欧洲四大艺术风格

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西方艺术史 1 埃及建筑的另一大类型——神庙在新王国时达到尽善尽美。

在圣中之圣处安置了雕像神将进入其中就像在凯尔奈克和卢克索那样。

这些庙宇的外表均庞大威严。

凯尔奈克阿蒙——瑞神庙的多柱式大厅有103米长52米宽234根立柱支撑着23米高的屋顶。

围绕庙宇的神圣范围除了神殿之外还包括与祭拜和教会日常活动有关的所有附属房屋。

最重要的神庙往往由于每位法老都要增添新的多柱式大厅院子和塔门而失去原来的整体感。

2 从佛教庙宇到基督教教堂在各种宗教的神圣建筑中都可以看到对于世界观的提示它是通过分配建筑平面和建筑体积来做到这一点的。

3 希腊设计的建筑是为了从外部观看的事实上人们也是聚集在神庙前面的祭坛周围观看献祭仪式的。

罗马人则相反用他们的万神庙创造了一个内部环境信徒们在殿内聚会通过与外部世界的隔绝来和上天神心灵相通。

后来基督教的建筑也采用了这种内部空间的新概念。

4 拜占庭帝国的诞生公元330年考虑到君士坦丁堡特别有利的形势——它是从黑海带爱情海的通道而且又占据着对于西方世界和东方世界的关键位置君士坦丁皇帝把他的新首都选在了这里。

于是它成了三中伟大文明希腊、罗马和东方的相会点一个极为丰产和独具特色的文化熔炉。

5 在装饰内容中禁止表现人物也使得书法倍受青睐不论是在建筑物的内部还是外部用古阿拉伯文字书写的古兰经语录带都发展起来。

在伊斯兰世界文字带有神圣的特点。

6 如果认为中世纪完全忘却了对古代的继承那将是一种谬误。

恰恰相反它曾通过修道院中修士的临摹试图把古人的知识保存下来并且还尝试过复辟西罗马帝国和长久地坚持它的艺术形式。

7 什么是人文主义尽管古代令人心驰神往但是文艺复兴时期的人对于它的尊崇并非无穷无尽。

从那时起科学已经获得了般的巨大进步而且人文主义者也完全意识到决不能一层不变的复活过去。

他们拒绝奴隶般的摹仿古代但他们愿意去理解它从中汲取灵感从而向它看齐并且甚至可能超越它的水平。

8 米开朗基罗不仅是一位建筑家还是一位雕塑家。

艺术流派风格总结

艺术流派风格总结艺术流派是指在特定的时期和特定的社会背景下，由一群艺术家根据共同的创作理念和审美追求所形成的艺术风格。

每个艺术流派都有自己独特的特点和思想内涵。

本文将对几个重要的艺术流派进行总结，包括印象派、表现主义、抽象表现主义和后印象派。

印象派是19世纪下半叶在法国兴起的一种艺术流派。

印象派的艺术家们以观察现实生活为基础，注重捕捉瞬间的光影和色彩变化。

他们善于运用明亮的色彩和快捷的笔触来表现自然界的细微变化。

这种独特的技法给人一种模糊而朦胧的印象，与传统的写实主义风格形成鲜明对比。

莫奈和德加是印象派的代表人物，他们通过对光影的捕捉和对色彩的运用，打破了传统艺术观念，开创了全新的艺术表现方式。

表现主义是20世纪初兴起的一种艺术流派，主要集中在德国。

表现主义艺术家们追求对内心感受的直接表达，他们以夸张和变形的形象表现情感的激烈和冲突。

表现主义绘画作品通常具有强烈的造型感和夸张的色彩对比，形成一种独特而富有冲击力的视觉效果。

这种艺术风格在一定程度上反映了当时社会动荡和内心困惑的状态。

著名的表现主义艺术家包括莫克、基希纳和许多德国画家。

抽象表现主义是二战后兴起于美国的一种重要艺术流派。

抽象表现主义艺术家们试图通过抽象的形式来表达内在的情感和精神状态，他们将自由的笔触和大胆的色彩用于画布上，追求形式和内涵的统一。

抽象表现主义作品通常没有具体的形象，而是通过抽象的形式和抽象的符号来传递作者的情感和思想。

杰克逊·波洛克和马克·罗斯科是抽象表现主义的代表人物，他们的作品充满了力量和激情。

后印象派是印象主义之后的一种发展，它保持了印象主义的色彩运用，同时又对形式和结构进行了更深入的探索。

后印象派艺术家们更加关注形式的准确性和结构的稳定性，他们以精确的线条和构图来表现对象的形态和轮廓。

后印象派的作品通常具有明亮的色彩和富有装饰性的线条，同时又保持了印象主义的自由和生动。

莫奈的后期作品和塞尚的风景画是后印象派的典型代表。

欧洲四大艺术风格

欧洲四大艺术风格：罗马，哥特，文艺复兴和巴洛克在欧洲影响最广最深的艺术风潮。

分别为罗马式风格、哥特式风格、文艺复兴式风格以及巴洛克式风格。

罗马式艺术风格现在人们普遍所说的罗马式建筑，罗马式花园，罗马式画风都是指欧洲在11~13世纪的艺术风格，主要泛及整个西欧和大部分中欧地区。

主要表现在建筑，绘画等主要艺术作品当中。

其中因地域不同而又各有区别。

在建筑方面，最典型的是教堂罗马式教堂建筑艺术自公元1096年开始的十字军东侵，使欧洲兴起宗教的热潮，封建主对宗教的狂热达到如醉如痴境地，他们全力为自己领地兴建规模壮观的教堂和修道院，建筑史上称这种新形制为“罗曼内斯克”即罗马式。

而这个时期的其他造型艺术如雕塑、绘画等都成为与教堂不可分割的装饰部分，因此在美术史上统称为“罗马式”。

罗马式建筑外观巨大、繁复，但装饰简单大方。

最特别的是建筑的屋顶，罗马式风格建筑的设计都是一拱顶为主，以石头的曲线结构来覆盖空间。

法国Tournus的Saint Philibert教堂拱顶Cluny大教堂（于18世纪至19世纪初被毁，该图为效果图）在罗马式繁华的教堂艺术风格之中又有最典型的两种：伦巴第(Lomb arda)和诺曼底(Normanna)图为意大利米兰的sant'ambrogio大教堂，它是典型伦巴第风格。

它是第一个使用拱肋来加强交叉拱顶的教堂。

伦巴第风格的建筑给人很强的节奏感而诺曼底风格的教堂又要比伦巴第风格的教堂显得更加精致优雅，最著名的就是英国Durha m的Cathedral大教堂。

说到罗马式建筑不得不提到雕塑。

教堂雕塑也是十分典型的，其在教堂建筑中是画龙点睛的一笔。

在中世纪的欧洲，人们认为艺术不应该独立存在，每种艺术都得以自身的手段和方式为建筑所创造。

在这样的观念下。

雕塑、绘画都是臣服建筑这个主体。

常常运用杏型结构图为Moissac圣彼得修道院门楣雕塑既然是宗教建筑，怎么能少了著名的耶稣受难象呢？在罗马式风格影响下，雕塑家把作品创作得紧凑、复杂、色彩丰富。

西方芭蕾史纲23

代表作：芭蕾的形成芭蕾史上第一部芭蕾舞剧：《皇后喜芭蕾》启蒙主义芭蕾其代表作为《关不住的女儿》。

浪漫主义：《仙女》《吉赛尔》《蕾蓓莉娅》古希腊三大剧目：悲剧、喜剧、拟剧古典芭蕾：《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》芭蕾的四大审美：开、绷、直、立芭蕾经历了早期芭蕾浪漫芭蕾古典芭蕾现代芭蕾当代芭蕾五个历史发展时期。

古希腊舞蹈的最大特点是：1.舞蹈与颂诗（朗诵）、音乐的紧密结合，是综合性演出。

2.往往歌者和舞者由一人兼任，载歌载舞。

3.这些舞蹈的动作简单，变化不多，主要是组成一些不同的图案。

4.当时以群舞为基本形式，注重共性和协调，而不突出个性，独舞表演是很少见到的。

法国最早的皇家舞1661年，法国国王路易十四下令在巴黎创办了世界第一所皇家舞蹈学校。

俄罗斯芭蕾吸收了意大利，法兰西，丹麦三大学派的精华.《天鹅湖》的女主角叫奥杰塔芭蕾起源于意大利，兴盛于法国，并已经形成意大利、法国、丹麦、俄罗斯四大学派。

《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》三大舞剧音乐的作者是科夫斯基：“古典芭蕾之父”是马里于斯—毕季帕彼季帕在睡美人中间创作了双人舞模式、性格舞模式成为芭蕾必定的模式。

毕季帕的三部作品：《唐—吉歌德》、《舞姬》、《天鹅湖》（第三幕）《胡桃夹子》代表：1《巧克力舞》活泼洒脱的西班牙舞2 《咖啡舞》神秘色彩的阿拉伯舞3 《茶舞》快速灵巧的中国玩偶舞4《糖棍舞》快速热烈特列帕克舞5《杏仁舞》短促跳跃的长曲舞曲伴奏一群牧羊女出来跳舞。

6《酒心糖果舞》表现了法国童话里生过很多孩子的生姜妈妈和他们孩子的舞蹈。

7花枝圆舞曲圣诞蛋糕上用奶油做的朵朵玫瑰花跳的舞蹈交响芭蕾之父：巴兰钦现代芭蕾早期代表人物为佳吉列夫、福金、尼金斯基。

现代芭蕾中期代表人物为巴兰钦、阿希顿、图德。

现代芭蕾后期代表人物为贝雅、佩蒂、罗宾斯、克兰科、麦克米伦。

名词解释席间芭蕾：法国贵族在举行宴会时，通常都要邀请街头艺人前去表演各种短小精悍的节目，为来宾助兴，这些节目都是安排在宴席中各道大菜上桌之间，以转移大家注意力，由此产生了席间芭蕾。

欧洲十九世纪美术-浪漫主义美术

浪漫主义绘画
德拉克洛瓦（Ferdinand victor Eugene Delacroix，1798-1863）法国浪漫主义的杰出代表和主将，有“浪漫主义的狮子”之称。他以自己的创作实践和艺术成就，将法国的浪漫主义美术推向了高峰，对以后的法国美术乃至西方现代主义美术都产生了深刻的影响。成名作《但丁与维吉尔》，代表作《希阿岛的屠杀》、《米索隆基废墟上的希腊》、《自由引导人民》、《阿尔及利亚的妇女》、《摩洛哥犹太人的婚礼》、《十字军进入君士坦丁堡》等。
其他国家的浪漫主义美术
拉斐尔前派的主要代表：福特· 马道克斯· 布朗：拉斐尔前派的画家们一直把他视为真正的前导。主要作品有《劳动》《告别英格兰》等。威廉· 霍尔曼· 亨特：他的作品往往是在真实的生活画面中包含着哲理寓意。代表作有《受雇的牧羊人》《醒悟的道德》《替罪羊》等；约翰· 埃弗雷特· 米莱斯：米莱斯的作品有很强的表现力，多以圣经故事和文学作品为题材，色彩富有装饰性，在构图上能处理复杂的生活场面，画面上总是有股淡淡的悲剧氛围，以日常生活为题材的作品也同样笼罩着一层哀愁。代表作品有《奥菲丽娅》《盲女》《洛伦佐在伊莎贝拉家》等；罗瑟蒂：拉斐尔前派的核心和灵魂。他的主要成就是在 1854年拉斐尔前派兄弟会解体之后，他抛弃了早先的风格，沉迷于柔和抑郁的情调和装饰风格，以神话为题材的绘画带有一层梦幻色彩，在感伤的情绪后面还有性爱的目的。代表作品有《受胎告知》《但丁之梦》《白日梦》等。
浪漫主义的雕塑
吕德（1784-1855） 19世纪上半叶法国著名的雕塑家，是法国浪漫主义在造型艺术上的代表人物（在绘画上是德拉克洛瓦，在雕塑上是吕德）。著名的代表作《马赛曲》《不朽的拿破仑的苏醒》《拿波里少年渔童》等。卡尔波（1827-1874）浪漫主义重要雕刻家，师从吕德。他在创作上对激情的强调和运动感以及光影的巧妙处理给予后来的雕刻家以有益的启示，罗丹从他那里就获益不少。《舞蹈》《四大洲》等。

艺术风格归纳总结

艺术风格归纳总结艺术是一种独特的表现形式，通过各种媒介传达出艺术家独特的想法、情感和审美观念。

世界上有数不清的艺术风格，每一种都有其独特的特点和表现形式。

本文将对一些主要的艺术风格进行归纳总结，帮助读者更好地了解和鉴赏不同风格的艺术作品。

一、古典主义古典主义是一种追求对称、和谐和理性的艺术风格。

它源自于古希腊和罗马的艺术，注重对人体比例和结构的准确描绘。

古典主义作品通常具有平衡的构图、光影效果和经典的主题，如神话、历史和神圣故事。

著名的古典主义艺术家包括达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔。

二、文艺复兴文艺复兴是欧洲15至16世纪的艺术运动，致力于恢复古代希腊和罗马文化的精髓。

文艺复兴追求真实性和理性的表现方式，注重人体解剖学和线性透视的准确描绘。

作品主题广泛，包括宗教、神话、历史和肖像等。

伟大的文艺复兴艺术家有达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔，他们的作品至今仍然被人们所推崇。

三、印象派印象派是19世纪末至20世纪初在法国兴起的艺术运动。

印象派艺术家试图捕捉瞬间的光影和色彩变化，追求对自然景观的直观感受和个人表达。

他们重视色彩和光的运用，常常使用明亮的色彩和短而明快的笔触来描绘。

莫奈、雷诺阿等印象派艺术家对后世影响巨大，也开创了现代艺术的先河。

四、表现主义表现主义是20世纪初的一种艺术风格，强调表达内心情感和情绪，并通过夸张和扭曲的形象来传达。

表现主义艺术家试图反映现实生活中的压力、焦虑和不安。

他们笔下人物常常具有扭曲的身体形态和夸张的面部表情。

著名的表现主义艺术家包括蒙德里安、基立克和凡·高等。

五、抽象艺术抽象艺术是20世纪初兴起的一种艺术风格，主张通过形式、色彩和线条来表达感情和思想，摒弃了传统艺术对现实的直接描绘。

抽象艺术家试图突破物质世界的束缚，探索更抽象和纯粹的艺术境界。

著名的抽象艺术家有康定斯基、毕加索和蒙德里安。

他们的作品以形式的几何结构、明亮的色彩和抽象的意象为特点。

意大利文化介绍

憎恨教会的情绪。
• 薄伽丘
代表作：《十日谈》批判宗教守旧思想，主张“幸福在人间”，被视为文艺复兴的宣
言。
乔托
• 被誉为“欧洲绘画之父”
代表作：《金门之会》、《逃亡埃及》、《犹太之吻》和《哀悼基督》等。
美术三杰
• 达·芬奇
代表作：《最后的晚餐》、《岩间圣母》和《蒙娜丽莎》等。
• 拉斐尔
代表作：《带金莺的圣母》、《草地上的圣母》和《花园中的
意大利歌剧
• 佛罗伦萨歌剧
人们通常把1600年上演，保存完整的由利努契尼写脚本，佩里和卡契尼作曲的《优丽狄茜》（Euridice）作为最早的一部歌剧。早期歌剧的特征：脚本以希腊神话为基础，后来又加入历史题材。音乐部分采用通奏低音形式，歌唱部分主要为吟唱的宣叙调形式，
音域不宽，节奏自由，有少量的乐器伴奏，也使用合唱。
意大利饮食文化
• Pizza披萨 • Pasta意大利面 • Salami萨拉米 • Cappuccino卡布奇诺 • Latte拿铁 • Tiramisu提拉米苏 •…
Thank you!
圣母》等。
• 米开朗基罗
代表作：《大卫》、《摩西》、《被缚的奴隶》等。
文化旅游胜地
• 花之圣母大教堂 • 乌菲齐美术馆 • 国立巴吉洛美术馆 • 维琪奥桥（老桥） •…
乌菲兹美术馆（Uffizi）
是世界著名的绘画艺术博物馆，位于意大利佛罗伦萨市的乌菲齐宫内该馆以收藏大量的文艺复兴时期的绘画名作而蜚声国际。
是意大利歌剧发展的最后一个城市，始于17世纪末，至18 世纪定型为正歌剧（Opera seria），内容严肃，与喜剧相对。
意大利观光旅游
• 水城威尼斯 • 西西里岛

16世纪中西方艺术风格的概述

16世纪中西方艺术风格的概述16世纪是一个充满变革和创新的时期，艺术领域也不例外。

在这个时期，西方艺术通过吸收东方文化的影响以及人文主义思潮的推动，发生了许多重要的变化。

以下将为您概述16世纪中西方艺术风格的发展。

1.文艺复兴艺术16世纪初期，文艺复兴艺术在意大利开始兴起，并在欧洲其他地区迅速传播。

文艺复兴注重对古希腊罗马文化的回归和研究，艺术家们倡导人文主义思潮，追求人类的完美和自由发展。

这种艺术风格注重人的形象和解剖结构的真实表现，追求精确的透视和光影效果的再现。

杰出的文艺复兴艺术家包括达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔等人。

2.文艺复兴风格的影响文艺复兴艺术风格在16世纪中期开始影响到其他欧洲国家，特别是法国和西班牙。

在法国，法国国王弗朗索瓦一世成为艺术的赞助者，大量的艺术家在法国工作，绘制了许多庄严、优雅和真实的作品。

西班牙则以其宗教热情和丰富的政治历史为背景，艺术家在作品中展现了较为浓郁的宗教故事和人物形象。

3.马尼里斯蒂克风格马尼里斯蒂克艺术是16世纪的一个艺术风格，注重精确写实的描绘和细致入微的细节。

这种风格在佛罗伦萨和罗马得到了广泛的发展和应用。

马尼里斯蒂克艺术家通过强调透视和绘画技巧，使作品更具现实感和质感。

这个时期的杰出艺术家包括多梅尼科和卡拉瓦乔。

4.巴洛克艺术在16世纪末至17世纪初，巴洛克艺术在意大利和其他欧洲国家迅速兴起。

巴洛克艺术特点是运用动感和戏剧性效果，注重表达情感和情绪。

巴洛克艺术家以其丰富的装饰和细节、壮观的场景和舞台效果而闻名。

这个时期的杰出艺术家包括伯努尼和卡拉瓦乔。

5.宗教艺术16世纪是一个宗教改革的时期，这对西方艺术产生了深远的影响。

宗教艺术仍然是主要的题材之一，但艺术家们开始更加注重人文主义的思想和世俗的主题。

同时，宗教艺术的形式也发生了变化，从受到教会规范束缚的朴素绘画转变为拥有更多装饰和精细绘画技巧的作品。

6.科学和地理探险的影响16世纪是科学和地理探险的黄金时代，这些进展对艺术产生了重大影响。

意大利及托斯卡纳建筑风格

拜占庭式建筑（Byzantine Architecture）
拜占庭建筑的特点主要有四个方面： 1、屋顶造型普遍使用“穹窿顶”。 2、整体造型中心突出。在一般的拜占庭建筑中，建筑构图的中心往往十分突出。既高又大的圆穹顶往往成为整座建筑的构图中心，围绕这一中心部件，周围又常常有序地设置一些与之协调的小部件。 3、创造了把穹顶支承在独立方柱上的结构方法和与之相应的集中式建筑形制。其典型做法是在方形平面的四边发券，在四个券之间砌筑以对角线为直径的穹顶，仿佛一个完整的穹顶在四边被发券切割而成，它的重量完全由四个券承担，从而使内部空间获得了极大的自由。 4、色彩的使用上既注意变化又注意统一，使建筑内部空间与外部立面显得灿烂夺目。
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意式古罗马风格建筑局部示意意大利的建筑呈现出丰富多变的风格和别样的独特风韵。各种流派在这里汇聚、交替、融合，现代国内市场对意式风格建筑更多体现在巴洛克风格，托斯卡纳风格上。本项目树立滨江，体量庞大，体现雄浑凝重的滨江豪宅格调我们考虑应用古罗马建筑符号，点缀建筑立面，会所及酒店。巴洛克式创新园林景观做映衬。

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罗马式建筑
光辉的券拱技术
券拱技术是罗马建筑最大的特色，最大的成就，是它对欧洲建筑最大的贡献，影响之大，无与伦比。罗马建筑典型的布局方法、空间组合、艺术形式和风格以及某些建筑的功能和规模等等都同券拱结构有血肉的联系伊特拉里亚人建筑工程水平很高，早就用石头砌筑叠涩假券。罗马人从伊达拉里亚人继承了许多工程技术和建筑经验。公元前4世纪，罗马城的下水水道就有了真正的发券。公元前2世纪，假券被淘汰，在陵墓、桥梁、城门、输水道等工程上广泛应用真的拱券，而且技术已经相当高
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巴洛克建筑
• 巴洛克建筑是17～18世纪在意大利文艺复兴建筑基础上发展起来的一种建筑和装饰风格。

巴洛克艺术

奥地利梅尔克的修道院公元1702～1736年建造巴洛克建筑风格建筑根据地形而形成的整体构成、双塔的屋顶形状以及室内的色彩等方面，具有很强的地域特征，预示着奥地利巴洛克建筑成熟期的到来。
梅尔克的修道院
奥地利圣卡尔· 波洛梅乌斯教堂公元1716~1737年建造奥地利巴洛克建筑风格
各国的巴洛克建筑

俄罗斯：与俄罗斯民族的豪放大气的个性结合，建筑豪宏伟、富丽精美。
俄罗斯巴洛克建筑

冬宫是俄罗斯著名皇宫,现为国立艾尔米塔日博物馆。冬宫的四面各具特色，但内部设计和装饰风格则严格统一。面向宫殿广场的一面，中央稍突出，有三道拱形铁门，雄伟壮观,宫殿装饰华丽。
俄罗斯巴洛克建筑

圣尼古拉教堂奧地利巴洛克式建筑
各国的巴洛克建筑
●瑞典:雕刻和装饰上极尽奢华，世俗形式与巴洛克风格融为一体。
瑞典巴洛克建筑
皇后岛属于皇家领地，
瑞典世界文化遗产．包括皇后岛宫、宫廷剧院、中国宫和花园。
各国的巴洛克建筑
●西班牙:繁琐、热情、艳丽。
西班牙巴洛克建筑
圣地亚哥大教堂
公元1738～l749年建造

圣彼得大教堂前的圣彼得广场，堪称世界上最对称、最壮丽的广场。这个集中各个时代精华的广场是由世界著名建筑大师贝尼尼于 1667年设计的，用11 年时间修建成。

梵蒂冈与圣彼得教堂连廊（1663~1666年）主要特征：共有约120级台阶，内面两侧有列柱。连廊(筒拱屋顶)通过逐渐变窄来夸大透视效果，同时配合采光，造成戏剧性视觉距离效果
圣彼得大教堂内景
贝尼尼主持设计，雕塑、绘画和建筑“三位一体”，制造出一种舞台上的幻觉效果。

音乐鉴赏课心得体会

音乐鉴赏课心得体会谈起古往今来的音乐，绕不开欧洲。

而说起欧洲的音乐，似乎又离不开宗教。

在我看来，宗教诞生于信仰而坚定了信仰，那些音乐家们在音乐中所倾注的热情与信仰，得要人们细细品味，才能能够在音乐中寻找共鸣，得以情感的宣泄。

在这篇文章里，我将从欧洲四大艺术风格的角度，简要的谈谈我对几类音乐的理解。

一、巴洛克风格的音乐——赞颂上帝的和谐声音巴洛克音乐应该算是胎教音乐光盘里收录的最多的了。

这充分的说明巴洛克音乐的一大特点，使人平静，不会产生多少类似于忧愁，哀伤或者愤慨的情绪。

正如巴洛克风格的代表人物同样是路德教徒的巴赫所认为的，音乐是“赞颂上帝的和谐声音”。

巴洛克时期的音乐家们也许就是怀着一颗对上帝虔诚赞颂的心以及对自然的享受与热爱，才创作出如此多可以净涤心灵的美妙音乐。

巴洛克时期弦乐器的发展特别迅速，而弦乐的音色成为了这些乐曲表现力的主导。

例如亨德尔，大概是音乐他的音乐较于巴赫节奏要明快，小提琴用的多，感觉比起巴赫给人的感觉要更加活泼和热情，线条短一些。

巴赫的音乐更加柔和，沉稳，恢弘，当时就被《马太受难曲》刚开头的大提琴给惊艳到了。

总结起来，巴洛克音乐以对造物主与自然的赞颂，加之弦乐的大量运用，给人以自由，和谐，恢弘，平静的感觉。

非常适合在休息的时候倾听。

二、罗马式音乐——纯净而清丽的圣咏罗马式音乐的特征非常明显，没有和声，没有伴奏，只是齐唱。

天主教风格格外浓厚。

纯净是罗马式音乐的关键词，演唱者们通过教堂天井的回音产生庄严的和声感，又音乐曲调的简单平稳营造出了淳朴而圣洁的感觉。

听了格列高利圣咏的系列组曲，感觉对于我与这种没有宗教信仰的人来说，能在这种音乐中体会的可能并不够丰富，的确能够领会纯粹人声的美感，但那种教徒们在音乐中所体会的朴实而清丽的宗教情感，想来是很难感受了。

三、文艺复兴时期的音乐——音乐不再如此高高在上文艺复兴时期的音乐不同于建筑与绘画，具有统一的“文艺复兴”标识，而且音乐文艺复兴的时期实际上也是晚于建筑与绘画的。

欧洲建筑风格简介

欧洲建筑风格简介（一）最近，喜欢看一些旅游类的节目，还看了丹布朗的小说，其中就经常提到欧洲的建筑风格，搞得一头雾水。

毕竟，建筑是一种不折不扣的文化载体，想要了解某个地区，某段时期的文化，那它的建筑风格就不得不了解啦。

欧洲的文化是一脉相承的东西，从古希腊和古罗马一路下来，几乎就没断过。

虽然欧洲国家众多，但文化和宗教的差距却没有东方那样显著。

刚好，趁着周末下雨的时间，查了一些资料，终于把欧洲的建筑风格大致搞懂了。

下面就简单得介绍一下吧。

首先，欧洲的建筑风格按先后顺序和承袭关系，可以大致分为以下几个阶段：古希腊建筑(以雅典卫城为代表)-----罗马式建筑(以罗马斗兽场和太阳神庙为代表)----哥特式建筑(以巴黎圣母院和科隆大教堂为代表)----罗曼建筑(以比萨主教堂建筑群为代表)-----巴洛克建筑(以罗马的圣卡罗教堂和梵蒂冈的圣彼得大教堂为代表)----法国古典主义建筑(以卢浮宫和协和广场为代表)-------洛可可建筑(以内装饰凡尔赛宫为代表)----浪漫主义建筑(以伦敦议会大厦为代表)------古典复兴建筑(以林肯纪念堂和美国国会大厦为代表)----沙利文建筑(摩天大楼)接下来，就从最早的古希腊风格建筑开始。

古希腊的建筑风格古希腊的建筑艺术，则是欧洲建筑艺术的源泉与宝库。

古希腊建筑风格的特点主要是和谐、完美、崇高。

而古希腊的神庙建筑则是这些风格特点的集中体现者，古希腊的“柱式”，这种规范和风格的特点是，追求建筑的檐部（包括额枋、檐壁、檐口）及柱子（柱础、柱身、柱头）的严格和谐的比例和以人为尺度的造型格式。

古希腊最典型、最辉煌，也是意味最深长的柱式主要有三种，即陶立克、爱奥尼克和科林斯柱式。

陶立克的柱头是简单而刚挺的倒立圆锥台，柱身凹槽相交成锋利的棱角，没有柱础，雄壮的柱身从台面上拔地而起，柱子的收分和卷杀十分明显，力透着男性体态的刚劲雄健之美。

爱奥尼克，其外在形体修长、端丽，柱头则带婀娜潇洒的两个涡卷，尽展女性体态的清秀柔和之美。

世界园林的四大流派

颐和园
颐和园是清代皇家园林，位于北京西郊，以湖泊为主体，融合了江南园林的特色。
03
欧洲园林
起源与历史
起源
欧洲园林起源于古希腊和古罗马的园林传统，距今已有约2500年的历史。
历史发展
从古希腊的庭园到古罗马的别墅园林，再到中世纪的修道院园林，以及文艺复兴时期的意大利台地园和法国的古典园林，欧洲园林历史悠久，发展过程中不断融合了各种文化和艺术风格。
04
日本园林
起源与历史
起源
日本园林起源于古代日本文化，受到中国和韩国园林的影响，但随着时间的推移，逐渐发展出独特的风格和特色。
VS
历史
日本园林的历史可以追溯到公元6世纪左右，当时佛教传入日本，带动了寺庙园林的发展。到了平安时代，贵族们开始建造宅邸园林，形成了“池泉庭”的园林形式。随着时间的推移，日本园林逐渐发展出各种不同的风格和特色，如“筑山庭”、 “茶庭”、“石庭”等。
著名园林案例
01
案例一：京都金阁寺（ Kinkakuji）
02
03
金阁寺是日本最著名的园林之一，也是日本园林史上的经典之作。它以一个金箔覆盖的舍利塔为中心，周围环绕着池塘和假山，形成了一种独特的园林景观。
案例二：东京上野公园（ Ueno Park）
04
上野公园是日本最大的公园之一，也是东京都民喜爱的休闲场所。公园内有各种不同的园林景观，如日本庭园、西式庭园和浮动花园等，让游客可以在不同的景致中漫步和放松。
特点与风格
特点
日本园林注重自然美与人工美的结合，追求和谐、平衡和自然的感觉。在设计中，注重利用自然地形、植物和水体等元素，营造出一种静谧、雅致和和谐的氛围。
风格

设计概论知识梳理

设计概论总复习一、综述1.设计学的研究范围⑴设计的历史渊源：其渊源是伴随“制造工具的人”的产生而产生的。

中国古代的《考工记》和古罗马老普林尼(Plini the Elder)的《博物志》，设计的意含：①广义的设计：人类一切有目的，有计划的创造性活动，包括观念、思想、理论、制度、规划等②狭义的设计：专指艺术设计，即在与人的生活、工作方式相关连的各种造型领域（工业设计、建筑设计、室内设计、景观设计、平面设计、服装设计等）应用美的艺术规律，结合科学与技术的一种造物活动，创造人类社会的新的生活形态。

⑵设计史：①设计“Design”→拉丁语“Designara”→意大利语“Designra”→法语“Dessein”→英语“Design”②古典：15世纪前后→“艺术家心中的创作意念”→意大利语“Desegno”）③近代：18世纪工业革命→“平面、立体、结构、轮廓的构成”→英语“Design”)④现代：19世纪末现代设计观念的建立→艺术与技术融合为一体的创造过程1977年，英国成立了设计史协会，这标志着设计史正式从装饰艺术史或应用美术史中独立出来而成为一门新的学科。

注意美术学史上19世纪的两位巨人——森珀和里格尔。

德国建筑家、理论家森珀(1803～1979年)是将达尔文进化论运用于美术史研究的第一人。

出版了极富思辨性的三卷本巨著《工艺美术与建筑的风格》。

奥地利美术史家阿洛伊斯·里格尔(1858～1905年) 1893年出版了被认为是有关装饰艺术历史的最重要的著作——《风格问题》。

⑶设计理论：传统上来讲，设计理论一直为它的学科美术和建筑理论所包容。

以荷加斯的著作《美的分析》为最早的设计理论专著。

西方美术史之父瓦萨里，在全面讨论设计这一概念时说道：“设计是三项艺术(建筑、绘画、雕塑)的父亲“。

瓦萨里将设计与比例关系联系在一起讨论，这有着相当悠久的历史传。

第二种类型的设计理论是针对工业革命的影响作出的反响，其中最有影响力的人物是普金(Augustus Pugin)、拉斯金(John Ruskin)和莫里斯(William Morris)。

文艺复兴四大经典绘画风格与技法

文艺复兴四大经典绘画风格与技法文艺复兴四大经典画法几个世纪以来一直在西方文化里耳熟能详。

然而由于中国对西洋艺术的了解起步较晚，这一部分内容在当今中国艺术界并没有多少人能全面了解，传到中国的一些零星的知识也残缺不全，有的甚至还是空白。

供艺术爱好者及专业人士参考。

文艺复兴绘画中出现的换色法（Cangiante）、明暗对照法（Chiaroscuro）、晕涂法（Sfumato）和统合法（Unione）这四种风格迥异的绘画技法被后世广为流传，许多艺术巨匠都曾经出神入化地运用它们创造出辉煌而美丽的艺术珍品。

比如意大利文艺复兴盛期三杰在世时，米开朗基罗的绘画作品中常常采用Cangiante；达芬奇喜欢使用Sfumato；而拉斐尔则能完美地运用Unione。

Cangiante：换色法米开朗基罗《先知丹尼尔》（Prophet Daniel），注意先知袍子在膝盖上的黄色和旁边的绿色。

文艺复兴前期意大利绘画虽然也有胶绘（Détrempe）、蜡彩（Encaustique）等诸多画种类别，但还是以湿壁画（Fresque）和坦培拉（Tempéra）为主。

当时受到技术及材料的时代局限，色料种类很少，艺术家们只能用很有限的少数几种颜色作画。

尤其是在湿壁画的绘制中，由于石灰上不能使用对碱性物质敏感以致产生不良化学反应的颜料，所能使用的颜色就更少。

因此当时的画家采取了相对简单的办法来表达色彩和明暗，比如简单地在物像固有色中调入黑色来表示暗部等方式，以用颜料画素描的办法来表达彩色的物件，而对色彩变化却无法深入表现。

这时Cangiante——换色法就应运而生了。

这种方法旨在使用近似的颜色代替简单加白的亮部或简单加黑的暗部，只要这两种颜色的明度和色相差异不太大就可以。

早在乔托（Giotto）的作品中，就能看到他偶尔用到这种方式，而安吉利科（Fra Angelico）则开始较多地运用这种以近似色代替的办法了。

其实这种方法虽然被称为是一种技法，但还是源于色料种类不健全时代的权宜之计。

14种艺术风格

hip-hop的元素，松松垮垮的裤子，过大的T恤，鸭舌帽，涂鸦，卫衣，限量板鞋，巨型手表等等。嘻哈风格的元素是不断创新没有界定的。因为潮人总是勇于尝试和创新的。
13、中性风格 - Unisex
在60年代，时装风潮大趋势转向中性优雅的女性形象，散发出一种前所未有的女性魅力，超级妩媚的女性化元素结合帅气洒脱的中性设计款式，让女性刚柔并济，展现了非同寻常的迷人气质。
7、洛丽塔风格 - Lolita
洛丽塔源于一本美国小说《洛丽塔》，叙述了一个中年男子与一个未成年少女洛丽塔的恋爱故事。流传到亚洲后，经过日本人的改造，Lolita成为了天真可爱少女的代名词，用一个字形容，就是“萌”。
8、田园风格 – country style
田园风格的设计特点，是崇尚自然而反对虚假的的华丽、繁琐的装饰和雕琢的美。它摒弃了经典的艺术传统，追求古代田园的自然清新。
新浪漫主义：少了夸张，仍然保留浪漫的格调。常用于现在的OL装，礼服等。
5、极简主义风格 - Minimalism
极简主义风格的居室设计极简主义(Minimalism)，并不是现今所称的简约主义，是第二次世界大战之后60年代所兴起的一艺术派系，又可称为“Minimal Art”，作为对抽象表现主义的反动而走向极至，以最原初的物自身或形式展示于观者面前为表现方式，意图消弥作者借着作品对观者意识的压迫性，极少化作品作为文本或符号形式出现时的暴力感，开放作品自身在艺术概念上的意像空间，让观者自主参与对作品的建构，最终成为作品在不特定限制下的作者。
常取材于树木、花朵、蓝天和大海，力求不沾染都市气息。现在做田园风的品牌不少，特别是日本的，我们看到的昕薇，瑞丽等杂志里面的着装很多都是田园风格。需要注意的是搭配要谨慎，特别是色彩，否则容易变得俗气，就是真正的“乡村风”了。推荐：西班牙品牌ZARA的副线-TRF少女系列。

艺术风格归纳

艺术风格归纳艺术是人类表达情感、思想和创造力的重要方式，不同的时期和文化产生了各种各样的艺术风格。

本文旨在对几种主要的艺术风格进行归纳，介绍其特点和代表作品。

一、古代艺术风格古代艺术风格包括古埃及艺术、古希腊罗马艺术和中国古代艺术等。

这些风格追溯至早期的文明，其特点是注重表现力、宏伟和神秘感。

例如，古埃及艺术以准确的人物比例和丰富的象征意义而闻名，代表作品有金字塔和法老雕像；古希腊罗马艺术注重理性和对人体形态的研究，雕塑作品如著名的“大卫”和“维纳斯”；中国古代艺术追求平衡和谐，崇尚自然的表现方式，丝绸和瓷器作为代表。

二、文艺复兴艺术风格文艺复兴是欧洲历史上重要的时期，艺术家们对古希腊罗马文化的热衷重塑了艺术风格。

文艺复兴艺术风格注重人体比例、透视和光影效果。

例如，达·芬奇的《蒙娜丽莎》展示了细腻的光影变化和神秘的微笑；米开朗基罗的《创造亚当》是以人体为中心的杰作，展示了人的伟大和神圣。

三、印象派艺术风格印象派艺术风格是19世纪末至20世纪初在法国兴起的艺术运动，其特点是强调色彩和光线的变化，追求捕捉瞬间印象的效果。

印象派画家运用明暗对比和小颗粒的画笔技法，创造出朦胧而朝气蓬勃的氛围。

克劳德·莫奈的《睡莲》系列和爱德华·马奈的《奥林匹亚》是印象派的代表作品。

四、表现主义艺术风格表现主义艺术风格在20世纪初兴起于德国，强调表达内心情感和主观体验。

表现主义作品通常以扭曲、夸张和激烈的形象为特征，通过颜色和线条的运用来表达情感。

艾克塞尔·曼和爱德华·蒙克是表现主义的代表艺术家，他们的作品描绘了人类存在的孤独和恐惧。

五、抽象艺术风格抽象艺术风格是20世纪初的重要艺术运动，其核心观念是摒弃传统的表象描绘，追求艺术形式本身的独立性和自由性。

抽象艺术作品以形状、色彩和纹理等非具象元素展示艺术家的内心世界和感觉。

例如，康定斯基的《花月夜》和杰克逊·波洛克的《喷溅画》是抽象艺术的代表作品。