[艺术]艺术始终是开始
艺术自律与他律的辨析
艺术自律与他律的辨析艺术的自律性是指艺术系统自身的发展规律。
艺术的自律性可以从两个角度进行思考。
1、纵向来看。
它是指艺术在历史长河中的继承与革新。
2、横向来看。
它是指不同民族艺术之间的相互交流与借鉴，即艺术的民族性与世界性。
艺术的他律性是指社会系统中的其他因素对于艺术发展的影响，它包含着我们最底层的经济对于艺术的影响，中层是指政治对艺术的影响，最上层有道德、宗教、科技等意识形态对艺术的影响。
艺术的自律性是是他律性（它性、外部性、社会性）对举的，艺术生活永远是以人工性为住的创造生活，艺术家必须遵循艺术的内部规律。
但是我们也要避免轻视科学技术，把技术手段放在艺术自律性外的倾向现，在科技是艺术创作的有力辅助，它可以成为自律性有个住成不分，关于现代的技术手段的介入，艺术的创作和欣赏已在工具作用、间接终合、捕捉机遇、替代性体验放面发生了一些新的变化。
艺术体现和物化着人的一定审美观念、审美趣味与审美理想。
无论艺术的审美创造抑或审美接受，都需要通过主体一定的感官去感受和传达并引发相应的审美经验。
对艺术的审美分类，主要应根据主体的审美感受、知觉方式来进行。
依据这个原则，艺术可以分为语言艺术、造型艺术、表演艺术和综合艺术四大类。
在艺术自律论盛行之前，西方历史长期存在独白式的他律论。
即以艺术之外的种种因素和特定关系界定艺术的性质、价值、意义；注重政治意识和道德教化的功能。
例如，在古希腊时期，希腊神话的“神意”，柏拉图哲学的“理念”，基督教神学中的“秩序”。
柏拉图倡导文艺应为政治服务，起到应有的教化作用，为国家、人生而艺术；进而贬斥模仿式艺术远离真理、丑化英雄、亵渎神灵。
亚里士多德同样倾向于以功利眼光看待艺术，提出“艺术是对现实的模仿”。
所不同的是，亚里士多德把艺术当作劳作之余的精神享受。
中世纪时期，宗教神学在西方思想文化中占据统治地位。
上帝不仅被视为万物的创造者，而且也被视为“创造者的创造者”。
文艺成为神学的附庸，处于从属地位，缺失独立地位和自主功能。
跨越千年的美学共鸣——从宋代美学视角赏析舞蹈诗剧《只此青绿》
｜ 文化艺术跨越千年的美学共鸣——从宋代美学视角赏析舞蹈诗剧《只此青绿》□李梦霞/文2021年，中国东方演艺集团推出的舞蹈诗剧《只此青绿》以饱含哲思的中国传统美学意蕴征服了观众，成为“一票难求”的年度爆款，后又在2022年的除夕夜登上了春晚舞台，备受好评。
《只此青绿》以北宋王希孟创作的绢本设色画《千里江山图》为灵感进行创作，讲述了传世名画《千里江山图》的创作历程，蕴含着浓郁的宋代美学。
本文基于此，以宋代美学视角赏析舞蹈诗剧《只此青绿》，传递跨越千年的美学共鸣。
1 虚实相生的意境之美宋代是中国美学的高峰时期，宋人尚意，在诗词、绘画、书法、瓷器等各个艺术领域都追求一种“虚实相生”的精神意蕴。
“虚”与“实”原本是中国哲学范畴中的概念，逐渐被引入中国美学和中国舞蹈美学领域中。
“实”指实体、实物、实事；“虚”即虚构、虚灵、虚幻。
“虚”与“实”的结合，造就了独特的意境，这种意境体现了中国传统艺术追求的至高境界，如哲学家宗白华所言：“画实景而为虚境，创形象以为象征，使人类最高的心灵具体化、肉身化，这就是艺术意境，艺术意境主于美。
[1]”在《只此青绿》中，虚实相生的艺术表现手法体现在舞剧创作的各个方面，使得作品不仅具有现实意义，更具有超越现实的精神内涵。
1.1 编创结构之虚实舞剧的结构是舞剧的框架与骨骼，是确立一部舞剧基本面貌和风格特征最重要的因素。
舞剧《只此青绿》采用了时空交错式的结构，通过时空的虚实交替，探寻出《千里江山图》隽永千年的奥秘，建立古代文物与现代人之间的情感连接。
舞剧一开始的时间定位是在当下时空中的《千里江山图》即将展出的前夜。
随着一位故宫研究员（展卷人）“穿越”时空，来到千年前，画卷即将完稿之时，观众也得以跟随展卷人视角，目睹传世名画诞生的全过程。
这部舞剧使遥远的北宋与当下时空共存于舞台上，北宋王希孟所在的时空是“虚”，当下展卷人所在的时空是“实”，通过这种虚实相生的时空交错式的叙事结构，让观众在不到两个小时的观剧时间里，仿佛穿越了千年历史，跨越了现实的桎梏，回到北宋，畅游其中，亲身经历了整个画卷创作的全部过程，感受到中国文化传承千年的魅力。
关于艺术的名言大全_名人名言
关于艺术的名言大全关于艺术的名言大全1、为艺术而艺术，不会比为喝酒而喝酒更有意义。
——毛姆2、我的艺术应当只为贫苦的人造福。
啊，多么幸福的时刻啊！当我能接近这地步时，我该多么幸福啊！——贝多芬3、为了培养坚不可摧的理想，人民需要特殊的艺术，特殊的场所，而主要是能在人民思想感情中引起反响的特殊作品。
人民不应当觉得自己只是闯入一个思想陌生的世界的客人，而应当在这种艺术中认识自己，认识自己的力量。
——茨威格4、学会集体工作的艺术。
在今天的科学中，只有集体的努力才会有真正的成就。
如果你一个人工作，即使你有非凡的能力，你也不能在科学上做出巨大的发现，而你的同事将始终是你的思想的扩音器和放大器，正如你自己——集体中的一员——也是别人的思想的扩音器和放大器一样。
——泽林斯基5、艺术的大道上荆棘丛生，这也是好事，常人望而却步，只有意志坚强的人例外。
——雨果6、艺术的成功在于没有人工雕琢的痕迹——奥维德7、给艺术的真正力量是融会于伟大情感之中的平凡——让•弗•米勒8、哲学是一切艺术之母——西塞罗9、艺术乃德行的宝库。
——巴尔扎克10、管理的艺术在于识别什么是可用的经验，以及採用后能判别发生什么样的结果。
——詹姆斯•Ｌ•里格斯11、有比快乐、艺术、财富、权势、知识、天才更宝贵的东西值得我们去追求，这极为宝贵的东西就是优秀而纯洁的品德。
——塞缪尔•斯迈尔斯12、艺术家是一个创造出一位艺术家的人——哈罗德•罗森堡13、赢得名声的艺术家常为此受苦，因此，通常他们的最佳——贝多芬14、没有比人生更难的艺术了，其他的艺术学问到处都有教师。
——辛尼加15、伟大的艺术从来就是最富于装饰价值的。
——毛姆16、爱情不只是一种感情，这同样是一种艺术——佚名17、没有比人生更难的艺术，因为其他的艺术和学问，到处都可以找到很理想的老师。
——塞涅卡18、功夫，乃是艺术家最无法让渡的财产——法国19、艺术的力量远比需要弱小——埃斯库罗斯20、贫困，你是人类艺术的源泉，你将伟大的灵感赐予诗人——爱•穆尔21、艺术并不超越大自然，不过会使大自然更美化。
《我亲爱的》艺术与情感的结合
《我亲爱的》艺术与情感的结合摘要：意大利是美声的发源地，更是众多优秀美声作品的诞生地，其中包括《我亲爱的》。
《我亲爱的》是意大利美声作品中的优秀作品之一，一直传唱至今，并且成为考验美声唱法的重要曲目，不仅艺术价值高，其中对于情感的表达和处理也独具风格。
今天，在对意大利美声的研究中，越来越多的学者和艺术家将焦点对准了《我亲爱的》，本文主要分析了《我亲爱的》艺术与情感的结合，从艺术和情感两个角度剖析了该作品。
关键词：《我亲爱的》艺术情感美声音乐、诗歌、乐器的融合，在表达情感的过程中形成一种艺术形式，这就是意大利古典音乐――美声。
17世纪中后期，意大利对于艺术形式的追求逐渐增多，传统歌剧已经越来越不能满足意大利人民的需求，在这样的环境下，为了丰富自身的表现形式，美声开始成为意大利歌剧的重要组成，并且迅速壮大，在这一时期，涌现出了无数优秀的美声作品，《我亲爱的》也是产生于这一时期的意大利，这首由乔尔达尼作曲的美声作品，不管是在曲风展现方面，还是在情感表达方面，都极具个性和张力，是那个时期意大利美声作品的代表，也一直被传唱至今，可以说，《我亲爱的》是艺术与情感的结合。
一、《我亲爱的》的艺术特征乔尔达尼对艺术的执着和热爱是有目共睹的，他曾经游学英国，在伦敦学习音乐，也组织其它音乐活动，所以他的作品中，会透露出英式音乐的欢快，同时也保留意式音乐的典雅，从《我亲爱的》的艺术特征中，我们也可以看出乔尔达尼的音乐风格，也能感受到他特有的音乐思想。
（一）曲词简练《我亲爱的》并不是一首完全原创的美声作品，其歌词来自于当时意大利比较有名的诗歌，将诗歌稍加调整，同时配以合适的曲调，就成就了《我亲爱的》的辉煌。
《我亲爱的》在曲风方面，尤显简练，没有过多的修饰，每一个音符都恰到好处，没有多余，也没有空缺。
比如Il tuo fedel 这句，歌词非常简单，而此句的曲调也极易哼唱。
从整体来看，由于源自于传统诗歌，整首歌歌曲都是简单的句子，使得歌曲看起来清新活泼，而曲调也没有过于复杂的变化，能够为更多人所接受。
设计艺术的发展历4
胡夫金字塔是埃及金字塔中最大的金字塔胡夫金字塔塔高146.59米，因 年久风化，顶端剥落10米，现高136.5米，相当于40层大厦高。塔身是 用230万块巨石堆砌而成，大小不等的石料重达1.5吨至160吨，塔的总
重量约为684万吨，它的规模是埃及至今发现的70多座金字塔中最大的。
人类设计艺术四个阶段
2：手工业时期的设计艺术 古埃及，头冠，手镯， 手链，指环，腰带，护身符，以及项链平衡坠子等，
大多制作精美，装饰复杂，并带有特定的含义。 金是太阳的颜色，而太阳使我们生命的源泉;银代表月亮，
也是制造神像骨骼的材料；天青石仿似保护世人的深蓝
望，并且可以领略到人们是 如何维系自己的生存，繁衍， 发展的原始生活。
人类设计艺术四个阶段
1：设计艺术的起源和形成时期
北京人的颧骨高突。平均脑
量均为1075毫升。身材粗 短，男性平均身高为162厘 米，女性平均身高为152厘 米，其面部较现代人稍短，
而向前伸出，前额低平，鼻
子宽扁，眼眶上缘有两个互 相连接的粗大眉骨，牙齿粗 大，上下颚骨向前突出，没 有下颏。
人类设计艺术四个阶段
1：设计艺术的起源和形成时期
北京人平时生活环境 北京人分布点 ：龙骨山
人类设计艺术四个阶段
1：设计艺术的起源和形成时期
在北京人的遗址中，发现有大量的石器，这些
石器功能各异、加工精细，证明直立人制造工 具的能力比能人大大提高了。
人类设计艺术四个阶段
1：设计艺术的起源和形成时期
2：手工业时期的设计艺术
3：工业化时期的现代设计艺术
4：当代设计艺术与未来的展望
人类设计艺术四个阶段
艺术概论几个例题
二，简答论述题1、简答艺术发展的他律性：就是指在艺术发展过程中，艺术与其他社会事物，如经济、政治道德、科学、宗教、哲学等的本质的、必然的、稳定的联系，也就是揭示艺术外部社会原因是怎样制约和推动艺术发展的。
主要体现在：<1>经济是艺术发展的决定力量、终极原因和伟大动力。
<2>经济发展与艺术发展存在着不平衡性<3>其他社会意识形态对艺术发展的重要影响2、简答艺术发展中继承与借鉴的主要原因：第一，由人类社会生活发展的联系性决定第二，由艺术本身的性质决定第三，由艺术表现生活的任务决定第四，由世界各民族经济文化交流的必然性决定3、简答革新创造的含义及表现：含义：第一，革新创造意味着不断创新的艺术形象、表现新的思想感情第二，………意味着艺术形式、艺术风格、创造新的艺术境界第三，………意味着不断超越、不断推陈出新表现：第一，表现为对艺术作品的内容和形式的创新和发展第二，……. 能够不断地超越第三，…….. 艺术风格和艺术流派的创新和发展4、简答艺术发展过程中继承借鉴与革新创造的关系：<1>继承借鉴时革新创造的基础和前提，没有继承和借鉴就没有革新创造<2>革新创造是继承借鉴的目的，革新创造是优秀艺术遗产最好的继承借鉴<3>继承借鉴和革新创造在艺术发展过程中的辩证统一才是艺术发展普遍的、必然的内在规律。
3、简答艺术本质及其主要表现：本质：就是审美的艺术形态，指对艺术根本性质的哲学规定，即艺术之所以为艺术的内部根据、内部规定性。
表现：<1>首先从艺术的创造来看，艺术史艺术家敏感的心灵与外界现实碰撞出的精神火花的形象显现。
艺术始终是以艺术家个人审美感悟的方式来创造和生产的。
<2>其次，从艺术作品来看，艺术史寄托艺术家审美情致、激发接受者审美感悟的精神图像。
<3>最后，从艺术的鉴赏来看，艺术是人类寻求精神超越的审美感悟。
贝多芬音乐艺术特色分析论文范文
贝多芬音乐艺术特色分析论文范文贝多芬是音乐界中浪漫派的先驱，他创作了大量具有艺术特色的音乐作品。
下面是店铺带来的关于贝多芬艺术特色分析论文的内容，欢迎阅读参考!贝多芬艺术特色分析论文篇1：《贝多芬《月光奏鸣曲》的艺术特色分析》【摘要】贝多芬的大部分作品都富有浪漫主义色彩，借助某一形象创作，不仅反应了其心理情绪，而且有深刻的哲学意蕴。
《月光奏鸣曲》是贝多芬的代表作之一，它内容充实、情感细腻、有创造性的音乐布局和动人效果。
本文通过对分析这一作品的艺术特色，以此展示贝多芬音乐的感染力和对人的鼓舞作用。
【关键词】贝多芬;月光奏鸣曲;艺术特色1 贝多芬与《月光奏鸣曲》1.1 贝多芬与《月光奏鸣曲》的创作背景贝多芬是德国著名的作曲家和钢琴家，他创作了大量的作品，对后世有深远的影响，被后人称为“乐圣”。
他一生命运坎坷，但较早地显示出了音乐天赋，从师海顿，最终学有所成。
他的创作主要集中在交响乐，其次就是钢琴作品。
在钢琴作品的创作中，他运用了交响乐创作中的一些思想，更加自由地运用钢琴曲表达了情感，也打动了很多的听众，钢琴曲也成为其主要成就之一。
在贝多芬的32首钢琴奏鸣曲中，《月光奏鸣曲》其有很强的代表性，不仅优美而且富有诗意。
关于《月光奏鸣曲》，还有一段美丽的故事：在银白色的月光下，贝多芬听到了有人弹他的钢琴曲，循声而至，贝多芬来到一间简陋的房屋前，推门进去发现是一个盲人少女，他很是感动，由此创作了一首被标注为“幻想曲风格”的曲子。
贝多芬去世后，诗人路德维希・莱尔斯塔勃为这个曲子更名为《月光奏鸣曲》。
在创作《月光奏鸣曲》时，贝多芬正值耳聋日益严重的时期，这让他十分的绝望，伯爵爱女朱丽叶・圭恰尔迪的出现给贝多芬巨大的勇气，贝多芬很快陷入了爱河。
然而，朱丽叶很快就移情别恋，这又一次的打击了贝多芬，但他没有放弃音乐梦想，在失恋的痛苦中完成了《月光奏鸣曲》。
1.2 作品特色这首“幻想曲式奏鸣曲”有自由、即兴的特点，对音乐素材的运用非常的灵活。
古希腊艺术特色[讲解]
![古希腊艺术特色[讲解]](https://img.taocdn.com/s3/m/f77276cfc0c708a1284ac850ad02de80d4d8067d.png)
古希腊艺术特点古希腊雕塑在整个西方美术传统中，古希腊雕塑占有十分重要的地位。
西方美术崇尚的典范模式，庄重的艺术品格和严谨的写实精神，可以说都是从古希腊开始的。
多年来,这种艺术精髓曾滋润着西方美术生生不息。
古希腊悠久的神话传说是古希腊雕塑艺术的源泉。
希腊神话是希腊人对自然与社会的美丽幻想，他们相信神与人具有同样的形体与性格，因此，古希腊雕塑参照人的形象来塑造神的形象，并赋予其更为理想更为完美的艺术形式。
古希腊雕塑在整个西方美术传统中，古希腊雕塑占有十分重要的地位。
西方美术崇尚的典范模式，庄重的艺术品格和严谨的写实精神，可以说都是从古希腊开始的。
多年来,这种艺术精髓曾滋润着西方美术生生不息。
古希腊悠久的神话传说是古希腊雕塑艺术的源泉。
希腊神话是希腊人对自然与社会的美丽幻想，他们相信神与人具有同样的形体与性格，因此，古希腊雕塑参照人的形象来塑造神的形象，并赋予其更为理想更为完美的艺术形式。
古希腊建筑：现存的建筑物遗址主要就是神殿、剧场、竞技场等公共建筑，其中尤以神殿为一个城邦的重要活动中心，它也最能代表那一时期建筑的风貌。
古希腊人的生活受控于宗教，所以理所当然的，古希腊的建筑最大的最漂亮的都非希腊神殿莫属。
古希腊人认为，神也是人，只是神比普通人更加完美，他们认为供给神居住的地方也不过是比普通人更加高级的住宅。
所以，希腊最早的神殿建筑只是贵族居住的长方形有门廊的建筑。
后来加入柱式，由早期的“端柱门廊式”逐步发展到“前廊式”，即神殿前面门廊是由四根圆柱组成，以后又发展到“前后廊式”，到公元前6世纪前后廊式又演变为希腊神殿建筑的标准形式——“围柱式”，即长方形神殿四周均用柱廊环绕起来。
希腊神殿建筑总的风格是庄重典雅，具有和谐、壮丽、崇高的美。
这些风格特点在各个方面都有鲜明的表现。
古希腊美术德国近代伟大的哲学家黑格尔说过，在有教养的欧洲人心中，一提到希腊就会涌起一种家园之感。
这非常形象地说明了，古代希腊是西方文明的发源地。
里格尔的艺术史概念
里格尔的艺术史概念 ［英］麦克尔・波德罗 阿洛伊斯・里格尔在维也纳工艺美术博物馆［Museum of Applied Arts］工作时开始了自己的艺术史家生涯。
他早年的论文中有对东方地毯和中世纪早期手稿的研究。
在他所受的教育中，其他的两个因素与他对工艺美术和图案的关注产生了较为广泛的共鸣。
赫尔巴特・罗伯特・齐美尔曼［Herbartian Robert Zimmermann］兄弟曾教他哲学心理学，而马克斯・比迪格尔 ［Max Büdiger］则教他历史。
后者设想了关于世界历史的一般体系。
赫尔巴特的影响更为重要。
即便里格尔对艺术的形式主义的分析总保留着世界史的弦外之音，但若把注意力集中于此，就会忽视其著作中现在看来富有意义的一切东西。
1893年，里格尔出版了《风格问题》［Stilfragen］一书。
较之后来的著作，此书的论点虽然极其简单，但隐含着一个他从未放弃基本观念：这就是我们最初把艺术理解成对于自然的变形，然后理解成它根据严格的艺术意图而进行的内在的自身转化。
在里格尔的《风格问题》里，风格问题即是装饰问题；里格尔不是在对自然的模仿或对象征的运用中，而是在设计的冲动中发现古典古代植物装饰的发展动机。
里格尔争辩说，对于现实世界的三维空间的纯粹自然主义复制，较之于制作浅浮雕，投入更低的心智活动，而制作浮雕所投入的心智又比运用抽象地线条更简单一些。
用线勾勒的荷花母题在古埃及形成之后，发展成为棕叶饰，即带有“爱奥尼亚式”［Ionic］螺旋饰叶的植物，然后又发展成柱头上的莨苕叶形装饰［acanthus］，这种发展并非是因为雕刻者借助于自然而获得的新模式，而可被解释为一种创意设计［design］的内在发展结果，即是对形式的内在联系、变体与对称平衡的探求结果。
里格尔思想的这一阶段，其风格观念与母题变形有关。
当他着手写作其两部主要著作之一《罗马晚期的工艺美术》［Spätrömissche Kunstindustrie］时，其有关风格的观念将母题变形［transformation of motifs］与人们的态度变化［changes in attitude］联系了起来。
现代设计艺术与方法的范畴和分类
现代设计艺术与⽅法的范畴和分类引⾔：⼈类早期的设计与艺术活动是融为⼀体的，随着社会分⼯的愈来愈细，⾏业的专业性越来越强, 才使得艺术从技术中分离出来。
现代艺术和现代设计在20世纪初分别挥舞着反对“为艺术⽽艺术”的旗帜再次⾛到了⼀起，并且艺术被定义为最初是建⽴在实⽤的基础上经过审美加⼯⽽成的“设计”，⽽设计则始终是由艺术审美做指导的具有实⽤价值的“艺术形式”。
关键词：现代主义设计现代设计艺术现代设计⽅法1.现代主义设计：“现代主义设计”⾮常庞杂，包括精神上的、思想上的改⾰，也包括技术上的进步以及形式上的创新，既有实⽤主义、理性主义的内容，也有乌托邦主义的成分。
1919年包豪斯的成⽴奠定了“现代主义设计”的基础，主张从理性主义出发，以认识⾃然和改造⾃然为前提，强调⼀种以客观的物性规律来决定和左右⼈的主观规律，所以，“现代主义设计”通常被称为“功能主义设计”，⼜称为“技术美”或“机器艺术”。
当代的“现代主义设计”，是基于现代社会、现代⽣活的计划内容，受现代市场营销、⼀般⼼理学、⼈体⼯程学约束，具有⾼度应⽤性的设计活动，不仅仅提供⼈类以良好的⼈机关系，提供舒适、安全、美观的⼯作环境和⽣活环境，提供⼈类以⽅便的⼯具，同时，也是促进⼈类在现代社会中能够⽅便⾃然交流的重要活动。
2.现代设计艺术和它的形态范畴：艺术总是反映时代精神，现代主义思潮蓬勃发展，包括艺术家和设计师在内，⼈们逐渐认识到⼯业技术在设计艺术活动中的作⽤，于是“现代设计艺术”开始真正孕育成长。
《包豪斯宣⾔》中说到，“艺术不是⼀门专门职业。
艺术家与⼯艺师之间在根本上没有任何区别”。
现代设计在很⼤程度上既是科学，⼜是艺术。
现代设计艺术作为⼀种物质和意识结合的物质形态，由于设计制作者的主观意识的载体和⼈们对物质需求的不同，具有不同的形态范畴，分类⽅法主要有三种，第⼀种是根据设计物品所使⽤的材料，如陶瓷、⽪⾰、⾦银、⽊材、玻璃等；第⼆种是从设计制作的⼯艺⽅法，如染织、雕琢、刺绣、涂饰等；第三种是将设计物品按审美和精神⽣活、实⽤和物质⽣活为主题划分，前者包括娱教类、装饰类，后类包括穿戴类、起居类、⽣活类、⽤品类等。
[理论知识] 贡布里希入门
![[理论知识] 贡布里希入门](https://img.taocdn.com/s3/m/b0e935fab0717fd5360cdc76.png)
[理论知识] 贡布里希入门E.H.贡布里希是当代最有洞见的美术史家，也是最具独创性的思想家之一。
1909年生于奥地利的维也纳，后移居英国并入英国籍。
1959年至1976年担任瓦尔堡学院院长，并任美术界最高荣誉——剑桥和牛津大学斯莱德(Slade)美术讲座教授，以及哈佛等多所大学的客座教授，屡获欧美国际学术机构的特殊荣誉。
1972年受封勋爵。
主要学术著作有《艺术与错觉》、《秩序感》、《艺术发展史》、《象征的图像》等。
贡布里希于本月3日去世了，享年92岁。
《艺术的故事》的作者走了——这大概是多数人听到这一消息后首先会浮起的念头。
关于《艺术的故事》，卢浮宫的一位馆长曾说了这样一句妙语来形容:“几乎就像《蒙娜丽莎》一样著名。
”一本美术史入门读物，而能产生这样的影响，令人称奇。
艺术原本显得那么虚悬高深，难于接近，可是，在《艺术的故事》里，它忽然变得如此的清楚、明白，变成了很容易理解和很可亲的事物，这恐怕是许多读者共同的感受。
这也正是贡布里希写作这本书的目的——让更多的人理解艺术的历史，热爱艺术的历史。
他靠着在艺术史研究上的成就，被封了英国的爵士，是一位大学者。
这样的大学者，却为普通人认认真真地写了一本美术欣赏入门读物，这恐怕是我们这个飞扬浮躁、急功近利的时代所难以理解的事情。
贡布里希在书的序言中说得很清楚:“此书的意图，是为了所有面对一个奇异而迷人的领域，觉得需要一种初步指南的人。
”显然，在贡布里希眼里，艺术始终是一个“奇异而迷人”的领域，而他诚恳地要把自己的经验与所有的人分享。
换句话说，驱使贡布里希的动机，终究是对艺术的爱。
于是，在贡布里希的眼里，艺术的发展过程，乃是一个精彩的故事，是人类寻求“美”的真谛的伟大历险故事，他自己也就成了一个说故事的人。
然而，这毕竟是洞悟之后的归于平淡，“故事”中的字字句句，其实都沉淀着作者成熟独特的学术观和历史观，在阅读此书的过程中，人们会时时感到贡布里希那极具穿透力的眼光，他对艺术现象和艺术品的分析，让人每有醍醐灌顶之感。
艺术继承与创新的名言
艺术继承与创新的名言1. 有关创新与传承的文章,名人名言,成语~~无可否认，创造力的运用、自由的创造活动，是人的真正的功能；人的创造活动，是人的真正的功能；人在创造中找到他的真正幸福，证明了这一点。
——阿诺德人材最本质的特点在于创造。
——箴言人可以老而益壮，也可以未老先衰，关键不在岁数，而在于创造力的大小。
——卢尔卡尔斯基创造者才是真正的享受者。
——富尔克一个具有天才的人——具有超人的性格，绝不遵循通常人的思想和途径。
——司汤达独立性是天才的基本特征。
——歌德欢乐的名字是创造。
——希恩世界上所有美好的事物都是创造力的果实。
——米尔。
2. 勇于创新的名人名言1、一个人必须经常突破他已造成的藩篱而使之更扩大。
——〔法〕罗曼·罗兰《罗曼·罗兰文钞》【简介】1866年1月29日在法国勃艮第地区的克拉姆西出生。
从小在谙熟音乐的母亲的熏陶下养成了对音乐的爱好。
1880年，定居巴黎。
15岁时，随父母迁居巴黎。
1886年中学毕业后考入巴黎高等师范学校，1889年，毕业于法国巴黎高等师范学校，通过会考取得了中学教师终身职位的资格。
2、有总是从无开始的；是靠两只手和一个聪明的脑袋变出来的。
——〔西〕松苏内吉《合同子》【简介】松苏内吉是西班牙小说家，生于毕尔巴鄂附近的波尔图加莱特镇。
曾在德乌斯托大学、萨拉曼卡大学和马德里大学学习法律、哲学和文学。
1957年成为西班牙皇家学院院士。
他的作品大多以毕尔巴鄂的街巷、港口为背景，用忧郁低沉的笔调描绘资产阶级的人物和生活。
3、在科学事业中，真正的天才是那些发明新的研究方法的人。
——〔英国〕罗素：《在自由主义教育中科学的地位》【简介】伯特兰·阿瑟·威廉·罗素，英国哲学家、数学家、逻辑学家、历史学家、文学家，分析哲学的主要创始人，世界和平运动的倡导者和组织者。
罗素1950年获得诺贝尔文学奖，主要作品有《西方哲学史》、《哲学问题》、《心的分析》、《物的分析》等。
名词解释
名词解释（1 时间、地点、基本状况 2 代表人物、代表作）：1“水晶宫”工业博览会：1851年，英国在伦敦海德公园举行了世界上第一次工业博览会，由于在水晶宫展览馆中举行的，所以称“水晶宫”国际工业博览会。
它一方面全面的展示了欧洲和美国工业发展的成就，另一方面也暴露了工业设计中各种问题从而刺激了设计的发展。
2 拉斯金、莫里斯和工业美术运动拉斯金的思想基于对手工业文化的怀旧感和对机器的否定而不是努力去认识和改变现有的局面。
他认为只有幸福和道德高尚的人才能做出好设计，而将粗制滥造的原因归罪于机械化批量生产，完全否定了工业产品可以具有美学价值的可能性。
莫里斯继承发扬了拉斯金思想，在他的影响下英国发生工艺美术运动。
1 作为现代设计的伟大先驱，他不仅把设计改革理论家的理想变为了现实，更重要的是他使设计超越了美学的范畴，把设计看成社会问题的一部分2他不憎恶具体的机器，他认为劳动分工割裂了工作的一致性，因而造成了不负责任的装饰，他为自己的新居设计制作家具，身体力行的用自己的设计作品宣扬设计改革3 莫里斯继承了拉斯金忠于自然的原则，并在美学上和精神上都以中世纪为楷模，发展了装饰与功能关系的思想。
3工业美术运动工艺美术运动是1880-1910 以英国为中心波及各种欧美国家形成设计革命的高潮，对后世现代设计运动产生深远影响。
（1 产生于艺术家的“良心危机”，“忠实于材料”，将自然的简洁和忠实的装饰作为活动基础。
2 对机器的态度很暧昧，也追求手工艺也同意机器的无法避免。
）代表人物：1882马可穆多“世纪行会”1888阿什比“手工艺行会”渥赛典型工艺美术运动材料——英国橡木，出版《工作室》杂志——工艺美术运动的喉结，创作许多工艺美术运动的设计语言。
渥赛的作品不但继承了拉斯金、莫里斯所提倡的美术与技术结合以及像哥特式和自然学习的精神，并使之更简洁大方成为工艺美术运动设计的范例。
4风格派1917-1931 以荷兰为中心的一场国际艺术运动从立体主义走向完全抽象，对20世纪的现代艺术、建筑学和设计产生了持久的影响。
[艺术家的故事]艺术家的故事4篇
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[艺术家的故事]艺术家的故事4篇一：[艺术家的故事]一位善于讲故事的艺术家叶圣陶的语言是简练而感人的，他以用恰当的词语表述自己的能力而出名。
叶圣陶在他的报道中强调感觉与情感。
人物在叶圣陶的笔下鲜明活泼，他深深地洞察到人物的内心世界。
知名作家赵景深盛赞叶圣陶是写作界的异数，拥有着杰出且惊人的才能。
他的优美文章持久而韵美的留存于世。
他表达的情感和感觉构筑了真相与现实的基础，也使他的文章充满无穷的力量。
“情感如同忽明忽暗的灯火，但是记述却因为这灯火而引人注目。
”叶圣陶说。
这段谈话一定程度上体现了叶圣陶不仅是一位善于讲述故事的人，他更是一位艺术家。
叶圣陶的现实主义写作形式成为许多作家效仿的对象。
他承认阅读一些西方小说家的作品，对他的写作助益良多，“如果我没有阅读英文，如果我没有接触英文读物，我就不会写作小说.。
”他的作品是反思与思辨的。
这些不仅依靠感知，而且依靠切实而客观的观察。
叶圣陶不仅是一位作家，而且是一名新闻记者。
对现实的观察成为了他写作的源泉，为中国现代文学开创了一片新天地。
他这一生大多数作品都是为孩子创作的，如《稻草人》《旅行家》《小白船》《古代英雄的石像》《一粒种子》《皇帝的新衣》《玫瑰和金鱼》《月亮姑娘的亲事》《含羞草》《快乐的人》《芳儿的梦》等等。
今天，我有幸得到了采访这位艺术家的机会。
他的作品非常贴近生活且易懂，于是我问道：“您为什么喜欢写关于生活，关于社会的文章？”叶圣陶告诉我：“在记忆中，我似乎从来没有撰述过自己有些模糊或者不甚清楚的知识。
换句话说，我不能写那些只是通过想象得来的东西，但我也没有失掉想象力。
我生活在城市里，乡镇和农村，我写在那些地方观察到的事物。
作为一名老师，我了解一些教育圈的生活，我也记录下来。
在一些相当基础和浅显的层面，我关注着中国革命逐渐的发展，同时，我也记录下这些事情。
“我认为文章是为读者而作的，同时我把文章看作是读者与作者交流的工具。
作家们面临的一个巨大问题是他们不是拥有优秀写作技巧的素养。
[转载]“新艺术运动”主要人物的设计思想与作品风格（转）
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[转载]“新艺术运动”主要⼈物的设计思想与作品风格（转）原⽂地址：“新艺术运动”主要⼈物的设计思想与作品风格（转）作者：Zoe19781、法国作为“新艺术”发源地的法国，在开始之初不久就形成了两个中⼼：⼀是⾸都巴黎；另⼀个是南斯市（Nancy）。
其中巴黎的设计范围包括家具、建筑、室内、公共设施装饰、海报及其他平⾯设计，⽽后者则集中在家具设计上。
1889年由桥梁⼯程师居斯塔夫•艾菲尔（Guistave Eiffel 1832—1923）设计的艾菲尔铁塔堪称法国“新艺术”运动的经典设计作品。
这⼀纪念碑性质的建筑座落于塞纳河畔，是法国政府为了显⽰法国⾰命以来的成就⽽建造的。
在700多个设计⽅案中，艾菲尔⼤胆采⽤⾦属构造设计的⽅案⼀举中标。
塔⾼328⽶，由4根与地⾯成75度⾓的巨⼤⽀撑⾜⽀持着⾼耸⼊云的塔体，成抛物线形跃上蓝天。
全塔共⽤巨型梁架1500多根、铆钉250万颗，总重量达8000吨，这⼀建筑象征现代科学⽂明和机械威⼒，预⽰着纲铁时代和新设计时代的来临。
法国“新艺术”运动时期，在巴黎和南斯，不仅出现了三个设计组织——新艺术之家、现代之家和六⼈集团；⽽且涌现了⼀批著名的设计家。
新艺术之家由萨穆尔宾于1895年在巴黎普罗旺斯路22号开设称为新艺术之家的⼯作室与设计事务所⽽得名：“现代之家”由朱利斯迈耶⼀格拉斐（Julius Meier-Graefe）于1898年在巴黎开设称为“现代之家”的设计事务所和展览中⼼⽽得名。
⽽“六⼈集团”则成⽴于1898年，是由六个设计家组成的松散设计团体。
在这三个组织及周围有名的设计师还有爱⽶勒•加雷（Emile Galle 1846—1904）、路易•马若雷尔（Louis Major Elle，1859—1926）、勒内•拉⾥克（Rane Laliqua 1860～1945）欧仁•格拉塞（Eugene Grasset 1841—1917）、儒勒•舍雷（Jules chéret）、⼟鲁斯•劳特累克（Toulouse Lautrec 1864～1901）⽪埃尔•波那尔（Pierre Bonnard 1867—1947）和埃克多•基马（Hector Guimard 1867—1942）。
浅谈艺术创新
浅谈艺术创新艺术，这个充满魅力与神秘的领域，一直以来都在人类文明的长河中闪耀着独特的光芒。
从古老的洞穴壁画到现代的多媒体艺术，从经典的雕塑作品到先锋的行为艺术，艺术的形式和内涵不断地演变和拓展。
而在这一进程中，艺术创新始终是推动艺术发展的核心动力。
那么，究竟什么是艺术创新呢？简单来说，艺术创新就是在艺术创作中引入新的元素、新的观念、新的技法或新的表达方式，从而创造出与众不同、具有独特价值的艺术作品。
它并非是对传统艺术的彻底摒弃，而是在继承传统的基础上进行突破和发展。
艺术创新首先体现在观念的创新上。
观念是艺术创作的灵魂，它决定了艺术家看待世界的角度和方式。
在不同的历史时期，艺术家们的观念不断更新。
例如，在文艺复兴时期，艺术家们开始强调人文主义精神，关注人的价值和尊严，从而在绘画、雕塑等领域创造出了一系列具有真实感和立体感的作品。
而到了现代主义时期，艺术家们则更加注重自我表达和内心世界的探索，打破了传统的艺术规则和审美标准，创作出了抽象派、表现主义等风格迥异的作品。
如今，在全球化和信息化的时代背景下，艺术家们的观念更加多元和开放，他们关注社会问题、环境保护、科技发展等诸多领域，通过艺术作品来引发人们的思考和讨论。
技法的创新也是艺术创新的重要方面。
新的材料、新的工具和新的制作工艺为艺术家们提供了更多的创作可能性。
比如，摄影技术的发明使得艺术家们能够以一种全新的方式记录和表现现实；数字技术的发展则让艺术家们能够创造出虚拟的艺术世界，实现更加奇幻和独特的视觉效果。
此外，艺术家们还不断探索传统技法的新应用，如将传统的绘画技法与现代材料相结合，创造出具有独特质感和表现力的作品。
艺术创新还表现在形式和内容的融合上。
一个好的艺术作品，不仅要有新颖的形式，还要有深刻的内容。
形式是艺术作品的外在表现，而内容则是其内在的精神内涵。
在艺术创新中，艺术家们努力寻找形式与内容的最佳结合点，使作品既具有视觉上的吸引力，又能够传达出丰富的思想和情感。
艺术创作与欣赏的艺术场域解读
艺术创作与欣赏的艺术场域解读场域这个概念在布尔迪厄的研究中是核心概念，借此以学理念重新阐释当代艺术在新时代的意义。
他研究的主要是文化生产场域（具体可分为艺术场域、文学场域、科学场域等）.我们在此着重从艺术场域角度来分析。
其中:场域、资本、生存心态是布尔迪厄研究中贯穿始终的基本概念。
场域是提供各类资本相互转换斗争比较的抽象场所，其中最重要的是权力场域;生存心态是艺术家个人从生活经历关系等构成因素下的心理的稳定趋势，它必定是存在于于制度中的意识;资本主要指符号资本,是最具象征性的,当今时代无不借用文化符号的资本效应达到最大利益价值［1]。
布尔迪厄用这三个基本要素了空间（场域)的概念,这样的空间场域必然会内部关系和外部环境的空间性质［2］.艺术场域中内部关系，就是以艺术家个人所的生存心态的心理趋势，以此反映出来的艺术形式；外部环境,是由艺术场域内除艺术家个人的艺术世界所的多元资本的区域。
艺术场域的这场内外力量抗衡中，取决于谁在该场域中占主导地位;而内外区域在艺术作品中，可以对应为艺术创作和艺术欣赏背后的角度的解读。
以此启发当代艺术家除了绘画本体论的现代主义那一套外,还可以有新的思考方式并找到当代艺术的意义所在。
我们用生存心态、场域、资本这三个思维工具,分三个层次进行系统的分析:第一，艺术场域中什么人占有主导权利；第二，外部区域的艺术世界中不同机构所占有的不同地位的权衡；第三,分析内部区域艺术家的生存心态.用这三个层次来剖析艺术创作背后的符号意义以及艺术欣赏者所提倡的符号的价值,这两者符号所呈现的关系:冲突、消解、更新的内在意义，是我们当代艺术中所需要吸取的反思精神［３］.ﻭ二、马奈重新定义了艺术符号ﻭ现代主义时期，马奈用戈雅、提香等经典图式的符号性,打破了当时的艺术场域。
他使艺术开始从“学院的目光”过渡到“纯粹的绘画”（如图所示）。
马奈之前的绘画一直被学院风格所；而在大后，中产阶级群体迅速必然会带来文化场域上的冲突［4].马奈敏锐地发现这种文化上的冲突，挑战了传统绘画所建立的符号并重新定义新的文化符号.马奈用斜椅的维纳斯图式打破了传统真善美的精英文化中的趣味;借用大众文化的平民视角画出了《奥林匹亚》人间的爱的庸俗。
小学一年级艺术成长档案自我介绍
小学一年级艺术成长档案自我介绍《小学一年级艺术成长档案自我介绍》篇一嗨，大家好！我是[名字]，一名超级活泼的小学一年级小屁孩。
我呀，就像一颗闪闪发光的小星星，在艺术的天空里开始探索自己的小宇宙啦。
我觉得艺术这个东西呢，就像一个超级大的魔法盒子。
有时候我打开它，就像爱丽丝掉进了兔子洞，充满了惊喜和未知。
我对艺术的喜爱可能是从涂鸦开始的吧。
我记得有一次，妈妈给我买了一盒水彩笔，那简直就是我的“宝贝”啊。
我拿起笔就在墙上乱画起来，什么彩虹啦、歪歪扭扭的小人啦，满墙都是我的“大作”。
妈妈当时看到可惊呆了，不过我觉得我画得超棒，还得意洋洋地问妈妈：“妈妈，你看我画得像不像毕加索？”哈哈，现在想想，那时候真是太天真了。
在学校里，艺术课就像一场欢乐的派对。
我们会唱歌、跳舞、做手工。
唱歌的时候，我感觉自己就像一只快乐的小鸟，声音在教室里飞来飞去。
有一次我们学唱一首关于春天的歌，我闭上眼睛，仿佛看到了花朵在跳舞，小草在伸懒腰，那感觉可太奇妙了。
跳舞的时候呢，我又觉得自己像一个旋转的小陀螺，虽然有时候会转晕，但是特别好玩。
做手工也是我超爱的项目，就拿上次做纸飞机来说吧。
我拿着那张纸，折啊折，想象着它像超级英雄一样飞出去。
可是我的纸飞机老是飞不远，我就嘟囔着：“哎呀，你这小飞机怎么这么不给力呢？”旁边的小伙伴就笑着说：“你折得不对啦。
”然后我们就一起研究，最后我的纸飞机终于飞得远了一点，我高兴得一蹦三尺高。
我觉得艺术就是表达自己的一种方式，就像说话一样。
有时候我心里有很多想法，但是不知道怎么说出来，我就可以用画画或者唱歌的方式来表达。
比如说我不开心的时候，我就会画一些乌云和雨滴，把自己的小烦恼都画在纸上。
也许在别人眼里，那只是一些乱七八糟的线条，但是对我来说，那就是我的心情写照。
我也想在我的艺术成长档案里记录下我所有这些有趣的瞬间，等我长大了再看，肯定会觉得特别好笑，也特别有意义。
我知道我在艺术的道路上还只是个小菜鸟，但是我不怕。
个人艺术成就综述怎么写
个人艺术成就综述怎么写个人艺术成就综述[引言]个人艺术成就是一个艺术家通过多年的努力与探索所取得的艺术方面的成就，是对个人艺术发展历程的总结和归纳。
在这篇文章中，我将从个人层面出发，总结我的艺术成就，并分析背后的努力与经验。
通过回顾与反思，我希望能够更好地认识自己的成就，并在未来的艺术创作中不断进步与成长。
[个人成长与早期作品]我在艺术道路上的起步可以追溯到我还是一个孩子的时候。
家人的支持和启发让我对绘画产生了浓厚的兴趣，我开始在纸上涂鸦、模仿书中的插图，尝试着用颜料和画笔表达自己的想法和情感。
在这个阶段，我的作品主题比较简单，常常以生活中的幸福场景和童话故事为题材。
这段经历不仅培养了我的想象力和绘画技巧，也为我以后的艺术创作打下了坚实的基础。
[艺术教育与专业成就]随着年龄的增长，我开始接受正规的艺术教育。
在学校里，我学习了绘画、雕塑、陶艺等多种艺术形式，丰富了自己的艺术知识和技能。
在大学阶段，我选择了艺术专业，深入学习了艺术史、美术理论和创作方法，扩大了自己的艺术视野和思维方式。
在这个阶段，我开始有了更多的话题和风格上的思考，尝试使用各种材料和媒介进行艺术实践，曾多次在校内外的展览中获得奖项和好评。
[艺术风格与成熟作品]随着对艺术的深入思考和创作，我的作品风格也逐渐形成。
我深受抽象主义和现代派艺术家的影响，尝试用简洁和抽象的表现方式来展现内心的情感和认知。
我喜欢用大胆的色彩和线条来构建作品，探索形式与意义的关系，表达自己对生活和世界的独特理解。
在这个阶段，我多次举办个人展览，作品也被一些收藏机构和画廊收藏，逐渐建立了自己的艺术品牌和影响力。
[艺术成就的反思与展望]回顾自己的艺术成就，我深感由衷的骄傲和感激。
通过多年的努力与探索，我在艺术方面取得了一定的成就，得到了一些认可与支持。
然而，我也清醒地意识到自己在许多方面还存在不足和局限，需要更多的精进与拓展。
未来，我将继续保持对艺术的热情和执着，不断学习、探索和创新，努力创作更加成熟和深入的艺术作品，为艺术事业做出更大的贡献。
转载新艺术运动简介
转载新艺术运动简介[转载]新艺术运动简介000新艺术运动开始在1880年代，在1892年至1902年达到顶峰。
新艺术运动的名字源于萨穆尔·宾(Samuel Bing)在巴黎开设的一间名为“现代之家”(La Maison Art Nouveau)的商店，他在那里陈列的都是按这种风格所设计的产品。
一、简史新艺术运动是在20世纪之初，位于大众文化最高点的艺术和设计风格。
当时，它只是被简单地称为现代风格，就象洛可可风格在它那个时代的称呼一样。
另一方面，很多小范围团体的互相聚集，稍微改良了当时矫饰的流行风格，形成20世纪现代主义的前奏。
其中包括因时髦的先锋派期刊《青年》(Jugend)而得名的德国青年风格；维也纳的维也纳分离派运动，那里的高瞻远瞩的艺术家和设计师脱离主流的(一年一度在巴黎举行的)沙龙画展，而把风格一致的作品集合在一起展览。
在意大利，用伦敦商店的橱窗为来源于工艺美术运动，又归于好的现代设计，命名为自由风格。
其包括新艺术运动的商业外观，同时又保留了意大利重要特色标志。
这种风格中最重要的特性就是充满有活力、波浪形和流动的线条。
象是使传统的装饰充满了活力，表现形式也象是从植物生长出来。
作为一种艺术运动，它与拉菲尔前派和象征主义的画家具有某些密切的关系，就像某些名人如奥伯利·比亚兹莱(Aubery Beardsley)。
可以把阿尔丰斯·穆卡(Alfons Mucha)、爱德华·伯纳-琼斯(Edward Burne-Jones)、古斯塔夫·克里姆特(Gustav Klimt)和让·图洛普(Jan Toorop)归入多于一种风格中。
不像象征主义画家，无论如何，新艺术运动具有一个自己的特殊形象，而且不像保守的拉菲尔前派，新艺术运动没有躲避使用新材料、使用机器制造外观和抽象的纯设计服务。
玻璃制造使这种风格找到一个可以展示惊人表现力的领域，例如：路易斯·蒂凡尼(Louis Comfort Tiffany)在纽约的作品、艾米里·加利(Emile Gallé)和法国南西市的Daum兄弟。
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霍迪克是继赫尔特之后，将柏林市景作为描绘对象的最著名的艺术家，但他的绘画主题却并不局限于城市风景。其作品形式多样，甚至不同时期的作品风格迥异，他就像是一位音乐家，在光怪陆离的大千世界中驰骋想象，不断变换主题，带给人们新的感受与惊喜。霍迪克最初带给人强烈震撼的是他的“具象-表现”绘画，《伟大的屠夫》和《大窗户》为此类绘画的代表作，画家以夸张的人物造型和强烈的色彩形成的暴力“语言”，强烈冲击着人们的视觉神经。此外，“映像”（或译为“反射”）与光也是他热衷于表现的题材。作为柏林艺术学院教授，霍迪克在教学中强调“媒体自由”，深得学生爱戴。学生们受霍迪克影响，在作品中也多将对大城市生活的感受作为描绘的主题，笔触自由狂放，他们的绘画被称为“野蛮绘画”，而霍迪克则被称为“新一代‘野男孩’之父”。
事实上，无论是贝尔廷还是丹托，提出这一命题的灵感均源自德国哲学家黑格尔。1817年，在海德堡进行的那场被后人誉为“西方历史上关于艺术本质的最全面的沉思”的美学演讲中，黑格尔断言：艺术已经走向终结。然而，无论是黑格尔、贝尔廷抑或丹托，“终结”的本意都不等同于“死亡”。黑格尔在演讲中所用的德语单词是Ausgang（它主要有三个含义：一是结束;一是出口;另一个则是开端、起点、出发点）。丹托在其1989年于《大街》杂志发表的论述中指出，艺术从自主地提出艺术本质为何物的哲学问题开始，就已经变成一种“艺术媒介中的哲学”，由此脱离了它的历史。贝尔廷也在其1995年出版的《现代主义之后的艺术史》第二章《艺术史终结于当下文化》中写道：“艺术史的终结并不是说艺术或者美术学走到了尽头，而是指艺术和艺术史思考的某种传统的终结，这种传统从现代主义开始已经成为我们熟知的准则。”因此，我们对于“艺术终结论”的理解，除了丹托所谓的“哲学对艺术的剥夺”之外，还可理解为，艺术与艺术家已与线性的历史意识作别，他们从已成为新教义的现代主义瓶颈中走出，站在了一个新的出发点上。
熟悉西方艺术史的人都知道，新表现主义虽然成名于20世纪70年代末80年代初，但其极具代表性的第一代艺术家的创作实践却始于20ห้องสมุดไป่ตู้纪60年代。20世纪六七十年代的国际艺坛，在波普之后，艺术史便偏离了线性发展的轨道，再无统领艺坛的“主流”艺术可言。而在欧洲，随着“非形式艺术”的结束，艺术便先于美国失去了被某种“主流”统一的可能性。
作为新表现主义的代表人物，乔治?巴塞利茨在德国当代艺术的发展中具有举足轻重的地位。事实上，他与波伊斯代表着构成德国当代艺术的两个重要方向。与波伊斯身体力行的“社会雕塑”不同，巴塞利茨虽然也关注社会现实，但却不以改造社会为己任，在他看来，无论艺术家怎样努力，都不可能像科学与政治那样改变时代和整个社会，但艺术会帮助人们打开眼界、调整状态，以一种前所未有的态度重新开始生活。他将为“新人类”造像当作自己艺术创作的主旨（例如《伟大的朋友》《新人类》《牧人》等），试图将“古典”主题绘成当代绘画，在一个对绘画的价值产生疑问的时代，重建绘画与当代世界的联系。这些“新人类”常以画家的形象出现，手里拿着调色板和画笔，身后的背包里装着绘画工具，没落的英雄与叛逆的画家形象融为一体，他们处于破碎的过去和未知的未来之间，表现出所处时代集体的茫然。但巴塞利茨并未将他们描绘成失败者，这些战争的幸存者虽然在战争中失去了一切，却仍昂首阔步以保持自己的尊严。“三段式”和“倒置画”是巴塞利茨在艺术形式上的独特贡献，他是想通过图像的杂乱与偏离来表现现实的脆弱与可疑。 马尔库斯?吕佩尔茨始终将自己的艺术定位在抽象领域，并喜欢把自己说成是一个抽象画家，但人们还是将他定位为“新野蛮人”或“新表现主义”的代表人物。吕佩尔茨的艺术尽管有着他所倾力制造的“不失轻盈的表面”，却蕴含着深厚凝重的主题内容。这些隐晦的内容涉及德国或整个西方的历史、宗教和文化，与他绘画中相对简洁的形式相比，其绘画的内容却是复杂而浑厚的。他选择钢盔、铠甲、铁锹、反坦克枪、炮架等作为绘画的基本元素，它们被放置在黄色的田野风景或灰蓝色的天空之下。这些被人丢弃的战争遗物，被吕佩尔茨寻到并使之成为一种现代“图腾”。这些与战争的遗物有关的物件，曾被看作是德国军国主义的象征，在对罪责选择“集体遗忘”的大环境下，吕佩尔茨的做法无疑是一种冒险。有人对他选择的主题妄下论断，认为他是在宣扬它们所属的时代。面对这些画作，也许我们可以这样理解：那些被丢弃的军用物资，被人们有意忽略甚或遗忘，时间从它们身上悄悄碾过，也许不久的将来它们便要在这个世界的边边角角消失，但历史不应忘记，有些罪恶、有些伤痛需要永远铭记。
勋纳贝克的早期绘画显示出培根、古斯顿以及当时抽象化的“世界语言”的影响，然而不久，从这类绘画难以名状的结构中，具象图像开始呈现，并很快在他的绘画中取得了支配地位，导致了像《十字架上的基督》和《上十字架》这样一些被称之为“表现-纪念碑”式的绘画的产生。20世纪60年代中期，勋纳贝克转向“人文现实主义”风格。他把这种绘画理解为乌托邦观念中的“社会主义”，并将它们视作与东德官方艺术的“自然主义”相对立的“现实主义”，试图以这种“人文现实主义”将艺术从“社会主义现实主义”的桎梏中解放出来。
所谓新表现主义，顾名思义，是指它与根植于德国浪漫主义传统的德国表现主义一脉相承的亲缘关系，而“新”则旨在强调它不同于表现主义、甚或与之相对立的新的艺术观念。事实上，新表现主义者选择的是一种折中主义，他们不是传统的维护者，但他们也不否定传统，他们的注意力不在于传统或现代的某种特定“风格”，而在于用并不新鲜的语言创造出今日需要的艺术。在国际艺术的大环境中，新表现主义可看作是对抽象表现主义、极简主义、甚至波普艺术的一种反动，而在德国特定的社会环境中，则可看作是对曾被肆意歪曲的德意志民族精神的哀悼与拯救。
艺术始终是开始
1983年，德国艺术史家汉斯?贝尔廷撰写并发表了其专著《艺术史的终结？》。无独有偶，1984年，美国当代哲学家、美学家和艺术批评家丹托应贝瑞?朗之邀，在其主编的《艺术的死亡》专辑中发表了那篇著名的论文《艺术的终结》。“艺术终结论”在欧美艺术批评界引发了一系列讨论，随后成为波及全球学术界的一个热门话题。