古典油画中画家对人物对象眼神的研究
论常书鸿油画作品中古典主义艺术精神的领悟
论常书鸿油画作品中古典主义艺术精神的领悟常书鸿是中国近现代著名的油画家和美术教育家，他的作品多才多艺，涉猎广泛，尤其以古典主义题材的油画作品而著称。
在其艺术创作中，常书鸿深刻领会了古典主义艺术精神，将其融入到自己的作品之中，创作出了一系列具有浓厚古典主义特色的油画作品。
通过对常书鸿油画作品中古典主义艺术精神的领悟，我们可以更加深入地理解古典主义艺术在当代的意义和价值。
常书鸿油画作品中古典主义艺术精神表现在其对人体的刻画上。
在古典主义艺术中，人体被视为自然界中最完美的形象，艺术家们追求以人体为中心来表达美的理念。
常书鸿在其油画作品中，经常以古典主题和题材为题材，对人体进行精细的描绘和塑造。
他的作品《牧羊女》、《思考的人》等作品中，人物形象栩栩如生，充满了古典主义对于人体之美的尊崇和追求。
通过这些作品，常书鸿展现了古典主义艺术对于人体之美的认知和理解，从而使人们更加深刻地感受到了古典主义艺术对于人体之美的追求和推崇。
常书鸿油画作品中古典主义艺术精神还表现在其对古典主题和题材的喜爱和倾注。
古典主义艺术追求以古希腊和罗马的神话、历史和文学作为题材来表达艺术家的审美理念和艺术创作。
常书鸿在其油画作品中，大量运用了古典主题和题材，例如《雅典学堂》、《引导者》等作品，以古希腊和罗马的神话、历史和文学为题材，塑造了一系列富有古典主义风格的作品。
通过这些作品，常书鸿表现了对古典主题和题材的喜爱和倾注，体现了古典主义艺术对于古代文化和历史的重视和传承。
通过对常书鸿油画作品中古典主义艺术精神的领悟，我们可以更加深入地理解古典主义艺术在当代的意义和价值。
他的作品展现了古典主义对于人体之美的追求和推崇，对古典主题和题材的喜爱和倾注，以及对比例和构图的把握和追求，充分体现了古典主义艺术的理念和精神。
通过认真研究和理解常书鸿的油画作品，我们可以更好地传承和弘扬古典主义艺术的精髓，为当代艺术的发展注入更多的文化底蕴和精神力量。
伦勃朗用光法
伦勃朗用光法伦勃朗（Rembrandt Harmenszoon van Rijn）是17世纪荷兰最著名的画家之一，他以其精湛的用光法而闻名于世。
伦勃朗的画作中，光线成为他表达情感和创造氛围的重要手段，使他的作品充满了生机和动感。
伦勃朗的用光法独树一帜，他善于运用明暗对比，创造强烈的光线与阴影效果。
他经常通过巧妙的照明手法，将主题从黑暗中推向光亮，使之更加突出。
如他的作品《夜巡》中，透过一束灯光，塑造了官兵们的英勇形象，展示了他们矍铄的身姿和坚毅的眼神。
这种通过光来突出主题的手法，使观众能够更深入地理解画作所传递的信息。
伦勃朗对光线的运用也赋予了他的作品独特的情感表达。
在《装幀师》中，他用柔和的光线照亮了主人公的脸庞，表现出他内心深处的忧伤和沉思。
这种巧妙而细腻的光线处理，使观众共鸣并被深深打动。
伦勃朗的用光法还为观众创造了一种身临其境的感觉。
他的作品中常常使用侧逆光的技巧，让人感受到光线的穿透力和真实感。
在《苏珊娜和长者》中，透过窗户投射进来的柔和阳光，将苏珊娜和长者的形象勾勒得栩栩如生，让人仿佛置身于画面之中，感受到阳光的温暖和真实的存在感。
伦勃朗用光法所塑造的独特氛围，给观众带来了对于人物内心世界的深入洞察和感受。
他通过光线的亮暗变化，将观众引入画作中人物的情感和思想之中。
在《夜巡》中，光线照亮了官兵们的面部和眼神，展现了他们忠诚和威严的一面。
而在《大医师塔尔哈》中，伦勃朗用柔和的光线烘托出塔尔哈内心的痛苦和对死亡的思考。
这种通过光线传递情感的手法，极大地丰富了作品的内涵和观赏价值。
伦勃朗的用光法对于现代艺术家和摄影师也有着重要的指导意义。
他的作品告诉我们，光线是艺术表达中不可或缺的元素，它可以改变人们对事物的感知和理解。
艺术家和摄影师可以通过运用光线，来创造出丰富多样的效果，使作品更具有冲击力和观赏性。
同时，伦勃朗还教会我们如何通过光线来呈现人物的内心世界，增强观众的参与感和情感共鸣。
总之，伦勃朗的用光法以其独特的表现方式和情感传递能力，为艺术界注入了新的活力和灵感。
画眼睛勾灵魂的名词解释
画眼睛勾灵魂的名词解释在艺术领域中，画眼睛勾灵魂是一个富有表现力和感染力的词语。
它揭示了眼睛在绘画作品中的重要作用，并强调了眼睛能够传达出情感、内心和灵魂深处的信息。
眼睛作为人类面部表情中最具特征的部位之一，承载着丰富的情感和意义。
通过绘制眼睛，艺术家能够捕捉到一个人的内心世界并将其展现在观者面前。
画家运用各种绘画技巧和形式，创造出各种形态的眼睛，使其成为作品中最引人注目的部分。
绘画作品中的眼睛具有许多特征，在不同的时代和文化中都有所变化。
眼睛的形状、大小、颜色和表情等因素都能够表达出不同的情感和意义。
例如，大而明亮的眼睛可以让观者感受到充满生机和活力的能量；深邃的眼睛则常常被认为具有神秘和思考的特质；而湿润的眼睛则表达出情感和敏感度。
不仅如此，眼睛还能够展现出人物的性格特征和经历。
通过绘制眼睛的细节，艺术家可以传递出人物的内心世界和情感状态。
他们可以通过塑造眼睛的深邃与静谧，让人感受到内心的宁静与冷静；而在眼神中描绘出痛苦和忧虑，则能够引发观者对人物遭遇的共鸣和同情。
画眼睛勾灵魂这一表达方式还可以同时运用于其他艺术形式中，如摄影和雕塑。
在摄影中，通过对眼睛的焦点和光影的运用，摄影师能够捕捉到人物的情感和内心世界。
而在雕塑中，通过塑造眼睛的形态和神态，雕刻家能够赋予作品生命和灵魂。
画眼睛勾灵魂的名词解释不仅仅停留在艺术界，它还深刻影响着我们对他人的认知和理解。
在日常生活中，我们经常会通过观察他人的眼睛来揣测他们的情绪和内心感受。
眼神的交流常常能够传递出比言语更真实和直接的信息，通过观察眼睛我们能够感知到他人的喜怒哀乐，从而更好地理解和沟通。
总而言之，画眼睛勾灵魂揭示了在绘画作品中眼睛的特殊地位和无穷魅力。
通过准确描绘眼睛的形态、表情和细节，艺术家能够展现出人物的情感、内心和灵魂。
这种表现方式不仅使艺术作品更具生命力和感染力，也在我们日常生活中发挥着重要的角色。
通过观察他人的眼睛，我们能够更好地理解和与他人沟通，从而建立更深入的联系和共鸣。
马奈油画中的女性主题和女性形象
马奈油画中的女性主题和女性形象摘要：马奈是19世纪印象主义的奠基人之一，在历史上也是饱受争议的人物之一。
关于马奈，学术界多是关注其在绘画技巧上的创新和变革，而对于其绘画内容则很少有人关注，尤其是绘画中的女性主题和女性形象鲜有被系统地进行研究，本文意欲从这个角度出发，来分别探讨马奈绘画中的几大主题，以期对马奈的女性绘画作品有一个系统的了解。
关键词：马奈油画女性中图分类号：j203 文献标识码：a爱德华·马奈（1832-1883）是19世纪最伟大的艺术家之一，是印象主义和印象派的奠基人之一，也是历史上饱受争议的人物之一。
他出身在巴黎的一个资产者家庭，家境优渥富裕，跟随19世纪最有影响的肖像画家、历史画家托巴斯·库蒂尔学画。
马奈虽是印象派的导师级人物，但他却从未参加过任何印象派的画展，他所具有的革新精神深深地影响了赛尚、梵高等多位艺术大家，并继尔将绘画带上了现代主义之道。
关于马奈的绘画，学术界多是关注其画技的创新和变革，关注其将绘画从追求三元次立体空间朝二元次的平面创作迈出具转折性的一步。
但就其作品内容，尤其是其作品中的女性题材和女性形象，讨论甚少。
本文欲从马奈的女性题材入手，分类探讨马奈有关女性的作品，例如，聚餐画作中的女性形象，职业主题中的女性形象以及室内的一些女性形象等。
马奈的此类作品，其实能够很真实地体现马奈的女性观，同时，这也是他表达自我的一种手段和方式。
一聚餐主题中的女性形象马奈聚餐主题的画作主要有《草地上的午餐》《沐浴》等。
在这些画中，女性的形象是整个画面中最能形成对比和形成强烈张力之所在，也是马奈惊世骇俗的画风和他意欲打破传统绘画表达的技巧体现。
《草原上的午餐》是马奈聚餐题材的代表作品，画中主要有四个人：维克托里娜·默兰、欧仁·马奈、费迪南·列昂霍夫，和一个弯腰的女子，这个女子相对于前面三人而言是作为陪衬而存在的。
这幅画是马奈作品中最饱受争议的画作之一。
明暗光影艺术——浅析伦勃朗绘画作品的艺术特色
明暗光影艺术——浅析伦勃朗绘画作品的艺术特色伦勃朗（Rembrandt Harmenszoon van Rijn）是17世纪荷兰最伟大的画家之一，他的主要创作题材涵盖肖像、历史画、宗教画、风景画等多个方面。
伦勃朗的绘画作品具有浓郁的唯我独尊的风格，他的特点是“明暗光影艺术”和“神秘主义色彩”。
本文将以伦勃朗的代表作品为例，对他的艺术特色进行简要分析。
伦勃朗最经典的肖像画作品《夜巡》以暗色调为主，画面呈现出一种神秘、宏伟的感觉。
画面中的明暗光影变化丰富，呈现出深邃的空间感和厚重的画面构造，使得场景中人物的形态和表情更加生动、形象。
整幅画面采用非常巧妙的光影处理，采用明暗对比将前景、中景和背景巧妙分割，使得画面整体更具层次和深度感。
同时，伦勃朗还注意到光影在色彩上的影响，把色彩与光与影的关系相结合使得画面中的颜色变化更加丰富，增加了画面的维度，更加贴近于生活。
同时伦勃朗的宗教画作品也精彩非凡，其中《荆棘冠》是最为著名的一幅作品。
这幅画作中耶稣头戴荆棘冠，神情痛苦，充分呈现了其受难和痛苦的情绪和生命力。
在整个画面中伦勃朗运用丰富的光影变化，通过对光和暗的处理来凸显画面的情感表达。
画面中有些地方细腻柔和，有些地方粗犷有力，多样的光影变化使观者不浮在表面，更能沉浸在场景之中，感受到画面所呈现的精神世界。
总之，伦勃朗绘画作品的艺术特色具有很高的独创性，主要体现在他深厚的明暗光影艺术上。
伦勃朗能够通过明暗变化和光影的对比来表现出画面中的情感与氛围，让人感受到画作里的真切情感，非常打动人心。
其精湛的技艺和独特的创作风格成为了后世画家们的范本和学习典范，直到今天，伦勃朗的艺术魅力仍然活跃在世界各地的画廊和博物馆里，引领着时代的方向。
论常书鸿油画作品中古典主义艺术精神的领悟
论常书鸿油画作品中古典主义艺术精神的领悟
常书鸿是中国著名的油画家，他的作品深受古典主义艺术精神的影响。
古典主义艺术
强调对理性和秩序的追求，对古希腊罗马艺术的模仿和学习，以及对人体以及自然的完美
表现。
常书鸿在他的作品中融入了这些古典主义的艺术精神，通过对光影、人体结构和表
情的精细处理展示了他对古典主义艺术的领悟。
常书鸿在他的作品中对光影的处理体现了古典主义艺术精神。
古典主义艺术强调光影
的运用，通过对明暗的对比和阴影的塑造来表现物体的形态和立体感。
在常书鸿的作品中，我们可以看到他巧妙地使用光影来营造出画面的深度和立体感。
他通过对不同光源的处理
以及阴影的细腻表现，使得作品中的人物和物体显得栩栩如生，给人以强烈的视觉冲击
力。
常书鸿在他的作品中对人体结构的准确描绘也体现出古典主义艺术精神。
古典主义艺
术强调人体的完美和对比，对人体的比例和结构有着严格的要求。
在常书鸿的作品中，他
对人体的描绘非常精确，每个部位都经过仔细的观察和研究。
他通过细致入微的线条和明
暗的对比来表现人体的比例和结构，使得作品中的人物显得具有力量感和自然美。
常书鸿在他的作品中对人物表情的捕捉也展现了古典主义艺术精神。
古典主义艺术追
求对人物内在情感的表现，通过面部表情和姿态来传递情感。
常书鸿通过对人物面部表情
的刻画，能够准确地表达出人物的内心世界和情感状态。
他善于捕捉人物瞬间的表情细节，通过细腻入微的笔触来表现人物的喜怒哀乐，使得观者能够感受到人物背后的情感和故
事。
浅谈西方古典油画的美与色
图1人们对西方古典油画美的认知包括平静、柔美、和谐、端庄等。
笔者认为，这些词语描绘的是西方古典油画美的表层。
除此之外，古典油画美还包含对一种灵性与理想美的追求。
以17世纪荷兰画家约翰内斯 维米尔的《戴珍珠耳环的少女》（图1）为例，它是一幅肖像画，画面描绘了一位少女，衣着棕色外衣，头上戴着蓝、黄色的发巾。
少女微微侧身回眸凝视，双唇微张，给人一种欲言又止的感觉。
画面以黑色为背景，烘托出气质淡雅的少女，同时少女也如一盏明灯点亮了整幅画面，让观者的视觉焦点停留在少女身上。
画家维米尔仿佛为画面的少女赋予了灵魂，使观者仿佛能够与少女进行心灵间的沟通，通过其鲜活的形象，感知其情绪。
这幅画在给人平静、质朴的感受下使观者的心灵受到熏陶。
笔者认为，画家在赋予人物灵魂的同时又表达出对理想美的追求，完美地体现出古典油画美的含义所在。
西方古典油画美是通过将古典精神与西方美术技巧相结合所体现出来的，可以说是美的典范。
它在外在上给人以严谨的感觉，对于透视的研究、人体结构的研究、光影的研究、构图的研究、黄金比例的研究等都达到了一种新的高度；在内在上给人的感觉是豁达、开阔的，体现出一种高超的境界。
如，文艺复兴时期画家达 芬奇的名作《最后的晚餐》，从外在的技巧角度欣赏，它完美地体现了当时西方古典美的特性。
在构图与透视上，作品采用了传统一字排开的构图方法和平行透视法则，把焦点完美地集中在画面中间。
画面中，十二门徒以三人一组的形式，完美呈现出三角构图，进一步稳定、加固了画面。
在明暗关系上，画面运用了明暗渐变法，使人物从明到暗渐变到背景中，弱化了人物与背景的分界线，营造出一种烟雾朦胧的神秘感。
从内在角度赏析，画面体现出当时光明与黑暗、善良与邪恶之间的斗争，表现了当时的人文主义精神。
17世纪德国画家彼得 保罗 鲁本斯的作品《劫夺吕西普的女儿》（图2）在绘画技巧上为西方古典油画美注入了新的灵感。
这幅作品描绘了女子被劫持的动态场景。
从构图上看，画面呈斜线式构图，两位男子的头部与女子的头部正好形成从左上角到右下角的对角构图，画面中无论是人体、手的形态还是马的姿态都是运动状态，呈现出一种S 形的对角动态构图。
画家修拉的简介
画家修拉的简介修拉是法国画家，也是新印象画派的创始人，也是点彩派的创始人。
下面是店铺搜集整理的画家修拉的简介，希望对你有帮助。
画家修拉的简介修拉(Georges Seurat，1859年-1891年)，出生于法国巴黎，法国画家，修拉出身于巴黎一个宗教气息很浓的保守家庭，养成了他孤僻的性格，难与朋友们交往。
同时，也使他得以专心致力于自己感兴趣的东西而不受外界影响。
修拉幼时开始学油画，后进入巴黎美院，成为安格尔弟子勒曼的学生。
修拉不仅学习古典主义油画的绘画方法，还对古希腊雕塑、弗兰切斯卡、普桑、安格尔、荷尔拜因、伦勃朗等古典油画大师的作品进行深入的分析。
1891年，修拉死于白喉，享年31岁，葬于法国巴黎。
他的代表作品有《大碗岛上的星期日下午》等。
修拉的作品风格乔治·修拉是法国著名画家，学生时期正规训练使他不仅精通了油画的古典主义绘画方法，更让他对伦勃朗等油画大师的经典作品进行了细致研究，后来潜心研究了舍弗勒尔等大师的色彩学著作，这些前期学习的积极影响在修拉作品风格上逐渐显现出来，通过对物体形态的色彩进行科学化表现，表达出不同于古典主义的传统绘画风格。
他认为印象派的用色方法大都不严谨，容易出现不透明的灰色，修拉作品风格里为了将色调分割发挥到极致，将不同的色点并列的组成画面，画法较为机械呆板。
修拉作品风格中突出的一点是点彩，他在画面上把一些黑色块集中到一起，明显形状在空白处逐渐凸显，通过强烈的黑白对比来达到完美的平衡效果，结果是意料之外的情景呈现在人们的面前。
修拉作品风格中另一点就是善于捕捉光和色，把它们在白色和黑色中复活起来，创作出不同的阴影更有利于物体形态的塑造，过度的灰色彰显出强烈生命力，光亮的暖色表达出神秘色彩，和谐的色彩曲线彼此制约相互平衡，使之绽放出奇光异彩。
为了更好的平衡阳光、颜色及环境等外界因素，西涅克和修拉采用了小圆点结合纯色进行点彩的办法，使之互相渗透，在一定距离看这些小点在人眼面前展示出非常合理的调色效果，此后点彩法和光学调色法成为修拉艺术创作的主要组成部分。
第九课追寻美术家的视线
《阿诺芬尼夫妇像》是 这类作品的代表。画家在 这里描绘了尼德兰典型的 富裕市民的新婚家庭，他 用极其细腻的笔调，逼真 地刻画了年轻夫妇俩的肖 像，尤其对室内的陈设， 包括墙上、房顶的装饰， 描绘得一丝不苟。
节，如蜡烛、刷子、 扫帚、苹果、念珠 以及两人之间的小 狗，都带有一定的 象征性，它们提示 着对婚姻幸福的联 想。画面上洋溢着 虔诚与和平的气氛， 以表达对市民生活 方式和道德规范的 赞颂,体现人文主 义思想——人对自 身美好的向往。
赤足象征大地的重要性， 与教会势力只宣扬上帝相驳。 鞋子象征结婚；小狗象征对爱 情的忠诚；新娘的白头巾象征 纯洁；绿色长衣象征生育；红 色的帐幔象征和谐的生活；吊 灯和白烛光象征上帝之光；壁 上的圆镜象征基督教宣扬的天 堂。
▼ 立体派时期
1910－1911是分析立体主义时期； 1912－1914是综合立体主义时期
这个时期的观点是： 不要去描绘客观物
体的外表形态，而是把 客观物体引入绘画，从 而将表现具象的物体本 身和表现抽象的结构形 态综合起来。
“我并非看着物体在绘画，而是按照自己的思想在绘画。”
▼ 超现实主义时期
l1906年至1910年非洲时期
（黑人时期 或者说是立体主义的发韧期）
1906年毕加索从非洲面具中得到启 发，其作品一直受非洲面具影响，此即 为毕加索的非洲时期。
这种特征，在1907年的《亚维 农的少女》中显露无遗，由不同组 件组成的人体可从几个角度来观看， 揭示毕加索的立体主义时期的来临。 作品采用层层分解的、有概括性的 平面造型的手法，把形体的结构组 合起来。从事物的内涵去认识和解 析，而不再只是从事物的视觉表象 来描绘事物的形象了。
古代中西绘画中的人物肖像画比较研究
起伏和 结构 ， 最后再用渲染 的处理 方法 画出真 实的皮肤 、 有光泽
积进行细 致入微 的刻画 ； 并且保 留中国古代 绘画的传 统优 点， 即
以“ 骨 法用 笔” 为本 旨的线条运用 ， 让其始 终在 画面 中作为 重要 的骨架支撑 ， 增加其线条变化 的多样性 ， 引起人们 无限的遐 想与
咀嚼 的兴 趣 。
行 吟 图》 最为典型 ， 寥寥数笔就将 大诗人李 白那种 才华横溢 的风 度、 神韵刻 画 出来 ， 可谓 笔简 意繁。在 五代和 宋代 的人物 画中， 也 有相 当明显 的写实主义风格特 点； 到 了明清两代 ， 由于 中西文 化 的交流 ， 多数人物 画与西方 肖像 画相似 ， 注重刻 画对 象的个性
人物 肖像 画是 一种刻 画人 物具 体形象 的绘 画。在 中国绘 画 中， 为 了将 它与花鸟 、 山水 等画种进 行 区分 ， 因此喜欢称 它为“ 人 物画” ， 传 统说 法上又把 它称为 “ 传 神” 或“ 写真” 。 而在 西方 ， 则
更 习惯说成“ 肖像 画” （ ｐ ｏ ｒ ｔ ｒ ａ ｉ ｔ ） ， 即是 以客观 对象 的外貌为 主要 内容 的绘 画方式。 由于 中国人和 西方人在 外貌 、 价值 观 、 生 活 习惯 、 地理 位置
调“ 墨骨” 和“ 传 神” 的基础上 ， 融合 西洋画法创造 了更加 重墨染
和体 积感 的“ 凹凸法” ， 为 中国传 统人物画开辟 了新道路。 因此 ， 我们应该 辩证地 看待 中西古代人物 肖像 画， 提倡包容思想 ， 学习
西方绘 画的优 秀传 统 ， 并且 要正确地 看待 自己的 问题 ， 发 扬 中国 古代绘 画流传 下来的精髓 ， 在今 后的绘 画道 路上创作 出有 中国 特色并且能被全世界认可的艺术作 品。
伦勃朗绘画中的光与影——以《夜巡》为例
伦勃朗绘画中的光与影——以《夜巡》为例
作为17世纪荷兰艺术家伦勃朗最有代表性的作品之一，《夜巡》将光与影的运用带到了极致，成为了绘画中典范性的一张作品。
首先，从画面整体来看，《夜巡》采用了强烈的对比色配合，亮暗分明，色彩繁复而不混乱。
整个画面被划分为明亮的前景和昏暗的背景，人物服饰和物品顏色显得鲜艳而生动，这些都是光线创造出来的效果。
在画面所表现的场景中，主角们站在一条狭窄的街道中间，阳光从左上角斜照下来，照亮了他们生气勃勃的面孔和华丽的衣饰，同时也突出了街道两侧高大的建筑和街道顶部的轮廓线。
使得画面具有了鲜明的层次感和立体感，推动了人物和背景之间的深度。
其次，就人物单独来看，《夜巡》中的人物，大多是从暗处发光，获得了戏剧效果。
而画面中的光线，则从人物的帽子和肩部正面强烈反射出来，代表着光源所在的位置。
人物的位置，动态和表情也都受到了光线的影响，亮光所碰到的地方会变得更鲜明，而阴影区域则会变得更深沉。
在这张画中，艺术家伦勃朗用手法掌握色彩和形象的创造，创造出了生动的表情和形象，强调了光和影的对比，表达了主题的紧张感和戏剧感，达到了画家想要表达的意图。
总之，靠着对光线和阴影的巧妙运用，《夜巡》达到了最好的
画面效果，如同电影般的光影变化，成功地突显了画中人物的生动形象和深刻主题，也使得这幅画成为了世上的名作。
世界著名油画中女性形象欣赏
世界著名油画中女性形象欣赏作品资料：【画作称号】《吻》【创作者】】F·A·Moller,F·A·莫勒（俄国)【创作年代】1840年【创作题材】风俗【作品规格】59x65cm【作风】古典主义【材质】布油彩【收藏地】圣彼得堡俄罗斯博物馆关于作品及作家：画家以古典主义的疏松手法，描绘了男女青年的爱情之吻。
囿于古典主义准绳，人物描写得理性而冷静。
但画家的描绘十分精细逼真，并且以细微的观察力表示了女青年的惊惶与男青年的主动。
吻的瞬间是出人预料的，又是甘美的。
作家先容：莫勒(1812—1874年)，是俄国19世纪风俗画家，在他的画中已表示出梦想主义精神。
作品资料：【画作称号】《大宫女》（The Grand Odalisque）【创作者】让·奥古斯特·多米尼克·安格尔（法国）【创作年代】1814年【种别】画布油画【作风】新古典主义【题材】人体【规格】91×162cm【材质】布油彩【收藏地】巴黎卢浮宫作品剖析：安格尔的艺术“傲慢绝俗，严肃庄重”，这一切可以经过他的次要作品《大宫女》表示出来。
画中，安格尔坚持了很多不必要的细节，使之同一在一片安定喧哗的谐和气氛之中，就像是仔细计算过一样，每一个“数字”所代表的都是和部分绝不相关的极端“风险”的事情，随意改动其中的任何一处，都会使整个画面完整坍塌。
这也似乎考证了古希腊哲学家毕达哥拉斯“数与谐和”的实际，毕氏俯视夜空，都能觉获得星斗的组合像是用数字组成的音乐，他曾说他有很多次真的听到了“诸天音乐”。
在这幅画上，比例、色彩像数字一样按一种拙劣的次第陈设着，华丽而不失温顺。
安格尔晚年游学意大利时，也肯定经过古希腊的艺术作品感遭到了毕达哥拉斯哲学的这种富于神性的美。
故意拉长的身体，似乎表示了一种古希腊雕琢的庄重严肃的美感。
艺术并不是盲目地复制梦想，而是对倾入部分感情的生活中绽放的精神之花的倾力表达。
伦勃朗自画像分析
1
这是伦勃朗1929年的自画 像。1929年，伦勃朗23岁。 画面上的伦勃朗有着青春的清 癯，而从此画中就可以看出画 家未来创作的技巧特点。一种 伟大的表现方式在年轻的时候 就已经显得那么成熟。
2
1934年，伦勃朗28岁。 此时的画家生活优裕，这 可以从他身上的穿戴装饰 中看出来
1640年，伦勃朗34岁。此时他那有钱的 老婆还没有去世，这个阶段他的生活应 该是比较富足的。在此画中还没有显露 他后期生活和创作的苦难痕迹，但是他 的眼神却有含有一种忧郁。也许忧郁是 伦勃朗的性格，也只有用忧郁来解释弥 漫在他的画面的朦胧的黑暗色调。有些 人，无论生活的处境怎样，都无法使他 摆脱内心的悲哀色彩。
1669年，画家生命的最后一年，终年 63岁。画家用一副绝世的完美之作， 为自己的艺术划上了一个圆满的句号， 虽然他的景遇不是圆满的。此画最动人 的是他的眼神：一个饱经人间苦难的老 人在离去之前向这个世界投注苍凉的一 瞥……
1661年，伦勃朗当时55岁，可在这 幅自画像里他是多么的衰老，沧桑。 他认清了这个世界，认清了人，他再 也没有什么打算了，他变成了绝望的 化身。同时他又是微笑的，他俯瞰着 所有，他微笑着在心中构筑着幻想。 伦勃朗用他的微笑和深邃的眼睛，与 他手中的书一道告诉我们，他逃入了 人类最后的避难所——精神。
1660年，伦勃朗54岁。 画家生活的潦倒在此画 中一览无余。画中艺术 家身体虚弱、神情悲凉， 一副逆来顺受、准备接 受死神安排的老人形象。
1660年，伦勃朗54岁。 画家生活的潦倒在此画中 一览无余。画中艺术家身 体虚弱、神情悲凉，一副 逆来顺受、准备接受死神 安排的老人形象。
1661年，伦勃朗55岁。此 画后面有两条整饬的弧线 条，这样的明晰整齐的线 条在伦勃朗的画中是少见 的。有人分析伦勃朗是用 这样的几何线条来象征尊 严和高贵
《夜巡》——伦勃朗对光的运用
浅谈《夜巡》——伦勃朗对光的运用摘要：光，是产生视觉艺术现象的基础，绘画通过对光找的模拟，创造出感人的艺术形象。
在油画艺术中，各种造型元素的视觉表现与光的联系密不可分，艺术家注重的造型与色彩问题，就去根源便是对光线的运用和表现。
光线，不仅是艺术家解决造型的方式、表现自然的手段，也是艺术家表达主观情感，揭示作品内涵的媒介。
因此，光线在油画中具有独特的视觉审美作用。
关键词：伦勃朗夜巡光的运用华丽的画卷，雄伟的抱负，抽象的外表和朝圣者般的灵魂。
伦勃朗③几乎算得上17世纪欧洲艺术之神。
他是继肖像画家哈尔斯之后最杰出的现实主义大师之一，他是擅长光线构图法的大师，以光线组织画面构图，使油画这门艺术发挥得淋漓尽致，而本文将从《夜巡》中阐述伦勃朗对光的运用。
一、光的重要性光，是产生视觉现象的基础，绘画通过对光照的模拟，创造出感人的艺术现象。
艺术家注重的造型与色彩问题，究其根源便是对光线的运用和表现。
纵观西方绘画，艺术流派纷呈，语言、风格变动不居，但在丰富的变化中，“光”这一绘画基础要素却始终贯穿其中，并不断呈现出她独特的魅力。
光线，不仅是艺术家解决造型艺术的方式、表现自然的手段，也是艺术家表示主观情感，揭示作品内涵的媒介。
因此，光线在油画艺术中具有独特的视觉审美作用。
光在不同时期的绘画中有着不同的表现方式，并有着不同的理解和表达作用。
不可置疑，光的运用对绘画是如此的重要。
艺术家们通过对光线的处理和运用，展示的是其独特的审美理念：他们对生活表象的超越和重构，必然超越物态性的客观光影，赋予光与画面新的内涵与形态。
③伦勃朗·哈尔曼松·凡·莱因(Rembrandt Harmenszoon van Rijn，1606年7月15日－1669年10月4日）是欧洲17世纪最伟大的画家之一，也是荷兰历史上最伟大的画家。
二、《夜巡》中伦勃朗对光的运用“光”就是“色”，即五项本身，通过运用光线和色彩从而使画面平衡，光线引导观者的视线与画面重点人物身上，起到突然构图重点的作用。
古典油画技法研究会议记录
古典油画技法研究会议记录今天我们去参加了一个超有趣的古典油画技法研究会议呢。
一进会议室，就看到好多人围着一幅幅古典油画。
有一幅画里画着一位美丽的公主，她穿着长长的裙子，裙子上的花纹就像真的一样。
旁边有个大哥哥指着这幅画说，古典油画的颜色特别神奇。
他说画家在画的时候，就像在玩一个颜色的魔法游戏。
比如说，要画出公主裙子那种亮亮的感觉，就不能随便用颜色，得一层一层地涂。
就像我们给画涂颜色的时候，不能一下子涂很厚，要慢慢涂，这样颜色才好看。
还有一个叔叔拿着一幅画着古老城堡的油画。
城堡的墙壁看起来特别有质感，叔叔说这是因为画家在画的时候用了特殊的笔触。
他给我们讲了一个小故事，以前有个画家为了画好城堡的石头，每天都去观察真正的城堡，看石头的形状、看阳光照在上面的样子。
回来画的时候，就用小笔触一点一点地把石头的感觉画出来。
就像我们画小房子的时候，如果想要房子看起来像真的，也要把砖头一块一块地画好，不能乱画哦。
大家还讨论了古典油画里人物的表情怎么画得那么生动。
有个小姐姐说，画家们可会观察人啦。
她给我们举了个例子，说有个画家为了画好一个老人脸上的皱纹，就和老人聊天，看老人笑的时候皱纹怎么动，生气的时候又是什么样。
在古典油画里，画家也是这样用心地去画人物的表情。
就像我们画爸爸妈妈的时候，如果想画出他们开心的样子，就要记得他们笑起来的时候眼睛会弯弯的，嘴角会往上翘。
在会议的中间，还有个小互动环节呢。
大家可以试着用古典油画的方法画一小部分画。
我看到旁边的小朋友画一朵小花，他学着刚才大哥哥说的，一层一层地涂颜色，一开始颜色淡淡的，慢慢地小花的颜色就变得鲜艳起来了。
我也画了一个小太阳，我学着叔叔说的，用小笔触画太阳的光芒，虽然画得不是很好，但是感觉很有趣。
后来，大家又看了很多古典油画，每一幅画都像是一个小世界。
有一幅画着森林的，里面的树看起来郁郁葱葱的，就像真的能走进那个森林一样。
这都是因为画家们用了各种各样的古典油画技法。
解读克拉姆斯柯依《无名女郎》的艺术观
海外艺术 ｜解读克拉姆斯柯依《无名女郎》的艺术观□董幸/文克拉姆斯柯依是俄罗斯19世纪中叶巡回展览画派的代表人物，也是该画派很多成员的老师，他的艺术观影响着他学员的艺术观。
他注重培养巡回展览画派学员对自身的民族特色的深入了解与关注，为以后的俄罗斯本民族艺术发展奠定了坚实的基础。
《无名女郎》是克拉姆斯柯依晚年最得意的作品，是一幅颇具美学价值的知识分子性格肖像画。
这幅画以其独特的创作视角，给观众不一样的视觉体验和情感体验。
本文正是以《无名女郎》为研究对象，对克拉姆斯柯依的艺术生平进行相关概述，而后通过分析《无名女郎》的画面内容和油画语言，采用文献研究法、个案分析法、图像研究法等多种方法，解读克拉姆斯柯依在《无名女郎》中所体现的艺术观。
1 巡回展览画派概述1.1 发展历程俄罗斯巡回展览画派，是“俄罗斯巡回艺术展览协会”的简称，是俄罗斯美术史上影响最大、成就最高、波及范围最广的美术流派。
在俄罗斯皇家美术学院接受走读生后，许多富有浓郁乡土气息的外省青年进入学院学习。
这些学生思想活跃，他们对遥远的古希腊古罗马感到陌生，觉得学院的古典主义教育沉闷乏味，更倾向于表现人民的真实生活。
1863年，在院长宣布了毕业创作的命题后，以克拉姆斯柯依为首的十四名毕业生联名向学院上书，强调十几名油画系的毕业生画同一个题材不能发挥各自的长处和特点，希望学校能谅解和满足他们的要求，但学院却严厉地拒绝了他们。
十四位毕业生退学后，在圣彼得堡成立了“彼得堡自由美术协会”，但在长期的公社集体生活中，他们逐渐意识到一些实际问题，恐怕这种公社集体生活难以为继。
恰逢1870年莫斯科画家盖伊等人发起成立了“巡回艺术展览协会”，该协会的宗旨是团结俄罗斯全体美术家，为俄国民主艺术的繁荣，为普及俄罗斯民族艺术而共同奋斗[1]。
以“美是生活”作为创作原则，巡回展览画派乐于去表现与人民现实生活和俄罗斯民族历史有密切联系的题材，其中风俗画占据巡回展览画派绘画的主要地位。
浅析宫立龙油画作品的艺术特点
浅析宫立龙油画作品的艺术特点作者：裴爱婵来源：《艺术科技》2014年第12期摘要：宫立龙绘画风格主要着重于农民题材，把西方古典主义文化、秦汉雕塑立体感和写实主义造型技法结合到一起，以低矮、敦厚的人物形象为主，将单纯质朴的人物形象表现的出神入化。
关键词：中国油画；农民题材；宫立龙宫立龙的作品所表现的寓意性很强，在绘画中结合了西方的古典主义和秦汉时期雕塑的特点。
他以笨拙的线条、简练的笔触、强烈的色彩对比和低矮敦厚的人物形象，展示了他内心深处对现实生活的审视和反省，创造了属于自己的新画风。
1 绘画语言本土化在其造型上的体现1.1 敦厚农民形象的动态表现在造型动态上，宫立龙以敦厚、老实、矮胖的人物形象结合了秦汉时期雕塑的笨重、圆滑、笨拙造型为人们展示了作品中人物的乡土气息。
其形象主要以短小、矮胖的人物形象，但人物的内心中又充满了想要摆脱本身浓厚的乡土气息，渴望时尚的城市生活，可是自身的气质已根深蒂固，所以就形成了幽默滑稽的绘画作品。
他的作品中女人的造型多以丰硕的体型为主，选材主要着重于村妇们对城市浮夸生活的向往，如在他作品《飞啦》（如图1）中描述的是一对农村男女很开心的玩耍的场景，而这样的场景和人物的动态在当时的社会环境中尤其成人间出现的可能性是很小的，所以这一场景极源于生活高于生活。
宫立龙对浓厚的乡土风情的理解和崇拜。
画面中简化了对人物衣服的细节描绘，用概括的形象，简化的空间感和幽默的人物动态让我们感受到了画面中的戏剧性。
图1 飞啦1.2 中西绘画元素相结合所产生的新形象宫立龙简化了空间感，在作品的造型上既吸收了西方古典主义中的写实特点，又继承和发展了秦汉雕塑的体态造型。
与其他乡土风画家相比较而言，宫立龙形成乡土风情民族化中更具有现实感和当下性的一种表现形式。
宫立龙的作品表达了他想要把现代观念融入古典学院主义的绘画中，既展示了现代的时尚性，又展示了自己扎实牢固的基础知识。
这里面他吸收了毕加索立体主义圆重的体重与表层上那种轻松的交叉笔法，同时又融入了中国唐汉时期的形象特征，并努力营造出一种具有东方神韵的当代视觉形象。
浅谈伦勃朗油画语言的独特魅力
浅谈伦勃朗油画语言的独特魅力简介伦勃朗（Rembrandt Harmenszoon van Rijn，1606年7月15日–1669年10月4日）是荷兰莱顿一位知名的画家、素描家和版画家。
他被公认为荷兰黄金时期最杰出的艺术家之一。
他的作品涵盖了肖像、历史题材、宗教、风景等领域，其中以肖像最具特色。
他的作品中人物表情丰富深刻，立体感强烈，黑暗与光明运用得当，更注重情感表达，形成了独特的油画语言。
伦勃朗的油画语言伦勃朗的油画语言在当时是不同寻常的。
他的作品不同于其他大师的高调鲜明和山水画的雅致舒缓，而是呈现出沉重、阴郁、神秘的氛围。
伦勃朗的油画运用自然光来表现画面中的主题，这也是他的光影技法中的一个重要元素。
他能够准确地捕捉镜头照射下的物体，刻画出物件的形态和肌理，运用光影来衬托人物，凸显情感变化。
图：伦勃朗的油画作品《夜巡》伦勃朗的作品还充满了肉体的真实感、色彩的深沉和节制。
他善于处理人物的面部表情，尤其是眼睛和嘴部，能够准确地描绘出人物的精神状态和情绪。
他也运用黑暗和红色来渲染作品，表现深沉有力的画面氛围。
比如说他的作品《夜巡》，其画面中的人物是瞪大眼睛、愁眉苦脸的，这种截然不同于传统欧洲绘画的表现方式，带给观者一种更亲近的感觉，让人感觉到伦勃朗对于人性的深入思考。
伦勃朗的油画语言是他的个性化艺术表现，这种语言代表了他对艺术的审美追求与表现方式的独立选择，也形成了他的独特风格。
伦勃朗的影响伦勃朗在当时就因他的独特风格而备受推崇，他的技法和油画语言在当时被视为创新的，但也遭到了质疑。
他的艺术风格是源于他对人性的认识和深刻理解，他对自然和光影的操控与运用，以及肉体的描绘与表现。
因此，在这方面他开创了一种新的、非传统的艺术表现方式，这种方式也对接下来的艺术家产生了很大影响。
伦勃朗的作品之所以能打动人心，是因为他的作品带有情感和魔力，描绘出了人性的真实和深刻。
他更加注重表达人物的情感，而不是将人物纯粹地当做客体来描绘。
古棕教授油画创作特点提问
古棕教授油画创作特点提问古棕（Leonardo Palmisano）是一位意大利油画家，他的作品以具有浓厚的古典风格和细腻的绘画技巧而闻名。
以下将展开讨论古棕教授油画创作的特点。
首先，古棕教授的油画作品多以历史场景和神话故事为主题。
他深受文艺复兴艺术的影响，善于用画笔诠释古代历史的故事和神话传说。
他善于用光线、角度和色彩的巧妙绘制，创造出富有戏剧性和深远意义的画面，使观者沉浸其中。
其次，古棕教授善于表现人物的情感和内心世界。
无论是英雄人物、神话角色还是常见人物，古棕教授都能通过精细而细腻的绘画技巧将他们的情感和个性展现得淋漓尽致。
他经常通过绘制眼神和面部表情等细节来传达人物的内心体验，使观者能够更加深入地理解和感受人物的情感。
第三，古棕教授擅长运用细腻的色彩和光影效果来营造画面的氛围。
他善于运用色彩的对比和渐变，使画面呈现出丰富的层次感和立体感。
同时，他巧妙地运用光线的变化和反射效果，使画面更加生动有力。
无论是明暗的对比还是细腻的光影变化，古棕教授都能准确地捕捉和表现，使观者能够感受到画面所描绘的场景的真实感和立体感。
第四，古棕教授对细节的把握非常出色。
他善于用绘制每个细节来展现画面的精致和完整。
无论是人物的服饰、装饰品、建筑物或是自然景观等，古棕教授都能通过精细的绘画技巧将它们描绘得栩栩如生。
观者可以清晰地看到每一个纹理、每一个细节，从而更加深入地了解画面所描绘的对象和场景。
第五，古棕教授的创作风格深受古典主义影响。
他通过运用对称结构、比例关系和经典构图等技巧，使画面呈现出平衡、和谐和完美的美感。
他善于用艺术手法来表达自己对古典美学的追求和理解，使观者能够欣赏到他对古代艺术的热爱与敬意。
总的来说，古棕教授的油画创作特点在于他深受古典主义影响，善于描绘历史场景和神话故事，擅长表现人物的情感和内心世界，善于运用细腻的色彩和光影效果，对细节的把握非常出色，并且创作风格充满古典美学的追求。
他的作品不仅仅是绘画的艺术形式，更是一种对历史文化的传承和演绎，同时也展示了他对艺术的热情和才华。
凝视角度定义
凝视角度定义《蒙娜丽莎的微笑》是法国文艺复兴时期画家列奥纳多·迪·皮耶罗·达·芬奇的代表作之一，每年都吸引数百万人到卢浮宫参观。
这幅画之所以这么吸引民众，正是画中女子那“谜样的微笑”，无论从哪个角度看，“她都一直注视着你的眼神”。
近日有德国科学家揭密指出，其实蒙娜丽莎根本没有在对你笑，这一切都是“错觉”！据CNN报道，蒙娜丽莎又名“乔宫达夫人”（La Gioconda），是巴黎卢浮宫博物馆内的著名画作，放在第711号展区，以防弹玻璃保护着。
近日，德国比勒费尔德大学（Bielefeld University）的研究团队在“i-Perception”期刊登出他们的研究成果，揭开了“蒙娜丽莎微笑目光”的秘密。
负责研究的大学副教授霍斯特曼（Gernot Horstmann）表示，这幅画被科学家们认为有“蒙娜丽莎效应”（Mona Lisa Effect），就是无论你从什么角度看画，都会觉得影像中的主体正在直视着你。
霍斯特曼指出，当人们感觉到“蒙娜丽莎”从画中直视着他们，那就表示画中人物的凝视角度是0度；但若稍微侧看一点，约5度左右，如果还是感受到自己被注视，这就称之为蒙娜丽莎效应。
而随着凝视角度的增加，被注视的感受就会逐渐消失。
该研究邀请24名测试者，让他们在电脑屏幕上观察这幅画，并要求测试者用 2 米的木工尺，测量蒙娜丽莎所凝视的方向。
研究人员要求他们要与画作距离66厘米，在测试中，画的尺寸和呈现的范围也会变动，判定测试者是否会受蒙娜丽莎脸上的特别元素影响。
如果蒙娜丽莎凝视观察者，测量和感知的注视线都会与中心线相交。
为避免受试者适应尺规测量方式影响研究结果，画也会向左或右移3.4 厘米。
研究人员最后共收集了2000多笔资料，结果显示，蒙娜丽莎的凝视方向为右方约15.4度，差不多在观画者的右耳或右肩后方，和“蒙娜丽莎效应”所说的左右5度根本不同。
对此，负责该研究的霍斯特曼和洛斯表示，“蒙娜丽莎效应确实是存在的，但不存在于这幅蒙娜丽莎画中。
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古典油画中画家对人物对象眼神的研究摘要油画起源于西方，油画人物肖像在欧洲有着很悠久的历史。
本文以油画人物肖像画发展的过程为主线，截取在这个过程中比较重要的人物画及画家，就油画人物中的眼神做深入研究。
从纵向和横向，比较和分析有代表性的画家对眼神的不同表达方式，总结和阐述各自的画风继承和表现手法。
在分析画家在作品中显露的技巧的同时，探究画家更为深层的审美取向及精神动力，深入思考画家和对象，也就是主体与客体之间的关系，使我们在今天解读大师们的作品的时候，不仅仅局限于关注他们的技巧，更应学习他们那种严谨、塌实，又敢于创新的精神。
关键词：油画眼神古典油画摘要 (I)一、不同时期画家对于人物眼神的表现 (1)1.1文艺复兴时期 (1)1.2巴洛克时期 (1)1.3洛可可时期 (2)1.4新古典主义时期 (2)二、人物眼神的表现手法 (2)2.1真实的追求 (2)2.2明暗与阴影 (3)2.3线条的表达 (4)2.4色彩的表达 (4)三、眼睛的神态在肖像画中所起的作用和达到的效果 (5)参考文献 (7)、不同时期画家对于人物眼神的表现早期的绘画对油画发展有着重要的影响，它们是油画产生的前奏。
本文把早期绘画划分为文艺复兴时期，巴洛克时期，洛可可时期，新古典主义时期的绘画。
由艺术史可以得知文艺复兴时期的绘画继承了古希腊的再现理论，现代派绘画曾从原始绘画中获取灵感，也曾从中世纪的艺术中吸取平面装饰的经验，可见早期绘画的重要性，使我们有必要了解一下这时期人物绘画中眼睛的表达方式。
（一）文艺复兴时期文艺复兴时期，人们追求模仿现实，这时的艺术家在人物绘画中处理表情方面，已经有一定的技术造诣和熟练程度。
从现存的绘画作品来看，在人物绘画中，开始注意眼睛的体积和起伏，也就是掌握了有关眼睛结构的知识，并且注意了对眼睛的刻画，虽然还略显的简单，但是有角度的变化，显然不同于古埃及的人物绘画中的表达方式那样无论头部在何种角度，都是刻画正面的眼睛。
人物眼睛的表达方式已经有了明暗表现和变化，左右眼睛也有大小变化，而不是单一的一只正面的眼睛，而且笔触流畅，显得很生动。
这个时期的画家对人物眼睛的表达已经有了一定认识和表现技巧。
比较有代表性的有，凡•埃克兄弟的《根特祭坛画》，荷尔拜因的《迈尔像》，多那太罗《格太梅拉达骑马像》，桑德罗•波提切利《维纳斯的诞生》，拉斐尔《大公的圣母》，马萨乔《逐出乐园》等。
（二）巴洛克时期17世纪的巴洛克绘画中在空间中出现的光显示出当时人们对光线认识在深化：光可以不依赖任何物体独立存在。
这种光的出现时视觉的需要，任何空间只要有光的穿越和驻足，立即就会产生生动的效果，对光的运用时绘画强调视觉效果的关键一步。
证明光已经脱离物体成为自在的视觉语言。
与文艺复兴时期的绘画艺术相比，画家不是表达真实生动的形象，而是表现抽象的灵魂，写实是根本不可能的，不允许的，绘画呈现平面化和程式化的特点。
人物没有生动的表情，所以在对眼睛的表达方式上显得简单、刻板，似乎每个人都有一双杏仁大眼，眼神庄重、呆滞，这种方式似乎要使我们联想到一些儿童画的画。
比较有代表性的有，鲁本斯的《劫夺留西帕斯的女儿》，委拉斯开兹的《宫娥》等。
（三）洛可可时期18 世纪初法国的“巴洛克”风格向更为奢靡的“洛可可”风格转变。
“洛可可”艺术在绘画上脱离了学院派的束缚和规范，追求自发性表现与新奇。
形式上表现为浮华造作，色彩艳丽甚至妖媚，题材上以轻松活泼为准则，偏重谈情说爱、卖弄风情的主题，内容摆脱了宗教题材的束缚。
这种艺术反映了法国宫廷贵族的享乐生活，这也是财富和权势相结合的必然产物。
尽管这种绘画风格浮华做作，少精神内容和深刻性，但是从另一方面看，它以法国式的轻快优雅使绘画摆脱了宗教题材，在反映现实生活方面，向前打打迈进了一步。
比较有代表性的有，弗朗索瓦•布歇的代表作《维纳斯的凯旋》，《午餐》，《浴后的戴安娜》，让•奥诺雷•弗拉贡纳尔的代表作《偷吻》，《门闩》，《早晨的饭桌》等。
（四）新古典主义时期新古典主义时期绘画以文艺复兴时期的美学作为创作的指导思想，崇尚古风、理性和自然，其特征是选择严肃的题材；注重塑造性与完整性；强调理性而忽略感性；强调素描而忽视色彩。
比较有代表性的有，达维特的代表作品有《荷拉斯兄弟的宣誓》《马拉之死》等。
二、人物眼神的表现手法（一）真实的追求文艺复兴时期的德国画家阿尔布雷希特.丢勒，我们以他为其父亲的画像为例，画家描绘的重点是放在人物的眼睛上。
他对眼睛的细节刻画，非常的细致入微，包括眼睛周围皮肤的每一点坑坑洼洼都精雕细刻，眼睛皮肤的凹陷和突起，皱褶和纹路都仿佛活人。
仔细观察，人物每一根眉毛的方向和长势都似乎历历可见，更不用说人物两眉微蹙所产生的额头的竖纹。
眼睛的上眼睑，常处在上方的阴影里，但是由于它是一个向上的平面，通常它能采光，丢勒在这里减弱了上眼睑的阴影。
下眼睑的下方有个隐隐约约的构造叫眼袋，画家知道很多人的下眼睑和眼袋之间的界限并不明显。
尤其是双眼及眉头的描绘，传达出一股疑惑、抑郁的气息。
丢勒所画人物的眼睛表达出的是内敛、理性、沉默，具有内在威力的特点，这与同为文艺复兴时期画家达•芬奇的典雅、庄重，拉斐尔的明朗、秀丽都有所不同，他更注重通过对人物眼睛的描绘，从而表达出对人的内在精神气质的分析和表现，因此他笔下的人物都具有强烈的个性气质，带有神经似的敏感与内心紧张不安的情绪，其中还蕴含着一股抑郁的气息，这就使他的作品由于这种鲜明的性格描写而充满了现实主义色彩。
（二）明暗与阴影达•芬奇对明暗和光影进行了细致而全面的研究，他特别重视明暗和光影的造型意义，认为物体的形状只有依靠光影才能表现出来。
《蒙娜丽莎》可以说是家喻户晓，眼睛肌肤的质感好像可以去触摸，我们可以看到眼睛的各个面的转折关系微妙精到，没有生硬的轮廓线，眼睛的轮廓是浮动的，轮廓线周围都有中间调子的过度层次，沐浴在雾一般的空气中，模糊不清的轮廓和柔和的色彩使得一个形状融入到另一个形状之中，以至我们的视线也不知不觉就从一个形状看到另一个形状，画家有意识地让它们模糊，使它们逐渐融入柔和的阴影当中，眼睛的形体起伏以及空间进退在这朦胧的光影之雾中，有节奏地转变着；靠近下眼皮的虹膜有暖色反光，淡淡的时隐时现；眼角传递着着微妙的情绪，给我们留下想象的余地。
伦勃朗为自己画了一系列的肖像画，他的肖像画让人过目不忘，在伦勃朗的这张晚年的《自画像》中，给我们展示出了画家晚年的面貌：脸部的四分之三笼罩在光线中，这不是一副漂亮的面孔，但他绝对忠实地在镜子里观察自己，丝毫没有故作姿态的痕迹，没有虚夸的痕迹，只有一位画家的尖锐凝视的目光。
在眼睛的表达方式上，上眼睑的上线构成一个悬垂结构的底端，它包括位于眼睛外侧的两块小肉，由外侧眉弓（眼眶上缘）和眼轮匝肌的上半部分组成。
这个部分随年龄不同，变化很大，像身体其他部分一样，随年龄的增长而往下松弛。
处在阴影中的眼睛隐隐约约，但仍然能分出虹膜和瞳孔深浅的细微差别。
下眼睑紧挨着虹膜的底端，当然，下眼睑有一个明显向上的面，是画家们乐于表现的面，有时甚至成为高光区，有经验的画家乐于强调下眼睑的原因之一，是因为没有比色调对比更能突出人物的眼睛了。
（三）线条的表达19 世纪初的法国画家安格尔。
他认为造型的基础是线条，主张线条要清晰明确，他吸收了从希腊画到18世纪中运用线条造型的经验，创造出自成一体的，稳健、朴素而有变化和表现力的风格。
他是一位多产的肖像画和历史画家。
首先吸引我们视线的是人物的眼神，人物的眼神散发出恬静、典雅、抒情诗一般的感觉。
画面中对人物眼睛轮廓线的表达时隐时现，画家把抽象的美和具体的写实的美巧妙地结合在一起，使我们感觉到这种雍容、娴静的时隐时现的轮廓线非常精确地附着在人物的眼睛部位，并暗示出被包围在轮廓线当中的眼睛的体积与真实性，他的这种使用轮廓线的风格，是赏心悦目的艺术，是技巧完善而内容完美的艺术。
脸部的眼睛是他最花心思的地方，为了获得更整体的效果，甚至把眼部的骨点和体块都做了柔化的处理，这样，既突出了眼睛细节的表现，也使人物的精神得以从眼神、眉宇处充分地流露出来。
在对眼睛的刻画上，行笔流畅，绝没有生硬的“刻”的痕迹，他似乎很吝啬阴影和明暗，处理得轻和淡，眼睛的色调过渡微妙细致。
（四）色彩的表达16 世纪时，以提香为代表的威尼斯画派开始重视油画的色彩，他的作品《年轻的英国人》的肖像画的头像，就不难体会他的肖像画的魅力。
他的眼睛看过来，似乎凝视着我们，那样热切而深情，让人几乎不能相信那柔和怡人的眼睛不过是一块涂在一块粗糙画布上颜料。
眼睛在这幅单纯的画面上，显得格外引人注意。
两个瞳孔上的高光，也有细微的差别，眼珠的色彩丰富而变化，用眼睛周围皮肤的暖色衬托出眼珠冷色的深蓝灰，因而眼珠被画家表现得剔透莹润。
下眼皮的厚度及其受光面，都没有含糊的地方。
画家描绘出了眼部和鼻部周围区域的色调，使得颜色变化微妙而丰富；虹膜与眼白相遇处黑色的阴影，显示出虹膜的明暗层次以及和它下方角膜突起的感觉。
三、眼睛的神态在肖像画中所起的作用和达到的效果油画初期比较常见的一种表达方式是比较僵硬、机械的画风，这种手艺性极强的画法，画家的感情因素在制作过程中容易被冲淡，极度机械。
这种光滑无笔触的画面给人一种冷冷的美，与人的内心世界终有一段距离，显得高贵而冷漠。
而且这种古典的无笔触的油画制作技法兴起于中世纪后期基督教一统天下的时候，前面我们也提到，中世纪时期是宗教控制人的精神领域，人服从于神，画家只要给信徒一个真实可信的宗教场景就足够了，艺术家的任务是在技术精良的情况下完成对上帝的精神崇拜。
这种光滑无笔触的画面给人一种冷冷的美，与人的内心世界终有一段距离，显得高贵而冷漠。
在用笔上，伦勃朗像意大利画家一样潇洒爽快；在形象刻画上，他继承了佛兰德斯细腻深刻的传统。
他这种用笔的潇洒爽快、松动自信，我们可以在亮部眼睛的下眼睑的那些高光上看到，让我们感到就好像是随意点上去的；我们可以感受到生命的悲歌交溶于他横涂竖抹的笔触，笔与色成了他的感情寄托，他的笔触有层次感与表现力，厚厚的颜料在笔触的引导下，产生出了神性光感，不像达•芬奇的绘画笔触所表现出的微妙衔接。
他娴熟的笔触技法使他的绘画交织在光影之间，流动着神秘的微光，传达出虚无的感觉，唤起了人们心灵演变的神秘感，进而表达出生命的内涵与精神。
《阳光下的女人体》是大家熟悉的另一幅雷诺阿的作品，同样是不强调结构和空间，把重点是放在肉体的肥美和皮肤的质感上，他对眼睛表达方式的一个显著特征，就是追求模特眼神的大感觉，不去刻意刻画眼睛的体面转折，他画的眼部甚至只用蓝黑色线勾上眼线，再用蓝色画眼珠，之后加上高光，仅仅几笔，并且边沿线不死，根本不去刻意追求眼睛形状上的整齐，没有去寻找眼睛的球体感觉和眼窝的深度，好像很简单，但是远看效果很好。