精神分析理论的重要组成部分——意识分域理论、人格结构理论、释梦理论等对超现实主义产生了极为深刻的影响，成为超现实主义文艺思潮的直接理论来源，奠定了超现实主义的理论基础。
我们通过查阅资料了解到：超现实主义是一种具有普遍意义的文艺和文化思潮，其产生的标志是1924 年法国作家布洛东在巴黎发表《超现实主义第一次宣言》和同年成立的“超现实主义研究室”。
布洛东在《超现实主义第一次宣言》中说：“这要感谢弗洛伊德的发现。
根据这些发现终于形成了一股思潮，而借助这一股思潮，人类的探索者便得以做更进一步的发掘，而不必再拘泥于眼前的现实。
想象或许正在夺回自己的权利。
”我们知道弗洛伊德理论影响了超现实主义美术的发展。
美术方面的超现实主义要解决的是绘画语言问题，即“怎样画”的问题；而超现实主义所要解决的是“画什么”的问题。
在怎样画的问题上超现实主义画家是相当自然主义的，他们的画具有“真实的荒诞”的趣味。
超现实主义代表画家有米罗、达利、马格利特、唐吉、恩斯特等。
超现实主义者们大胆地迈入前人所未涉足的精神世界，尤其是潜意识梦幻世界，他们的宗旨是离开现实，返回原始，否认理性的作用，强调人们的下意识或无意识活动。
由此可以看出，他们选择的路径正是借助于弗洛伊德的精神分析理论。
具体的讲，弗洛伊德精神分析理论的重要组成部分精神层次理论、释梦理论和人格结构理论成为超现实主义文艺思潮的直接理论来源，奠定了超现实主义的理论基础。
达利是弗洛伊德影响下成长起来的最伟大的超现实主义美术作家。
达利(1904-1989)是西班牙超现实主义画家和版画家，达利与毕加索、马蒂斯一起被认为是20世纪最有代表性的三位画家。
达利17 岁就读于马德里费尔南多美术学院，并结识了西班牙诗人、剧作家洛尔卡和电影导演布努埃尔。
21 岁拜读了弗洛伊德的杰作《释梦》，对他的艺术创作产生了巨大影响。
22 岁前往法国巴黎拜访毕加索，参观卢浮宫博物馆。
23 岁完成第一幅超现实主义油画《蜜比血甜》。
25 岁(1925) 时达利遇到法国精神病学家、精神分析学家拉康[2]。
达利受到拉康博士论文《论偏执性精神病与个性的关系》的启发，独创“偏执狂批判法”的艺术手法作画，即在自己的身上诱发幻觉，使自己有意地处于精神异常状态，并用自由联想的方式激发出创作意念。
追求极度的无条理性，运用分解综合和意识流的手法描绘梦境和偏执狂的幻想，以似是而非的客观真实，记录了他主观的奇思梦想。
32岁创作的著名油画《内战的预感》，给人一种惶恐残酷与疯狂之感。
1931 年，达利创作了最负盛名的、被视为超现实主义绘画史上的经典之作的《记忆的永恒》，这幅作品典型地体现了达利早期的超现实主义画风。
画面展现的是一片空旷的海滩，一只似马非马的怪物躺着海滩上，它的前部又像是一个只有眼睫毛、鼻子和舌头荒诞地组合在一起的人头残部；怪物一旁是一个平台，平台上长着一棵枯死的树；最令人惊奇的是出现在这幅画中的好几只钟表都变成了柔软而极具延展性的东西，软塌塌地挂在树枝上，搭在平台上，或者披在怪物的背上，一群蚂蚁聚集在前景静止的时钟上。
这些用金属、玻璃等坚硬物质制成的钟表好像已经经历了太久的时间运转而疲惫不堪，于是都松垮下来。
树木通常象征着生命，而在《记忆的永恒》中却是凄凉的枯树，也代表了时间的流逝、衰老和死亡。