当代艺术设计方法综述
新时期昆曲《长生殿》 舞台艺术实践研究综述
新时期昆曲《长生殿》舞台艺术实践研究综述在经历了多年的阵痛与沉寂之后，中国戏曲界在二十一世纪初迎来了一次艺术上和商业上的重新崛起。
这个重新崛起的势头，根本上来说，得益于中国大陆改革开放造就的持续三十多年之久的经济高速增长，国力持续增强，从而使作为传统文化重要组成部分之一的戏曲重新得到政府、资本、民众的重视，更促使戏曲从业者和研究者对戏曲的传承与创新加大投入。
在此基础上，创作出一批现代化、创新化、市场化的戏曲作品，在艺术领域和商业层面都取得了不错的成绩，整体上推动了戏曲文化的复苏。
在二十一世纪头十年戏曲的复苏潮流中，昆曲是其中非常抢眼也非常重要的一环。
昆曲在清朝中后期即步入下坡路，到清末已经沦落到“有曲无戏”甚至“无戏无曲”的程度。
从清末直到二十世纪八九十年代的一百多年里，昆曲中的几部经典作品如《长生殿》、《桃花扇》、《牡丹亭》等基本已没有戏班或剧团可以全本演出。
进入二十世纪九十年代，国内几个比较有实力的昆曲剧团如苏州昆剧院、上海昆剧团等开始创作编排经过整理删改的全本《长生殿》、《桃花扇》、《牡丹亭》等经典剧目，取得了一定成果，并在二十一世纪初得到政府、民间的鼎立支持，加之与“昆曲义工”白先勇等台湾昆曲从业者的合作，先后排出四十多个昆曲剧目，，主要的如苏州昆剧院推出顾笃璜执导的传统大戏《长生殿》和白先勇策划的青春版《牡丹亭》，以及郭启宏据《浣纱记》改编的新戏《西施》；上海昆剧团推出新编历史剧《班昭》和创新剧目《一片桃花红》，整理传统剧目《邯郸梦》和四本连台的全景式《长生殿》；浙江昆剧团推出新编历史剧《公孙子都》，排演移植新剧目《徐九经升官记》；永嘉昆曲传习所推出依据南戏名著改编的《张协状元》，永嘉昆剧团新排传统剧目《折桂记》和《琵琶记》；湖南省昆剧团推出整理本《彩楼记》，还有创新剧目《湘水郎中》；江苏省昆剧院演出依据南戏名著改编的《小孙屠》，以及精华版《牡丹亭》和整理本《绿牡丹》，还推出新制作的《1699·桃花扇》；北方昆曲剧院演出依据南戏名著改编的《宦门子弟错立身》，以及新编的《百花公主》和《关汉卿》等。
设计与构成在艺术发展史上的表现方法
设计与构成在艺术发展史上的表现方法摘要：本文主要研究探讨设计与构成在艺术发展史上的表现方法，首先探究设计与构成的概念、作用及应用。
其次深入了解艺术发展历史，在艺术发展历史上有关设计与构成的部分进行更加深入的探讨。
最后探究在艺术发展史上有关设计与构成有关部分—理论知识发展，作品案例展示，对未来发展的影响。
结合这些方面展开深入研究从而了解设计与构成在艺术发展史上的表现方法。
本文的探究可以更深入的了解设计与构成在艺术发展史上的表现方法，推动设计与构成在艺术领域的发展，为设计与构成在艺术发展的未来史上提供了有益的启示。
关键词：设计与构成；艺术；表现；引言设计与构成是作为具有目的性的一种思维活动并最终创造出具有功能意义的造型的过程，以体现出设计与构成之间的密切关系。
设计与构成之间的进一步融合，“构成同时也是一种视觉化的构成，其实质内容主要是研究和运用抽象化的点、线、面、体在动态和静态意义下的形成规律，并通过整理、归纳、提炼、加工重新用之平面的或立体设计构成。
”【1】近代艺术革命以后,运用自律性的造型语言，即点、线、面、色、光、时间、空间等各种要素或各种有形的物质材料，在二维和三维空间中以触觉性、视觉性的方式进行创造性地组织。
一、设计与构成概述（一）设计与构成的定义和地位设计构成是指设计师在创作过程中所采用的视觉、触觉、听觉等元素的组合方式：以及这些元素之间的相互作用和影响。
设计构成是设计的基础,是设计师表达思想、传达信息、塑造形象的重要手段。
在本文中，我将解析设计构成的概念、原理和实际应用,并探讨设计构成对于设计的重要性和影响。
设计构成包括设计元素的组合、排列、比例、对比等手法以及设计元素的功能性、文化性、时代性等方面的考虑。
设计与构成在艺术设计中是一种非常重要的设计手段，对艺术设计有着非常深远的影响，结合设计与构成的定义、特点以及艺术设计的设计要求和需求。
（二）设计与构成的起源起源于俄罗斯构成主义的起源可以追溯到20世纪初期的俄罗斯。
坐具设计文献综述
毕业设计文献综述工业设计坐具设计一、前言芬计师塔佩瓦拉((Iimari Tapiovaara)曾说：“椅子的设计是任何室内设计的开端。
”椅子设计的问题解决了，其他各类家具的设计皆能触类旁通、迎刃而解。
因为首先一个基本概念是：没有任何物品的设计与人类的密切关系能超过椅子；同时，也没有任何一种类型的家具在创造和销售上达到椅子这样的广泛性[1]。
所以长期以来，人们在椅子的设计、创造、革新上所进行的探索和努力超过了任何类型的家具。
任何一位设计师通过一张椅子的创作，同时也在演绎着椅子本身特殊的需求和功能。
在实用设计的层面上，一件椅子的设计与创作要与人们心理与生理产生联系，以及考虑座椅的造型和材质。
与此同时，还必须联系到使用者在知识、情感、美学、文化等精神层面上的特殊需要。
在另一方面，就是设计与制造、工艺、结构之间的基本联系。
现代文明的高度发达，信息文化的广泛传播，使人们的生活发生了翻天覆地的变化。
人们需要“多元化”的设计来满足变化快、需求多、品味高的生活方式[2]。
而坐具是家具中与人关系最密切的器具，所以坐具的设计也要随着社会的日益进步而进步，随着科技水平的提高而提高。
坐具的设计不仅要在功能上得以改善和提高，还应在外观上得以突破，不仅能满足人们的生理需求，也能满足人们的心理需求。
二、主题（一）坐具概况1.坐具的发展历程（1）椅子的发展过程椅子的名称源于唐代，而椅子的形象则要追溯到汉魏时北方传入的胡床。
唐代以前椅字，多指车上的围栏，其作为人在乘车时的依靠，起安全围护减轻疲劳作用。
后世椅子的形式就是受此启发而形成的。
从现存资料看，唐代的椅子已相当华丽。
如：在《历代帝王像》中唐太宗所坐的椅子就十分精制，四条直腿，带束腰，棱角处起线，上侧安托角牙，后背部立四柱，中间两柱稍高，项上装弧形塔脑，两端长出部分雕成龙头。
扶手由后中柱绕过边柱向前兜转搭在前立柱上，扶手与坐面中间空当嵌圈口花牙。
扶手尽端亦雕成龙头，与后背搭脑融为一体。
当代墨子设计思想研究综述
当代墨子设计思想研究综述汪笑楠【摘要】Mo Tzu’s theory is abundant of design philosophy which has extremely precious research value in design history and active guiding function in present development of design practice. However, for a long time, this philosopher had not been attached importance to and studied in the academia until 2003 that his design philosophy was gradually focused by designers. Currently, a number of scholars have deeply studied his thoughts, such as“save”,“universal love”,“the three will”and“the three noes”. Based on that, the paper analyzes and summarizes the current studies of Mo Tzu’s design philosophy from horizontal and vertical dimensions, thus to conclude the achievements and the shortages. Meanwhile the direction for the future development is also pointed out aiming at providing academic and theoretical support for relative studies.%墨子的学说蕴涵着丰富的设计思想，具有极其珍贵的设计史学研究价值，对于今天设计实践的发展也将起着积极的指导作用，但长期以来，许多学者忽略了对此方面的关注和研究。
当代陶艺中点、线、面的运用
1点线面概念的基本综述伴随着人类社会审美情趣的逐渐提升，纵观艺术家们的展出作品，不难察觉艺术家们的创作思维观念也一直在与时俱进，陶艺创作分别在造型、功能和装饰语言表达上都有不断创新。
在继承传统陶瓷艺术技艺的同时，艺术家们创作出了越来越多符合当代审美理念的现代陶艺。
从装饰意义层面去看，代表着艺术表现形式中最基本的存在———点线面三元素，亦可将它解读为是艺术创作中的DNA，它们也有直接间接的介入于陶瓷艺术创作中，让本具有质朴气息的陶艺语言添抹活力色彩。
平面构成中的点线面三要素有着大小、色彩、肌理、方向、位置和形状上的变化，包豪斯成立后，对点线面三元素概念开始逐渐形成了较为完善的教学体系，进而发展成为了艺术类院校必修的设计基础课程。
艺术家们通过对三元素之间关系的组合排列及运用来达到理想的艺术效果。
现代陶艺作品利用点、线、面元素的组合，可以形成二维平面、三维立体、亦或是二维三维结合组成的现代装饰，使陶艺作品在简约的基础上不会失去它独特的感染力。
三元素的二维平面体现是黄琳祎袁曹春生（景德镇陶瓷大学,景德镇333000）由于人类社会文明的发展和演变，审美取向更青睐于极简主义。
而点、线、面三元素的加入正好丰富了极简主义的装饰表达，给原本质朴的陶艺作品注入些生机活力。
CeramicArt陶瓷艺术(1994—),女,汉族,江西南昌市人,在读美术学硕士,研究方向:陶瓷艺术历史与理论。
曹春生(1960—),男,汉族,江西都昌人,艺术学博士,教授,硕士生、博士生导师,江西省中青年学科带头人,景德镇陶瓷大学雕塑研究所所长。
研究方向:雕塑专业。
在陶瓷表面做装饰，而三维立体体现是可以在立体造型上做大胆突破。
点、线、面三元素已经渗透于现代陶艺各处，若合理运用配合好，则能使现代陶艺的时代特征更具代表性。
在运用得当三元素的陶艺作品里，无论是陶瓷本身造型形态还是陶瓷表面点缀装饰，三元素之间的起伏、转折、排列都可以渲染出陶艺语言独特的生命力。
交通建筑中的当代艺术设计——武汉市轨道交通2号线设计实例分析
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折衷主义建筑设计综述
折衷主义建筑设计综述一、折衷主义建筑的定义折衷主义建筑是一种设计理念和风格，它混合或折衷了不同历史时期、不同地区的建筑风格和元素，以创造出独特的建筑形式。
这种风格的建筑不拘泥于单一的历史或地区风格，而是灵活地吸收各种风格的优点，进行自由的组合和融合。
二、历史背景与发展折衷主义建筑起源于19世纪中叶的欧洲，当时随着城市发展和文化交流的增多，建筑风格也呈现出多元化的趋势。
由于历史和地区的限制，一种风格的建筑无法满足各种需求，因此折衷主义建筑开始逐渐流行。
这种风格在19世纪末到20世纪初达到了顶峰，并在世界各地都有所体现。
三、设计特点与风格折衷主义建筑的设计特点是灵活性和自由性，它可以混合各种风格的元素，如古典的、浪漫的、哥特式的、文艺复兴的等。
这种风格的建筑常常采用复杂的装饰和细节处理，以创造出独特和引人注目的外观。
折衷主义建筑的风格多变，但通常都具有华丽、繁复和独特的特点。
四、建筑材料与技术折衷主义建筑在材料和技术方面也有所创新。
随着工业革命的发展，新型的建筑材料和技术不断涌现，使得折衷主义建筑得以实现更加复杂和独特的结构形式。
同时，各种装饰材料也被广泛应用于折衷主义建筑的外观和室内装饰中。
五、典型案例分析许多著名的建筑师都曾采用折衷主义风格进行建筑设计，如法国的加尼叶、英国的斯科特等。
他们的作品往往成为折衷主义建筑的代表，如巴黎歌剧院和利物浦伊丽莎白塔等。
这些建筑的外观华丽、细节处理精致，具有很高的艺术价值和文化意义。
六、对后世的影响虽然折衷主义建筑在20世纪中期逐渐被现代主义建筑所取代，但其影响仍然存在。
许多现代建筑设计都从中汲取了灵感，如混合使用不同风格的元素、注重装饰和细节处理等。
同时，随着后现代主义的兴起，折衷主义建筑的理念和风格也得到了新的诠释和应用。
七、当代的折衷主义建筑虽然现代主义和后现代主义建筑占据了主导地位，但折衷主义建筑仍然在一些领域有所应用。
例如，一些历史街区和文化遗产的保护与再利用，以及一些旅游景点和商业建筑的外观设计等。
非遗元素在当代设计中的运用研究以秦淮灯彩为例
非遗元素在当代设计中的运用研究以秦淮灯彩为例一、内容概览随着全球经济一体化的不断推进，各国文化交流日益频繁，传统文化在当代设计领域的运用也越来越受到关注。
非遗元素作为传统文化的重要组成部分，具有丰富的历史底蕴和独特的审美价值，其在当代设计中的运用不仅有助于传承和弘扬民族文化，还能为现代设计注入新的活力。
本文以秦淮灯彩为例，探讨非遗元素在当代设计中的运用研究。
A. 研究背景和意义随着全球经济一体化的不断推进，各国之间的文化交流日益频繁，传统文化的保护与传承成为了一个重要的议题。
非物质文化遗产(Intangible Cultural Heritage,简称非遗)作为人类文明的重要组成部分，承载着丰富的历史信息、民间智慧和艺术价值。
在当代设计领域，非遗元素的运用不仅有助于弘扬传统文化，提升民族自豪感，还能为设计师提供灵感来源，推动创新发展。
因此研究非遗元素在当代设计中的运用具有重要的理论和实践意义。
以秦淮灯彩为例，秦淮灯彩起源于中国南京市秦淮区，是江苏省非物质文化遗产之一。
秦淮灯彩以其独特的制作工艺、丰富的图案和寓意深受人们喜爱，被誉为“东方艺术明珠”。
然而随着现代生活节奏的加快，传统手工艺逐渐被机械化生产所取代，秦淮灯彩的传承面临着严峻的挑战。
因此研究非遗元素在当代设计中的运用，对于保护和传承秦淮灯彩这一非物质文化遗产具有重要意义。
首先研究非遗元素在当代设计中的运用有助于提高非遗文化的知名度和影响力。
通过对秦淮灯彩等非遗元素在当代设计中的运用进行深入研究，可以让更多人了解和认识到非遗文化的独特魅力，从而提高非遗文化的知名度和影响力。
其次研究非遗元素在当代设计中的运用有助于推动非遗产业的发展。
将非遗元素融入现代设计中，可以创造出具有独特韵味的产品，满足市场需求，从而推动非遗产业的发展。
同时非遗产业的发展也可以为非遗文化的传承提供经济保障，实现可持续发展。
研究非遗元素在当代设计中的运用有助于促进文化创新，非遗元素蕴含着丰富的历史信息和民间智慧，将其融入现代设计中，可以为设计师提供新的创作思路和灵感来源，推动文化创新。
美术史论研究方法的文献综述研究
美术史论研究方法的文献综述研究作者：张煜佳来源：《大观》2016年第06期摘要：近年来随着社会不断进步，人们生活水平逐渐提升，其越来越关注到美术等艺术领域的发展，美术史论作为其中典型代表，能够有效总结美术发展史，并吸收以往先进经验，构建全新美术体系，更好地满足人们对艺术的需求。
在科学技术日新月异的背景下，美术历史研究工作的方法和理念逐渐增多，在很大程度上丰富和充实了美术史研究资料。
关键词：研究方式；美术史论；文献综述美术能够给人带来美的享受，提升人们审美意识和水平，研究美术史论，不仅可以丰富美术史上资料，更有利于促进现代美术持续发展，在研究过程中，应注重研究方法的使用，选择最恰当的方式，提高研究过程的效率和质量。
研究方法主要是指科学活动中会采用的程序、系统思考等，以科学的研究方法探讨美术史论，为美术学界提供研究成果的同时，还促进各领域相互交流，如美术史论资料可以为历史研究、文学研究提供参考依据，论证那个年代的艺术发展情况。
一、美术史论研究方法文献综述（一）整体化美术史论研究方法基于美术史论的发展过程，“整体化”的研究方式都占据着重要地位，其将美术史历史当成一个完整的结构，并运用整体理念阐述、解释历史现象，从而确保历史分析过程内在的科学性。
使用整体化美术史论研究方法的代表人物有德国著名美术史研究学者帕诺夫斯基，其也是探究图像学的典型代表，为美术史研究作为了重大贡献，主要有以下两方面的内容：一是丰富阐述美术作品题材[2]，将艺术现象寓于整体文化环境中，明确每一件美术作品代表的含义，并将文化符号赋予重新的生命力，共同推进文明进程，在实际研究过程中，必须清楚把握符号之间的关系，对美术作品进行准确、全面的解释；二是创造重新体验美术作品的条件[3]，构建具有感染力的文化环境，从整体的角度出发，重新在当时的文化背景下体验美术作品。
在研究美术史论的过程中，应充分挖掘、利用相关历史文献资料，促使研究人员更深入的理解美术作品。
办公楼设计文献综述范文模板例文
办公楼设计文献综述范文模板例文办公楼是建筑风格的代表，具有突出的艺术表现力和个性。
目前，国内写字楼建设发展迅猛，许多现代化办公楼表现出了高度的规划、技术水平、设计思想和先进技术，在国内众多办公楼项目中脱颖而出，得到了国内外专家学者的认可。
这一点值得肯定；但同时也应该看到国内写字楼建筑工程仍处于初级阶段，其建设水平、管理水平与国外还有一定差距。
因此也应重视研究其建筑艺术、技术表现力和管理力度。
对我国当前办公楼规划设计理念进行总结和分析。
本文根据我国已建成办公楼项目中比较典型的表现形式和特点来进行分析总结。
阐述对当前办公楼建设的发展趋势分析及国内外相关研究成果等内容，以期为国内设计者提供一些借鉴与参考。
文章结构合理，内容全面。
有较强的理论性，论述有说服力，可供各位参考使用（此篇文章仅代表作者观点）一、概述随着我国综合国力的增强、人民生活水平的提高，办公场所也得到了快速的发展。
随着我国经济发展水平的不断提高，对于办公场所建设也有了一定的要求。
因此现代化写字楼也呈现出蓬勃的发展趋势。
我国写字楼呈现出高度集中化、多样性和专业化的特点，主要表现为：1.写字楼主要功能：办公、商业、居住空间。
2.办公楼建筑特点：现代感强、建筑材料多样、高科技含量、现代感强。
3.办公楼设计与室内环境：高科技、新技术、绿色节能。
4.国外典型例子：美国芝加哥国际金融中心、香港金沙中心、日本东京总理府等。
5.发展趋势：随着我国经济建设和人民生活水平不断提高，办公楼建设在我国取得了长足发展。
经过多年发展已形成了规模较大的办公楼群和众多配套设备齐全、配套设施完善和技术水平先进的办公楼。
同时也促进了建筑领域技术进步和建筑市场竞争的日益激烈。
二、典型建筑设计特点分析目前国内许多办公楼设计是遵循现代建筑学、经济、环境、景观等理论的发展，并将这一理论运用到设计实践中去进行表现和应用。
它体现了现代化的设计理念和风格，并取得了较好的设计效果。
写字楼建设强调整体规划和风格统一，注重环境的可持续性发展。
美术学毕业论文文献综述
美术学毕业论文文献综述美术学是一门研究艺术和美学的学科，它涵盖了广泛的主题和领域，包括绘画、雕塑、摄影、设计等。
本文旨在对美术学领域的文献进行综述，以探讨美术学研究的前沿和发展。
1. 美术教育研究美术教育是培养学生创造性思维和艺术表达能力的重要途径，其研究包括教学方法、教材设计、评估和评价等。
Jones等人（2017）对美术教育的现状进行了调查研究，发现了学生和教师在课程内容和评估方面的不足，并提出了提高美术教育质量的改进措施。
2. 艺术史研究艺术史研究关注艺术作品的历史演变和文化背景，以揭示艺术家的创作动机和作品的意义。
Smith（2015）对文艺复兴时期的绘画进行了详细的分析，探讨了艺术家们的艺术理念和创作技巧对当时社会的影响。
3. 创意设计研究创意设计强调将艺术和设计融为一体，追求独特和创新的表达方式。
Johnson（2016）探讨了数字技术对创意设计的影响，指出数字工具提供了新的创作方式和表现手段，为艺术家和设计师带来了更多的可能性。
4. 艺术心理学研究艺术心理学研究人们对艺术作品的感知和情感反应，以及艺术对人们心理状态和健康的影响。
Zhang和Li（2018）通过实验研究，探讨了不同类型的艺术作品对人们情绪和心理健康的影响，结果表明，艺术作品可以提高人们的情绪和心理福祉。
5. 艺术市场研究艺术市场研究关注艺术品的价值评估和交易行为，为艺术家、收藏家和市场机构提供决策依据。
Brown（2019）对当代艺术市场的研究发现，艺术品的价值受到市场需求、艺术家声誉和社会背景等多方面因素的影响。
6. 艺术治疗研究艺术治疗是一种将艺术和心理治疗相结合的方法，用于帮助人们处理情绪问题和提升心理健康。
Davis（2017）对艺术治疗在儿童自闭症患者中的应用进行了研究，发现艺术治疗可以促进患者的社交交往和情感表达能力。
7. 艺术文化研究艺术文化研究探讨了艺术作品与社会文化之间的相互关系，以及艺术对社会变革和文化传承的作用。
行为艺术文献综述
行为艺术文献综述行为艺术作为一种独特的艺术形式，自 20 世纪中叶以来逐渐在全球范围内兴起并发展。
它以其独特的表达方式和深刻的内涵，挑战着传统艺术的边界，引发了广泛的关注和讨论。
行为艺术的起源可以追溯到20 世纪初的欧洲前卫艺术运动。
当时，一些艺术家开始尝试突破传统绘画和雕塑的形式，通过身体动作和现场表演来传达艺术观念。
例如，意大利未来主义者在他们的作品中强调速度和动态，将身体的运动融入艺术表达之中。
在行为艺术的发展过程中，不同的艺术家和流派有着各自独特的风格和理念。
马塞尔·杜尚的《泉》可以被视为一种早期的观念艺术行为，它挑战了人们对艺术作品的传统定义。
而维也纳行动派则以其激进和具有挑战性的表演而闻名，他们的作品常常涉及身体的伤害和极端的情境，引发了社会的强烈争议。
行为艺术的核心特点之一是其强调现场性和即时性。
与传统艺术作品可以被多次观赏和复制不同，行为艺术的发生是一次性的、不可复制的。
观众的参与和互动也是行为艺术的重要组成部分。
艺术家通过与观众的直接交流，打破了艺术与生活之间的界限，使艺术成为一种更加直接和真实的体验。
然而，行为艺术也因其具有争议性的表现形式而面临诸多批评。
一些人认为行为艺术过于极端和暴力，缺乏审美价值；另一些人则质疑其是否真正属于艺术范畴。
例如，某些行为艺术作品中出现的血腥、裸体等元素，被认为是为了吸引眼球而故意为之，缺乏深层次的思想内涵。
尽管存在争议，行为艺术在当代艺术领域中仍然具有重要的地位。
它为艺术家提供了一种全新的表达方式，使他们能够更加深入地探讨社会、政治、人性等重要议题。
同时，行为艺术也促进了不同艺术形式之间的融合和创新，为艺术的发展注入了新的活力。
在研究行为艺术的文献中，学者们从多个角度对其进行了分析和探讨。
一些研究关注行为艺术的历史发展脉络，梳理其从起源到当代的演变过程；另一些研究则侧重于分析行为艺术的美学特征和艺术价值，探讨其在艺术史上的地位和影响。
奥尔夫音乐教学法在我国音乐教育中的应用综述
国内外研究现状
国外研究现状
奥尔夫音乐教学法在国外得到了广泛应用，相关研究也较为 丰富，主要集中在教学实践、教学效果评估、教育改革等方 面。
国内研究现状
近年来，我国音乐教育界逐渐关注奥尔夫音乐教学法，相关 研究逐渐增多，但总体仍处于起步阶段，缺乏系统性和深度 。目前的研究主要集中在奥尔夫音乐教学法的理论探讨、实 践应用和教学效果等方面。
对我国音乐教学内容和方法的丰富
01
引入多样化的教学内 容
奥尔夫音乐教学法通过引入世界各地 的民族音乐、民间舞蹈等教学内容， 丰富了我国音乐教育的文化内涵，拓 展了学生的音乐视野。
02
创新教学方法
奥尔夫音乐教学法采用游戏、即兴创 作、小组合作等教学方法，使学生在 轻松愉快的氛围中学习音乐，提高了 学生的学习兴趣和积极性。
引入中国
20世纪80年代，奥尔夫音乐教学 法被引入中国，经过几十年的推 广与实践，已在我国音乐教育中 取得显著成果。
奥尔夫音乐教学法的核心理念
原本性音乐
奥尔夫认为，音乐是人类最自然 、最原始的表达方式，音乐教育 应回归音乐的本质，注重学生的
亲身体验和参与。
综合性艺术
奥尔夫音乐教学法强调音乐、舞蹈 、戏剧等多种艺术形式的融合，让 学生在多种艺术实践中感受音乐的 魅力。
在实践应用中，部分教师对于奥尔夫音乐教学法的理念和方法的掌握不够深入，导致教学效果受到影响 。
未来研究可以进一步探讨奥尔夫音乐教学法在不同教育阶段、不同学科领域的应用及其与我国传统音乐 文化的融合，同时加强教师培训，提高教师的专业素养和教学能力。
感谢观看
THANKS
THE FIRST LESSON OF THE SCHOOL YEAR
当代艺术文献综述【范本模板】
美国社会学家萨拉·桑顿对艺术市场研究颇感兴趣，层访问了3000名艺术相关中作者,并著作出《艺术世界中的七天》[7]“艺术界存在六种占支配地位的角色,分别是艺术家、艺术品交易商、策展人、评论家、收藏家和拍卖师。有些业内人士身兼二职，即是艺术家又是评论家，或者既是艺术品交易商又是收藏家。这些业内人士承认她们的这种双重身份不好把握，因为两种身份有时候会出现矛盾，有时会相互影响。在艺术界，最难达到的是成功的艺术家活着叫做可信任的艺术家的位置,但主宰艺术界的是艺术交易商,他们支配、引导着另外物种角色,控制他们的步伐。
法国评论家尼古拉斯·伯瑞奥德因其,曾说[6］“在艺术场域中最为活跃的部分，就是以交往,共处和关系等想法而进展的。至于20世纪90年代的艺术，伴随着互动科技的飞速发展,艺术家探索着社交性与互动性的秘密。这十年来艺术的理论与创作的界限，很大程度建立在交际关系的世界里。因此，里而克里特·蒂拉瓦尼贾,菲利普·帕雷诺，卡斯滕·赫勒，亨利·邦德，道格拉斯·戈登或皮埃尔·于热的展览，他们都尝试建立足以产生人际关系的社会性样式，就像是一座山可以专为占有者克制化地“生产”用途的建筑。"
（2)，对于当代艺术市场来说：当代艺术除了自身的问题以外还有市场的影响，就国际艺术市场的大环境下看，中国的当代艺术市场的拍卖额已经跻身于世界仅次于美国的第二位，这样的情况作为当代艺术的领导者不得不沉思，为什么如此高的市场地位，而中国的当代艺术却如此普通，当代艺术学者刘艳红在其论文中提到了作者对艺术市场的看法［4］“当代艺术不能一味的以市场标杆代替那些真正有意义的艺术探索，中国当代艺术需要几本的判断和基本的学术评判。在世界艺术史上的艺术品不一定买的最贵就是最好的艺术品，接受美讲的一切艺术史都是艺术接受的历史的观点还是很有道理的。”目前，艺术和市场已经分不开了,但是如何改变艺术依附于市场这个现状，调整艺术和市场的比例问题,是我们身为艺术工作者值得深思的问题。除了提高艺术自身的价值性外，对普罗大众的当代艺术教育也是至关重要的，从思维上改变贵就是好的艺术，加强对艺术史和艺术基本的评判的学习。
艺术史论毕业论文文献综述
艺术史论毕业论文文献综述导言：艺术史作为一门跨学科的研究领域，对于人类文化及艺术发展具有重要的意义。
本文旨在通过文献综述，探讨艺术史研究的重要性、现状以及相关的研究方法和理论框架。
通过对艺术史研究领域的深入了解，可以帮助我们更好地理解和解释艺术作品、艺术家及其创作过程，从而促进艺术史研究的发展和创新。
一、艺术史研究的重要性艺术史研究作为对艺术作品及其创作者的高度梳理和解读，具有多方面的重要意义。
首先，艺术史研究可以帮助我们了解不同文化在不同历史时期的艺术表现形式，从而洞察其文化内涵和历史背景。
其次，通过对艺术作品的分析和解读，我们可以深入探讨艺术家的创作思想、技艺以及对社会和政治的反应，进而推动更为深入的艺术理解。
此外，艺术史研究还对于推动当代艺术的发展和创新具有重要意义。
二、艺术史研究的现状目前，艺术史研究正处于多元化和全球化的发展趋势中。
一方面，随着世界各地艺术作品的互动及跨文化交流的加深，艺术史研究正不断拓展其研究范围，更加注重全球化的视角和多元文化的融合。
另一方面，艺术史研究也应用了先进的技术手段，如数字化技术和虚拟现实技术，打破传统的时空限制，为研究者提供更多的可能性。
三、艺术史研究的方法和理论框架艺术史研究采用了多种不同的方法和理论框架，以探索艺术作品和艺术家的内在含义和背后的文化与历史背景。
其中，传统的文献研究方法是最为常用的研究手段之一，通过对历史文献和艺术家文献的深入解读，揭示艺术作品与创作者之间的关系。
此外，符号学、结构主义、社会学、心理学等理论框架也被广泛应用于艺术史研究中，以提供多角度的解读和理解。
结论：艺术史研究作为探索艺术与人类文化发展的学科，具有重要的学术和实践价值。
通过深入研究艺术作品及其背后的文化、历史和艺术家的创作过程，我们可以更好地理解艺术的本质和意义。
艺术史研究的发展趋势在于多元化和全球化的视野，同时也借助数字化技术和虚拟现实等先进手段进行深入研究。
各种方法和理论框架在艺术史研究中得到了广泛应用，为我们提供了多样化的解读和理解途径。
艺术设计研究2篇
艺术设计研究第一篇：艺术设计研究艺术设计是一门以创造性、审美和技术为基础的学科，旨在通过视觉传达与表达情感、概念和意义。
艺术设计研究是对艺术设计领域的深入探索和理解，涉及到艺术设计的历史、理论、实践和发展等多个方面。
在艺术设计研究中，我们必须了解艺术设计的起源和演变。
艺术设计的历史是需要被深入了解的，它可以帮助我们更好地理解艺术设计的概念和背后的理论基础。
通过研究历史，我们可以比较不同时期、不同文化、不同艺术家的艺术设计作品，从而获得更丰富多样的艺术设计启发和思考。
理论是艺术设计研究的重要组成部分。
通过深入研究不同的艺术设计理论和观点，我们可以进一步了解艺术设计的本质和目的。
例如，形式美学、符号学、视觉传达等理论都可以帮助我们理解艺术设计中视觉元素和表达手法的运用。
研究理论可以提供思想的指导和分析的框架，使我们能够更系统地理解艺术设计。
在艺术设计研究中，实践也是至关重要的。
只有通过实际的创作和实验，我们才能更好地理解和应用艺术设计的各种技术和方法。
实践可以帮助我们培养创造力、审美能力和技术熟练度。
同时，通过实际的艺术设计实践，我们也可以发现新的问题和挑战，并探索创新的解决方案。
艺术设计研究的发展是一个不断演进的过程。
随着社会和科技的变革，艺术设计也在不断变化和发展。
因此，研究艺术设计的发展趋势和前沿是非常重要的。
例如，当代艺术设计在数字技术和多媒体等方面的应用，使得艺术设计趋向于跨界合作和创新实验，这是一个不可忽视的发展趋势。
综上所述，艺术设计研究涉及到艺术设计的历史、理论、实践和发展等多个方面。
通过深入研究和探索，我们可以更好地理解艺术设计的本质和意义。
艺术设计研究不仅可以提高我们的审美能力和创造力，还可以推动艺术设计领域的发展和创新。
第二篇：艺术设计研究的方法与应用艺术设计研究需要科学的方法和实践的应用，以达到更深入的研究和理解。
在艺术设计研究中，有几种常见的方法和应用可以被广泛采用。
首先，文献综述是一种常用的研究方法。
工艺美术运动概述
工艺美术运动概述引言工艺美术运动是指欧洲自19世纪末至20世纪初兴起的一股重要艺术运动。
它在当时的社会中引起了巨大的影响，无论是在艺术、设计还是社会意识上，都产生了深远的影响。
本文将对工艺美术运动进行综述，介绍其起源、特点以及对当代社会的影响。
起源工艺美术运动起源于19世纪末的英国，湧现了一批新兴的艺术家和设计师。
他们反对在工业化时代下产生的大规模生产和机械化工艺，主张通过手工制作来强调个性和艺术性。
该运动通过宣扬“艺术与工艺相结合”的理念，追求美与实用相统一的设计理念。
特点工艺美术运动的特点主要体现在以下几个方面：1.手工制作的强调：工艺美术运动主张以手工制作方式创作艺术品，反对工业化生产带来的浮躁和丧失个性的风格。
强调每个作品都是独一无二的，具有独特的价值和意义。
2.自然主义的倡导：工艺美术运动主张加强对自然的观察，并通过自然主义的风格和元素来丰富设计作品。
他们试图在设计中展现出大自然的美丽和真实。
3.与当地文化的结合：工艺美术运动倡导在设计中融入本土文化元素，强调艺术与地区文化的关联。
通过借鉴传统工艺和技术，来体现独特的民族风格和特色。
4.追求平衡与和谐：工艺美术运动强调设计中的平衡和和谐。
他们主张在材料、色彩和形式上追求统一，以创造出一种完美的整体效果。
对当代社会的影响工艺美术运动对当代社会产生了深远的影响，主要体现在以下几个方面：1. 手工制作的复兴工艺美术运动的兴起在一定程度上促进了手工制作的复兴。
尽管现代工业化和机械化的生产方式依然占主导地位，但越来越多的人开始重新关注手工制作，并推崇手工制作的独特价值。
手工艺术品以其独特性和精心制作的品质，在当代社会中获得了广泛的认可和欣赏。
2. 可持续性设计的重视工艺美术运动强调材料的选择和处理对环境的影响。
当代社会越来越意识到环境保护的重要性，因此可持续性设计得到了越来越多的重视。
工艺美术运动的理念对可持续性设计提供了启示，促使当代设计师更多考虑材料的来源、使用和回收利用，以减少对环境的负面影响。
一次现代主义与当代艺术视域下的对话：四川美术学院美术馆2020青年艺术·云论坛综述
一、多平台联动共振，构建川美青年艺术生态系统本次云论坛以“四川美院青年艺术家驻留计划回顾展”为契机，继而生发了关于青年艺术生态中各个不同角度的话题讨论。
在第一场对谈中，四川美院美术馆馆长何桂彦首先介绍道，“川美青年艺术家驻留计划从2013年起至今已走过了八年的时间，‘辟新·更生——川美青年艺术家驻留计划回顾展（2013—2020）’对这段时间的艺术家创作进行了回顾与梳理。
自2019年开始，该计划由川美美术馆接管，并实行策展人制度，希望通过美术馆为年轻艺术家搭建交流、展示的平台，让他们受到更多国内评论家、艺术机构的关注。
”同时何馆长还提到，美术馆计划联合“青年艺术家驻留计划”“明天雕塑奖”“罗中立奖学金”“重庆青年美术双年展”四个青年艺术项目，促进多种要素的碰撞融合，实现各项目平台的联动共振，共同构建四川美院青年艺术生态系统。
广州美院美术馆副馆长胡斌介绍了广州美院美术馆策划的社区美术馆等广东地区的艺术驻留计划，同时他表示，“希望川美青年艺术家驻留计划能够和全国各大院校、珠三角的驻地计划联动起来，建立一个更有效的、更长远的互访、互相交流机制，使两者之间生态的对话更加强烈。
”四川美院艺术人文学院副院长尹丹发言说，“青年艺术家驻留计划给川美的当代艺术创作带来了很重要的助推力，培养了很多今天在艺术圈非常有影响力的艺术家，这是四川美院几十年来在当代艺术领域投入很大精力的一个结果和红利。
”作为第一届川美青年艺术家驻留计划的入选者，以及‘辟新·更生——川美青年艺术家驻留计划回顾展（2013—2020）’策展人之一，四川美院造型艺术学院教师王鹏杰介绍了展览的四大主题版块，他说：“艺术家在驻留期间和所有的状态都停留在所谓辟新和更新的价值取向，一方面希望开辟出新的道路；另一方面希望通过不断反思更新自己的审美、观念，来提升自己所创造的价值。
”二、青年艺术群体的探索与蜕变讨论中国青年艺术不可回避的时期是20世纪80—90年代，其中最核心的现象或特征则是青年艺术群体。
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当代艺术设计方法综述
摘要：二十一世纪的今天，随着科学技术的进步，世界发生了巨变，人们的价值观和审美观也随之改变，但设计的价值不应该有所改变。
本文从设计与自然关系的角度，探讨设计的新生存模式，研
究不同设计方法的运用对当今社会产生的影响。
关键词：生存模式；生活；活设计；可循环；再设计
中图分类号：j04文献标识码：a文章编号：1009—0118（2012）11—0300—02
设计是什么？作为一名设计专业的教师，我无时无刻不在寻找答案。
二十世纪的设计，设计概念可以归纳为：是把一种设计、规划、设想、问题解决的方法，通过视觉的方式传达出来的活动过程。
在过往的几十年中，我们创造了一些但又扔掉了很多东西，只要能推动经济发展，就可以张扬自己的个性。
但现在，我们应该意识到必须考虑资源、环境、相互间的理解以及其他出现的问题。
现在，设计要通过新的设计概念建立来完成适合资源减少的责任使命，这种建立，不同于以往的打破后重建，或是适合新标准的新形式创造，而是在现有设计基础上，进行改良和概念转化，来完成原有设计的新使命和价值需要。
也就是说，设计需要有一种新的生存模式来适
应这个多元化的社会。
收集了诸多资料，通过理解，整合，我用一个字来概括设计未来的发展模式：活。
这个“活”我赋予了它三种解释：服务生活；生
长、再生和循环；手段、观念的灵活。
一、服务生活
2008年，“活设计——2008中国北京798‘旋转的硬币’创意生活原创设计年展”在北京798艺术中心举办。
策展人黎文把“活设计”归结为以日常生活的巨大变化为线索，展示和探讨创意生活品设计，以各种方式向大众提供创意的参与方式与创意思想。
“活”，既代表了“生活”的“活”，也代表了设计手段的“活”，是根植于设计师对日常生活的观察，并应用于真实的生活环境中，兼具美感及实用。
1 如何有效的让设计真正为生活本身服务，而不是追随设计的发展不断翻新，是设计考虑的问题所在。
这次展览选择了一些能够代表一种新的品质感，一种新的优秀的生活品质的产品，传达给人们应该怎样对待自己的生活。
如今人们能够理解的是，一种设计代表一种生活态度，选择一种设计，也意味着选择了一种生活。
在这种思考中，体现了对生活体验的尊重，对生活态度的低调平和。
设计变成生活的一部分，用设计的方式解决了生活的问题，用生活的方式创造了设计的灵感。
以现在做一个产品设计来说，你要考虑的东西很多，你必须要把它们放在你的考虑范围里面。
nature bamboo竹丝灯具是“活设计”展览中的作品之一，设计者两人从美院毕业后，在广东一个乡下呆了两年向传统艺人学习竹丝公艺。
因此对于产品设计，若要创造出好的作品，设计师本身就必须很懂生活，至少在生活的某一个方面，需要有自己独特的发现和理解，然后才有可能把这些发现和理解转
化到他的作品当中。
通过这样的一个方式，跟消费者产生一种心灵
感应，这样作品才会得到更多人的呼应和共鸣。
现代设计带给人很多方便和享受，同时也改变了生活。
快节奏的生活，已经使人的压力和困惑与日俱增。
香港设计师林纪桦通过慢慢品咖啡的过程联想，设计了putto天使咖啡杯，这款咖啡杯将传统概念的杯耳设计成了用硅树脂制成的小翅膀，一个普通的咖啡杯，因为多个一对肉感十足的彩色小翅膀而充满了灵性，看到它的人会觉得自己正在飞出了办公室，出来呼吸一下悠闲的空气。
这对很具质感的小翅膀让人们可以慢下来品味生活，品味过程，从中体会轻松和安逸。
当然，“活设计”给我们传达的不仅仅是“生活”的“活”，上升到新概念的高度，它是生长设计，是可循环设计，还是再设计。
二、生长、再生与循环
设计这个概念一直在不断演化，从最初的工艺美术，到装潢造型再到后来的建筑、广告、产品等。
在这个多元化的时代，设计已经脱离了简单的艺术范畴，走向更为复合的学科定位。
2 在环境问题日益突出的当下，如何把把新鲜的想法、思路与美好、善良的愿望融合到一起，是设计师必须思考的问题。
具体而言，可循环利用、“低碳”地生活、不为世界制造垃圾的设计等的实现成了当今设计界的设计理念。
作为一名设计师，不但自己应有这样的意识，还要在设计中体现出来：即尽可能的节约自然资源，少制造垃圾，使人们最大限度的
接近自然，满足人们的回归心理。
并且把可持续发展的观念灌输给消费者，引导人们的生活，改变人们的观念。
以日本建筑设计师坂茂为例，他以“纸管”建筑闻名世界。
选择纸管，他认为纸管具有惊人的强度和韧力，成本低廉，同时可以回收再利用。
在坂茂看来，这几个因素非常重要。
坂茂设计的卷筒卫生纸，平常的圆筒卫生纸，只要轻轻一拉，就可以很滑顺得抽下纸张来。
不同于以往的圆筒卫生纸，他设计的卫生纸中间的芯是四角形的，卫生纸也是以四角形的方式被卷上去。
在抽取卷在四角形纸管的卫生纸时，会因为产生阻力而发出“喀哒—喀哒”的声音。
3 这个设计的用心之处正在于它造成的不便：因为四角形的卫生纸卷筒会产生阻力，这种阻力巧
妙地传达出了“要节约能源”的信息。
三、观念、手段的灵活
日本设计师原研哉在他的《设计中的设计》一书中说：“如果设计的用力之处总是停留在‘让今天的东西明天看起来更显旧’以及给好奇的餐桌提供‘新奇果实’，那么它遵循的就无非是技术本身的形式。
”4 在他眼中，设计不是一项技能，而是捕捉事物本质的感觉能力和洞察能力。
对原研哉来说，平面设计并不局限于海报或商标等“平面”产品，不限于视觉领域，而涉及与感觉相关的诸多媒介，是人的五感相互作用构成的一幢“信息建筑”。
他以一幅中医针灸的身体经络图形象地展示了“大脑在身体各处”的理念；由
此，设计变得立体起来。
2000年4月，原研哉策划了“re—design——二十一世纪的日用
品再设计”展览。
展览中，他收集了二十二名来自日本的设计者对日常用品进行重新设计的提案。
“re—design”展是重新审视已经存在的日用品为目的的设计展览，将这些日用品陌生化，再进一步捕捉到新鲜感，是在现有设计的功能和形式状态上，进行再次设计的改良与从新定位，力求使设计满足于现实生活的发展和实际需求。
再设计的提出，很好的解决了设计的生长性与可变化性，但同时，这种生长性的延续不是一次再设计所能解决的，我们需要的是再、再、再设计，这也是生长的、活跃的设计。
在这个狂飙躁进的社会，需要有人提醒我们放慢脚步，从多方面的脚步进行思考，而
不是一味地向前，向前。
“re—design”展中设计作品之一的“为了纪念日的火柴”，在作品中这些火柴是把落在地上的小树枝收集起来，在小树枝的尖端涂上发火剂做成的。
他的想法是人们在把这些小树枝还给地球之前，让它们再为人类做些事情。
掉在地上的树枝是优美的，这样的设计也许能够让人忘记繁忙的时间，唤起人们对自然、对火的印象。
这是对火这种物体的存在感进行了设计。
当以设计形式去交给人们时，最终要传达的是一种观念，也就是
说设计品提供的观念才是设计的本质。
四、结语
“活”带给我们很多新的思维去诠释设计。
未来设计会有更多的发展方式来适应社会，但是不变的是设计一定要在与自然和谐的基础上，来满足人的需求以及自身的需求。
作为设计师，我们要尽可
能的在设计中体现“活”带给人们的新体验。
同时，也需要设计师以及设计教育的同仁们，与时俱进，将“活”的思想传播，让整个设计界活跃起来。
参考文献：
[1]黎文.现在进行式的“活设计”.2008—10—19.
[2]李健.不断生长的设计[j].包装与设计，2009，（5）：108—109.
[3][4]原研哉著，朱锷译.设计中的设计[m].济南：山东人民出版社，2006：46，190.。