探析影响钢琴演奏中音色的几个因素

探析影响钢琴演奏中音色的几个因素
[摘要]：优美而又多变的音色是钢琴演奏者所向往的目标与梦想，同时也应该是钢琴表演者必须持续不断追求的目标。

在钢琴演奏中，影响音色变化的因素有很多，如：钢琴本身的音色、触键的技巧、踏板的运用、手臂与手腕力度的运用、弹奏的情绪与情感等。

本文主要从其中的三个因素进行探索和分析：钢琴本身的音色、触键的技巧、踏板的运用。

[关键词]：钢琴演奏、音色、触键、踏板
[正文]：优美而又多变的音色是钢琴演奏者所向往的目标与梦想，同时也应该是钢琴表演者必须持续不断追求的目标。

鲁宾斯坦曾经说过：“钢琴是一件乐器，但又是一百件乐器”。

钢琴作为“乐器之王”，真的是当之无愧，它那宽阔的音域、富于变化的音色、宏伟有力的音量、丰富多彩的表现能力等都能够与交响乐队比美。

而从另一个角度来看，钢琴的音色又是单一的，因为它的每一个琴键都是统一用槌击弦的方式来发出声音的。

不同的时期、不同的演奏者对钢琴音色的追求都有所不同，即便如此，但是我觉得方法都是相通的。

在钢琴演奏中，影响音色变化的因素很多，如：钢琴本身的音色、触键的技巧、踏板的运用、手臂与手腕力度的运用、弹奏的情绪与情感等。

本文主要从其中的三个因素进行探索和分析：钢琴本身的音色、触键的技巧、踏板的运用。

一、钢琴的音色
什么是钢琴的音色？钢琴的音色也就是指钢琴所发出声音的色彩。

从原理看似乎很简单，但是当你对其有更深一层的研究时，情况就变得很复杂了。

有些人觉得钢琴是最容易学的乐器，因为他们都认为钢琴的每个音高都有其固定的音准，只要手指把琴键往下按出声音就好了，要想声音响亮就用力弹奏，要想声音轻柔则轻轻触键。

相比其它的乐器，钢琴虽然是比较容易上手，但是要把它学好、学精，真的是一件不易之事呀！就拿钢琴演奏中的音色来说，这已经是一个足够让你深思和研究的问题。

著名的钢琴家拉赫玛尼诺夫说过：“最重要和首先要考虑的是所发出的声音。

技巧和其他问题是次要的。

首先是色彩！色彩！色彩！”在他重复强调音乐的“色彩”的话语当中，可以知道音色在演奏中有多么的重要，同时也反映出音色是钢琴这一乐器的核心元素。

钢琴音色可以说是钢琴演奏中必备的素质，就如一个歌唱者的嗓子，如果嗓子不好，那么就很难成为一个歌唱家。

离开了音色，音乐形象就无法塑造。

音乐没有最好只有更好，钢琴的音色也不例外，没有最好的音色，只有更好的音色，它是一个可以无限制、无止境追求的目标。

通透音色之上还有更通透的音色，剔透的音色之上还有更剔透的音色，晶莹的音色之上还有更晶莹的音色，漂亮的音色之上还有更漂亮的音色。

但与其它的音乐要素相比起来，其它的音乐元素都有“做过头”的现象发生，例如情绪控制过头会让人觉得是做作，气息控制做过头
会破坏音乐的美感等。

而音色却没有做过头的担心，不必担心你的音色是不是过于好。

就如没有人会抱怨自己的嗓音条件好一样，因此也不会有人抱怨你的钢琴音色太好。

对于很多钢琴演奏者而言，钢琴的音色又是极难习得和控制的，至于音色好与不好的辨别也是很不容易的。

很多演奏者虽然能够把钢琴作品的音符和表情符号准确无误地弹奏出来，但是却达不到听众所追求的音色，而钢琴的音色往往又是处于可感觉而不可言传的状态之中。

一个钢琴演奏者的钢琴水平能否达到更高的境界，可以看他是否重视对钢琴音色审美的无限追求。

我觉得这是一个钢琴演奏者必备的能力，而这种能力又可以分成两个层面来看：一是看他驾驭钢琴音色表达的能力，也就是在任何一台钢琴上都能够快速找到其最佳的音色并能控制好的音色；另一个是演奏者对音乐作品的理解，并能把握作品所需要钢琴音色的能力，也就是说能准确、巧妙地运用最佳的钢琴音色来执行作品需求的能力。

这两个层面可以说是缺一不可，没有前者，后者无从谈起，无米之炊；前者不充分，后者同样也难以圆满，糙米之炊，食之乏味。

同理，没有后者，前者会只能成为一个空洞的“美丽”。

当然，它首先要让自己“美丽”，其次才能更加善于运用其“美丽”。

正如赵晓生所言，才能“撷取音乐王冠上的明珠”。

有了钢琴的音色美，再有了作品的音乐美，两者“双剑合壁”，那么钢琴音色美学的真正意义和境界就能得到更好地实现了。

二、触键技巧
触键是演奏钢琴的手段之一，而音色则是其所要达到的目的。

钢琴音色变化的关键与钢琴的触键息息相关，不同的触键直接决定着钢琴音色的变化，但各种触键方法都是为了产生丰富而美妙的音色。

演奏者在演奏时，可以根据不同音色的需要，通过调整触键方式来获得。

在钢琴演奏中，钢琴音色的变化，主要是通过触键的各种层次变化对比来实现的。

触键方法决定着发音的质量，良好的触键，使每一个音符弹出的音量、时值、力度以及音响效果都能恰到好处，使各音之间能够有机地联系在一起，从而使作品更具有鲜活的生命力。

下面我主要从几个方面分析触键技巧中影响钢琴演奏音色的因素：
（1）学会放松
“弹奏中的放松是要时刻准备着，随时、立即就能转变为积极的行动。

所以必须保持潜在的灵活性；放松是与用力相对的概念。

正确的放松，也可以理解为一种积极休息的状态”。

①但是很多人都会对“放松”这一词有些误解，“放松”并不是意味着手指松懈无形，也不是处于一种懒散的状态，更不是处于浑身瘫软的状态，而是指声音一旦发出，手指就不再施加压力，并且手指可以在发音后自然地保持在琴键上。

手指，手腕以及肩膀、背部、腰部的都应处于一种积极而又有控制的松弛状态。

然后在这种状态下，将全身的力量源源不断地输送到我们的指尖上，当指尖充满了力量，那么就比较好控制和调节音色了。

作为一个学艺术的人，在给别人展示自己才能的时候，不管是在舞台，还是在其他什么地方，我们都应该学会自我调整、自我放松。

不光弹奏钢琴是一种技巧，放松也是一种个人技巧的体现，放松可以通过一定程度演奏技巧的训练来练习。

学会精神上的放松和躯体上的放松是两个不一样的过程，当然，这两者都是需要具备的。

我自己是一个心理素质比较差的人，但是在台上即使大家都觉得我在躯体上是比较放松的，但是在精神上我却是紧绷的，所以多多少少也会出现一些小错误。

在这一点上，我常常会感到很烦恼，明明自己平时在练习时能够弹得挺好的，但是每次遇到听众时就会很紧张，导致不必要的错误。

所以说，在钢琴演奏时，躯体上的放松是重要的，但是精神上的放松也占据着重要的地位。

练习如何按照自己的意志逐渐放松腰、背、肩、手臂、手腕、手指，这些都是生理上的处理，却也是心理上放松自己的前奏，而我们最终是要获得心理上的放松。

在钢琴演奏中，没有绝对的紧张也没有绝对的放松，应该是松中有紧，紧中有松，恰如其分地表现它。

因此，演奏技巧和生理、心理因素在钢琴演奏过程中都是占举足轻重的作用，是放松的主要途径。

触键的动作越放松，手指越是灵活，那么钢琴音色就会有更好的弹性。

我特别要说一下的是，不管是在慢练还是快练时，每个音的发出都必须经过准备——触键——离键——放松这四个步骤，我们应该尽可能地使每一个音都做到“离键后迅速放松”，放松可以为下一个音发出饱满的音色作一个很好的铺垫。

（2）手指触键
可以这么说，没有手指的支撑力，就没有钢琴弹奏可言。

在事实上，手指支撑方式的改变是能直接影响到钢琴演奏音质、音色的。

在钢琴演奏中，美妙动听的声音与手指触键时的力度，触键的速度等都有着直接的关系。

首先，我觉得手指对于一个弹钢琴的人来说是值得一谈的事，没有手指，不能说完全不能够弹钢琴，但起码会比常人更难去弹好钢琴。

赵晓生说过：“钢琴演奏的力量在于手指的支撑与在最短瞬间集中力量于指尖的能力。

只要练就坚强的手指支撑力，并能将手腕、手臂乃至全身的自然重量完全放松地直接集中到时指尖，那么，不需要增添任何外加的压力，即可获得良好的、真正的、纯粹的钢琴音色”。

②不管是哪个时期的钢琴家；不管你是处于何种演奏状态之下；不管你是运用全身哪个部位的力量……最终我们还是会把大部分的任务都落在指尖上，将全身的力量都源源不断地聚集在指尖上，通过指尖来控制和调节音色。

用手指尖端“点”上去的音，像芭蕾舞的足尖触地，指尖与键盘基本成直角状。

手指微勾的触键法，发声透明而单薄，适宜弹跳跃性强、颗粒感强的作品。

而用手指比较多肉的部位，自第二关节以下与键盘基本成锐角状的触键法，发出的声音既柔和又丰富，适宜弹奏抒情、浪漫的乐曲。

抬指较高的触键法音响洪亮，较低的触键法音响或明晰或轻柔。

现在很多钢琴学习者在弹奏技巧还没有达到一定的程度下，就一味地去追求演奏的速度，没有真正地领会触键的方式、方法，导致演奏重音时，音色显得十分死板、生硬；而在演奏
弱音时，音色给人一种“虚”的感觉。

那么如何来把握手指触键的力度与速度呢？这得看作品的需要与你自己对作品的理解。

有的作品需要比较快的速度来表现出活泼可爱的形象，那么这时你就必须用快速的触键方法以达到作品的需要。

手指的快速触键常常是在弹奏时用手指的第三关节作为发力点，以带动手指快速的击键，通过这种弹奏方法，以获得清澈、干净、明亮和具有“颗粒性”的音色效果。

（3）触键的速度与力度
触键速度与力度也是引起音色变化的因素之一。

触键速度影响着声音的强弱，触键速度快慢与声音力度强弱成正比：触键速度又影响着声音的音质，决定声音的明暗、刚柔、颗粒性与连贯柔和性等。

“触键的速度十分重要。

需有一定的速度来达到良好的支撑，这样可得出一个饱满、坚定、有力而不呆板的声音。

如同用小槌敲击水晶杯，既要力量集中在极短促的一瞬间，又不能把力量用死，才能发出振动充分、共鸣丰富的迷人音响”。

③而钢琴触键速度的快慢与基本的触键方法有直接的关系：当手指弯曲得较明显时，指尖触键的过程就快、直接，离键的动作就迅速，弹出的声音也比较清晰、明亮。

当手指伸平时，下键动作就慢，指尖附在键盘上的倾向产生的声音就是非常连贯的音。

当手指朝前伸展时触键发出的声音是歌唱的音色。

但不论用哪种触键方法，都应注意手指的姿势。

指尖必须要弹得透，不论音的强弱、远近、厚薄，都应有清晰而集中、富有弹性的“点”，通过发音点、击弦点与发声点这三点合一，使声音更集中、明亮和具有穿透力，从而发出优美的音色。

在这个“点”上，很多学生都会错
误地认为只要手指碰到琴键就能够弹出声音来，有时即使手指确实与琴键接触了，却不能够获得坚实饱满的声音，很多老师常常会批评学生“没有把音弹到最底部”、“声音弹得不够深”、“声音不坚实、不饱满”……即是此意。

著名钢琴教育家涅高兹在他的《论钢琴表演艺术》一书中写道:“钢琴家最易获得成效然而也是最艰难的任务之一是形成声音的‘多层次’”。

④音色多层次的实现离不开弹奏力度的变化，不同的力度可以弹奏出不同的音色。

而弹奏力度又与触键的速度有关，它是影响触键速度最直接的因素。

要弹得响些，力度就要用的大一些，用力部位就会产生相应的变化,触键速度也应该更快。

因为触键速度快，钢琴的槌头击弦时间极短，琴弦的基音振幅较大，同时所产生的泛音也会多起来，那么音色就会变得明亮。

就拿我曾经弹奏过肖邦的《革命练习曲》来说，这首曲子左手部分要求迅速而且清晰，这要求手指有明确的触感，下键要迅速，指尖的触键点要小，指尖抓紧，声音集中，手指触键干净，手腕松而不懈，这样才能使音色更明亮，音乐更富有动感。

如果要想弹得柔和些，触键速度就要放慢。

因为触键速度慢，琴弦的基音振幅小，所产生的泛音少，音色自然就会柔和些。

三、踏板的运用
“踏板在钢琴演奏中不是作为技术存在的，而是作为钢琴音乐中，一种音响和音色更高境界的追求而存在于钢琴艺术中的技巧”。

⑤相信大家都有听过“踏板是钢琴的灵魂”这一句话，从鲁宾斯坦这句话中
我们不难看出钢琴踏板的运用在钢琴演奏中占据着不可忽略的地位。

踏板对钢琴演奏中音色的影响可不少，踏板是音色的“调节器”，它可以减少钢琴声音中的那种干巴巴的、不持续的缺点，它为丰富钢琴演奏的音色起了非凡的作用，我们可以借助它来使音色变得更有歌唱性和更加丰富。

不论是水平粗浅的初学者，还是蜚声海内的钢琴家，在演奏中都可能会使用到踏板，但是对踏板使用方面作详细而深入研究的音乐人士却屈指可数。

我学了十年多的钢琴，换了四五个钢琴老师，但是没有一个老师是有系统地向我教授过钢琴踏板的使用技巧的，即使是指导，也是在作品需要的情况下才会零碎地作出一些指导。

正因为如此，所以导致很多学钢琴的人都养成了这样的毛病，譬如：只顾踩踏板而不及时放、为追求所谓的“澎湃气势”而胡乱地使用踏板、更有甚者将踏板作为技术缺陷，力度不足的掩饰等毛病。

踏板使用的好坏，将直接影响到钢琴弹奏的声音、色彩和风格等等。

所以，我觉得我们很有必要对钢琴的踏板进行深入的了解。

（一）现代钢琴踏板的功能
现代钢琴有三个踏板：右踏板、中踏板、左踏板。

这三个踏板虽然作用不一，但是它们都能够起到改变音色这一作用。

因此在谈钢琴踏板的使用技巧之前，我觉得有必要先简介一下三个钢琴踏板的最基本的功能。

1、右踏板是延音踏板，一踩下去，钢琴里的制音器全部打开，所有弹到的音就会延长。

当脚一抬起来，制音器又压在琴弦上，音的延长
就中止。

它有两个主要的作用——把单独用拖把手指无法保持的音延长和连结起来，以及给它们增添色彩。

2、左踏板也称为弱音踏板，在一般家用立式钢琴上，踩下左踏板，琴槌整个往前挪一些，离琴弦的距离就缩短了，声音相应就弱了。

在演奏用的三角钢琴上，一旦踩下左踏板，则是整个键盘向右稍挪动。

在三角钢琴上原来每个琴槌应击中三根弦，踩了左踏板以后，整套琴锤就会稍向左侧移动，这时琴槌只能击一根弦了。

这样声音不但弱多了，而且产生了不同的音色变化。

所以有时乐谱上标明“一根弦”或“三根弦”就是表示用左踏板还是放开左踏板。

由于左踏板在演奏琴上能作出这样的力度和音色的变化，它的作用就不仅是帮助演奏者弹得更弱，也是为了音色变得更加柔和，并除掉音质中任何敲击的成分。

左踏板往往被比作“旋乐演奏者的弱音器”。

3、中踏板经常被称做延长音踏板。

在立式钢琴上，它会使击弦这机上方一块厚绒降下来，挡在琴槌与琴弦之间，这样弹出来的声音就小得只有自己听得见，屋外的人则听不见，这是为了不影响别人，没有演奏上的意义。

而在演奏用三角钢琴中的作用与在立式钢琴上的作用完全不同。

它是用来支持旋律声部的流动，换句话来说，如果钢琴的高音声部极为复杂，但是左手的跨度又很大，必须弹奏低音（控制和声节奏）需要将低音延长，如此一来，钢琴家就不能两头兼顾，这时候，左踏板的优势就极为明显了！它的作用就是在这里发挥了出来。

钢琴家踩住这个踏板，再弹低音，这个低音就会被持续（而不象右踏板那样使整架钢琴当时发出的音都延长）然后，在这个低音的支持下，
就能很从容的弹奏较高声部的曲调。

所以，这踏板就是解放左手，有目的的减低弹奏难度的踏板。

（二）踏板的深浅
在我还没有进入大学学习时，我从来都没有接触过除了全踏板之外的踏板，我当时只知道如果要踩踏板，就是把踏板完全踩到最底部就可以了。

后来，在大学的钢琴课上，因为作品的需要，我才开始慢慢地接触到踏板深浅的各种运用，同时也知道踏板踩下的深浅会对音色有不同程度的影响，根据乐曲对音色、力度的具体要求，可采用四分之一、半踏板、四分之三、全踏板及抖动踏板。

比如将延音踏板踩下四分之一到一半的深度，制音器与琴弦便处于若即若离的状态，使音色处于半丰满状态。

在实际演奏中可用于快速跑动音符的非连奏。

当遇到一些通常比较低沉的音时，我们可以通过踏板来得到延长，但是一些比较“轻快的”高音则不受到踏板的影响，听上去是全透明的，因为随着踏板压下去的程度使制音器有不同的作用。

而且踏板对不同音高的作用是不同的，这就是踏板的基本性能。

在这里,我想介绍一下大家并不是特别常用的踏板法——抖动踏板。

抖动踏板也可以称作颤动踏板，它是一种快速的、相当浅的动作，它能使制音器碰擦琴弦，从而既不使声音完全闷住，又使琴弦不能完全地振动。

制音器的抖动动作应尽可能地快，以避免声音中有阻塞或被砍断。

抖动踏板对音色也有一定的影响，它可以使音色有轻薄的、不规则的模糊感，从而产生令人感到“阴风阵阵”的效果，也可以减少声音的宏高度。

当声音听起来太干的时候，一个快速抖动的踏
板会产生所需要的共鸣和音色。

但在使用抖动踏板时，我们应该避免形成成堆的使用踏板的声音，因为这样会破坏到音色的美感。

（三）两种踏板使用的基本方法
（1）直接踩踏法：手指触键和踏板同时进行
（2）音后踩踏法：手上弹出新的音（单音、双音、和弦）之后再迅速灵活地将踏板踩下。

音后踏板的连续使用就自然地形成了手与脚的切分节奏性的动作状态（手触键弹下，脚正在松放踏板，继而在新弹出的音后再敏捷地踩下去），所以音后踏板又称切分踏板。

（四）运用踏板时应注意的几点
“灵魂”这个抽象而又存在的东西是很难让我们抓摸透的，而踏板作为钢琴的“灵魂”也便如此。

如果可以用三言两语就能说清楚的，那就不可能把它称之为“灵魂”，有时候它也只能感觉而不能言传。

作为钢琴主修生的我，在踏板运用这一方面我感到特别模糊，我常常会不重视，甚至是忽略了踏板这一技巧，可能是因为没有太过于重视和深入了解的原因，导致有时候自己很被动，但我深知每一首作品如果能适当地用上踏板，整首曲子会得到一定程度的升华；反之，如果作品该用踏板而没有恰当地用上，会压制了作品的需求，更可能会破坏到作品的美感。

在上钢琴课时，我常常会因为忘记换踏板、乱换踏板等踏板运用不恰当而令老师感到不满意。

在后来，通过老师的指导和自己的实践，我开始慢慢地积累到了一些经验：
（1）善用耳朵
“只有耳朵本身，才永远是艺术性演奏的最终指导，而不是一套印出来的指示。

⑥每个曲子有不同的要求，这就必须学会用自己的耳朵去听！因为由于踏板是一种性质的技巧，想完全学到运用的每一个细节，和老师们用得一样，是不可能的，唯一永远的老师只能是自己的耳朵，经过老师的指导和训练，要使自己的耳朵能够敏锐地察觉到踩在踏板上的脚或大或小的动作所引起的声音的任何反应。

想象出将要弹奏的音响效果，并指示脚的动作，以实现希望的音响。

舒曼曾经在《论音乐和音乐家》中说过：“耳的意识并不次于其眼。

在音乐中，直接由耳的意识作用过程而激发的思想和画面的元素愈多，作品的表现力则愈富有诗意和创造性。

同样，音乐作品的感染力和程度也正是取决于音乐家在接受这些印象时的敏锐程度和想象力水平。

”⑦学会用耳朵来倾听是钢琴演奏中至关重要的环节之一。

音色的好坏离不耳朵的倾听，踏板的正确使用也离不开耳朵的判断。

具有敏锐的听觉，对提高钢琴演奏声音质量的提高有着重要的作用。

我们应该养成倾听的好习惯，自己体验声音的质地，倾听钢琴的每一个“发音点”，发音点的好坏将决定着其“第一音质”，然后通过琴弦的振动产生“第二音质”。

而这些都会对钢琴音色的质地、变化、状态都起着极大的作用。

在上钢琴课时，当我遇到对踏板运用不肯定时，我常常会向老师发出求助的眼神。

而我那有趣的老师总是扮作若无其事，并总是指了指他自己的耳朵，表示叫我自己仔细用自己的耳朵去判断，用耳朵去倾听音质是混浊的还是清晰的，是噪音还是动听的、有没有打断了
作品本身优美的旋律……而不应该一味地依赖别人。

用耳朵去判断音色，这一方法实在不简单。

其实有些人弹不好钢琴并不是因为手指不够灵活，也不是因为没有去思考，却是因为听觉的问题。

我有些学习声乐的同学，他们在咬字方面，还有一些发声方法上并不是不明白老师所表达的意思是什么，我觉得这也是跟他们听觉方面有密切联系的。

这就正如赵晓生所说的：“钢琴的音色变化说到底是演奏家极端细致极端敏感的指触差别所造成。

而控制这种细微变化时常处于可感觉而不可言传的状态中。

在这种情况下，老师、理论书、录音唱片等都无法准确地告诉演奏者如何支达到某种音色。

唯一的最好的导师是自己的耳朵”。

⑧
（2）注意和声的变化
和声的基础在于和弦，我们不需要特别的训练，用我们的耳朵便能清楚地听出踏板对和弦的“美化”作用。

在很多作品当中，大家都应该知道乐曲中要随着和声的变化而变换踏板。

演奏者在演奏时要对乐曲的和声变换有所了解，以选择正确的踏板使用方法，如果对乐曲的和声没有分析好，那么就有可能在踏板使用方法上不恰当，造成声音混杂，破坏音乐的美感，因此正确而恰当的和声分析是关系到踏板的使用是否能够正确地使用。

使用时必须在新变化的和声之前的一瞬间放掉踏板，然后在新和声发出时踩下。

正因为和声的音响会填满踏板更换之间的空隙，所以声音就不会有太明显的间断，使和声能够既清楚又连贯。

（3）重视作品的风格。