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世界名画赏析ppt课件
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11
《蒙娜丽莎》
达芬奇
500年来，人们一直对《蒙娜丽莎》神 秘的微笑莫衷一是。不同的观者或在不同的 时间去看，感受似乎都不同。有时觉得她笑 得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时像是略 含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。在一幅 画中，光线的变化不能像在雕塑中产生那样 大的差别。但在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴 影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层 面纱。而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上， 达·芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没 有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定 的“神秘的微笑”。
画集》、《李可染中国画集》、《李可染画牛》等。
《万山红遍》
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8
文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh， 1853－1890），荷兰后印象派画家。他是表现主 义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野 兽派与表现主义。梵高的作品，如《星夜》、《向 日葵》与《有乌鸦的麦田》等，现已跻身于全球最 著名、广为人知与珍贵的艺术作品的行列。1890 年7月29日，因精神疾病的困扰，曾割掉耳朵，后 在法国瓦兹河开枪自杀，时年37岁。
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4
色彩是感情的语言
根据不同色彩可以诱发不同情感。 橙红色为暖色，使人感到温暖，热烈`活泼`快乐， 能激发人朝气。 红色： 热烈、喜悦、果敢、奋扬。 蓝`绿`紫为冷色，会使人感到清凉`安静`优雅`沉着， 镇静，并使人以幻想。 蓝色： 幽静、深远、冷郁、阴郁。 浅蓝色：消除大脑疲劳，使人清醒，精力旺盛。 绿色： 健康、活泼、生气、发展。 紫色：神秘、高贵、脱俗。 白色： 单调、朴素、坦率、纯洁。 黄色： 光辉、庄重、高贵、忠诚。 黑色： 沉默、神秘、恐怖、纯洁。 灰色： 和谐、浑厚、静止、悲哀。 彩色： 杂驳、缭乱、绚丽、幻想。 青色使人产生亲切`朴实`乐观`柔和感觉。 咖啡色：能让人心理趋于平静，消除孤独感。
迎六一，赏名画，十九世纪法国画家莫奈三十九幅传世世界名画赏析
迎六一，赏名画，十九世纪法国画家莫奈三十九幅传世世界名画赏析迎六一，赏名画，我的绘画，我的梦，十九世纪法国印象派画家莫奈三十九幅传世世界名画赏析艺术就是个“悟到”的过程。
一个人将自己喜爱的东西，用文学、绘画、音乐、舞蹈、雕塑、建筑、戏剧与电影等形式述说出一个故事，表述出对于美的感动，同时获得大众的喜爱。
在真正的艺术领域里，没有预备学校，但是有一个最好的预备方法，就是对艺术大家的作品抱一种最虚心的学徒的兴趣。
这样碾颜料的人常常会成为优秀的画家。
梦想成真的前提离不开天时、地利、人和。
俗语说：“读万卷书不如行万里路，行万里路不如阅人无数，阅人无数不如高人点步，高人点步不如一朝顿悟。
”——题记十九世纪欧洲印象派绘画，始于19世纪60年代，到七八十年代达于鼎盛时期，绘画作品进一步摆脱了对历史、神话、宗教等题材的依赖。
为了生动再现亲眼目睹的日常生活景象和自然风光，印象派画家大胆抛弃了长久受到公认的创作观念和程式，推倒了文艺复兴以来确立的不少法则。
他们纷纷离开空气沉闷的画室，在街头，在海滩，在原野和乡村，凭自己的心，用自己的眼睛，感受丰富多彩的事物，以直接写生的方式捕捉种种生动的印象，描绘大自然中千变万化的光线和色彩。
内容和主题不再重要，关注点转到纯粹的视觉感受上，转到光和色上。
风景之美不在于名山大川，而在于阳光照射下普通场景的色彩变幻。
法国印象派画家最著名的是莫奈和马奈。
那幅色彩美妙的《圣拉札尔车站》是马奈的代表作。
画家们对印象主义的探索，使绘画靠近了它的本体，从这种意义上看，尽管印象派画家并没有抛弃再现的传统，却使现代绘画距我们更近了。
印象派运动可以看作是19世纪自然主义倾向的巅峰，也可以看作是现代艺术的起点。
克劳德·莫奈的名字与印象派的历史密切相连。
莫奈对这一艺术环境的形成和他描绘现实的新手法，比其他任何人贡献都多。
这一点是毋庸置疑的，印象派的创始人虽说是马奈，但真正使其发扬光大的却是莫奈，因为莫奈对光影之于风景的变化的描绘，已到走火入魔的境地。
(完整版)世界名画赏析分析
《基督受洗》恰当理解皮耶罗的作品的确不容易。
因为除了画家，他还有一个更为重要的身份－数学家。
在文艺复兴时代，满怀激情地去研究古希腊的数学与几何学并不是什么新鲜事，但皮耶罗的狂热与成就却是所有人当中最突出的。
分在拓展欧里德几何学方面所作的无人能敌。
此外，他还写出了众多关于数学与几何学的学术著作,在其中一篇保留至今的文章里，他采用大量繁复的数学技巧详尽阐释了有关焦点透视的原则.无可避免地，他也把这种精神的研究、带入到自己的绘画里。
《基督受洗》是皮耶罗为家乡一座施洗者约翰教堂画的祭坛画。
由于祭坛画的特殊形制，画板的外形被分为由半圆与方形组成的两个部分。
没有能够比皮耶罗把这种自然的分割利用得更加巧妙而神奇。
读者可以注意观察画面中的那只白鸽,它被画成了下面敌视的样子，圆圆的头部正巧是半圆的圆心，而伸展的双臂又恰好与方形的上边线持平。
不仅如此，围绕圆心，观者的视线完全可以将另外的凌驾在画面内部找全，享受到一种近于神圣的圆满旅程。
透视与几何形式在皮耶罗的作品中是显著而精确的.不仅如此，他还能够运用比同时代画家更为复杂的技巧，使深度空间兼备平面空间的张力。
皮耶罗喜欢使用大面积的,然后把它们与潜在的透视法,几何形按照最完美的图式，尺寸和比例结合在一起。
比如在左侧两根树干，仅仅依靠颜色深浅的不同就可以把画面上近景，中景,远景三个大的层次空间划分出来。
画面上，那些柔和而明亮的色彩总是散发着令人愉悦的光辉,其中大量的白颜色在过去的绘画传统里是被忌讳使用的,而皮耶罗却使它们具有了一种至为纯净的气息。
有迹象表明,皮耶罗从示属于哪间绘画作坊。
或许，他只是一处自由画家，一个孤独探索自己理想的人.因此，他似乎从不顾虑观者希望在他的画面上看到的东西。
在那个时代，能够把《圣经》故事展现得真实而动人心魄的艺术家给世人带来的一大奇迹，这个传统从乔托开始，之后又有莱奥纳多《最后的晚餐》或者米开朗基罗的《创世纪》.皮耶罗民如实描绘了《圣经》的内容.画面表现圣约翰给基督受洗的情景,当圣水洒落到头顶的一刻，圣灵仿佛鸽子从天空降下，落到耶稣头上，天上有声音传来说：“这是我的爱子，我所喜欢悦的”，圣父、圣灵、圣子在此时实现了三位一体。
四十幅世界名画欣赏
12、拾穗 弗朗索瓦.米勒 法国 油画，83.5×111厘米，1857年， 巴黎卢浮宫藏
《拾穗》是米勒最重要的代表作，这是一幅十分真实的，亲切美丽，而又给人以丰富联想的 农村劳动生活的图画。从中不难看出画家对劳动的甘苦，特别是“汗滴禾下 土，粒粒皆辛苦” 的意义是有着切身的深刻体验的。整个作品的手法极为简洁朴实，晴朗的天空和金黄色的麦地 显得十分和谐，丰富的色彩统一于柔和的调子之中，它像米勒 的其它代表作一样，虽然所画的 内容通俗易懂，简明单纯，但又绝不是平庸浅薄，一览无余，而是寓意深长，发人深思，这是 米勒艺术的重要特色。米勒是十九世纪法国现实主义在师，他的大量的以农民题材为主的油画、 素描、版画至今仍给我们深刻的启示与鼓舞。 《拾穗》描写了一个农村中最普通的情景：秋天，金黄色的田野看上去一望无际，麦收后的 土地上，有三个农妇正弯着身子十分细心地拾取遗落的麦穗，以补充家中的食物。她们身后那 堆得像小山似的麦垛，似乎和她们毫不相关。我们虽然看不清这三个农妇的相貌及脸部的表情， 但米勒却将她们的身姿描绘有古典雕刻一般庄重的美。三个农妇的动作，略有角度的不同，又 有动作连环的美，好像是一个农妇拾穗动作分解图。扎红色头巾的农妇正快速的拾着，另一只 手握着麦穗的袋子里那一大束，看得出她已经捡了一会了，袋子里小有收获；扎兰头巾的妇女 已经被不断重复的一上一下弯腰动作累坏了，她显得疲惫不堪，将左手撑在腰后，来支撑身体 的力量；画右边的妇女，侧脸半弯着腰，手里捏着一束麦子，正仔细巡视那那已经拾过一遍的 麦地，看是否有漏捡的麦穗。农妇们就是如此往复地劳动着，为了全家的温饱，怀着对每粒粮 食的感情，耐心而不辞辛苦地拾着麦穗.画面上，米勒使用了迷人的暖黄色调，红、蓝二块头巾 那种沉稳的浓郁色彩也融化在黄色中，整个画面安静而又庄重，牧歌式地传达了米勒对农民艰 难生活的深刻同情，和米勒对农村生活的特别的挚爱。bbs
100幅世界名画赏析（建议收藏）
01乔托《犹大之吻》Kiss of JudasGiotto1305乔托《犹大之吻》聚焦于基督和犹大之间心理交锋的瞬间。
基督坚定的目光回应犹大的注视，眼神中只有对背叛者的谦卑和同情。
在指控、欺骗和背叛的喧嚣中，基督保持着始终如一的怜悯。
乔托首次赋予形象鲜明的人性动机，以及传统绘画欠缺的心理深度与逼真感。
02马萨乔《纳税银》The tribute moneyMasaccio1427画面描绘了《马太福音》里的故事：税吏质问耶稣是否缴纳了税。
画面中央税吏正在索要纳税银，场景延续至画面左边，彼得从鱼口中取出钱币。
右侧，彼得交给税吏纳税银。
马萨乔将三个独立场景浓缩于一幅画面之中，赋予角色人性化的感情，同时在古典主义基础上加入了技法的革新。
03扬 · 凡 · 艾克《阿尔诺芬妮夫妇像》 Arnolfini portraitJan van Eyck1434这幅谜一般的双人像，描绘阿尔诺芬尼和新妻宣誓的场景，展示出 扬 · 凡 · 艾克 卓尔不凡的传递细节和光线的能力。
夫妇的姿势和不同寻常的细节设置，都有独特涵义和象征性，镜中反射出夫妻背影和画家本人。
装饰性拉丁铭文写着：「1434年，扬 · 凡 · 艾克在此。
」《阿尔诺芬尼夫妇像》不但是新型油画深入表现的最早尝试，也是后世风俗画和室内画的最早先例。
04保罗 乌切洛《圣罗马诺之战》Battle of san RomanoPaolo Uccello1440乌切洛名作《圣罗马诺之战》，显示出直线透视法领域的突出成就。
前景是交战双方，后面是持矛的队伍，地上横七竖八丢弃的武器盔甲。
背景经过几何式的抽象处理和透视安排，具有强烈的空间效果。
乌切洛首次在理性层面上，探索总结出「焦点透视法」，不仅使二维空间艺术在视觉上趋于科学性，而且使东西方绘画的空间经营从此分道扬镳。
05波提切利 《维纳斯的诞生》The Birth of VenusSandro Botticelli1482-1486希腊神话中，克罗努斯阉割了乌拉诺斯，重伤的生殖器坠入大海，孕育出美女维纳斯。
世界名画鉴赏
世界名画鉴赏1. 达芬奇自画像意大利绘画大师达.芬奇的素描精品。
他的素描作品的艺术水平已达极高的境地,被誉为素描艺术的典范。
在这幅《自画像》中,画家观察入微,用的线条丰富多变,刚柔相济尤其善用浓密程度不同斜线表现光暗的微妙变化,此画用线生动灵活,概括性强,简单的寥寥数笔却包含许多转折,体面关系,发线代面,立体感很强,还有,人物的表情也很传神。
2．岩间圣母画为祭坛画 ,达芬奇，189.5X119.5厘米,现藏伦敦国立美术馆.此画是应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。
此画以圣母居图中央,她右手扶婴孩圣约翰,左手下坐婴孩耶酥,一天使在耶酥身后,构成三角形构图,并以手势彼此响应,背景则是一片幽深岩窟,花草点缀其间,洞窟通透露光。
此画虽属传统题材,然表达手法和构图布局皆表明达.芬奇的艺术水平之高深。
人物,背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用,科学地写实以及透视,缩形等技术法的采用,表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。
这幅画是标志达.分奇盛期创作开始的作品。
3．最后的晚餐《最后的晚餐》达.芬奇油画 1495-1498 420X910厘米,现藏米兰圣玛利亚德尔格契修道院.达.芬奇毕生创作中最负盛名之作。
在众多同类题材的绘画作品里,此画被公认为空前之作,尤其以构思巧妙,布局卓越,细部写实和严格的体面关系而引人入胜。
构图时,他将画面展现于饭厅一端的整块墙面,厅堂的透视构图与饭厅建筑结构相联结,使观者有身临其境之感。
画面中的人物,其惊恐,愤怒,怀疑,剖白等神态,以及手势,眼神和行为,都刻划得精细入微,唯妙唯肖。
这些典型性格的描绘与画题主旨密切配合,与构图的多样统一效果互为补充,使此画无可争议地成为世界美术宝库中最完美的典范杰作4．创造亚当《创造亚当》米开朗基罗壁画1508年米开朗基罗的代表壁画中的重要部分。
因为他在佛罗伦萨的盛名,当时的罗马教皇尤里乌斯二世邀他参加制作教皇陵墓,后又中断。
世界传世十大名画赏析(附图)
世界十大名画之一蒙娜丽莎《蒙娜丽莎》是意大利文艺复兴时期画家列奥纳多·达·芬奇创作的油画，现收藏于法国卢浮宫博物馆。
该画作主要表现了女性的典雅和恬静的典型形象，塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。
该作品代表了文艺复兴时期的美学方向，作品折射出来的女性的深邃与高尚的思想品质，反映了文艺复兴时期人们对于女性美的审美理念和审美追求。
《蒙娜丽莎》是达·芬奇最喜爱的作品，作者生前一直把它留在自己的身边。
直到达·芬奇去世后，法国国王弗朗西斯一世用了一万二千金币，才从达·芬奇的弟子手中买下。
现藏｜法国罗浮宫世界十大名画之一最后的晚餐《最后的晚餐》是艺术家达·芬奇于文艺复兴时期创作的大型壁画，是达·芬奇代表作之一，世界著名画作，收藏于意大利米兰圣玛利亚感恩教堂。
达·芬奇以《圣经》中耶稣跟十二门徒共进最后一次晚餐为题材，将人物的惊恐、愤怒、怀疑、剖白等神态，以及手势、眼神和行为，都刻画得精细入微，惟妙惟肖。
1980年该画被列为世界文化遗产。
这幅在格雷契寺院食堂墙壁上的宏大画面，严整、均衡，而富于变化，无论从构思的完美、情节的紧凑，人物形象的典型塑造以及表现手法的纯熟上都堪称画家艺术的代表。
它也是人类最优秀的绘画作品之一，由于它的问世而使达·芬奇名扬世界。
现藏｜意大利米兰圣玛利亚德尔格契修道院世界十大名画之一格尔尼卡《格尔尼卡》是西班牙立体主义画家帕勃洛·鲁伊斯·毕加索于20世纪30年创作的一幅巨型油画，长7.76米，高3.49米。
该画是以法西斯纳粹轰炸西班牙北部巴斯克的重镇格尔尼卡、暴杀害无辜的事件创作的一幅画，采用了写实的象征性手法和单纯的黑、白、灰三色营造出低沉悲凉的氛围，渲染了悲剧性色彩，表现了法西斯战争给人类的灾难。
这幅画运用立体主义的绘画形式，以变形、象征和寓意的手法描绘了在法西斯兽行下，人民惊恐、痛苦和死亡的悲惨情景。
二十世纪著名画家理查德四十幅妩媚动人清纯可爱世界名画赏析
二十世纪著名画家理查德四十幅妩媚动人清纯可爱世界名画赏析二十世纪美国著名画家理查德·约翰逊四十幅妩媚动人，清纯可爱世界名画赏析欣赏世界油画，领略各国艺术。
艺术就是个“悟到”的过程。
一个人将自己喜爱的东西，用文学、绘画、音乐、舞蹈、雕塑、建筑、戏剧与电影等形式述说出一个故事，表述出对于美的感动，同时获得大众的喜爱。
在真正的艺术领域里，没有预备学校，但是有一个最好的预备方法，就是对艺术大家的作品抱一种最虚心的学徒的兴趣。
这样碾颜料的人常常会成为优秀的画家。
梦想成真的前提离不开天时、地利、人和。
俗语说：“读万卷书不如行万里路，行万里路不如阅人无数，阅人无数不如高人点步，高人点步不如一朝顿悟。
”——题记现代派兴起于19世纪下半叶中期，大致衰落于20世纪六七十年代，它是在一种破坏与创造的激烈对抗中走完自己的历程，就像支撑着它的经济政治文化背景一样，一方面是工业科学技术的迅猛发展，另一方面是两次世界大战给人类带来的空前浩劫。
它是西方国家从19世纪下半叶发展起来的现代美术中某些流派——野兽派、立体主义、未来主义、达达主义、抽象表现主义、超现实主义、抽象主义、波普艺术等等的统称。
在20世纪的时候，社会上流行超写实主义油画，这些画家们采用来写实手法来描绘人物和日常生活题材，在油画技法上几乎是一脉相承。
大概在六七十年代，美国直接出现了高度写实的绘画和雕塑，人们称为超写实主义，当然也有人称它为照相写实主义油画，我国的冷军就是其中之一，但是和西方那些大佬相比较，还是有很大的区别。
我们在他的油画当中，可以看到理查德·约翰逊的绘画，用笔洒脱、肯定、奔放，色彩艳丽、清新、大胆。
他的油画技术娴熟、自如、精湛，造型生动而优雅。
二十世纪美国著名画家理查德·约翰逊主要绘画作品有：《穿着一身白色的薄纱裙贵妇人》《背对着坐在柔软的花海中典雅美妇人》《穿舞鞋的芭蕾舞嘉利》《穿露肩坎裙透明美人》《穿吊带裙的养尊处优的贵妇》《穿红色礼服的美如天仙的娴雅少妇》《躺在鲜花丛中的风华正茂的少女》《背对鲜花陷入遐想的时尚丽人》《穿灰色纱裙的妩媚贵妇》《穿蓝色吊带纱裙的清新靓丽时尚美女》《穿白色纱裙的坐在凳子上低着头的白皙美女》《野花丛中穿白色裙女郎与马》《睡梦中的典雅少妇》《戴项链和耳环的魅力女孩》《手拿雨伞清新靓丽白皙新娘》《侧身躺在床上时尚贵妇》《双臂交叉的朦胧柔美女孩》《母与子》《极品女孩至真至纯》《回望穿白衣的靓丽女孩》《侧坐的美如天仙的娴雅少妇》《手拿折扇的精致性感美女》《海边远望的穿白纱性感贵妇》《花瓶边穿露肩白纱裙陶醉女郎》《花海丛中优雅的短发女孩》《花海丛中出水芙蓉般的清纯美女》《手拿白灯篓身穿连衣裙靓丽少妇》《侧坐在地上的清纯醉心的长发女孩》《双手抱膝跳芭蕾舞的优雅女孩》《坐在树子上的朦胧顽皮少女》《手拿扇子的美如天仙的娴雅少妇》《坐在椅子上穿黑色吊带连衣裙的典雅少妇》《美如天仙的娴雅少女》《野外休闲中典雅少妇》《练习舞蹈中的魅力女孩》《坐在酒吧椅子上的优雅女孩》《坐在沙发上身穿连衣裙靓丽少女》《双手搭肩性感少女》《站立在粉花丛中穿白色连衣裙长发性感少妇》《阳台上穿浅蓝色连衣裙短发性感少妇》等。
世界名画100幅解读
世界名画100幅解读全文共四篇示例，供读者参考第一篇示例：世界名画100幅解读名画是人类文化的珍贵遗产，它们不仅具有艺术价值，还承载着历史、文化、哲学等丰富的内涵。
世界名画100幅涵盖了各个时期、各个流派的经典之作，每一幅画都有着独特的魅力和深刻的意义。
在这篇文章中，我们将为您解读世界名画100幅，带您领略艺术的魅力、深邃和博大。
1.《蒙娜丽莎》《蒙娜丽莎》是世界著名画家达·芬奇的代表作品，被认为是世界上最为神秘的女性形象之一。
这幅画采用了复杂的透视和光影效果，展现了达·芬奇在绘画技法上的高超造诣。
蒙娜丽莎的微笑被认为是最完美的微笑之一，不断吸引着人们的目光和探索。
2.《星空》荷兰后印象派画家梵高的代表作品《星空》是一幅令人震撼的作品。
画中的星空和松树形成了鲜明的对比，展现了梵高对自然和宇宙的想象力和独特的表现手法。
这幅画成为了梵高最具代表性的作品之一，也被誉为对人类生命和自然的最深刻的表达之一。
3.《岛屿上的星期天下午》法国后印象派画家塞尚的代表作品《岛屿上的星期天下午》以其独特的构图和色彩运用展现了对自然和光影的独特理解。
画中的人物和景物被简化为几何图形，展现了塞尚对艺术形式和结构的探索和实验。
这幅画成为了后印象主义艺术的先驱之作，也对20世纪艺术产生了深远的影响。
4.《自由引导人民》美国艺术家德拉克罗瓦的代表作品《自由引导人民》是法国大革命时期的经典之作。
这幅画描绘了自由女神引导人民冲向自由的场景，体现了对人类自由和平等的无限向往和追求。
《自由引导人民》不仅是政治和历史的象征，也是革命和自由的象征，影响了后来数百年间的革命和民主运动。
5.《夜巡》荷兰画家瓦克的代表作品《夜巡》是世界上最著名的团体肖像画之一。
这幅画描绘了阿姆斯特丹市民民兵队的夜间行军场景，体现了瓦克对光影和空间的精湛处理。
瓦克在这幅画中塑造了众多人物的形象和性格，展现了典型的荷兰画派风格和表现力。
6.《天眼》西班牙艺术家达利的代表作品《天眼》是一幅充满幻想和超现实主义色彩的作品。
毕加索世界名画亚维农的少女全图赏析
毕加索世界名画亚维农的少女全图赏析亚维农的少女赏析：全新角度过去的画家都是从一个角度去看待人或事物，所画的只是立体的一面。
立体主义则是以全新的方式展现事物，他们从几个角度去观察，从正面不可能看到的几个角度去观察，把正面不可能看到的几个侧面都用并列或重叠的方式表现出来。
在《亚威农少女》中，五个裸女的色调以蓝色背景来映衬，背景也作了任意分割，没有远近的感觉，人物是由几何形体组合而成的。
毕加索表现手法画家把这五个人物不同侧面的部位，都凝聚在单一的一个平面中，把不同角度的人物进行了结构上的组合。
看上去，就好像他把五个人的身体先分解成了单纯的几何形体和灵活多变、层次分明的色块，然后在画布上重新进行了组合，形成了人体、空间、背景一切要表达的东西。
就像把零碎的砖块构筑成一个建筑物一样。
女人正面的胸脯变成了侧面的扭曲，正面的脸上会出现侧面的鼻子，甚至一张脸上的五官全都错了位置，呈现出拉长或延展的状态。
画面上呈现单一的平面性，没有一点立体透视的感觉。
所有的背景和和人物形象都通过色彩完成，色彩运用的夸张而怪诞，对比突出而又有节制，给人极强的视角冲击力。
毕加索也借鉴和吸收了一些非洲神秘主义的艺术元素，比如画面上两个极端扭曲的脸，扭曲变形的部位，红、黑、白色彩的对比，看上去狰狞可怕，充斥着神秘的恐怖主义色彩。
毕加索《亚维农少女》习作 1907创作思路毕加索以他青年时代在巴塞罗那的“亚威农大街”所见的妓女形象为依据。
这条街以妓院林立而闻名。
画上的女人形象，就是这条街上的妓女们。
画家曾多次易稿。
在这件作品的草图中，曾出现一个海员和一个刚进门的医学院学生。
毕加索大胆地画了五个姑娘和两个男人。
背景是妓院的客厅或饭厅。
后来几经修改，又作了大胆的突破。
毕加索曾对人说，他讨厌这个题目。
因为亚威农的姑娘并非是些风姿绰约的妙龄女郎，而是一些出卖爱情的妓女，她们与画上的女人毫无干系。
这幅画的题目是诗人萨尔蒙给起的。
也许诗人根据这些裸女，才把她们与亚威农妓院联系起来。
世界名画赏析
•
画家真实地描绘了典型的资产者形 象，不仅再现夫妇的外貌和个性特征， 而且对室内的环境什物作了极其逼真的 描绘，显示了画家特殊的造型才能。
《查士丁尼皇帝及随从》
• 这一幅镶嵌画挂在圣坛墙面的左侧(在圣坛两侧 各有一幅镶嵌画，右侧是《皇后狄俄朵拉及其侍女》 像)。查士丁尼作为拜占庭的皇帝，一心想恢复罗马 帝国，曾制定《法典》，主张崇奉基督教。这幅镶 嵌画，以黄色作底，上面用各种有色玻璃并杂以金 块构成一组形象。 查士丁尼大帝身穿紫红色长袍， 袍上饰物金光闪闪，手捧着向教堂献金的宝盒。在 他左边，是两个穿白地朱红色华服的贵族，再过去 是年轻卫士。他们穿红、绿、橙紫和灰黄色服装， 手持矛和盾；在查士丁尼的右边，是身穿白色和烟 色服饰的大主教马克西米安，另有两个助祭者。靠 后，在查士丁尼和马克西米安中间的人物，据推测 是尤里亚与阿尔罕塔利亚。前后相叠共十二个人， 恰巧是十二门徒之数，中间的皇帝俨然是耶稣的化 身了。构图采用一条平线，人物都呈正面排成横列。 这是一种举行仪式的场面，人物不仅高度相等，肩 膀也一样宽。人物比例拉长，由于强调了形象的线 条，画中人物象似踮着脚站着。画面效果尽管金碧 辉煌，但形象十分呆板(这是中世纪基督教美术形象 的共同特征)。艺术家并不注重人物的空间配置以及 他们的解剖关系，他的任务是表现神圣化的皇帝威 仪。除了人物的面部特征有所区别外，不论是什么 身份的人物，都被统一在一种神志之中，唯色彩配 置得较为明快，这也是拜占庭装饰艺术中最典型的 代表作品之一。
பைடு நூலகம்
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【名称】查士丁尼皇帝和随从 官员镶嵌画 【类别】绘画、镶嵌画 【年代】约作于公元547年 【原属】意大利
二、中世纪绘画
《阿尔诺芬尼夫妇像》
• • • • • • • • 藏 【画作名称】《阿尔诺芬尼夫妇像》 【创作者】扬· 凡埃克 Jan Van Eyck（尼德兰） 【创作年代】1434年 【类别】油画 【题材】风俗 【规格】81.8cm×59.7cm 【材质】油彩 【存藏处】英国国家美术馆（伦敦国家美术馆）
【名画欣赏】世界上最经典的67幅油画赏析
【名画欣赏】世界上最经典的67幅油画赏析1、列奥纳多·达·芬奇——蒙娜丽莎成功地塑造了资本主义上升时期⼀位城市有产阶级的妇⼥形象。
画中⼈物坐姿优雅，笑容微妙，背景⼭⽔幽深茫茫，淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“⽆界渐变着⾊法”般的笔法。
画家⼒图使⼈物的丰富内⼼感情和美丽的外形达到巧妙的结合，对于⼈像⾯容中眼⾓唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系，达到神韵之境，从⽽使蒙娜丽莎的微笑具有⼀种神秘莫测的千古奇韵，那如梦似的妩媚微笑，被不少美术史家称为“神秘的微笑”。
2、路易斯.利奥波德.布⽡伊--桌球，这可是⼈家1807年画的，看看两百年前欧洲⼈的⽣活吧。
3、达维特--拿破仑穿越阿尔卑斯⼭此幅作品是达维特第⼀次刻画现世的英雄，此前，作者只塑造和歌颂古代和已故的英雄，由此可以看出他对拿破仑的崇拜之情。
本画的妙处在于，远景的简约和近景的细腻，⾊彩的冷暖对⽐极为强烈，⼈物和战马的细节刻画⾮常到位。
对于这个理想化的形象，拿破仑本⼈也⼗分满意。
4、普基廖夫--不相称的婚姻该画描绘了⼀青春少⼥与⼀⽼者结合的爱情悲剧。
⽼者被画家描绘得苍⽼憔悴，⽽少⼥则⾯⾊红润，充满青春活⼒。
画家以同情少⼥的笔调，鞭挞了不合理的社会现实。
5、安格尔--⼤宫⼥这幅画在巴黎展出时，曾引起了极⼤的争议和抨击。
评论家德·凯拉特⾥说得较为尖锐，他曾对安格尔的学⽣说：“他的这位宫⼥的背部⾄少多了三节脊椎⾻。
”然⽽安格尔的学⽣阿莫⾥·杜⽡尔则辩解说：“凯拉特⾥可能是对的，可是这⼜怎么样呢？也许正因为这段秀长的腰部才使她如此柔和，能⼀下⼦慑服住观众。
假如她的⾝体⽐例绝对地准确，那就很可能不这样诱⼈了！”6、约翰.埃.密莱--盲⼥两个相依为命的孩⼦，⼀个是盲⼥，另⼀个更⼩的⼥孩紧紧依偎在盲⼥怀⾥，⼀边抬头去观看天上的彩虹，⼀边在给盲⼥讲解⼤⾃然的美丽。
云际彩带当空，原野⼀⽚⾦黄，空⽓是润湿的，在远景的⼩道上有⼏头⾛动着的⽜⽺，近处有飞鸟起落。
世界十大名画赏析
《西斯廷圣母》拉斐尔 尺寸：265×196cm
《西斯廷圣母》为拉斐
尔“圣母像”中的代 表作，它以甜美、悠 然的抒情风格而闻名 遐迩。这幅祭坛画， 指定装饰在为纪念教 皇西克斯特二世而重 建的西斯廷教堂内的 礼拜堂里的。最初它 被放在教堂的神龛上， 至1574年，一直保存 在西斯廷教堂里，故 得此名。现为德国德 累斯顿茨温格博物馆 古代艺术大师馆收藏。
耶稣：“主啊，是我吗？”的瞬间情景。唯有坐在耶稣右侧（即画面
正方左边第五位）的叛徒犹大惊慌地将身体往后倾，一手抓着出卖耶
稣的酬劳，一个装有三十块银币的钱袋，脸部显得阴暗。
•
达芬奇是怎样把犹大的画得如此形象呢？据说当时达芬奇为塑造
犹大的形象已停笔几天，他常站在画前沉思。当时请芬奇作画是按时
付酬金的，后几天不动笔使院长十分恼火，并打算扣芬奇的工资。院
长将想法通过总管告诉芬奇，芬奇说了停笔的原因。总管虽能理解，
但扣工资非他本意，而是承院长旨意。这时芬奇转首看看院长，立即
表示可以很快完成犹大的形象，如果实在找不到犹大的模特儿，就把
院长的头像画成犹大，总管会意地笑了。芬奇之所以用院长作模特儿，
并非完全是出于个人的报复，而是发现院长和犹大都很贪婪金钱，他
• 《西斯廷圣母》是拉斐尔于1512年到1513年间为罗马西 斯廷教堂绘制的作品，长2.65米，宽近2米，画中人物与 真人大小相仿。这幅作品塑造了一位人类的救世主形象。 圣母决心牺牲自己的孩子，来拯救苦难深重的世界。圣母 的另一侧是圣女渥瓦拉，她代表着平民百姓来迎驾，她的 形象妩媚动人，沉浸在深思之中。她转过头，怀着母性的 仁慈俯视着小天使，仿佛同他们分享思想的隐秘，这是拉 斐尔的画中最美的一部分。人们忍不住追随小天使向上的 目光，最终与圣母相遇，这是目光和心灵的汇合。圣母的 塑造是全画的中心。
世界十大名画赏析
世界十大名画赏析1. 星夜 - 文森特·梵高（Vincent van Gogh）《星夜》是梵高最著名的作品之一，展现了他对自然和宇宙的独特观察。
画中用明亮的颜色表达了夜晚的神秘和动感。
2. 蒙娜丽莎 - 列奥纳多·达·芬奇（Leonardo da Vinci）《蒙娜丽莎》是世界上最知名的艺术品之一。
这幅画描绘了一个神秘的女性，她微笑着看着观众，给人一种神秘而迷人的感觉。
3. 吃午饭的人们 - 皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿（Pierre-Auguste Renoir）《吃午饭的人们》是印象派画家雷诺阿的代表作之一。
画中描绘了一群在户外用餐的人们，色彩明亮且充满了生机。
4. 凯旋门 - 傅雷德里克·荣通（Ferdinand Victor Eugène Delacroix）《凯旋门》是一幅描绘法国大革命的画，具有强烈的政治和历史意义。
画中展示了革命战士和人民的壮丽场景。
5. 高仑 - 桑德罗·波提切利（Sandro Botticelli）《高仑》是文艺复兴时期最著名的作品之一。
画中描绘了圣母玛利亚和婴儿耶稣，以及一个天使，呈现出一种恬静和纯洁的氛围。
6. 阿联酋国家画廊 - 伊米尔·纳加尔（Emir Nekmat）《阿联酋国家画廊》是一幅现代艺术作品，描绘了迪拜的壮丽城市景观。
画中的建筑和灯光给人一种奢华和现代感。
7. 雅克梅杰尔写生班 - 埃德加·德加（Edgar Degas）《雅克梅杰尔写生班》是德加最著名的作品之一，描绘了一群学生在画室里学习和创作的场景。
画中展示了德加细致入微的观察和对光影的敏锐捕捉。
8. 夜巴黎 - 乔治·希勒（Georges Seurat）《夜巴黎》是绘制点描画的代表作之一。
整幅画面由无数个小色点组成，呈现出一种细腻而柔和的光线效果。
9. 圣家与圣安妮 - 李奥纳多·达·芬奇（Leonardo da Vinci）《圣家与圣安妮》是达·芬奇的一幅杰作，展示了圣母玛利亚、婴儿耶稣和圣安妮的三代人关系。
世界名画赏析
达芬奇《最后的晚餐》《最后的晚餐》是意大利画家达·芬奇于1495－1497年费时三年为一所修道院的餐厅所作的壁画。
这幅画着重刻划耶稣的门徒在听到主说“你们中间有一个人要卖我了”的时候所表露出来的不同的心理反应。
达.芬奇毕生创作中最负盛名之作。
在众多同类题材的绘画作品里,此画被公认为空前之作,尤其以构思巧妙,布局卓越,细部写实和严格的体面关系而引人入胜。
构图时,他将画面展现于饭厅一端的整块墙面,厅堂的透视构图与饭厅建筑结构相联结,使观者有身临其境之感。
画面中的人物,其惊恐,愤怒,怀疑,剖白等神态,以及手势,眼神和行为,都刻划得精细入微,唯妙唯肖。
这些典型性格的描绘与画题主旨密切配合,与构图的多样统一效果互为补充,使此画无可争议地成为世界美术宝库中最完美的典范杰作。
餐桌旁共十三人，这是他们在一起吃的最后一顿晚餐。
在餐桌上，耶稣突然感到烦恼，他告诉他的门徒，他们其中的一个将出卖他；但耶稣并没说他就是犹大，众门徒也不知道谁将会出卖耶稣。
沿着餐桌坐着十二个门徒，形成四组，耶稣坐在餐桌的中央。
他在一种悲伤的姿势中摊开了双手，示意门徒中有人出卖了他。
大多数门徒在激动中一跃而起，而耶稣的形象却是那么的平静。
我们可以看到他明晰的轮廓衬托在背景墙的窗子里，通过窗子，我们看见恬静的景色，湛蓝的天空犹如一只光轮环绕在耶稣的头上。
先看基督左边的一组三个人：腓力按耐不住地跳起来，带着不可捉摸的疑问转向基督，想弄清这到底是怎么回事，他用手捂着胸口，欲表白自己的真诚的纯洁。
老雅各极度愤慨，摊开双手，身子因失去重心而稍后仰，好象在表示：这简直不可思议。
在他们后面站着的是多马，他尽量按下性子，向基督举着食指向上，说这怎么可能呢？在基督右边的一组三个人中，有一个是犹大，他心虚地急忙扭动身子，惊恐地想远离夫子，并且慌忙地握紧告密所换来的钱袋，战粟而害怕地斜视着基督。
约翰忧柔地把头垂在一边搭拢双手，神志焦虑，不知怎么办是好，在听彼得细言。
外国名画十幅赏析
外国名画十幅赏析
1.《蒙娜丽莎》（达·芬奇）：世界上最著名的绘画之一，展现
了一位神秘女性微笑的面容。
2.《夜巡》（雷姆布兰特）：荷兰黄金时代著名画家创作的油画，描
绘了一个城市里夜晚的巡逻队。
3.《星空》（梵高）：表现了荷兰景色的著名油画，画面形象地呈现
了一片震撼人心的星空下的风景。
4.《岛上的下午》（高更）：描绘了一个寂静、孤独的热带小岛上下
午的太阳，展示了高更简约、强烈的表现主义风格。
5.《吊死蝙蝠》（戈雅）：这幅画展现的是一只吊死在树枝上的蝙蝠，这幅画刻画了无助和恐惧之感。
6.《圆舞曲》（德加）：精致的颜色和线条后现代的技术让这幅画面
看起来与众不同，随着舞蹈周围飘散的裙摆，使人浮想连篇。
7.《蒲公英女孩》（蕾切尔·鲍尔兹）：这幅画面展现了一个雪地上
的女孩，身穿精美的服饰，背景色调柔和，充满童话色彩。
8.《胜利女神》（山德罗·博提切利）：这幅画充满了力量感，展现
了一位三倍体的女神，象征着军事胜利与战争荣誉。
9.《卧室》（梵高）：这是一幅描绘荷兰阁楼卧室的画面，细腻的笔
触和温暖的色调让人感到温馨和安详。
10.《风景和静物》（毕加索）：这是风格明显抽象的艺术作品，对色
彩和线条进行了大胆的处理，在表现一件物品时往往并没有按照现实
来刻划，但仍有着鲜明的个性与美感。
十九世纪法国绘画第一名著名画家保罗·高更十九幅世界名画赏析
十九世纪法国绘画第一名著名画家保罗·高更十九幅世界名画赏析在19世纪末，印象派中出现了一股逆流，与印象派相抗衡，其主要人物是塞尚、梵高和高更。
他们是20世纪现代主义绘画的各种“主义”的源头。
在以他们为代表的所谓后印象派的艺术中，可以看到对形体结构问题的回归，对表面设计、色彩内涵及装饰性的重视，对表现性变形的自觉运用。
法国画家塞尚是后印象派的重要人物，与印象派画家注重描绘转瞬即逝的视觉感受意向相反，他试图实现一种新的坚实结构，并力求对所见事物进行高度理性的综合。
他成为立体主义的先驱和20世纪各种理性化抽象艺术的开拓者。
不过塞尚的绘画仍然保留了古典的形式观念，因此，严格地说，他只是一把打开现代艺术的钥匙。
《玩牌者》和著名的风景画《圣维克图瓦山》为其代表作。
荷兰画家梵高的名字在现代艺术中也许是最出名的，因为他的画具有最独特的个性和非凡的魅力。
在形与色的处理上，他喜欢用夸张或简化的手法，削弱传统的光影手法，有意识地强化色彩价值，利用色彩对比取得和谐。
通常认为现代主义肇始于以塞尚、高更和梵高为首的后印象派。
所谓后印象主义是指塞尚、梵高和高更的艺术观念和艺术创造。
他们三个人最初都是学印象主义的。
塞尚和高更还参加过印象主义画展，梵高虽然没有参加过印象主义展览，但他一直自称是印象主义。
后来他们三人都认为绘画不能仅仅像印象主义那样去模仿客观世界，而应该更多地表现画家对客观事物的主观感受，他们虽有共同的创作倾向又有各自鲜明的艺术个性：塞尚一生的创作活动都是为了追求心目中永恒性的形体和坚实的结构，以创造形象的重量感、体积感、稳定感和宏伟感，最后达到简单化和几何化的效果，这使他成为后来的立体主义和抽象主义的始祖。
高更主张不要面对实物，而凭记忆作画，提倡综合的和象征的美学原则。
梵高的新画风，可以说是印象主义、新印象主义，日本的浮世绘版画融合在他个人气质中的产物，是东西方绘画合流的结果。
梵高的画，一个突出的特点是强烈地表现了自己的个性。
世界10大名画赏析
世界10大名画赏析如下：1. 蒙娜丽莎：达芬奇的《蒙娜丽莎》是世界上最杰出的肖像画，这幅画中的女性形象充满了神秘的魅力，她的微笑让人难以捉摸。
2. 最后的晚餐：达芬奇的《最后的晚餐》是一幅著名的大型壁画，现收藏于米兰的马里诺教堂。
这幅画描绘了耶稣在最后晚餐中与众门徒的场景，其中包含了宗教、人性、情感等多重主题。
3. 田园合奏：卡拉瓦乔的《田园合奏》是一幅色彩明快、富有生活气息的画作，展现了田园生活的和谐与美好。
4. 自由引导人民：德拉克洛瓦的《自由引导人民》是一幅描绘法国大革命时期的油画，展现了自由与民主的象征。
5. 亚维农的少女：毕加索的《亚维农的少女》是立体主义时期的代表作品，这幅画运用了几何形状和线条来表现少女的身体，具有很强的视觉冲击力。
6. 星月夜：梵高的《星月夜》是一幅表现主义风格的油画，这幅画展现了一个充满奇幻色彩的夜晚景象，表达了梵高内心的情感和追求。
7. 创造亚当：《创造亚当》是米开朗基罗的著名雕塑作品，被视为基督教艺术的杰作之一。
这幅作品表达了上帝创造人类的重要主题，具有很高的艺术价值和宗教意义。
8. 创造圣母玛利亚：乔托的《创造圣母玛利亚》是文艺复兴时期的一幅著名壁画，表现了圣母玛利亚诞生的场景，具有很高的艺术价值和历史价值。
9. 大宫图：弗里兹·封·瓦洛特的《大宫图》是一幅表现宫殿生活的油画，描绘了豪华的宫廷生活和各种人物形象，具有很高的艺术价值和历史价值。
10. 自画像：塞尚的《自画像》是印象派时期的代表性作品之一，通过运用色彩和形式感的探索，表达了画家对自我形象和艺术创作的思考。
这些名画各具特色，展现了不同时期、不同文化背景下的艺术风格和审美观念。
它们不仅是艺术品，更是人类文明和历史的重要载体，对于了解和欣赏艺术史有着重要的意义。
总的来说，这些名画都具有极高的艺术价值和历史价值，同时也反映了不同时期、不同文化背景下人们的生活状态、思想观念和审美追求。
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世界名画欣赏罗丹说：“生活中从不缺少美，而是缺少发现美的眼睛。
”是啊，生活中从来就不会缺少美，而是我们往往忽略了它。
生活中有许许多多的美，其中之一就是世界名画之美，下面我将介绍两幅名画以及我对他们的理解。
一、《最后的晚餐》这幅世界名画是由意大利伟大的艺术家列奥纳多.达.芬奇创作的，是他直接画在米兰一座修道院的餐厅墙上的。
它主要描绘了在庆祝逾越节（是犹太教的主要节期之一。
逾越节是犹太历正月十四日白昼及其前夜，是犹太人的新年，犹太民族的四大节日之一（第二个是犹太历七月吹角节—赎罪日—住棚节，一个节日系列；第三个为献殿节；第四个是普尔节）。
逾越节是基督的一个预表。
）的前夜，耶稣和他的十二门徒坐在餐桌旁，共进庆祝逾越节的一顿晚餐。
餐桌旁共十三人，这是他们在一起吃的最后一顿晚餐。
在餐桌上，耶稣突然感到烦恼，他告诉他的门徒，他们其中的一个将出卖他；但耶稣并没说他就是犹大，众门徒也不知道谁将会出卖耶稣。
沿着餐桌坐着十二个门徒，形成四组，耶稣坐在餐桌的中央。
他在一种悲伤的姿势中摊开了双手，示意门徒中有人出卖了他。
大多数门徒在激动中一跃而起，而耶稣的形象却是那么的平静。
我们可以看到他明晰的轮廓衬托在背景墙的窗子里，通过窗子，我们看见恬静的景色，湛蓝的天空犹如一只光轮环绕在耶稣的头上。
在耶稣右边的一组中，我们看到一个黑暗的面容，他朝后倚着，仿佛从耶稣前往后退缩似的。
他的肘部搁在餐桌上，手里抓着一只钱袋。
我们知道他就是那个叛徒，犹大.伊斯卡里奥特。
犹大手中的钱袋是他的象征，它使我们想起，他就是为耶稣和其他门徒保管钱财的人，钱袋里装着出卖耶稣得来的三十块银币的赏钱。
犹大的侧面阴影旁是圣.彼得，我们也可以看见他一头银丝与一副白晰的手，他向年轻的圣.约翰靠去。
彼得垂在臀部的右手握着一把刀，仿佛在偶然中，刀尖对着犹大的背后。
圣.约翰的头朝彼得垂着。
在所有门徒中，他是耶稣最喜爱的一个。
约翰象耶稣那样平静，他已经领悟了他主人的话。
耶稣左边是小雅各，他力图去理解他所听到的可怕的话，他两手摊得大大的惊叫了起来。
从小雅各的肩上望去，我们看到了圣托马斯，疑惑不解的托马斯，他怀疑的神色通过他竖起的手指表现出来。
小雅各的另一边，圣.菲利普往耶稣靠去，双手放在胸前似乎在说：”你知道我的心，你知道我是永远不会出卖你的。
”他的脸由于爱和忠诚而显出苦恼的神情。
围着耶稣的这六个门徒，处于故事的发生的中心。
巴塞洛缪与老雅各的身体向他们倾着，而他们身旁的老安德鲁并没有站起来，但他想听听，于是便举起手似乎要求安静。
右边还剩下最后三个门徒，他们正在讨论有关耶稣说的那句话，他们的手指也指向餐桌的中央。
到此为止，画里十三个人的外貌，情绪和性格特征，活灵活现地印入我们的脑子里，观赏画的人好像随画中人经历了这一严重时刻。
这是一群典型的人物，具有典型的性格，处在典型的环境中。
画面具有戏剧冲突的舞台艺术效果，它是一幅具有划时代意义的情节性历史画，这个题材曾为达芬奇之前的不少画家所描绘过，但唯有达芬奇的《最后的晚餐》为空前的杰作画面利用透视原理，使观众感觉房间随画面作了自然延伸。
为了构图使图做得比正常就餐的距离更近，并且分成四组，在耶稣周围形成波浪状的层次。
越靠近耶稣的门徒越显得激动。
耶稣坐在正中间，他摊开双手镇定自若，和周围紧张的门徒形成鲜明的对比。
耶稣背后的门外是祥和的外景，明亮的天空在他头上仿佛一道光环。
他的双眼注视画外，仿佛看穿了世间的一切炎凉。
达.芬奇毕生创作中最负盛名之作。
在众多同类题材的绘画作品里，此画被公认为空前之作，尤其以构思巧妙，布局卓越，细部写实和严格的体面关系而引人入胜。
构图时，他将画面展现于饭厅一端的整块墙面，厅堂的透视构图与饭厅建筑结构相联结，使观者有身临其境之感。
画面中的人物，其惊恐，愤怒，怀疑，剖白等神态，以及手势，眼神和行为，都刻画得精细入微、惟妙惟肖。
这些典型性格的描绘与画题主旨密切配合，与构图的多样统一效果互为补充，使此画无可争议地成为世界美术宝库中最完美的作品。
《最后的晚餐》在艺术形式的处理上也是极为完整和成功的。
画面的构图并不复杂，基本上是在一直线上穿插变化的，因此总的是在单纯中见丰富。
大师把十三个感情激荡的人物有机地组合在一起，既有区别又紧密联系，既突出了基督的主要形象，又层次分明地刻划出每一个人的外貌和性格特征，高度地概括又深刻地揭示了这一戏剧性的场面。
画家尽可能地调动了一切艺术手段，着意表现出耶稣的临危不俱、神态自若。
画家将十二个门徒三人一组平均对称地分配在基督的两边，以其各自的动作和表情与基督发生联系和呼应。
整个环境和道具的处理比较单纯，为的是更加突出激动的人物，这些独具匠意的艺术处理，使艺术语言显得高度精炼。
达到炉火纯青的境界。
五百年过去了，这位文艺复兴时期的天才“巨人”的伟大作品，对于我们中国的画家和观众，仍然具有极大的魅力，艺术是人类共有的精神财富。
《最后的晚餐》这幅画虽然歌颂的是基督教的主题，我们并非赞美基督教的精神的伟大。
但画家笔下所描绘的不是神而是人，是人类社会中真、善、美的化身，是人类善恶的对比写照。
大师所歌颂的不是神的力量，而是人的善良、正义的美德；斥责的是卑鄙和丑恶的叛徒行为。
因此，这件杰作在历史上永远是不朽的，它不仅属于意大利人民，也属于全世界的人民。
通过欣赏这幅画也让我对美有了深刻的理解，这幅画不仅线条美丽，人物表情和形态刻画的更美，画面的构图并不复杂，基本上是在一直线上穿插变化的，因此总的是在单纯中见丰富。
它让我明白，美并不一定代表复杂和色彩鲜艳，有时候简简单单更美。
美丽也不一定代表华丽，金碧辉煌，简单的构图也是一种美。
达芬奇用一种简单的构图却更加加深了人们对画面之美的印象。
它的美不在表面，而在于人物形象、形态的刻画之美，它是内在的美，让人们久久无法将其忘记。
看了这幅画，我对美有了全新的认识，对于美不在再那么局限，内在之美才是真的美。
二、《割耳朵后的梵高》中文名：扎着耳朵的自画像外文名Self-Portrait with Bandaged Ear 创作时间1889年1月创作地点阿尔Arles类型画布油画Oil on canvas尺寸60x49cm888年梵·高邀请高更来阿尔同住，但两个固执的艺术家却是不断的争吵。
在一场剧烈争执后，高更大怒而去，梵·高无法阻止，亦无法抑制自己的激动，竟割下自己的右耳。
世界把自己的癫狂最先传染给人类的画师就像曾经给他的笔端注入魔力[2]。
我们惊讶地注视着梵·高扭曲的面孔、恐怖的眼神和颤抖的手势：他仿佛在代替整个人类受刑，成为痛苦的化身。
想到这里，也就能理解梵·高作品中挣扎的线条与狂舞的色块：倾泄的颜料里调和着他的血，而画布，不过是他包扎伤口的绷带。
这是一位生活在伤口里的大师，他习惯用伤口对世界发言。
这是一个疼痛的收割者，他的镰刀最终收获了自己的耳朵。
梵·高死了，却留下了一只著名的耳朵——这最后的遗物似乎并没有失去听觉，收集着后人的议论。
这只在故事中存在的失血的耳朵，至今仍像埋设在我们生活中的听诊器，刺探着我们的良心。
梵·高死了，耳朵还活着，还拥有记忆。
为什么不在他呻吟与崩溃的时候，扶持他一把——世界，你听见了吗？你的耳朵长在何处？他据此画的这幅自画像，成为他最具代表性的作品之一。
他家头缠绷带，面孔消瘦，眼睛深陷，流露出悲愤和绝望的感情，整个画面好像处一于滚动的波涛之中，汹涌的狂流似乎在威胁着狂热不安的画家，给人造成一种巨大的视觉冲击力量。
创作背景在巴黎期间，他创作了从第一幅《戴黑色毛毡帽的自画像》到1888年初的《画架前的自骊像》共八幅自画像。
1888年2月，梵高在朋友的推荐下来到法国南部小城—阿尔，从而迎来了他创作的高峰期，这一期间《自画像—献给高更》和《包扎耳朵的自画像》等三幅自画像诞生。
1889年在来到雷米尔后他又创作了最后的三幅自画像。
1888年梵·高邀请高更来阿尔同住，起初他们相处愉快，但随着梵高病情反复，两个的艺术家却是不断的争吵。
在一场剧烈争执后，高更大怒而去，梵·高无法阻止，亦无法抑制自己的激动，竟割下自己的右耳。
文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh，1853－1890），荷兰后印象派画家。
他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。
梵高的作品，如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等，现已跻身于全球最具名、广为人知与昂贵的艺术作品的行列。
1853年3月30日生于津德尔特，1890年7月29日在法国瓦兹河畔因患精神病自杀身亡。
早年经商，后热衷于宗教，1880年以后开始学习绘画。
曾在巴黎结识E.贝尔纳、P.西涅克和P.高更等画家。
1890年7月29日，梵高终因精神疾病的困扰，在美丽的法国瓦兹河畔结束了其年轻的生命，是年他才37岁。
早期作品受印象主义和新印象主义画派影响，代表作有《食土豆者》、《塞纳河滨》等。
曾两次在咖啡馆和饭馆等地向劳工阶层展出自己的作品。
不久厌倦巴黎生活，来到法国南部的阿尔勒，开始追求更有表现力的技巧；同时受革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，大胆探索自由抒发内心感受的风格，以达到线和色彩的自身表现力和画面的装饰性、寓意性。
台湾译名梵谷。