舞蹈编导心得

舞蹈编导心得
一、课程说明
舞蹈是人类最古老的艺术形式之一。

上古时代，她就充当原始人类交流思想感情的工具。

她的起源是随着人类的生产劳动而产生的。

动作、节奏和劳动是密切相关的，不管是哪一种劳动，人的手脚总是要活动的，手用以拍打，脚用以踩踏，在某种劳动动作的连续重复过程中，就产生了有规律的节奏，再伴以呼喊或敲击木棍、石块，最原始的舞蹈就出现了。

在原始部落里，舞蹈具有全社会性。

在人类组织散漫、生活不安定的境况下，需要有一种社会感召力使大家团结在一起，舞蹈就是具有这种感召力的重要手段。

无论是狩猎还是战争，都是整个部落一起行动，所以原始舞蹈总是集体性的。

舞蹈艺术的主要表现手段是人体动作。

当然，她所要求的不是自然形态或单纯生理状态的，而是具有特定的时间和空间，经过美化的极富于感情色彩的动作。

所以舞蹈的构成被归纳为三大要素:动作(空间)、节奏(时间)、表情(感情)，缺一不可。

舞蹈的艺术特征是在一定的空间(舞台、场地)和时间(一定的音乐)内用身体动作表达感情的艺术。

也是这种艺术手段上的特征，决定了舞蹈是“长于抒情，拙于叙事”的。

缘此，舞蹈编导要熟习、了解舞蹈的这种特性，扬长避短，选择适宜于人体动作表现的题材。

本课将按照独舞、双人舞、三人舞、群舞四个阶段讲授，其间涵盖理论与实践操作，道具、情节舞等穿插其中。

因为舞蹈编导是对人体动作编创的一种能力训练，所以实训内容是相当侧重的。

总学时:360学时。

第一学年120学时，周学时3;第二学年120学时，周学时3;第三学年120学时，周学时3。

二、课程内容
第一部分独舞编导
60学时) (
(一)概述
舞蹈编导就是舞蹈作品的编者和导演。

舞蹈编导与戏剧导演有所不同。

戏剧导演是把文学剧本搬上舞台演出过程中所需要的全部工作，但这不是一般的工作，而是一种创造性工作——即把文学剧本变成表演节目的再创造(也称为二度创作)。

在戏剧艺术中，剧作家只负责写出剧本就可以了，而进行舞台艺术的再创造(二度创作)则是导演的事。

舞蹈编导就不同了，本身既是全部剧本(题材、体裁、形式、内容等)的创作者，又是把它搬上舞台的导演。

舞蹈编导肩负着编和导的双重使命。

对于舞蹈作品来说，不参与编就无法导，这是无法割裂的整体。

由于这种特性，一个舞蹈从创作之初就不得不同时开始考虑形体、表情、调度、音乐、舞台美术、灯光、服装等各个方面的要求。

这在戏剧中是仅仅属于“导演构思”的部分。

(二)舞蹈创作的前提
作为舞蹈编导，只有掌握了一定的舞蹈表现技能和舞蹈创作知识以后，才可能开始工作。

舞蹈来源于生活，她是人民大众的艺术。

舞蹈的本质决定了她的群众性，因此，舞蹈创作本就不是什么神秘王国，只要掌握了创作的基本方法和正确的创作途径，紧紧抓住舞蹈艺术表现手段的根本，在不断的总结与实践中，必定会有许多好作品从你的手中涌现出来。

要创作出好作品必需有正确的途径，最大的前提就是你对舞蹈艺术的热爱，对舞蹈事业的奉献精神。

1、观察生活，了解群众
生活是艺术创作的源泉，舞蹈形象、舞蹈作品的产生都是从生活中挖掘而来的。

舞蹈编导只有在日常生活中认真细致的观察，积累这些来自生活的大量素材，对这些素材进行科学的分析、理解和熟悉，从中筛选出典型的、具有象征意义的
“材料”，并对它们有了真正的切身体会和实践感受之后，才有可能创作出打动人心的优秀作品。

2、舞蹈作品要富于时代精神、弘扬民族风格、积极向上。

任何艺术作品都服务于它所处的那个时代，跟不上时代的艺术作品就不可能有立足之地，也就失去了它的存在价值和生存空间。

大量民族民间舞蹈能长期流传，最根本的原因就是她们能顺应大众不断变化的审美追求，紧跟时代前进的步伐，不断完善自身才得以生存。

众多的舞蹈经典之作所以能长演不衰，就是由于她们所表现的主题抓住了人类对美好事物的追求，并在作品的内容和形式上达到了理想化的高度。

现在我们提倡要弘扬民族文化，强调文艺作品要反映时代主旋律。

弘扬民族文化是指我们民族数千年所传承下来的优秀文化遗产，这些文化遗产是我们民族的精粹，她蕴涵着我们民族开拓进取，勇往直前，富于创新，无私奉献的最可贵的精神品质。

舞蹈编导就应该用大量蕴涵民族崇高精神品格的艺术作品去教育感染人，鼓舞激励人，以提高全民族的文化水平和精神素质。

我们所指的时代精神应该是一种积极向上，催人奋进，鼓舞斗志的精神。

这种精神能使人迸发出无穷的力量，激发人的创造性，能使人深切感受到生命与自然的美好，从而对生活充满希望与憧憬。

“时代精神”不是某些人追求的所谓“时尚”。

任何时尚都有它的属性，有的代表了事物发展的趋势，有的却是一种颓废落后，甚至是倒退的观念。

在当前的一些创作作品中，确实存在一些所谓“时尚”，实为背离时代，远离生活的东西。

这些人把自己狭隘消沉的人生观放进作品，甚或为了“迎合观众”“市场效益”等等搞出低级趣味的玩意，这些是我们一定要坚决摒弃的。

大量的好作品能给人以振奋，给人以启迪，给人以美的享受，使人从舞蹈美的享受中领悟一种情操的美，使人们对生活、对社会产生一种深切的爱，这就很好的起到了舞蹈作品的教育作用。

3、熟悉积累专业素材，全面提高专业修养。

(1)多看多学舞蹈语汇。

舞蹈语汇是需要积累才能丰富的，只有具有相当的积累，在创作中才能得心应手，信手拈来。

也只有对舞蹈动作了然于心，才能找出她的运动、变化规律，进而对这些动作发展变化。

另外，对日常生活中观察到的劳动或习惯性动作进行分析，了解它们的形态、运动规律、动作节奏等选择其典型的、有代表性的进行美化提炼，使之成为闪烁光彩的舞蹈语汇。

(2)对各艺术门类的综合学习。

舞蹈是以人体动作为主的综合性艺术，因此，舞蹈创作不仅要有对人体动作娴熟运用的能力，还要通过其他的艺术手段，为作品的主题、人物形象、情节发展、高潮的兴起等方面起到推波助澜的作用。

A创作者应具有很强的音乐感。

音乐感是对音乐的理解。

不仅在理论上理解，更重要的是对音乐表现情感和音乐形象上的理解。

B对构图、画面的基本知识进行学习。

舞蹈构图在舞蹈作品中的地位至关重要。

好的构图能给人以振奋，感到它变化无穷，内蕴丰富。

呆板的、一成不变的画面会使人感到乏味枯燥，毫无感染力。

C要对服装灯光的基本知识进行学习。

舞台灯光变化运用的好，就能深化作品的主题，渲染浓烈的氛围，将观众带入特定的情景中。

服装的设计当然是设计师的工作，但是编导需要对服装的设计提出要求。

这个要求需考虑两点:一是有助于点题，看了服装样式、色调，就能明白你要表现什么题材;二是服装要体现出人物身份和性格特征。

另外，服装设计要充分考虑舞蹈是人体艺术，是用身体说话，通俗的说就是要便于舞蹈动作。

好的服装会给观众以鲜明的舞蹈形象，会获得意想不到的效果。

D编导要充分培养自己的想象力，使舞蹈具有浪漫抒情的色彩，这是作品打动人心，感染观众极为重要的方面。

想象是文学作品中常用的手法。

精彩的想象就像童话中的魔杖，点到哪里，哪里就会产生奇特的变化。

要想舞蹈具有独创性，想象是实现这个目标的重要因素。

E编导要善于启发演员再创作的能力。

因为舞蹈编导完成创作之后，是需要通过演员的表演来达成作品的最终体现，甚至有时会需要演员的配合来共同完成作品的创作，所以对演员的启发是至关重要的。

缘于此，编导自身的文化修养就显得尤为重要。

因为准确而富有感染力的语言是可以开发演员的想象，不仅能达到编导的要求，甚至是超出编导最初的设想，出现更加完美的表现。

(三)独舞创作的技法与训练
1、舞台站立。

这是一种心理素质以及心里感受的训练，通过在舞台中央独自站立来寻找面对观众的勇气，以及逆向思考如果在舞台上跳舞将是多么美好的事。

当学生能够自如的站在舞台上，而不会左摇右晃，心慌意乱，还能自然的注视观众，表情怡然，那么就是已经通过这一训练了。

2、个人即兴造型。

在老师的口令下，学生立刻即兴的摆出个人造型
3、音乐即兴舞。

在背景音乐的衬托下即兴起舞，没有特定的要求，只要不停的舞蹈就可以，但是在舞蹈时要注意动作的新颖感，要与音乐的氛围想吻合并表现出轻重缓急，注意流动，占领舞台空间。

4、命题即兴舞。

同样在背景音乐的衬托下起舞，但是有具体的要求，比如环境上的要求(在海边)，情感上的要求(勇往直前的)，形式上的要求(双人的)等等。

5、舞蹈的动机是塑造舞蹈形象，具有鲜明艺术个性和内涵的，最基本的凝聚形式和最小的结构单位，动机是过程中的动作。

动机的长度一般是2-6拍。

(1)动机必备的六个条件:A形象性B可变性C简练性D鲜明的个性E舞蹈性F 观赏性
(2)动机的分类:
A单一动机与复合动机。

身体某一部位的动作叫单一动机，两个部位包括更多部位同时动作叫复合动机。

B主动机与副动机。

在舞蹈中占主导地位的动机叫主动机，地位次于主动机但具有辅助作用的动机叫副动机。

C?形象动机?节奏动机?情绪动机?涵义动机
D?模仿型动机?象征型动机?暗示型动机
6、捕捉形象并创作形象动机。

捕捉形象要注意将生活中事物的典型特征提炼出来，并且是所有人都认同的属于事物的共性，要将生活形态转化成舞蹈动态，将生活节律转化成舞蹈动律。

7、创作节奏动机、情绪动机、涵义动机、模仿型、象征型、暗示型动机。

8、对动机进行发展变化。

发展变化包括单一变化和复合变化两种，单一变化就是仅包含一种变化方法，复合变化就是包含两种及两种以上的变化方法。

动机的变化方法如下:
A方向变化，即改变动作的方向，如原型动作是面向一点完成的，变化后就可能是面向五点完成。

B幅度变化，即改变原型动作的大小关系。

C力度变化，即改变原型动作的力度，使强弱关系有所不同。

D速度变化，是对原型动作的快慢进行改变。

E空间变化，即改变原型动作的一、二、三空间，使高低关系有所不同。

一度空间是指除了双脚接触地面外，还有身体的另一个部位也接触地面;二度空间指只有双脚接触地面;三度空间指身体的任何部位都不接触地面。

F节奏变化，是指对动作的节奏型进行改变，但是不会改变原型动作的时间长度。

G原型动作中加入新的因素，但时间长度不变。

H保留一部分，改变一部分。

?上下身的保留与改变?动机前后部分的保留与改变
I切割法，即把原先一步完成的动作分割成几部分来完成，一般都是比较紧密的连接。

J改变原型动作的连接顺序。

K倒带法，即完全倒带，把所有动作完全倒过来做。

L完全重复。

9、舞句的创作。

一般说来，舞句不超过8小节(2/4，3/4)，若音乐是4/4或6/8则是4小节。

一到二个动机，可以出现在舞句的任何地方，然后用连接动作将其隐蔽起来，连接动作一定要用ALLEGRO。

ALLEGRO意为快板，有人称“ALLEGRO 是舞蹈的灵魂”。

所有的跳、转、舞步、连接动作，包括足尖都属于ALLEGRO。

动机之间的连接动作应具有流动性。

舞句也可由一个原型动机加上她的变化动机组成。

10、舞段的创作。

舞段一般包含两到三个动机，但也不排斥用一个动机。

舞段一般占有四个乐句，创作技法如下:
(1)原型动机加上她的发展变化，但要注意变化之后的动机必须和原型动机拉开距离。

(2)主动机加上副动机，但要强调两个动机之间鲜明的对比。

(3)主动机加上副动机，再加上其中一个的变化发展。

(4)主动机加上副动机再加上主、副动机各自的发展变化。

(5)一个动机的多次完全重复。

(6)一个动机的完全重复再加上她的发展变化之后的连续重复。

(7)主动机的连续重复加上副动机的连续重复。

(8)主动机的连续重复加上副动机的连续重复再加上其中一个动机发展变化之后的连续重复。

(9)主动机的连续重复加上副动机的连续重复，再加上主动机发展变化的连续重复和副动机发展变化的连续重复。

舞段的进行要跌宕起伏，避免平铺直叙，高潮一般出现在第三乐句上。

11、完整独舞作品的创作。

在创作独舞时要注意以下几点:
(1)选材要新颖独特，具有现实意义，独到的构思与创作方法，并具有较强的娱乐性。

(2)选择有表现力的，有新鲜感的，另人感触的音乐。

(3)捕捉好舞蹈的动机，将其组合成内部充实的舞段，注意舞段之间的鲜明对比。

(4)全舞应在组合的步伐之中。

(5)具有明确的节奏型。

(6)注意空间动力平衡。

舞台调度流畅合理。

(7)不断的设置兴奋点，可以从最好的点子开始进行创作。

(8)要用情感贯穿全舞，增强表现力和感染力。

(9)要学会用眼睛说话，传递感情。

(10)凤头、猪肚、豹尾，处理好高潮部分，若高潮时不能把情绪推上去，那么作品就面临失败的危险，所以有时在创作之初就要把高潮的手段考虑清楚，如果拿捏不准，甚至就放弃重来了。

第二部分双人舞编导
(60学时)
(一)在舞蹈创作中，肢体的创作是最基本的，也是最普遍的。

但舞蹈的思维创作却不多见。

关于舞蹈思维创作，我们注重的是观念的创作，而观念又借助于思维活动。

那么思维活动就是影响我们思维创作的主要原因。

思维是客观事物的概括的、间接的反映，具有一定的独立性。

它反映的是一类事物的共同本质特征。

思维
的概括借助于“词”，这个“词”是我们个人心中的概念，而“词”是建立在感性材料上的，感性材料又来源于实践。

所以思维是一种加入到实践活动中的特殊活动，是在实践活动的关系中实现的。

但思维并不只在实践活动中产生和发展，因为思维是客观实践的本质认识，是人脑反映现实的高级形式，所以思维创造过程本身是由一定的关系中发展出来的，它本身是个自然过程。

在我们学习的过程中，我们的大脑对客观材料进行分解和重组，并与我们原有的知识进行结合。

在进行分解的过程中，我们的大脑会对客观材料进行过滤分析，也就是对收集来的初级事物信息进行筛选，记住事物的本质。

在记住事物的本质的过程中，会根据不同人的爱好进行有方向的选择内容。

既然思维的概括借助于“词”，而这个“词”是我们个人心中的概念，那么我们就要对个人心中的概念进行解放。

古往今来，无论什么样的艺术大师都是先从概念上打破，当时的旧观念，从而超越前人，所以在我们的舞蹈创作中，首先要进行思维创造，和观念的改变。

当我们打破了旧的观念以后，再来说明一下社会意识，社会存在和社会需求的关系。

社会存在决定社会意识，而社会意识又反作用于社会存在。

社会意识决定社会需求，而社会需求(包括物质和精神)又决定社会存在。

社会需求是社会发展的动力(即生产力发展的需求)，而社会需求又是最难控制的。

比如:街舞之所以起源于美国黑人，其中有很多原因。

第一，美国有强烈的种族歧视，压制了一些黑人的情绪，这是舞蹈动机的根本。

为了发泄情绪黑人舞者们“审美”这一要素(这是无意识的)，保留了其他要素(社会生活的反映;动态意象);第二，美国是一个经济发达的国家，有雄厚的经济基础做保障，为“社会存在”的产生提供了条件。

第三，随着中产阶级的崛起，文化消费方向发生了改变，，成多级化趋势，已不在以上层社会的审美为最终标准。

所以有了不同的社会需求。

第四，文化思潮的进一步解放，人们的艺术追求已不仅是求真写实、抒发个人情感，而是追求新奇的感觉，使以前
的“社会意识”发生改变，为产生不同的“社会需求”做了思想上的准备。

所以街舞不是我们的东西，而是社会的产物。

我们与他们的生活方式完全不同，我们要学习的是什么呢,其实我们要学习的是一种创新的精神，一种自由的精神。

理论是奠定于实践的，同时又来指导实践，但归根到底是属于实践的。

在一定的实践基础上，有理论来指导一下，提高一下。

我们不但要掌握历史的发展趋势，还要注意个人修养。

人的喜怒哀乐以及各种爱好都决定于人本身，所以人在社会生活中的取材就有了定向，而人的定向又决定今后的发展风格，所以修身是基于技术和理论之上的。

比如:在舞蹈的时候我们应该意识到，舞蹈是我们跳的，但不是我们完成的。

因为观众也在跳舞，他们的视觉，听觉以及心理的变化无不受到我们的影响，而舞者也会受到观众气氛的影响，所以我们要把演出看成一个整体。

如果一个舞者没有认清观众和自己的关系，那么就会使舞者与观众之间的交流受阻。

(二)双人舞是由两个人配合完成的，要避免成为“二人舞”，也就是说双人之间一定要存在关系。

这种关系可以是很多方面的，比如角色上的，情感上的，调度上的，动作上的等等。

(三)双人舞的技法与训练
1、双人接触造型。

A包括单一接触点、多接触点、接触面，以及接触点与接触面的结合。

B表现不同情感的接触造型。

2、双人即兴舞。

包括双人分离的即兴舞，双人接触的即兴舞，借助空间任何事物的即兴舞，有特定要求的双人即兴舞等等。

3、镜面的双人舞。

指两个人的动作完全相反，就象照镜子一样。

4、双人相连的舞蹈。

两人之间始终存在某一处或多处的接触，并用舞蹈的形式去表现。

基本手段如下:
A手手相连B胯胯相连C胸背相连E脚脚相连F手肩相连G头头相连H脚膝相连I头肘相连J手背相连K肘胯相连L头肩相连M胸膝相连N手腕与鼻头相连
5、影子练习。

A倒影法。

一人桌平面(即水平方向)，一人门平面(即垂直方向)，两人的动作如同水中倒影一般。

在倒影法的即兴训练时，通常是门平面的人为主动者，水平面的人跟着模仿动作。

但是到创作时，就不存在谁主动谁被动了，那时两人合作完成的练习，双人关系是应灵活互换的。

B影仿法。

其实就是不完全模仿，变化模仿。

在即兴舞时，一人主动完成一个舞蹈动作，另一人用自己身体的某一部分或是全身去变化模仿第一人的全身或是身体某一部分。

也叫遥控法。

6、双人相距的技法，即两人之间存在一定距离，在保持这个距离的情况下用舞蹈来表现。

常用的相距如下:
A面面相距10公分B胸背相距一尺C手鼻相距10公分D头肩相距10公分E腹肘相距10公分F背背相距10公分G膝脚相距10公分
7、缠绕与脱离，即一人用全身或身体的一部分缠绕另一人的身体一部分或全身，另一人则朝各种不同的方向或不同的空间进行脱离。

一般缠绕者主动方，脱离者为被动方。

8、流动线条法。

双人从舞台的某角往对角线舞蹈，在过程中要不断变化接触点且动作流畅。

9、复合托举，即在一人不落地的情况下把至少两个托举动作结合起来，以增加托举的难度。

10、空间对比的托举，即一人从地面(一度空间)动作通过一次力的作用，直接到达空中(三度空间)，形成托举造型。

11、划圆法。

在双人接触的前提下，从立圆、平圆、八字圆中任选两个进行结合，完成一整套动作。

动作时要求一气呵成，中间不能有停顿或断点。

12、倒带法，即把已经创作好的舞段倒过来做，以发现更多新奇的可能。

13、磨合透视法。

综合以上各种双人舞的技法创作出精彩的舞段，再用倒带法倒回去，当遇到阻碍或是发现新的契机时，就往新的方向发展，寻求连续不断的可能性，挖掘更大的生存空间。

第三部分三人舞编导
(120学时)
(一)舞蹈独特的表现手法:舞蹈是以人体动作为艺术手段，为此，她有相应的一套独特的艺术表现手段。

概括起来即:舞蹈的动作(舞姿、动作组合、步伐)，舞蹈的队型(画面、构图)，一些哑剧的手法(手势、面部表情等)。

1、舞蹈动作:舞蹈语言的单字、单词就是“舞蹈动作”。

这种动作不同于生活动作，要有艺术加工的造型性——即“舞姿”。

把经过美化的动作和富有造型性的舞姿按需要表达的内容结合连接起来，就是“动作组合”。

连接动作组合的还有“舞蹈步伐”，舞蹈步伐帮助并突出舞蹈语言的轻重缓急。

舞蹈动作更重要的是塑造人物形象。

技巧动作也是塑造舞蹈中人物性格或表现特定情节的主要“语汇”。

2、队型、画面、构图:舞蹈的队型在创作舞蹈的环节中称为构图。

她是表现舞蹈作品内容、处理情绪变化、连接舞蹈动作和步伐的纽带。

演员在舞台上的位置或流动所形成的队型、图案，被称之为舞台调度。

好的舞台调度就像一幅活动的画面。

3、哑剧手法:哑剧也是一种不用语言而是以人体动作、手势和面部表情表达剧情的手段。

作为舞蹈中的手势，当然首先来自生活，但同样要经过美化加工、集中概括，才能在一个短暂的手势或表情中表达一个明确的内容。

舞蹈区别于音乐、绘画、雕塑，她是时间和空间的，舞蹈善于表达人们最激烈的感情。

(二)舞蹈是综合性的艺术，她融会了文学、音乐、美术、戏剧等姐妹艺术的因素。

1、舞蹈和文学的关系:在具体创作过程中，无论作品的结构、情节的铺陈、细节的描绘、人物的刻画、环境的设置，还是虚实、比拟、夸张、对比等等艺术手段的应用，都需要从文学作品中汲取营养。

2、舞蹈和音乐的关系:舞蹈音乐不仅给舞蹈以长度和速度，也促使舞蹈语汇简练、精确、集中，同时，舞蹈动作的语言性和情绪的发展、深入等，也是借助音乐的旋律、节奏来体现的。

在舞蹈与音乐的有机结合中，才塑造了完整的舞蹈形象。

因此，在舞蹈作品中，音乐和舞蹈共同担负着刻画人物形象、表达思想内容的任务。

舞蹈不同的节奏可以突出不同的思想情绪。

音乐伴奏中的间隙或短暂的停顿，同样是一种音乐节奏的处理。

通常突出惊讶或紧张的场面时，成为静场。

3、舞蹈和美术的关系:绘画和雕塑是追求在静止的造型中获得动态的效果。

而舞蹈则要求在运动中要有雕塑性的造型。

“舞蹈是动的画，活的雕塑”，“舞蹈家是用人体作画”。

舞蹈编导要将那些自然形态的东西升华到具有美术性的造型上来。

舞蹈的每一个瞬间，尽可能的像绘画和雕塑那样，具有强烈的感染力。

4、舞蹈和戏剧的关系:舞蹈与戏剧都是舞台表演艺术，不同的是，戏(歌)剧主要依靠演员的说话或唱歌，而舞蹈则是用演员的形体动作去完成创作角色的任务。

综上所述，舞蹈是需要音乐、节奏、舞台美术、灯光、服装、道具等塑造形象的。

(三)舞蹈作品的五大因素
1、深刻而动听的音乐。

舞蹈已经不单单是娱乐，而是思索的艺术。

音乐中像《茉莉花》则相对肤浅，而《江河水》、《二泉映月》则相对深刻。

舞蹈亦然，我们需要多创作出另人思索，意义深刻的作品。

当然，一定的娱乐性又是不能丢弃的。