西方女性艺术家创作的特点
东西方女性主义艺术思潮的异同分析--以弗里达和喻红作品艺术风貌为例
东西方女性主义艺术思潮的异同分析--以弗里达和喻红作品艺术风貌为例张嘉博;王洪章【摘要】墨西哥现代女艺术家弗里达卡洛与中国当代女性画家喻红，他们二人的艺术实践无论是在创作理念还是在作品格调上都具有某种程度的相似性，但由于东西方在艺术审美经验上的根本差异，又使得两人作品的艺术风貌呈现出较为明显的区别。
弗里达卡洛以女性对个体生命的独特体验来表现充满异域风情的墨西哥民族画风，喻红通过描绘个体生命的成长历程反映当代社会快速的时代变迁，重新界定了个人在社会群体中的角色定位。
%Mexico modern female artist Frida Kahlo and Chinese contemporary female painter Yu Hong, whose art practice have certain similarities both in creation concept and works style, however,the fundamental differences between eastern and western art aesthetic experiences make their works have more obvious differences in art style.Frida Kahlo expresses the Mexican national style full of exotic culture through women’ s unique experience on individual life, while Yu Hong reflects contemporary rapid social era change by depic-ting the growth course of individual life to redefine the role of the individual in the society.【期刊名称】《长春大学学报（社会科学版）》【年(卷),期】2016(026)002【总页数】4页(P121-124)【关键词】弗里达;喻红;女性主义;自述性【作者】张嘉博;王洪章【作者单位】东北师范大学美术学院，长春130117;东北师范大学美术学院，长春130117【正文语种】中文【中图分类】J201弗里达卡洛被公认为墨西哥20世纪最伟大的女性艺术家，也是第一位其作品被卢浮宫永久收藏的墨西哥艺术家。
了解世界各地的当代艺术风格与流派
了解世界各地的当代艺术风格与流派当代艺术是指在当代社会背景下产生的艺术形式和艺术风格。
随着全球化的发展，各地的当代艺术风格与流派愈发多样化，呈现出独特的文化和审美特点。
了解世界各地的当代艺术风格与流派，有助于我们拓宽视野，增加对多元文化的认知，以及对当代社会与艺术发展的理解。
1. 西方当代艺术风格与流派西方当代艺术自20世纪初兴起以来，涌现出许多重要的风格与流派。
其中，抽象表现主义是西方当代艺术的重要风格之一。
它强调通过形式、色彩和线条等表现内心情感，代表了艺术家对现实与内心体验的探索。
例如，马克·罗斯科的作品《无题》以抽象的笔触和色彩独特的表现风格，传达了作者独特的情感内涵。
除了抽象表现主义，当代艺术还有流行艺术、概念艺术、后现代主义艺术等风格与流派。
流行艺术强调大众文化的影响和艺术消费的角色，以艺术家安迪·沃霍尔的作品《迈克尔·杰克逊》而闻名。
概念艺术则突破了传统艺术形式，将观念和思想置于作品的核心位置。
后现代主义艺术则拒绝了传统意义上的艺术规范，倡导对文化、身份、权力等议题的激进解构与批判。
2. 亚洲当代艺术风格与流派亚洲地区的当代艺术在西方影响下逐渐兴起。
韩国当代艺术以种种不同的形式和风格出现，将传统文化与现代语境相融合，展现出独特的增长。
例如，钟明用传统刺绣技艺创作了《支离因果》系列，将传统文化与现代主题相结合，呈现了对历史和社会变迁的思考。
东南亚的当代艺术则以多元文化的特点和社会政治议题闻名。
例如，泰国艺术家阿彼杜尔·昆彼岸的作品《告别君主专制制度》通过政治讽刺和符号语言，表达了对泰国政府的批评和对民主价值的追求。
3. 非洲当代艺术风格与流派非洲当代艺术充满活力，展现出丰富的文化特点和社会议题。
尤其是后殖民时代，许多非洲艺术家通过自身经历和创作，呈现了对身份认同、种族问题和社会变革的关注。
剖析艺术家埃尔·安·塞谢的雕塑作品《纳尔迪尼斯特琳希》可见非洲当代艺术对传统文化的重新解读与重构。
艺术史上的女性艺术家
艺术史上的女性艺术家艺术史上涌现了许多杰出的女性艺术家，她们在不同的时期和领域中展现了自己的才华和创造力。
她们以自己独特的视角和艺术表达方式，为艺术界带来了新的思考和启发。
本文将介绍几位在艺术史上具有重要地位和影响力的女性艺术家。
一、芙蓉·博阿斯（Frida Kahlo）芙蓉·博阿斯是墨西哥艺术史上最具代表性的女性艺术家之一。
她以她的自画像和她对墨西哥文化的探索而闻名。
博阿斯的作品体现了她对自我身份和经历的深刻思考，同时也反映了社会和政治问题。
她的画作常常充满了象征意味，以鲜艳的颜色和细腻的绘画技巧，诠释了她内心世界的复杂性和痛苦的情感。
博阿斯为20世纪墨西哥艺术注入了新的活力和风格，她的作品至今仍然受到广泛的赞誉和关注。
二、玛丽·卡斯特（Mary Cassatt）玛丽·卡斯特是19世纪美国印象派的著名女性艺术家。
她是早期印象派运动的重要成员之一，也是唯一一位被邀请参加法国印象派画展的美国艺术家。
卡斯特的作品主题以家庭生活和母亲与孩子的关系为主，她善于捕捉生活中的平凡瞬间，并以柔和、明亮的色彩表现出来。
她的绘画风格充满了温柔和亲近感，展现了她对家庭和亲情的独特理解。
卡斯特在当时的男性主导艺术界中崭露头角，为女性艺术家的地位争取了更多的认可和机会。
三、娜迪亚·布鲁门塔尔（Niki de Saint Phalle）娜迪亚·布鲁门塔尔是二十世纪后期最知名和有影响力的女性艺术家之一。
她以她的装置艺术和雕塑作品而闻名，尤其是她创作的彩色大型雕塑《巨龙公园》。
布鲁门塔尔的作品反映了她对社会和性别问题的关注，她以自己独特的艺术语言呈现出对权力、暴力和解放的思考。
她的作品充满了活力和力量，同时也带来一种宽容和温和的力量。
布鲁门塔尔倡导女性艺术家在艺术创作中发声和表达自己的独特视角，对当代艺术界产生了深远的影响。
四、李奥诺拉·卡利特（Leonora Carrington）李奥诺拉·卡利特是20世纪西方超现实主义运动中最知名的女性艺术家之一。
浅析西方美术作品中的“优美”和“崇高”
浅析西方美术作品中的“优美”和“崇高”西方美术作品中常常运用“优美”和“崇高”这两个词来描述作品的特点和艺术风格。
虽然这两个词都有积极的意义，但它们在西方美术中有着不同的含义和表达方式。
我们来谈谈“优美”这个词。
在西方美术中，“优美”通常用来形容作品的审美特点，指的是艺术作品表达出的美感和形式上的完美。
在视觉上，这种完美可以体现为线条的流畅、比例的和谐、色彩的新鲜和融洽的构图等。
古希腊雕塑《米洛的维纳斯》就展现了一种经典的优美，女性形象以完美的比例和光滑的线条展示出来，给人一种和谐、平衡的美感。
我们来探讨一下“崇高”这个词在西方美术作品中的意义。
在西方美术中，“崇高”往往指的是作品所表达的思想、情感或主题的深刻和庄严。
崇高的作品常常通过表现宏大、庄重的场景、强烈的情绪和引发人们深思熟虑的主题来体现。
米开朗基罗的雕塑作品《达维德》展示了对英雄形象的崇尚和尊敬，强烈的力量感和庄严的姿态让人们感受到一种崇高和壮丽的气势。
我们也要注意到“优美”和“崇高”这两个词在西方美术中并不是相互独立的，而是可以同时存在和表现的。
很多优美的作品中也表达了崇高的主题和情感，反之亦然。
达芬奇的绘画作品《蒙娜丽莎》不仅体现了女性形象的优美和典雅，同时也通过深邃的目光和微笑表达了一种内敛和神秘的崇高感。
西方美术作品中的“优美”和“崇高”既可以是审美的标准和形式上的完美，也可以是对思想、情感和主题的深刻表达。
它们不仅反映了艺术家们对美的追求和创作的高度，同时也带给观者们一种审美和情感的享受。
对于艺术爱好者来说，能够感受和欣赏到这些优美和崇高的作品，也是一种视觉和心灵的愉悦和满足。
梵高与徐渭的比较研究之一面
梵高与徐渭的比较研究之一面梵高与徐渭，一个是西方著名的后印象派画家，一个是中国明代著名的文学家、画家，二者跨越千年，但在艺术创作上有许多共通之处。
本文将从一面角度出发，对梵高与徐渭进行比较研究，探讨两位艺术家在创作观念、艺术风格、题材选取等方面的异同点。
梵高（Vincent van Gogh）是19世纪著名的后印象派画家，他的作品以浓烈的色彩、激烈的笔触和独特的造型风格而闻名。
梵高擅长以大胆的线条和鲜艳的色彩来表现内心世界，他的作品多以风景、静物和人物为题材，富有强烈的个人表达和情感冲动。
徐渭（徐文长），是明代杰出的文学家、画家，他的作品以造型生动、明快的笔触和丰富的情感而著称。
徐渭擅长以饱满的线条和深邃的色彩来表现世俗生活和自然景观，他的作品多以人物、山水、花鸟为题材，富有浓厚的人文情怀和真情实感。
从创作观念方面来看，梵高和徐渭都倡导用艺术来表达内心的真实感受。
梵高曾说过：“我把我所看到的及所闻到的都加了进去，而我所想象的也加了进去。
”这句话体现了他对于艺术表达的真实性和超现实主义风格的追求。
徐渭也曾在《山水帖》中写道：“圣贤明道，礼乐士农，皆由於山林钟鼓，吾心饴饼泯众朴，四诸管弦屈寡故。
”他以自然山水为“饴饼”，并表达对山水的真挚情感。
可见，梵高和徐渭都将艺术视为一种自我表达和情感宣泄的方式，强调艺术的真实性和超越现实的力量。
从艺术风格方面来看，梵高和徐渭都具有鲜明的个性和独特的创作风格。
梵高的作品以夸张的色彩和粗犷的笔触为特点，他善于用色彩和线条来表现内心情感，例如《向日葵》系列中的浓烈色彩和丰富笔触就是其代表作之一。
而徐渭的作品以明快的笔触和鲜艳的色彩为特点，他善于用线条和色彩来捕捉生活中的细微之处，例如《寒山小径图》中的混凝土色调和丰富造型就是其代表作之一。
可以看出，梵高和徐渭都具有自成一格的艺术风格，他们在色彩运用和线条表现上各具特色，但在表达情感和追求真实性上却有一定的共通之处。
从题材选取方面来看，梵高和徐渭都喜欢以日常生活和自然景观为创作题材。
浅谈西方现当代艺术的脉络及特点
浅谈西方现当代艺术的脉络及特点西方现当代艺术的脉络和特点非常丰富多彩。
从19世纪中叶到21世纪初，西方现当代艺术历经了许多风格和流派的兴起和衰落。
下面就从几个角度来浅谈一下西方现当代艺术的脉络和特点。
一、风格的变迁19世纪中叶到20世纪初期，印象派和后印象派风格是西方艺术的主流，以其强调颜色、线条和形式的纯粹性而著名。
同时，装饰艺术风格在20世纪初期也得到了一定的发展。
20世纪二、三十年代，表现主义、立体派和未来主义等风格的兴起，标志着西方艺术从抽象到现实再到抽象的发展。
表现主义者强调情感和内在感受，立体派强调空间和立体形式的多样性，而未来主义者则对科技和未来进行了艺术创作的探索。
20世纪中期，抽象表现主义、废墟艺术、波普艺术、极简主义等风格相继兴起。
其中，抽象表现主义主张用抽象的方式表现内在的情感和精神体验，废墟艺术则反映了战后世界的疮痍和恢复，波普艺术则关注了当时的美国消费文化，而极简主义则强调物质和形式的简化和减少。
21世纪初，后现代主义等新的风格也在艺术界中崭露头角。
后现代主义强调影像、符号和多元文化的混合和碰撞，同时对现代化和现代主义进行了批判和反思。
二、媒介的多样性随着技术的发展和媒介的多样化，西方现当代艺术创作媒介也逐渐丰富。
从传统的油画、雕塑到现代的装置、行为艺术，再到数字艺术和虚拟现实，这些媒介的多样性为艺术家提供了更多的选择和发挥空间。
装置艺术是指在空间中设置特定的物体、声音、光线等元素，从而创造出一个完整的环境和感官体验。
行为艺术则强调行动和行为本身的艺术性，将艺术和日常生活融为一体。
数字艺术则利用计算机技术和虚拟现实技术进行创作和表现，在媒介上具有独特的优势和特点。
三、主题的多元化在西方现当代艺术的发展过程中，主题的多元化也是非常明显的。
从对现实生活的关注，到对社会问题的探讨，再到对存在主义和精神层面的思考，艺术家们在不同时间和背景下关注的主题也在不断变化。
20世纪初，印象派和后印象派往往以风景、静物和人物为主要创作对象。
波普艺术
处理了六十年代的经典照片，
目的是要让人们从新的角度、 新的方式看待那些已经神话
了的历史性效果。在具体的
表现上，他一边将来自民间 的画法与西方的硬边画法相
结合，一边在画中安排了不
少花朵，这不但使画面通俗 易懂，也极有中国意味。批
评家沃夫格•波尔曼认为他的
艺术是中国式的波普艺术。
波普艺术与生活
• 服装设计与室内装饰
作品特征
• 1 用热点传播符号表达流行文化
玛丽莲梦露
《 毛 泽 东 在 》
1972
• 2 重复构成产生的拓展延伸
• 3 色调的分离
观看丝网印刷视频
• 4 运用重叠的"图底"建立空间
• 4.小结语
• 捕捉流行符号，和再创造来传达信息和吸引观众 • 在题材上，将日常生活中的物体、景象都带进了艺术，把 高高在上的艺术观念拉下来 • 在形式语言上，重复构成是他独特的表现风格，运用商业丝 网印刷打破了一般人对"画家亲笔绘制才算艺术"的传统观念， 逐渐消融了艺术与生活的界限；
现成品
绘画是艺术也是生活 两者都不是做出来的东西 我要做的正处在这两者之间
生活即艺术
床
是立体的混合作品，被 视为是中国装置艺术的 启蒙之作。
在这幅劳申伯格的作品 中或许无所谓褒贬之意， 也许只是艺术家以对黄 色油布雨伞的好奇心理 用来象征中国文化。
在一定程度上也揭示了 我国传统观念将黄色视 为皇家色彩的膜拜心态。
• 魏光庆：千年以来的传统 封建伦理道德，对中国人 的性格心理产生了意义深
远的重要影响，而这种潜
移默化的心理结构，在当
代商品经济的大潮汹涌袭
来时却显示出了它的无所
适从性。因此在《红墙——
20 世纪中期东西方女性形象美感的造型特点比较
海外艺术 ｜２４20世纪中期东西方女性形象美感的造型特点比较□李向东/文20世纪是世纪从传统走向现代的一个重要时期，是社会发展和科技进步下对人们的启发。
这种不断走出传统、不断走向现代的新形式促进了艺术的丰富和发展。
女性形象刻画在艺术史上一直是个永恒的话题，油画、雕塑以及中国仕女画都是阐述女性美的高峰，其内涵的审美意识和审美倾向不尽相同。
周璇和玛丽莲·梦露都是20世纪中期家喻户晓的女明星，虽然身处不同的国家，但这两位红极一时的女子都用其传奇梦幻的经历去影响了一个时代。
红颜虽然逝去，但几十年的岁月沧桑并没有抹杀掉她们在时代里遗留的浓墨重彩。
二者经历不同，演绎不同，在当时社会和后期艺术表现中的风格也千差万别。
她们是时代缩影里渺小的一粒，但也表现出二十世纪中期东西方女性美有极大的差异，在塑造女性形象美感时，造型特点各不相同。
从周璇和玛丽莲·梦露身上，我们或许可以窥探这一时期的艺术发展。
1 20世纪中期东西方女性形象审美差异性分析大众审美的差异性是普遍存在的。
时代、社会、阶级、民族等都是个体审美差异的组成因素。
以周璇和玛丽莲·梦露为例，两人处于不同的国家，政治制度和经济发展各异，民族文化和社会意识形态也大相径庭，这几个方面使得20世纪中期东西方审美具有很大差别[1]。
1.1 社会意识形态周璇作为中国早期的两栖明星，对文艺界诸多的贡献。
她的艺术作品早已成为民族文化遗产的一部分。
敌伪时期社会动荡，汉奸频出，许多人为了保命投身敌营。
周璇不愿意受日方控制，宣布息影，坚定自己的爱国之心。
在歌曲中蕴含爱国情感，影片里表达抗敌内涵，将生命献祭给艺术。
雅俗共赏的艺术形式和内容为20世纪中期中国文化艺术的发展起重要推动作用。
而在20世纪中期的美国社会，尤其是二战时期，大量美女宣传画被制成征兵海报，吸引和鼓励国民参战，提升职业热情。
这种宣传海报是政治宣传的重要手段，反映了当时美国社会的主流意识形态。
简述20世纪西方美术的特点
简述20世纪西方美术的特点20世纪西方美术经历了丰富多样的发展，从印象派、立体主义到超现实主义，艺术家们以不同的创作风格和技巧呈现出他们对世界的独特见解。
以下是20世纪西方美术的一些主要特点：1.替代现实：20世纪初期，许多艺术家开始追求一种新的表现方式，试图超越对现实的直接呈现。
他们试图通过表现自身的情感、思想和精神状态，创造出一种更真实的现实。
这种艺术形式被称为表现主义。
2.抽象化：随着时间的推移，艺术家逐渐渴望解放自己的创作，追求独特的表现方式。
在抽象艺术中，艺术家试图摒弃客观现实的描绘，将重点放在形式、颜色和线条等艺术元素上，以此表达情感和构建独立的视觉语言。
3.考察材料：20世纪美术发展了多种创作材料和媒介。
例如，立体主义艺术家开始使用不同的材料和技巧进行表达，将现实物体的不同部分拆解、重新组合，以展示事物的多维和多角度。
同时，雕塑家开始使用诸如金属、玻璃和陶瓷等新材料，展示了新的形式和构造。
4.挑战传统：冲击传统成为20世纪西方美术的一大特点。
例如，达达主义运动挑战了传统艺术的观念和制约，试图打破束缚艺术家创作的规范和界限。
超现实主义则试图挖掘潜意识的力量，通过夸张、不合理和梦幻的元素来表达对现实的冲击。
5.自由表达：20世纪西方美术独立于传统的约束和规范，鼓励艺术家表达自己内心的思想和感受。
这种自由表达的态度促使艺术家们不受限地追求新的表现方式和技巧，以呈现出他们独特的创作思想。
6.文化交流：20世纪美术涌现了大量的国际艺术运动和交流。
例如，德国的表现主义和法国的立体主义对抽象艺术产生了深远的影响，使其成为了20世纪西方美术的重要组成部分。
同时，美术市场的发展和艺术展览的增多也促进了不同文化之间的交流与影响。
7.多样性和个性：20世纪西方美术呈现出多样化的风格和技巧，艺术家们追求个性和独特的表达方式。
从立体主义的几何形式到超现实主义的梦幻元素，艺术家们大胆地尝试新的表达途径，并以个人独特的方式来诠释世界。
西方传统的艺术特点是写意
西方传统的艺术特点是写意西方传统艺术的发展经历了漫长的历史，包括了古希腊罗马艺术、文艺复兴时期的艺术、巴洛克艺术以及后来的洛可可艺术和印象主义等等。
虽然这些时期的西方艺术风格有很多不同，但是它们都有一个共同的特点，那就是写意。
写意是西方艺术的一个重要特点，反映了艺术家在表达自己的思想和情感时的追求。
首先，写意艺术注重艺术家的个人表达。
在这种传统的艺术中，艺术家往往是通过自己的创造力和想象力来创作作品。
他们可以自由地运用各种表现手法和技巧，来表达自己的情感和思想。
他们不是要追求真实的再现，而是要通过艺术手法来表达自己的感受。
因此，在西方传统的艺术作品中，我们经常能够看到艺术家的个人风格和独特的创作理念。
其次，写意艺术强调形式的变化和想象的创造。
在西方文艺复兴时期，艺术家们开始追求自然主义和人体比例的准确再现。
然而，随着时间的推移，艺术家们逐渐摆脱了对现实的束缚，开始注重形式的变化和变形，并运用各种表现手法来表达自己的艺术观念。
例如，文艺复兴时期的达·芬奇的作品《蒙娜丽莎》中，她微笑的表情和眼神的细微变化都表达出了艺术家对于人物内心情感的描绘。
另外，写意艺术在处理主题和意象时也十分突出。
在西方传统的艺术中，艺术家往往通过主题的选择和意象的运用来表达自己的思想和情感。
无论是宗教题材的作品还是风景画，艺术家都能够通过自己的艺术手法和表达方式，来使观者感受到他们所想要传达的意义。
例如，在巴洛克时期的艺术作品中，艺术家常常通过对光影和颜色的运用来表达作品中所描绘的主题和情感。
最后，写意艺术强调审美和情感的体验。
在西方传统艺术中，艺术家注重通过视觉的形式来引发观者的情感共鸣。
他们使用各种色彩、光影以及线条的变化来营造出一种独特的美感。
观者在欣赏这些作品时，往往被其所传递出的美和情感所吸引。
例如，印象派艺术家的作品中，通过对光线和颜色的运用，使画面呈现出一种轻快而自由的感觉，让观者感受到一种美的享受。
西方美术作品鉴赏
一、古希腊美术（1）特点：写实美与理想美的完美结合（2）代表作品：《米洛斯的阿芙罗狄特》《米洛斯的阿芙罗狄特》（希腊）（大理石雕刻，高202厘米，约作于公元前150年，巴黎卢浮宫藏）古希腊雕刻的美名，莫过于这座《米洛斯的阿芙罗狄特》。
这一作品因为1820年发现于爱琴海中的米洛斯岛而得名。
它是用两块大理石合雕而成的，接缝处在裸露的躯干与衣服的交界处。
端庄的身体，丰腴的肌肤，典雅的脸庞，娟美的笑容，微微扭转的站势，这一切构成一个十分和谐而优美的姿态。
尽管雕像的双臂残缺，但由于年代久远，人们欣赏的心理已产生积淀，断臂反而诱发出人们美好的想象，从而增强了人们的欣赏趣味，使人们愈加觉得它非同凡响。
从艺术风格上看，它融合了希腊雕刻中的崇高与优美的两种风格。
它那阔大而简洁的手法，使人联想起菲狄亚斯在帕特农神庙上创造的庄严崇高的雕刻；它那端庄优美的身姿和容貌，又使人联想起普拉克西特列斯塑造的优美而抒情的女性人体雕刻。
无怪乎19世纪法国的雕塑大师罗丹要称这一雕像为“古代的神品”。
这座古希腊神话中爱与美的女神雕像,造型匀称和谐,体态婀娜自然.仪态万方而又庄重典雅,集中体现出女性美丽和青春永恒的魅力,由于其外在形体美和内在精神美的高度和谐统一而具有不朽的审美价值.《掷铁饼者》米隆历史背景公元前449年到公元前334年是希腊雕塑艺术的全盛时期，艺术史上称为“古典时期”，大量优秀的雕塑作品出自这个时期，《掷铁饼者》就是现存流传最广的艺术杰作之一，也是古希腊著名雕塑家米隆的代表作。
这个作品是古希腊雕塑艺术的里程碑，显示出希腊雕刻艺术已经完全成熟。
雕塑赞美了人体的美和运动所饱含的生命力，表现了作者高超的艺术技巧。
虽然原作已经失传，但我们仍能从复制品中感受到那生命力爆发的强烈震撼，也是我们研究古希腊雕刻的重要资料。
艺术价值《掷铁饼者》取材于希腊的现实生活中的体育竞技活动，刻画的是一名强健的男子在掷铁饼过程中最具有表现力的瞬间。
希腊古典时期艺术的艺术风格和特点
希腊古典时期艺术的艺术风格和特点希腊古典时期是西方艺术史上的黄金时期，统治着艺术史的地位。
它表现了古希腊文化的最高达到，是西方文化发展的里程碑，并对后世的艺术产生了深远的影响。
在这个时期，希腊的政治、文化、哲学和艺术等方面都发展出了独特的特点，其中最为卓越的就是其艺术创作。
一、古典希腊艺术的历史背景希腊的古典时期具有较为明显的历史背景。
这个时期的艺术风格是在公元前5世纪时形成的，这一时代是希腊历史上伟大的思想家、艺术家、哲学家、政治家、诗人和历史学家等一系列文化名人的辈出时期。
在大量文化思想和艺术风格上的突破和探索中，希腊古典文化获得了长期的稳固发展。
二、希腊古典艺术的艺术风格和特点1. 注重人体比例、结构和立体感在希腊古典艺术中，人体和雕像是最为重要的元素之一。
古希腊的艺术家注重对人体的比例、结构和立体感的表现，使人体更具有真实感，并明确地表达出它在社会生活中的角色和地位。
这一点可以在古代希腊的雕塑作品中得到很好的体现。
2. 平衡、对称性和和谐的表现方式平衡、对称性和和谐是古典艺术的重要特征。
在希腊古典时期的艺术中，艺术家们强调平衡、对称性和和谐的表现方式，这些特点可以在希腊神庙中的柱子和雕塑中观察得到。
3. 强调光影和空间效果古希腊艺术家还善于处理光影和空间效果，使作品不仅在视觉上有强烈的冲击力，而且在感性和审美上，也具有很好的效果。
这种艺术风格可以在古希腊雕塑作品的瑰丽中得到完美的表现。
4. 表现老年人和青年人的区别在希腊古典艺术中，艺术家们强调老年人和青年人之间的区别。
这一点很容易在希腊古代戏剧的演出和雕塑中观察到。
例如古希腊的维纳斯雕塑，为了更好地表示年轻女性的美和优雅，艺术家采用了褶皱裙子和光秃秃的头发，同时强调女性身体的柔韧性和柔软性。
5. 园林艺术的发展在希腊艺术的发展史中，园林艺术是不可缺少的一部分。
这种艺术形式和戏剧艺术、建筑艺术、雕塑艺术和绘画艺术等相互融合，在希腊古典时期，达到了空前的高峰。
论西方绘画中女性形象的发展和象征意义
论西方绘画中女性形象的发展和象征意义1. 本文概述西方绘画中的女性形象，如同一面多棱镜，映射出社会对女性的期望、观念和地位的变迁。
从古代的维纳斯到现代的肖像画，女性形象在画布上留下了无数引人深思的痕迹。
本文将探讨西方绘画中女性形象的发展历程，以及这些形象所蕴含的象征意义。
我们将从古代绘画中的女性形象开始，审视古希腊和罗马绘画中女性作为神话人物或贵族妇女的描绘，以及这些形象所体现的当时社会对女性的审美期待。
我们将进入文艺复兴时期，艺术家们笔下出现了更多真实生活中的女性形象，如圣母、贵妇或女神，画家们开始关注女性的内在美和情感，使女性形象更加人性化。
随着时间的推移，进入现代绘画时期，女性形象变得更加多样化和复杂化。
艺术家们开始通过女性形象探索社会问题、表达政治观点或呈现个人情感体验。
这些变化反映了社会对女性观念的演变，以及对女性多元性和独立性的接纳。
通过研究西方绘画中女性形象的发展和象征意义，我们旨在深入理解艺术与社会、历史和文化之间的紧密联系，以及女性形象在艺术史中的重要地位。
这将有助于我们更全面地认识女性在社会中的角色演变，以及艺术在反映和塑造社会观念方面的力量。
2. 古代至中世纪的女性形象在古代至中世纪的西方绘画中，女性形象的呈现和象征意义经历了显著的演变。
这一时期的艺术作品不仅反映了当时社会对女性的看法，还揭示了宗教、文化和哲学对女性形象塑造的深远影响。
古代时期的女性形象，尤其是在希腊和罗马艺术中，常常与神话和宗教故事紧密相关。
女神、缪斯和女性英雄等形象被赋予了美丽、力量和智慧的象征意义。
例如，希腊雕塑中的阿佛洛狄忒（Aphrodite）形象，不仅展现了女性的身体美，还象征着爱与美的统一。
许多古代壁画和马赛克作品中的女性形象，也体现了当时社会对女性角色的期待，如家庭的守护者和子女的教育者。
进入中世纪，基督教教义对女性形象的塑造产生了决定性的影响。
在这一时期，女性形象多以圣母玛利亚为中心，她的形象被赋予了纯洁、谦逊和母性的美德。
巴洛克风格与服装
2005-05-31 16:20北京服装学院外语系康洁平张艾莉巴洛克 Baroque 服饰艺术的前前后后(图) 17世纪“巴洛克”艺术的时代巴洛克(Baroque)是西方艺术史上的一种艺术风格，其最基本的特点是打破文艺复兴时期的严肃、含蓄和均衡，崇尚豪华和气派。
关于巴洛克一词的起源，有两种说法。
一是意大利B.克罗齐等人认为源于Baroco，指逻辑学中三段论式的一个专门术语；一是认为源于葡萄牙语Baroco或西班牙语Barrueco，意为各种外形不规则的珍珠，泛指各种不合常规、稀奇古怪、离经叛道的事物。
巴洛克16世纪末期产生于意大利，17世纪盛行整个欧洲，18世纪初期在德国和奥地利等国仍有较大的影响。
巴洛克风格表现在建筑、美术、音乐、文学及染织艺术各个领域，内涵极为复杂，具有相当大的影响，这些影响使17世纪整个欧洲的建筑及艺术设计呈现出巴洛克气势雄伟、强烈奔放的特点。
大量精美绝伦的艺术设计作品，使我们欣赏到这个时期艺术家们智慧的结晶，领悟到他们艺术设计的精巧构思和创作技艺，领略到他们卓著的艺术思维能力。
巴洛克艺术是17世纪广为流传的一种艺术风格，这个名称在当时含有贬义，有怪异、奇特、粗野或推理错误上的含义，古典主义者认为巴洛克是一种堕落瓦解的艺术。
直到20世纪上半叶，人们对巴洛克时期的艺术风格才给予比较客观公正的评价。
巴洛克最早产生于意大利，与反宗教改革有关，巴洛克是为教会服务并被宗教利用，教会是其最强有力的支柱。
学者王明道将巴洛克的艺术特色总结为以下几点：一是豪华的特色，它既有宗教特色又有享乐主义色彩；二是它是一种激情的艺术，具有浓郁的浪漫主义色彩，强调艺术家的丰富想象力；三是极力强调动感，运动变化是巴洛克艺术的灵魂；四是关注作品的立体感和空间感；五是讲究综合性，吸收文学、戏剧、音乐领域的一些因素和想象；六是有浓厚的宗教色彩；七是大多数巴洛克艺术家有远离生活和时代的倾向。
“巴洛克艺术”的形成过程17世纪这个时期是有史以来人类生产力发展最快的时期，同时也是一个新的社会制度诞生并取代旧的社会制度的时期。
古希腊艺术特点
古希腊艺术特点从雕塑上，从建筑上，从美术上三点分析:古希腊雕塑在整个西方美术传统中，古希腊雕塑占有十分重要的地位。
西方美术崇尚的典范模式，庄重的艺术品格和严谨的写实精神，可以说都是从古希腊开始的。
多年来,这种艺术精髓曾滋润着西方美术生生不息。
古希腊悠久的神话传说是古希腊雕塑艺术的源泉。
希腊神话是希腊人对自然与社会的美丽幻想，他们相信神与人具有同样的形体与性格，因此，古希腊雕塑参照人的形象来塑造神的形象，并赋予其更为理想更为完美的艺术形式。
古希腊雕塑在整个西方美术传统中，古希腊雕塑占有十分重要的地位。
西方美术崇尚的典范模式，庄重的艺术品格和严谨的写实精神，可以说都是从古希腊开始的。
多年来,这种艺术精髓曾滋润着西方美术生生不息。
古希腊悠久的神话传说是古希腊雕塑艺术的源泉。
希腊神话是希腊人对自然与社会的美丽幻想，他们相信神与人具有同样的形体与性格，因此，古希腊雕塑参照人的形象来塑造神的形象，并赋予其更为理想更为完美的艺术形式。
古希腊建筑: 现存的建筑物遗址主要就是神殿、剧场、竞技场等公共建筑，其中尤以神殿为一个城邦的重要活动中心，它也最能代表那一时期建筑的风貌。
古希腊人的生活受控于宗教，所以理所当然的，古希腊的建筑最大的最漂亮的都非希腊神殿莫属。
古希腊人认为，神也是人，只是神比普通人更加完美，他们认为供给神居住的地方也不过是比普通人更加高级的住宅。
所以，希腊最早的神殿建筑只是贵族居住的长方形有门廊的建筑。
后来加入柱式，由早期的“端柱门廊式”逐步发展到“前廊式”，即神殿前面门廊是由四根圆柱组成，以后又发展到“前后廊式”，到公元前6世纪前后廊式又演变为希腊神殿建筑的标准形式——“围柱式”，即长方形神殿四周均用柱廊环绕起来。
希腊神殿建筑总的风格是庄重典雅，具有和谐、壮丽、崇高的美。
这些风格特点在各个方面都有鲜明的表现。
古希腊美术德国近代伟大的哲学家黑格尔说过，在有教养的欧洲人心中，一提到希腊就会涌起一种家园之感。
西方古典艺术的特点
西方古典艺术的特点西方古典艺术，作为西方艺术史上的重要时期，表现出许多明显的特点。
这些特点不仅体现在绘画、雕塑、建筑等方面，还影响了西方文化的发展和传统。
首先，西方古典艺术注重形式的完美和技巧的精湛。
古希腊古罗马的艺术家们在创作中追求对比的平衡、比例的和谐以及线条的流畅。
他们通过细致研究人体解剖结构和光影效果，创造出富有逼真感和动态感的作品。
这种对形式的苛求和技艺的精湛，成为西方古典艺术的重要标志。
其次，古希腊古罗马古典艺术强调人文主义和理性思维。
艺术家们受到古典哲学的影响，倡导对人的完美和人类智慧的崇尚。
他们通过描绘神话和历史题材的作品，赞美人类的理想状态，传递人文关怀和理性思考的观念。
这种人本主义的思想在西方古典艺术中占据重要地位，影响了艺术家们的创作内容和表达方式。
另外，西方古典艺术注重对经典题材的继承与创新。
古希腊古罗马艺术家们深受希腊神话和罗马历史的启发，将这些经典题材以独特的艺术形式呈现出来。
西方古典艺术家们在绘画、雕塑和建筑等领域中，通过对经典题材的描绘与演绎，创造了许多永恒的艺术作品，使之成为后世艺术家们学习和赞美的对象。
最后，西方古典艺术强调艺术作品的和谐与秩序。
艺术家们通过对比的运用和构图的安排，创造出视觉上的和谐与平衡。
古典主义的艺术作品常常呈现出对称美和整体的有序感，使观者产生稳定与安宁的感受。
这种追求和谐与秩序的特点，体现了西方古典艺术对审美理念的追求和表达。
总结起来，西方古典艺术的特点包括对形式的完美和技巧的精湛、人文主义与理性思维的强调、对经典题材的继承与创新以及艺术作品的和谐与秩序。
这些特点的存在让西方古典艺术成为了西方文化传统中重要的一部分，并对后世艺术产生了深远的影响。
浅析西方女性艺术家作品中的母性美
二、柯勒惠支艺术中母性美的苦情
并不是所有的母爱都充满了甜蜜温暖的柔情。在柯勒惠支
图4
图3
的作品里，我们会强烈地感受到扮演母亲身份的女性由于生活 所迫流露出的苦涩情感，这种苦涩里面包含着无能为力与痛彻 心扉。柯勒惠支是国外画派中作品较早被引入国内的画家之 一，通过鲁迅的引荐，对我国的版画事业起到了不可估量的作 用。鲁迅曾经这样称赞这位伟大的女性：“在女性艺术家之中， 震动了艺术界的，现代几乎无出于凯绥 柯勒惠支之上。”
关键词：女性艺术家 贝尔特 莫里索 柯勒惠支 母性美
一、贝尔特 莫里索艺术中母性美的柔情
法国这座充满迷人魅力的城市不仅是令人瞩目的时尚之 都，而且是世界艺术中心。众多影响力较大的艺术流派从这片 丰饶的土地上涌现。法国大革命结束以后，人们的思想逐步得 到解放，一场声势浩大、空前的艺术运动也慢慢酝酿成形。这场 运动便是后来成为古典作风与现代艺术转折点的印象主义。 1874年，我们熟知的画家毕沙罗、雷诺阿和莫奈等画家为世人展 示了崭新的艺术视角，组织了对抗官方沙龙的展览。然而，当时 的评论对此进行了严厉无情的嘲讽，印象派的女画家贝尔特 莫 里索也受到抨击。虽然当时的社会已经取得进步，经济得到了 迅猛的发展，女性开始走出家门并且真正拥有了受教育的权利， 但是社会大众对女性的偏见仍然存在，莫里索的艺术成就在当 时乃至其后很长一段时间都处于沉寂状态。随着女性主义的崛 起和法国博物馆的珍藏，人们得以重新领略贝尔特 莫里索这位 女性画家视角里独特的温情世界。
作为印象画派中的唯一女性，贝尔特 莫里索是此画派的忠 实参与者与守护者。她积极、坚定不移地投入印象派的绘画创 作与展览中，对印象派的发展起到了不可忽视的推动作用。在 多数联合画展中我们都能够看到其身影。在题材方面，印象画 派摆脱传统的束缚，抛弃了陈旧的宗教神话题材，开始走向自 然，走到生活中。也许因为是女性画家的缘故，女性特有的婉约 气质在贝尔特 莫里索的作品中表现得特别明显。画面具有的 轻松、舒适、恬静的感觉，往往也是在其他印象派画作中看不到 的。贝尔特 莫里索用明亮的色彩描绘出温暖和具有人情味的 家庭生活场面，那是每一个普通人家庭生活的缩影，是每一位母
浅析普契尼歌剧的艺术特点及创作风格
在 源远 流长 的歌剧历史 中 ，我们 不得不提到 的一个重要人
物就是贾科莫 ・ 普契尼 。他是继罗西尼和威尔第 之后 最受追捧 的
一
使意大利 的歌剧迎来了一个崭新的时代 。所 以 ， 我们完全可以说
普契尼是意大利歌剧历史上一个举 足轻重 ， 至关重要的人物。普 契尼的一生共 创作 了十二部歌 剧 ， 尽管不多 ， 但是 却部部 经典 ，
个 歌剧作 曲家 。他一生 中所创作 的十二部歌剧 可以说是部部
经典。他的每一部歌剧都极受欢迎 ， 世人对其歌剧的评价也都极
高 。并且歌剧 中的一些经典曲 目至今还深受演 唱者 的青 睐 ， 我们 在各大音乐会 中也时常能够听见 ， 艺术价值极高 。普契尼 的歌剧
之 所 以 能 够 在 歌 剧 史 上 占有 这 样 重 要 的 历 史 地 位 是 因 为 普 契 尼
尼是非常特别 的一个人 。他 不仅拥有极高 的音 乐才能和戏剧 的
天赋 ， 而且有着 自己坚定 的 目标和梦想 。在 当时复杂的音乐改革 的大环境下 ， 他坚持 了意大利歌剧的传统 ， 并且在其基础 上去其 糟粕 ， 取其 精华 ， 发展 出具有 自己特点 的独特 的音 乐风格 ， 从 而
在歌剧演出 中，完美 的声乐演 出与优秀 的配 乐是息息相关
艺 术 特 点 和 独 具 风 格 的 真 实 主 义 创 作 风 格 。 本 文 将 通 过 对 普 契 尼 的 自身 了 解 、 歌剧 的 艺术
特 点 及 其 歌 剧 的 创 作 风 格 这 三 大 部 分 来 简 单 的 探 讨 普 契 尼 的 歌 剧 。希 望 通 过 本 文 能 够 让 广 大 的声 乐学 习者 和歌 剧爱 好者 更加 了解 普契 尼的 作 品 ， 也希 望 大家 都能 从中 有所 得益 。
西方传统的艺术特点是写意
西方传统的艺术特点是写意西方传统艺术在文艺复兴时期开始兴起，一直延续至今。
它的艺术特点之一就是写意，即艺术家可以根据自己的主观想象和审美情趣来创作艺术作品，而不受任何约束和限制。
这个特点在西方艺术史中表现得十分突出，并且对后来的艺术发展产生了深远的影响。
首先，西方艺术的写意特点是由于其文化背景和价值观念所决定的。
在欧洲文艺复兴时期，人们对古希腊和古罗马文化的重新发现使得人类主义思想和个人主义观念开始兴起。
这一思潮强调个体的独立性和创造力，艺术家被视为天才和创造者，他们可以凭借自己的才华和想象力来创作艺术作品。
因此，写意艺术成为了西方艺术的一个重要特点。
其次，西方艺术的写意特点与西方绘画的发展历程密不可分。
在文艺复兴时期，西方绘画经历了一个从写实到写意的过程。
早期的文艺复兴绘画以写实为主，追求真实的再现，但随着时间的推移，艺术家开始追求个人的创造力和对美的主观表达，他们开始更加注重形式和意境的表达。
由此，写意艺术逐渐成为主导，并在以后的西方绘画史中得以延续和发展。
再次，西方艺术的写意特点还体现在其对色彩和构图的关注上。
西方艺术家以丰富多样的色彩来创造出独特的艺术效果，他们追求色彩的表现力和情感的冲击力。
同时，他们也注重构图的创造性，通过布局、对比和层次的处理来营造出一种独特的视觉效果。
这种写意的色彩和构图方式在西方艺术中得到了广泛的应用，并形成了自己独特的艺术风格。
最后，西方艺术的写意特点也与西方社会的价值观念和审美观念相一致。
在西方文化中，个人独立和自由的精神一直是人们追求的目标。
艺术家表达自己的创造力和思想是得到重视和鼓励的。
在这样的社会背景下，艺术家们可以毫无顾忌地展示自己的文化内涵和审美追求，从而形成了写意的艺术风格。
总之，西方传统艺术的写意特点是其艺术发展的必然结果。
这一特点在西方艺术史中得到了充分的发扬光大，并对后来的艺术发展产生了深刻的影响。
写意艺术使得西方艺术家能够表达自己的个性和创造力，并给观众带来更多的思考和想象空间。
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西方女性艺术家创作的特点
作者：薄雪媛马子敬
来源：《大观》2015年第10期
摘要：女性作为自然性别的一个特征是生来惧有的，而女性作为社会性别的一部分，是在女性主义艺术随着女权主义运动的浪潮兴起时才认识到的，也就是说，直到20世纪70年代女性才认识到“社会性别”这一概念。
一个作为自然性别的角色，一个作为社会性别的角色，女性艺术家艺术创作的特点呈现明显的不同。
关键词：女性艺术家;女性特质;社会性别
自古以来，女性在人们心目中的形象一直是温柔的、高雅的、诚实的、言辞文雅的、孝顺的、心胸宽大的、贞洁的、善于处理家务的……这些被社会认定的所谓的“女性特质”一直以来制约着女性艺术家的创作。
她们的创作展现出的是社会习俗中对女性行为的社会化期待。
希金斯（George Elgar Hicks）是19世纪维多利亚时期的一位女性艺术家，在1863年皇家学院展览上，她展出了一组三联画《妇女的职责》，题目分别为《引导孩子》、《陪伴丈夫》和《照顾老人》。
这些画表现了同一个妇女生活的片段。
她担任了三个角色：年轻的母亲、无私的妻子和尽职的女儿。
在希金斯的三联画中，妇女的生活被体现在她履行“妇女的职责”的各方面的时刻。
她是男人生活的几个支点：儿童、成年和老人，构成叙事的系列和女性高尚的本体。
显而易见，希金斯作为一个女性，她的创作肯定了当时的女性特点和女性经验。
当然也有例外，不过，这种“例外”带来的确是中伤。
简特内斯基（Atemisia Gentileschi）是17世纪一位意大利女画家，她可以说是第一位在西方美术史上受到肯定的重要的女艺术家。
朱狄斯列是她最重要的作品。
《朱狄斯砍下荷洛芬尼斯的头》这个题材被许多意大利艺术家画过，其他艺术家多半表现朱狄斯砍下荷洛芬尼斯的头之后的情景，通常朱狄斯的形象是娇羞和柔美的。
然而简特内斯基的朱狄斯是同类题材中最不受欢迎的版本——这件重要的巴洛克绘画代表作几个世纪以来一直被放逐在乌菲齐博物馆的黑暗角落或者是无法接近的楼梯下面。
这个朱狄斯如此不受欢迎，是因为她违反了社会习俗中对女性行为的社会化期待：她看来既非对行动漠不关心的优雅端庄，也不是因英雄行为感到虔诚的高贵。
其实，不仅女性艺术家的创作风格受到限制，就连创作的题材也受到制约。
从文艺复兴以来，欧洲的学院都把女性排斥于人体课之外，这样就限制了女性艺术家的教育水平和职业水平。
妇女基本上被排斥在历史画类型之外，大部分的女艺术家只能成为肖像和静物画家，或从事次要的应用艺术，比如袖珍画和刺绣。
并且当时对绘画的题材也分等级：历
史画（包括神话、圣经、历史事件题材）被看作是高等的，而风俗画和静物画被看作是末流的。
即使女性艺术家创作了引人瞩目的有关历史题材的绘画，她也不能以历史画家的身份被社会接受。
维吉-勒布朗是18世纪法国的一位女性艺术家。
当时的法国学院自从1648年创立以来，很少接纳妇女，甚至宣称妇女不能成为学院成员。
直到18世纪70年代，在长期保持纯男性状态之后，才招收了4个女成员，4个女成员也是学院能够允许的极限，而维吉-勒布朗就是其中一位。
在沙龙的初次露面她就引起了轰动，《和平带来丰饶》为她在1783年的沙龙带来了声誉，而且为她在学院提高了地位。
这是一幅寓意画，一个人格化的和平和富饶。
作为一个抽象观念的寓意画，可以被看作具有聪明的历史画的意图，它说明维吉-勒布朗希望作为历史画家被皇家学院所接受，然而她的愿望没有实现。
因为当时的批评家认为：这只是一幅“几个3/4的人物”作品，他们至少觉得，作为历史画《和平带来富饶》不是大尺寸的壮丽作品。
如果以《荷拉斯兄弟之誓》作为历史话的典范，维吉-勒布朗的作品也是不够严肃和高尚的，更不能提供英雄式的作品，它只是表现一个了美丽的妇女前胸裸露，并被另一个簇拥着。
到了20世纪70年代初，女权主义运动浪潮高涨，女性主义艺术兴起。
这时的女性艺术家才开始意识到“社会性别”这个概念，而且意识到造成妇女被压抑地位的原因不是自然性别，而是所谓“社会性别结构”，是社会性别造成了妇女被社会角色的束缚和损害。
70年代的妇女开始审视女性角色的身份认定，她们的第一个目标就是在女性身体内探索。
女性主义艺术家理解她们的任务是“女性身体的殖民地解放”，并把它从男性客观化的状态中赎回。
这就导致了以本质主义为中心的身体艺术。
朱狄-芝加哥（Judy Chicago）是20世纪70年代美国的一位女性艺术家。
她的大型装置作品《晚宴》，首次把女艺术家推到艺术史的舞台上。
《晚宴》中，芝加哥欲通过1038个各个时期杰出女人的姓名和直观形象修复西方文化历史里女性的缺失。
她用妇女们在家庭生活中的多种艺术劳动形式——刺绣、陶艺、图画，以清晰的脉络贯穿于里程碑式的艺术作品中，既而产生了美学与家庭工艺之间的爆炸性冲突。
《晚宴》从诸多角度展示了女性主义艺术的特点、内容，在打破女性身体的禁忌、挑战父权制社会的性别等级以及高雅艺术与手工艺的界限等方面显示了女性主义艺术的特点。
传统的女性特质是一个复杂的文化标签，它迫使女性做到谦逊、温柔、文雅、驯良。
女性美的一个基本成分就是女性特质。
而70年代的女性艺术家在身体艺术中都撕开了“美的面具”，也放弃了“女性特质”，女性主义相信女性特质并非女性必备的特点。
舍尔曼（Cindy Sherman）也是20世纪70年代美国的一位女性艺术家。
她的摄影艺术作品《69张无题剧照》，摄于1977-1980年，作为摄影师和“演员”，舍尔曼同时成为自己作品的主体（创作者）和客体（创作对象），呈现出由文化界定的种种女性“角色”，同时又再现了不同大众传播媒介对于这种界定的再现过程。
通过对女性身份的“解构”，舍尔曼的作品明确展示出，所谓的女性特征并不是自然的和固定不变的，而是由文化不断的“构造”而成的。
同时，女性主义艺术还打破了传统观念中不同的艺术门类、创作媒介和材料的限制，极大地扩展了艺术创作的手法和材料的范围，打破了所谓高雅艺术（绘画和创作）与通俗艺术（各种手工艺）之间的界限。
女性艺术家作为社会生活中的一个团体，以自己独特的方式经历与感受着这个世界，并以自己独特的方式适应与表达着这个世界。
让我们共同瞩目她们的创作实践，发现令一片蓝天。
【参考资料】
[1]李建群.西方女性艺术研究[M].济南：山东美术出版社，2006
[2][美]琳达·诺克林.女性，艺术与权利[M].游惠珍译.桂林：广西师范大学出版社，2005。