丹纳《艺术哲学》笔记

丹纳《艺术哲学》读书笔记丹纳（1828-1893），法国著名哲学家、文学评论家，深受达尔文与孔德实证主义哲学的影响，是实证主义运用与艺术批评的重要代表。

本书作者丹纳和黑格尔同为近代艺术哲学的两位大师，但丹纳的艺术哲学思想与黑格尔有显著的区别。

黑格尔对艺术哲学最重要的贡献是把辩证法应用到美学研究领域，为美学建立了全新的历史分析方法。

丹纳则把黑格尔的绝对精神转化为具体的艺术鉴赏和创作方法，丰富了文艺理论的库藏。

黑格尔在《美学》一书中分别对艺术的性质、特征艺术发展的历史类型及艺术门类、体系进行了分析。

他把艺术现象同人与自然、人与社会及人与文化环境相联系，以此考察艺术发展的一般规律，提出了“美是理念的感性显现”这一著名命题。

丹纳的《艺术哲学》同黑格尔一样，也把艺术分为诗歌、雕塑、绘画、建筑、音乐五个门类来考察，但与黑格尔不同的是，他认为艺术在于表现事物的某个突出而显著的特征。

他把艺术的兴衰与社会因素结合起来，认为“艺术品的产生取决于时代精神和周围的风俗”，由此提出了决定文明的三大要素——种族、环境、时代，并且提出了衡量艺术作品价值的标准——艺术作品表现事物特征的重要程度、有益程度和效果程度。

第一编艺术品的本质及其产生A 艺术品的本质（艺术品隶属于总体/艺术对现实的模仿/艺术在于表现逻辑关系/艺术的目的是反映对象的主要特征/艺术家需有天赋及感染力）我的方法的出发点是在于认定一件艺术品不是孤立的，在于找出艺术品所从属的，并且能解释艺术品的总体：首先一件艺术品属于一个总体，就是说属于作者的全部作品。

艺术家本身，连同他所产生的全部作品，也不是孤立的。

有一个包括艺术家在内的总体，比艺术家更广大，就是他所隶属的同时同地的艺术宗派或艺术家家族。

这个艺术家庭本身还包括在一个更广大的总体之内，就是在它周围而趣味和与它一致的社会。

因为风俗习惯与时代精神对于群众和对于艺术家是相同的；艺术家不是孤立的人。

所以我们可以肯定的说：要了解艺术家的趣味与才能，要了解他为什么在绘画或戏剧中选择某个部门，为什么特别喜爱某种典型某种色彩，表现某种感情，就应当到群众的思想感情和风俗习惯中去探求。

由此我们可以定下一条规则：要了解一件艺术品，一个艺术家，一群艺术家，必须正确的设想他们所属的时代的精神和风俗概况。

这是艺术品最后的解释，也是决定一切的基本原因。

艺术家在事物前面必须有独特的感觉：事物的特征给他一个刺激，使他得到一个强烈的特殊的印象。

换句话说，一个生而有才的人的感受力，至少是某一类的感受力，必然又迅速又细致。

他凭着清醒而可靠的感觉，自然而然能辨别和抓住种种细微的层次和关系，他靠了这个能力深入事物的内心，显得比别人敏锐。

而这个鲜明的，为个人所独有的感觉并不是静止的；影响所及，全部的思想机能和神经机能都受到震动。

在创造的过程中，最初那个强烈的刺激使艺术家活跃的头脑把事物重新思索过，改造过，或是照明事物，扩大事物；或是把事物向一个方面歪曲，变得可笑。

艺术家的生平通常都分做两个部分。

第一部分是青年期与成熟期：艺术家注意事物，很仔细很热心的研究，把事物放在眼前；他花尽心血要表现事物，忠实的程度不但到家，甚至于过分。

到了一生的某一时期，艺术家以为对事物认识够了，没有新东西可发见了，就离开活生生的模型，依靠从经验中搜集来的诀窍写戏，写小说，作画，塑像。

第一个时期是真情实感的时期；第二个时期是墨守成法与衰退的时期。

艺术应当力求形似的是对象的某些东西而非全部。

我们要辨别出这个需要模仿的部分是“各个部分之间的关系与相互依赖”。

一般而论，我们在实物中感到兴趣而要求艺术家摘录和表现的，无非是实物内部外部的逻辑，换句话说，是事物的结构，组织与配合。

艺术的目的就是要把事物的主要特征表现得彰明较著；而艺术所以要担负这个任务，是因为现实不能胜任。

在现实界，特征不过居于主要地位；艺术却要使特征支配一切。

特征在现实生活中固然把实物加工，但是不充分。

特征的行动受着牵制，受着别的因素阻碍，不能深入事物之内留下一个充分深刻充分显明的印记。

人感觉到这个缺陷，才发明艺术加以弥补。

可见艺术品的本质在于把一个对象的基本特征，至少是重要的特征，表现得越占主导地位越好，越显明越好；艺术家为此特别删节那些遮盖特征的东西，挑出那些表明特征的东西，对于特征变质的部分都加以修正，对于特征消失的部分都加以改造。

所以艺术家要改变各个部分的关系，但一定是向同一方向改变，而且是有意改变的，目的在于使对象的某一个“主要特征”，也就是艺术家对那个对象所抱的主要观念，显得特别清楚。

这特征便是哲学家说的事物的“本质”，所以说艺术的目的是表现事物的本质。

简而言之即：艺术品的目的是表现某个主要的或凸出的特征，也就是某个重要的观念，比实际事物表现得更清楚更完全；为了做到这一点，艺术品必须是由许多互相联系的部分组成的一个总体，而各个部分的关系是经过有计划的改变的。

在雕塑，绘画，诗歌三种模仿的艺术中，那些总体是与实物相符的。

一切艺术都可归在上面那个定义之中：不论建筑，音乐，雕塑，绘画，诗歌，作品的目的都在于表现某个主要特征，所用的方法总是一个由许多部分组成的总体，而部分之间的关系总是由艺术家配合或改动过的。

人在艺术上表现基本原因与基本规律的时候，不用大众无法了解而只有专家懂得的枯燥的定义，而是用易于感受的方式，不但诉之于理智，而且诉之于最普通的人的感官与感情。

艺术就有这一个特点，艺术是“又高级又通俗”的东西，把最高级的内容传达给大众。

B 艺术品的产生（时代环境决定艺术种类/欧洲文化的四大高峰时期/心中装满时代的思想感情）作品的产生取决于时代精神和周围的风俗。

不管在复杂的还是简单的情形之下，总是环境，就是风俗习惯与时代精神，决定艺术品的种类；环境只接受同它一致的品种而淘汰其余的品种；环境用重重障碍和不断的攻击，阻止别的品种发展。

欧洲文化有四大高峰：一个是古希腊与古罗马的时代；一个是封建与基督教的中古时代；一个是正规的贵族君主政体，就是十七世纪；一个是受科学支配的工业化的民主政体，就是我们现在生存的时代。

每个时期都有它特有的艺术或艺术品种，雕塑，建筑，戏剧，音乐；至少在这些高级艺术的每个部门内，每个时期有它一定的品种，成为与众不同的产物，非常丰富非常完全；而作品的一些主要特色都反映时代与民族的主要特色。

每个时代都有一个总的形势，就是普遍存在的祸福，奴役或自由，贫穷或富庶，某种形式的社会，某一类型的宗教；在古希腊是好战与蓄养奴隶的自由城邦；在中世纪是蛮族的入侵，政治上的压迫，封建主的劫掠，狂热的基督教信仰；在十七世纪是宫廷生活；在十九世纪是工业发达，学术昌明的民主制度；总之是人类非顺从不可的各种形势的总和。

这个形势引起人的相应的“需要”，特殊的“才能”，特殊的“感情”；例如爱好体育或耽于梦想，粗暴或温和，有时是战争的本能，有时是说话的口才，有时是要求享受，还有无数错综复杂，种类繁多的倾向：在希腊是肉体的完美与机能的平衡，不曾受到太多的脑力活动或太多的体力活动扰乱；在中世纪是幻想过于活跃，漫无节制，感觉像女性一般敏锐；在十七世纪是专讲上流人士的礼法和贵族社会的尊严；到近代是一发不可收拾的野心和欲望不得满足的苦闷。

这一组感情，需要，才能，倘若全部表现在一个人身上而且表现得很有光彩的话，就构成一个中心人物，成为同时代的人钦佩与同情的典型：这个人物在希腊是血统优良，擅长各种运动的裸体青年；在中世纪是出神入定的僧侣和多情的骑士；在十七世纪是修养完美的侍臣；在我们的时代是不知厌足和忧郁成性的浮士德和维特。

艺术家的全部工作可以用两句话包括：或者表现中心人物，或者诉之于中心人物。

贝多芬的交响乐，大教堂中的玫瑰花窗，是向中心人物说话的；古代雕像中的《梅莱阿格尔》和《尼奥勃及其子女》，拉辛悲剧中的阿伽门农和阿喀琉斯，是表现中心人物的。

可以说“一切艺术都决定于中心人物”，因为一切艺术只不过竭力要表现他或讨好他。

首先是总的形势；其次是总的形势产生特殊倾向与特殊才能；其次是这些倾向与才能占了优势以后造成一个中心人物；最后是声音，形式，色彩或语言，把中心人物变成形象，或者肯定中心人物的倾向与才能：这是一个体系的四个阶段。

要创作优秀的作品，唯一的条件就是伟大的歌德早已指出过的，“不论你们的头脑和心灵多么广阔，都必须把时代的思想感情全部装满。

”如果这样，将来自然就会产生出优秀的作品。

第二编意大利文艺复兴期的绘画A 意大利绘画的题材是人体（艺术之花盛开的时节/健硕与完美的人体形象/刻画肉体而非表现心灵）首先需要对意大利画派下一个定义；按照通常的说法称之为完美的，古典的。

意大利画派对风景是瞧不起的，或者是不重视的。

意大利画家采用的题材是人，因为他们认为艺术真正的对象是人体，但这个形体是只有在理想中找到而非肉眼所能看见的形体。

在这个界限之内，意大利古典绘画还有一个限制。

在它作为中心的理想人物身上，精神并不居于主要地位。

这个古典画派既没有神秘气息，也没有激动的情绪，也不以心灵为主体。

B 艺术天赋与历史环境巧合（天生艺术气质和丰富的想象力/社会上艺术风气流行）这一次百花怒放的原因是精神方面的一个总倾向，是普及于民族各阶层的一种奇妙的才能。

这个民族的才能与当时的历史环境十分一致。

在那个时代，欣赏艺术的风气非常流行，意大利艺术家有幸遇到了一个特别有利的时代，所以其才能得以充分发挥，于是大批杰作诞生。

但这个才能的出现是暂时的，所以艺术的出现也是暂时的。

这个才能在一定的时代开始，一定的时代结束；艺术也在同一时代开始，同一时代结束。

才能朝某一方向发展，艺术也朝同一方向发展。

艺术是影子，才能是本体，艺术始终跟着才能的诞生，长成，衰落，方向。

才能带着艺术出场，前进，使艺术跟着它的变化而变化；艺术的各个部分和整个进程都以才能为转移。

它是艺术的必要条件，艺术有了它就能诞生。

C 精神修养和天生审美感（善于欣赏和创造艺术/尊崇文学和学者/交际场中风度优雅）把十五世纪的意大利同欧洲别的国家作一比较，就会觉得它更博学，更富足，更文雅，更能点缀生活，就是说更能欣赏和产生艺术品。

D 形象表现登峰造极（今天的欧洲：艺术不纯粹/意大利：鲜明生动的形象呈现/享受世俗：淡漠道德和宗教/美丽形体：满足暧昧本能）那时的人精神更平衡。

至少对绘画来说是更平衡。

要绘画发达，土地不能荒芜，也不能耕耘过分。

封建时代的欧洲是大块坚硬的泥土；今日却支离破碎了；从前，文明的犁还没有犁得充分；现在犁的沟槽太多了。

要单纯壮阔的形体固定在画布上，脑子里必须自然而然产生出这一种形体；而要它们自然而然的产生，必须“形象”不受“观念”的阻抑和损害。

文明过度的特点是观念越来越强，形象越来越弱。

那个时代的文化是以行乐为目的，追求眼睛的享受和感官的享受，完全是摆脱政治的束缚，放弃一切道德标准。