写意画 - 360文档中心

写意国画课件ppt

装饰价值
写意国画作品具有很高的审美价值，可以作为装饰品装点家居，提升室内环境的文化氛围。
鉴赏与收藏的方法与技巧
了解画家背景
鉴赏和收藏写意国画前，应了解画家的生平、风格、创作背景等信息，有助于理解作品内涵。
辨识真伪
市场上存在大量仿制品，收藏时应注意辨识真伪。通过比对作品风格、落款、印章等细节，以及查阅专业鉴定资料，提高辨识能力。
写意国画课件
目
CONTENCT
录
• 写意国画概述 • 写意国画的技法与技巧 • 写意国画的题材与表现 • 写意国画的创作过程 • 写意国画的鉴赏与收藏
01
写意国画概述
写意国画的定义与特点
总结词
写意国画是中国传统绘画的一种重要形式，它强调表现画家的主观情感和意趣，通过简练的笔墨表现自然和人生。
写意国画的艺术价值
总结词
写意国画的艺术价值在于它所表现出的中国传统文化精神和美学思想，以及其独特的艺术形式和表现手法。
详细描述
写意国画是中国传统文化精神和美学思想的重要载体，它所表现出的自然观、人生观和艺术观都深深地烙印着中国文化的印记。同时，写意国画的构图、笔墨运用和意境营造等表现手法都具有很高的艺术价值。
关注作品完整性
收藏时应注意作品是否完整，包括画作本身、画框、题跋等方面。完整性高的作品更具收藏价值。
合理估价与投资
写意国画作品的价值因画家知名度、作品质量、历史背景等因素而异。收藏时应根据自身经济实力和市场行情合理估价与投资。
THANK YOU
感谢聆听
代表画家
顾恺之、阎立本、唐寅等。
风景画
01
总结词
以自然风景为题材，展现自然之美。
02
详细描述

关于写意花鸟画的特点

关于写意花鸟画的特点写意花鸟画是相对工笔花鸟画而言的一种画派。

在我国传统绘画的长廊中，以其墨彩神韵之独特而熠熠生辉。

写意花鸟画能成其为大画派，自有它生发演变的历史。

当然不是一代人或某一个人的特殊天赋所能完成的，它独特表现技法的形成，离不开各时代杰出画家的继承和发展。

人复一人。

代复一代，再继承，再创造，如此循环向前，不断积累，方得逐步完善。

写意花鸟画是相对工笔花鸟画而言的一种画派。

在我国传统绘画的长廊中，以其墨彩神韵之独特而熠熠生辉。

写意花鸟画能成其为大画派，自有它生发演变的历史。

当然不是一代人或某一个人的特殊天赋所能完成的，它独特表现技法的形成，离不开各时代杰出画家的继承和发展。

人复一人。

代复一代，再继承，再创造，如此循环向前，不断积累，方得逐步完善。

唐代由于经济的发展以及文化的南移，使花鸟画的发展得以长驱直进。

五代两宋时期更是花鸟画发展的灿烂时代，其画家众多、创作繁荣。

成熟于西蜀的黄荃、发扬光大于宋初的黄居窠等，他们是在晚唐边鸾、刁光胤、滕昌佑等人的基础上发展了勾勒彩晕的画法，笔致工整细腻、浓丽堂皇，成为工笔花鸟画的先驱。

而南唐的徐熙则在工笔花鸟画的基础上发展了水墨晕染的画法，以墨为主、轻色淡彩。

据沈括的《梦溪笔谈》所记：“徐熙以墨为主、殊草草，略施丹粉而已，神气迥出，殊有生动之意。

”其画生意盎然而不雕琢，以其自然与野逸。

这种着重笔墨的画法，对后世影响甚大。

特别是到了明代，在继承发展了水墨画的同时，形成了写意花鸟画派。

到十九世纪末二十世纪初期在世界艺术动荡变革的大氛围中，吴昌硕独领时代思潮之风骚，以画坛主将的气概，终于完成雄健烂漫、气夺天池的“吴派”大写意花鸟画派，融诗、书、画、印“四色”为一体的画面构成，艺兼众美，流风余韵。

广衍中外，冠绝当时，深深地影响着我国近百年来的画坛。

唐代由于经济的发展以及文化的南移，使花鸟画的发展得以长驱直进。

五代两宋时期更是花鸟画发展的灿烂时代，其画家众多、创作繁荣。

高中美术中国画之写意画

徐悲鸿
漓江春雨
-----精品文档------
破墨法：指作画时，当前一墨迹未干之际，又画上另一墨色，以求得水墨浓淡相互渗透掩映的效果。破墨法又可分为四法（浓墨破淡墨、淡墨破浓墨、墨破色、色破墨），各有不同的特点。
浓破淡
-----精品文档------
色破墨
-----精品文档------
生宣上，较工笔画更能体现所描绘景物的神韵，也更能直接地
抒发作者的感情。
-----精品文档------
写意画的表现手法：
1、勾：运笔勾线将物体的外轮廓、主要脉络勾勒出来，它实际起到撑起骨架的作用。
2、皴：表现山、石、树的质性，后来超越了对对象的表现而趋向特有的形式美。
3、擦：运用擦笔需不见笔，显出的墨色“松”而“毛”，可达到苍茫的效果。
主讲：蓝余堂忻城县高级中学 -----精品文档------
表现手法勾勒渲染
特征
工整细致精致入微笔法细腻
-----精品文档------
从表现手法、艺术特征来看不同点
-----精品文档------
中国画之写意画
-----精品文档------
写意画概述
❖ 写意画即是用简练的笔墨描绘物象的意志神韵。写意画多画在
-----精品文档------
逆锋：行笔笔尖在前，推动而行，其笔道苍老，疑厚，无光滑感。
-----精品文档------
写意画的墨色韵味
古代画论中有“五墨”、“六彩”之分。 *五墨是指焦、浓、重、淡、清，这是墨阶，如同音乐中的音阶。
-----精品文档------
*六彩指黑、白、干、湿、浓、淡。
用笔豪放、洗练
-----精品文档------

中国画写意画的特点

中国画写意画的特点1、以形写神,以神写意.从古到今,中国的绘画一直围绕着一个形的问题在作文章.在绘画的初萌阶段,因为造型水平差,那时的形是简单而幼稚的,是似是而非的,也能够说是“以意表形”.随着绘画经验的持续积累,写形的功能大大提升,进入了“以形写形”的阶段.但随着时代的发展,画家们并不以形似为满足,逐渐理解到了“神似”的重要性.即在造型上表现对象的内在本质精神面貌和性格特征,才算真正达到绘画的目的.最先提出“以形写神”理论的是人物画家顾恺之.后来引伸到中国写意画领域,逐渐比为“以神写意”的意象造型观点.是中国的写意画摆脱了自然形的限制,而追求以笔墨为载体的情感宣泻.因为开拓了表现上的自由空间,画家笔下的形象既跳出了特定时空中客观物象再现的制约,又因为形的限制而避免了过于的随意性.使作品既来源于生活,又高于生活,既有形的观点,又有自我情感的表露,达到极完善的幻化境界.但因为画家对自然物象的感悟千差万别,审美情趣各有所好,所以中国写意画家笔下对形与神的概念便有了不同的侧重.偏重工细一路的借形以抒发自我性灵的审美需求,既强调客观物象的真实性,又具主观的表现意识,达到以形传神、形神并重的目的,如注重写实的工兼写即属此类.小写意画家则既注重形的制约,又注重自然精神与自我心境,情感的结合,达到一种意蕴平和、雅俗共赏的境界.大写意画家强调自我情感的宣泻,自然物象中的形仅仅表达感情的一种载体,能够不完全依附于客观物象的独立美感.在画家笔下自然物象的某些细节能够招之即来,挥之即去.意象造性,以神写意的表现力达到了境界.关于形神论的观点,历代都有很多精辟的论述.北宋苏轼提出“作画以形似,见与儿童邻”,虽不免过于偏颇,但观点是明确的.元代倪云林的“逸笔草草,不求形似”,则是文人画家的一种偏激言词.二者都没有把形神的关系界定清楚.对中国写意画的形神问题阐述的最精僻的莫过于齐白石,他说：“不似为欺世,太似则媚俗,妙在于似与不似之间”.似与不似之间就有了一定的空间,画家在作画过程中,积极地去作物象的内在本质即神韵的追求,为了达到目的,就要对物象的特征加以强调、夸张,对形实行必要的概括、取舍、归纳.这个过程叫做“遗貌取神”,这种造型观点叫做“意象造型”.2、骨法用笔、以书入画.“骨法用笔”是谢赫六法中第二位,它用“气韵生动”是六法中最重要的两个概念.“骨法”是指客观物象的形神结构,“用笔”则是用笔方法,用笔技巧和艺术表现.唐代张彦远在《论画六法》中提出“骨气形似皆本立意而归乎用笔”.说明“骨气用笔”的内涵是十分丰富的,它不但要表现客观对象的基本结构、神韵,还要表达画家的主观感情和艺术创造.在写意画中,笔墨还有独立的审美价值,表现为特殊的用笔方法所产生的形式美,也表现为笔墨情趣.黄宾虹先生根据中国画的审美要求,总结前人和自己的创作经验,把用笔归结为平、圆、留、重、变五法,他说：“用笔须平,如锥划沙；用笔须圆,如折钗股,如金之柔；用笔须留,如屋漏痕；用笔须重,如高山堕石.”以上是用笔所追求的一种境界,至于具体操作中如何灵活掌握,还要懂得一个“变”字,要留有余地,要掌握好分寸,过度了同样也是弊病.黄宾虹、齐白石、潘天寿、李可染等先生追求线条的凝重深厚,注重留的作用,所以行笔相对较慢,但也并不是处处都慢,该快时还是要快的.有的画家追求线的流畅,行笔速度相对较快,有气势磅礴、一气呵成之感.至于怎样才好,这与每个人的实践经验、审美情趣相关,不可强求一律.至于用笔中的苍、老、活、松、涩、劲、毛、挺、圆、厚的艺术效果,一个“变”字都能概括,靠在实践中去体会去灵活掌握.。

写意国画、工笔画、油画、水彩画，哪种最值钱，为什么？

写意国画、工笔画、油画、水彩画，哪种最值钱，为什么？这个问题问得好！问问题嘛，就直接把自己最真实的想法问出来就行了！毕竟书画、油画不单单具有艺术价值，也同样具有市场价值嘛！至于这四种画哪一种最值钱，这就没有定论了，不过结合一般的市场行情（主要是拍卖）来看，油画、写意国画最值钱，工笔次之，水彩最末！西方油画▼至于原因，只能说写意国画和油画一个代表东方艺术传统，一个代表西方艺术传统，拥有最广泛的受众，唯一不同的是，写意大部分局限在国内，国内虽然不差有钱人，但是毕竟范围小一些，出现拍卖比较高的情况比较少，而油画就比较普遍了！很多大师们的画作经常出现火爆的价格，但是两者相差不算多，在国内的话还是传统国画比较有市场！当然，如果你有一幅唐伯虎的真迹，那价格应该不会输给任何西方油画，可惜我们没有，连博物馆都没几幅真的。

中国写意画▼接下来是工笔画，工笔画也是传统中国画的一个分支，由来已久，只不过因为中国画历来受“重神不重形”这样的思想影响，工笔画倒不是很出彩，但是一些精品的工笔画也是价格极高，河南有个民权县就专门画工笔老虎，基本上家家户户都画，每年成交额有将近1个亿，工笔画还是很有市场的！工笔画▼最后的水彩画，这个起步比较晚，虽然也诞生了一些这个领域的大师，但是毕竟不如油画、国画受众多。

但是这是一个很有潜力的画种，将来肯定不错，也是个比较好的投资方向！谢谢！水彩画▼这里是万物皆明为您原创回答！原创不易，喜欢的就请关注、点赞！谢谢！回答过好几次，怎么看画值不值钱这个问题了，艺术品估价这个问题十分复杂，不能单从一个方面对比，这就好像问酸辣粉，串串香，火锅，哪个最辣，都不是一个层次的食物，怎么能拿来对比。

达芬奇油画《救世主》至于艺术品估价，这篇文章已经放过许多次了，但估价大致就是这样啦。

吴冠中狮子林纸本设色1988年作144×297 cm北京保利2011春2961 成交价：RMB 115,000,000张大千1899-1983瑞士雪山镜心设色绢本 1965年作北京保利2016秋成交价：RMB 164,450,000齐白石(1864-1957)可惜无声·花鸟工虫册册页(13开)设色纸本1942年作北京保利2009秋成交价：RMB 95,200,000出版：1.《可惜无声—白石老人画册》（木板水印），天津美术出版社，1956年12月第一版，1959年8月第三次印刷；2.《中国木板水印画》，天津杨柳青出版社出版3.《齐白石全集》(第五卷)P40,湖南美术出版社,1996年出版.4.《齐白石绘画作品图录》(下卷)P54,天津人民美术出版社,2006年出版.5.《齐白石的世界》P145, 羲之堂文化出版事业有限公司,2002年出版.齐白石 1864-1957“叶隐闻声”花卉工笔草虫册册页（十八开）设色纸本32×26 cm×18约0.7平尺(每幅)北京保利2015秋1192成交价：RMB 115,000,000钤印：霍氏宗傑鉴赏题跋（杨善深题）：1.国之瑰宝。

写意画—中国画发展的高级阶段

写意画纵现中、西绘画史，无论东方或西方的绘画艺术，大体上都经历了三个阶段：原始的“不似”——精细的“形似”——高一级的“不似”。

原始时期的绘画，例如：我国新石器时代彩陶上出现的鱼、鹿、蛙、人形图象，远古时代的岩画，欧洲远古洞窟壁画等等。

那时的绘画尚处在幼稚阶段，对物象的刻画是粗糙的、简略的，可以说还画不准物象，正如儿童画一样，表现原始人纯朴天真的意念。

这是原始时期的“不似”阶段。

随着时代的发展，技术的进步，人类逐渐能够真实地再现物象，并且达到十分精细的程度。

中国绘画发展到唐、宋时期，无论人物、山水、花鸟画，都可达到精细地刻画物象的程度。

西方绘画发展到十五至十六世纪文艺复兴时期，运用科学手段（透视学，解剖学，色彩学）更能十分逼真地再现物象，使写实的绘画发展到高峰。

人类绘画从原始的“不似”，发展到精细的“形似”，这标志着绘画的巨大飞跃。

然而，逼真的再现物象，并不是绘画的最高目的。

绘画和其它艺术一样，都是人的精神产物。

人要充分、自由地抒发自己的性灵，表达情感，就必须突破刻意模仿物象的阶段。

因为刻意模仿物象，必须束缚着人的性灵的高度发挥。

只有摆脱了“形似”的束缚，从“形似”中解放出来，绘画才能取得更大的自由。

中国写意绘画的形成与发展，正是逐渐摆脱“形似”束缚的结果。

当中国的写实绘画（中国的写实绘画于西方的写实绘画有很大的不同，前者的写实是相对的，后者则更接近物象真实）在唐、宋之际发展高峰之时，人们开始不再满足写实的东西，而探索一种新的绘画形式，不再追求精细的“形似”，而是追求“意似”，于是逐渐形成了写意绘画。

早在魏晋六朝时期，中国文化史上呈现新的变革，文化思想领域十分活跃，强调人的自觉，追求人的内在精神以及个性的表现。

文学方面，文论、诗论的发展；书法艺术的成熟；在绘画上，顾恺之的“以形写神”，谢赫的“气韵生动”，王异的“画乃吾自画，书乃吾自书”，这种强调神韵，强调自我的观点对以后写意画的产生有着积极的影响。

中国写意画技法

中国写意画技法写意画的用笔方法是怎样的？写意画的用笔方法，历代画家总结了很多宝贵的经验，其中比较重要的是：“意、力、韵、趣”的用笔“四要”。

（1）笔意就是要意在笔先，画家下笔时要心使腕运，以一种特定的情感、意念去驱使笔墨，才能因意成像，以像达意。

笔意是用笔之总要，无意之笔是死笔。

历代画家创造的艺术，所以能激动人心，主要是画家在笔墨技巧中融进了激情和意趣。

（2）笔力就是运笔的力度感，是形式美感的重要因素。

笔的力度感有两种内涵：第一是功力的力。

所谓“力透纸背”、“笔能扛鼎”就是一种运笔功力的表现。

表现运笔功力的程度有“老”与“嫩”之说。

功力的老到，要有一个长时间的锤炼过程才能做到，所谓“学力到，心手相应；火候到，自无板、刻、结三病矣”。

功力老到的画家，即使柔细的线条，也能做到柔中有刚，棉里藏针，有内在的力度。

而初学者，无论使多大的劲，笔痕还是稚嫩无力，所以，笔力是一个长期的功夫。

第二是气力的力。

属于用笔技巧，只要掌握用笔的方法和规律，就能做到。

运气使力的方法，首先是下笔前的用意要有力，要全神贯注，凝神静气，然后以意领气，以气导力把全身的气劲由臂至腕，由腕至指，再由指把力注于笔端，使劲力自然透出笔端。

切忌表面的剑拔弩张、火气十足。

（3）笔韵所谓笔韵，有韵味和韵律二种含意。

韵味，就是要求通过用笔的轻重、虚实、刚柔、方圆、徐疾、顿挫等变化，求得画面的统一与和谐。

如同音乐一样，有一个基调、一个主旋律。

韵律是用笔要有运动感和节奏感。

和书法一样，讲究线节奏，“侧法如飞鸟翻然而下”，“勒法如勒奔马之缰”，“轻如行云流水之变动”，“重如高山坠石之势”。

（4）笔趣笔趣有意趣和天趣两种含意。

用笔有趣，才能使观者赏心悦目，获得美的享受，故笔趣乃是使画产生形式美感的关键。

用笔的意趣，在于巧妙地处理笔的生熟、巧拙、老嫩等关系。

用笔熟而生巧，美则美矣，但会流于匠气、市井气。

所以笔贵在熟而后生，由熟返生，“画到生时是熟时”，才生意趣。

国画知识：大写意是什么？写意画中的“兼工带写”是什么？

国画知识：大写意是什么？写意画中的“兼工带写”是什么？写意着色写意着色也叫“兼工带写”。

具体是指一幅画中的形象，有笔法工整细致的部分，亦有较放纵写意的部分，用工、写二种笔法，表现出物象的形神。

这种画法多见于花鸟画、人物画中。

运用自由流畅、粗细相间、繁简照应的笔墨表现人物的精神面貌。

写意着色是写意人物画中常见的表现形式，是在写意线描的基础之上进行笔墨方法的训练，但重点放在写意人物的用色技法上，包括国画颜料的性能，用色的技巧和艺术，色墨混用时色与墨的协调、对比等。

任伯年可以说是兼工带写的代表画家，其短暂的一生中留下了大量的兼工带写的作品。

人物画中人物的脸部精细描绘，背景或服饰用写意画风，逸笔草草却是神采飞扬，笔精墨妙。

在其花鸟作品中也经常可以看到他对花卉或禽鸟精益求精的描绘，用线描绘制，而对石头背景均用大的墨块点绘。

《风尘三侠图》清·任伯年大写意写意是国画的一种画法，用笔不讲究工细，而是注重神态的表现和抒发作者的情趣，是一种形简而意丰的表现手法。

大写意能最大限度地发挥写意人物画的技法和特性，难度相对较大。

一些传统的减笔、泼墨、泼彩、泼水等技法都可以在大写意的大笔挥洒中得到充分的体现。

大写意通常运用自由、奔放、简洁的笔墨来表现丰富多彩的人物形象。

南宋梁楷的《泼墨仙人图》和五代石恪的《二祖调心图》就是大写意人物画的典型代表。

《二祖调心图》宋·石恪写意画法要求通过简练概括的笔墨，着重描绘物象的意态神韵，南宋的梁楷、法常，明代的陈淳、徐渭，清初的八大山人等，均擅长此法。

清代恽寿平说：“宋人谓能到古人不用心处，又曰写意画。

两语最微，而又最能误人，不知如何用心，方到古人不用心处；不知如何用意，乃为写意。

”写意人物画的形与象是造型艺术赖以生存的依据。

它的造型很早就摆脱了人物描摹的再现，而走向抒情、写意的表现道路。

由于每个历史时期人们的理解和审美趣味不同，在物质文明日趋发达、东西方文化广泛交流及各个学科相互渗透的今天，人们的思想感情、审美意识及其情趣都在不断发生变化。

二、中国写意画的特点

二、中国写意画的特点1、以形写神，以神写意。

从古到今，中国的绘画一直围绕着一个形的问题在作文章。

在绘画的初萌阶段，由于造型能力差，那时的形是简单而幼稚的，是似是而非的，也可以说是“以意表形”。

随着绘画经验的不断积累，写形的功能大大提高，进入了“以形写形”的阶段。

但随着时代的发展，画家们并不以形似为满足，逐渐认识到了“神似”的重要性。

即在造型上表现对象的内在本质精神面貌和性格特征，才算真正达到绘画的目的。

最先提出“以形写神”理论的是人物画家顾恺之。

后来引伸到中国写意画领域，逐渐比为“以神写意”的意象造型观念。

是中国的写意画摆脱了自然形的限制，而追求以笔墨为载体的情感宣泻。

由于开拓了表现上的自由空间，画家笔下的形象既跳出了特定时空中客观物象再现的制约，又由于形的限制而避免了过于的随意性。

使作品既来源于生活，又高于生活，既有形的观念，又有自我情感的表露，达到极完善的幻化境界。

但由于画家对自然物象的感悟千差万别，审美情趣各有所好，因此中国写意画家笔下对形与神的概念便有了不同的侧重。

偏重工细一路的借形以抒发自我性灵的审美需求，既强调客观物象的真实性，又具主观的表现意识，达到以形传神、形神并重的目的，如注重写实的工兼写即属此类。

小写意画家则既注重形的制约，又注重自然精神与自我心境，情感的结合，达到一种意蕴平和、雅俗共赏的境界。

大写意画家强调自我情感的宣泻，自然物象中的形只是表达感情的一种载体，可以不完全依附于客观物象的独立美感。

在画家笔下自然物象的某些细节可以招之即来，挥之即去。

意象造性，以神写意的表现力达到了最高境界。

关于形神论的观点，历代都有不少精辟的论述。

北宋苏轼提出“作画以形似，见与儿童邻”，虽不免过于偏颇，但观点是明确的。

元代倪云林的“逸笔草草，不求形似”，则是文人画家的一种偏激言词。

二者都没有把形神的关系界定清楚。

对中国写意画的形神问题阐述的最精僻的莫过于齐白石，他说：“不似为欺世，太似则媚俗，妙在于似与不似之间”。

徐渭大写意花鸟画艺术风格浅析

徐渭大写意花鸟画艺术风格浅析【摘要】徐渭是中国明代著名画家，他擅长大写意花鸟画。

大写意画注重形神兼备，追求形象的生动和意境的超凡，表现出一种强烈的个性化风格。

徐渭的花鸟画作品在创作特点、传统与创新、色彩运用、线条表现和意境营造等方面展现出独特的艺术魅力。

他善于运用鲜明的色彩和简洁而富有韵律感的线条，营造出优美而富有生气的画面。

徐渭的作品既传承了传统的技法和审美标准，又注入了个人独特的情感和审美理念。

他的大写意花鸟画风格深受后人喜爱与传承，展现出极高的艺术价值。

徐渭大写意花鸟画在艺术领域占有重要地位，对后世画家有着深远的影响，具有不可替代的艺术魅力和历史意义。

【关键词】徐渭、大写意花鸟画、艺术风格、创作特点、传统与创新、色彩运用、线条表现、意境营造、艺术领域、艺术价值、评价、总结、展望1. 引言1.1 介绍徐渭大写意花鸟画徐渭（1748-1823），字圣原，号兰谿，安徽桐城人，清代大画家。

徐渭是南画大家，世称“徐兰谿”。

他集中了南宋、元、明、清各朝家学之大成，得徐祺、杨洲、文徵明等画家之真传，尤以杨洲为师而事雷仲、吴仲二家，又师法文徵明。

工诗书画，兼工篆刻，亦善黄山，人物尤工。

作画设色浓淡合宜，笔法意境赅妙，其水墨勾勒简洁含蓄，即立带写，性得疏实，浑密相济，着格细处，多减繁就简，注重情致而韵于境界。

常以潇洒健逸、守雪深秀为美。

画海（《大石湖图》）高湖山（《松雪图》）名山，在异境胜境中还能凭其崭解境体，注蕴画鳞具象，逐渐形成个人的艺术画风。

通过形成其画风，将当时画师的绘画方法造诣得力的发展，成为南画的大家。

1.2 阐述大写意画的特点大写意画是中国传统绘画中的一种特殊风格，它强调表现画家主观感受和情绪表达，而非客观写实。

大写意画家通过简洁的线条和充满活力的笔触，表达出内心深处的情感和境界。

大写意画在形式上追求生动简洁，追求意蕴和情感的表达。

其特点包括以下几个方面：1. 情绪化表现：大写意画强调画家自身的情感和情绪，画家通过笔触和线条的运用，表现内心深处的情感和境界，使作品更具有生命力和情感共鸣。

写意画的特点有哪些基本技法

写意画的特点有哪些基本技法写意画的特点1、以形写神，以神写意。

从古到今，中国的绘画一直围绕着一个形的问题在作文章。

在绘画的初萌阶段，由于造型能力差，那时的形是简单而幼稚的，是似是而非的，也可以说是“以意表形”。

随着绘画经验的不断积累，写形的功能大大提高，进入了“以形写形”的阶段。

但随着时代的发展，画家们并不以形似为满足，逐渐认识到了“神似”的重要性。

即在造型上表现对象的内在本质精神面貌和性格特征，才算真正达到绘画的目的。

最先提出“以形写神”理论的是人物画家顾恺之。

后来引伸到中国写意画领域，逐渐比为“以神写意”的意象造型观念。

是中国的写意画摆脱了自然形的限制，而追求以笔墨为载体的情感宣泻。

由于开拓了表现上的自由空间，画家笔下的形象既跳出了特定时空中客观物象再现的制约，又由于形的限制而避免了过于的随意性。

使作品既来源于生活，又高于生活，既有形的观念，又有自我情感的表露，达到极完善的幻化境界。

但由于画家对自然物象的感悟千差万别，审美情趣各有所好，因此中国写意画家笔下对形与神的概念便有了不同的侧重。

偏重工细一路的借形以抒发自我性灵的审美需求，既强调客观物象的真实性，又具主观的表现意识，达到以形传神、形神并重的目的，如注重写实的工兼写即属此类。

小写意画家则既注重形的制约，又注重自然精神与自我心境，情感的结合，达到一种意蕴平和、雅俗共赏的境界。

大写意画家强调自我情感的宣泻，自然物象中的形只是表达感情的一种载体，可以不完全依附于客观物象的独立美感。

在画家笔下自然物象的某些细节可以招之即来，挥之即去。

意象造性，以神写意的表现力达到了最高境界。

关于形神论的观点，历代都有不少精辟的论述。

北宋苏轼提出“作画以形似，见与儿童邻”，虽不免过于偏颇，但观点是明确的。

元代倪云林的“逸笔草草，不求形似”，则是文人画家的一种偏激言词。

二者都没有把形神的关系界定清楚。

对中国写意画的形神问题阐述的最精僻的莫过于齐白石，他说：“不似为欺世，太似则媚俗，妙在于似与不似之间”。

泼墨大写意中国画六大家，各有神通，影响后人深远

泼墨大写意中国画六大家，各有神通，影响后人深远梁楷（南宋）南宋梁楷《李白吟行图》东京国立博物馆馆藏梁楷，生卒年不详，东平（今山东东平）人，南宋画家。

南渡后流寓钱塘（今浙江杭州）。

他是名满中日的大书画家，曾于南宋宁宗担任画院待诏。

他是一个行迳相当特异的画家，善画山水、佛道、鬼神，师法贾师古，而且青出于蓝。

他喜好饮酒，酒后的行为不拘礼法，人称是“梁风（疯）子”。

南宋梁楷《泼墨仙人图》这幅画生动地抓住了人物的表情动态，却不在意太多细节，这种自由潇洒泼墨仙人图的画法，在以后的中国绘画中称为'写意'或'泼墨'。

画中这位仙人的整体几乎是以水墨泼写，写尽了仙人醉步的姿态，'仙人'的腰带，仅仅四笔，但是肚子的形状和行走时衣带的飞动感都表现的淋漓尽致。

简单的笔触却充分表达出仙人飘逸的气质。

读上面这幅泼墨淋漓的大写意作品，会给你留下很深刻的印象。

这是一种笔墨的体验，也是一种心境的体验，更是一种禅意的体验。

这幅作品被明代的徐渭、清代的八大、金农乃至现在，无数画家奉若圣明！今天的写意人物画，就笔墨的抒写性来说，无出其右。

南宋梁楷《泼墨仙人图》局部梁楷不愧是泼墨人物画的鼻祖，他以湿笔饱蘸浓墨，自上而下大刀阔斧率性挥写，不过几笔，仙人宽衣慵体、谐趣可爱的神态已经恍如眼前。

细细看时，仙人的嘴角正露出一丝神秘的微笑，一双小眼半睁半闭、似讥似讽，仿佛看透了世间一切。

世间事，谁参透？且醉眼迷离，看世上滑稽之事，笑人间可笑之人。

梁楷《布袋和尚》南宋南宋梁楷《布袋和尚》徐渭（1521年－1593年）徐渭（1521年3月12日－1593年），号青藤，明代的三大才子之一。

他的泼墨写意花鸟画，一切尽在似与不似之间。

徐渭以其独特的笔触，开创了大写意花鸟画风，将传统的文人画提高到了一个更新的境界，对后世中国绘画影响极为深远。

明徐渭《墨葡萄图》故宫博物院藏徐渭在上面这幅水墨葡萄作品中这样自题：半生落魄已成翁，独立书斋啸晚风。

文人画山水画花鸟画风俗画工笔画写意画特点及区别

文人画山水画花鸟画风俗画工笔画写意画特点及区别根据笔墨技法可分为工笔画、大写意画和小写意画(即兼工带写),根据设色又可分为白描画、水墨画、着色画三类,按功能和用途,可分为寺观殿堂壁画、架上绘画、民间绘画、工艺装饰画几类;依作品的主题思想分为释道画、风俗画、历史画、民间年画、文人画等;按工具材料分为白描、着色、水墨等;但最通行的是按题材内容分为人物、山水、花鸟三大类。

山水画简称“山水”。

描写山川自然景色为主体的绘画。

在魏晋、南北朝已逐渐发展,但仍附属于人物画,作为背景的居多;隋唐始独立,如展子虔的设色山水,李思训的金碧山水,王维的水墨山水;王洽的泼墨山水等;五代、北宋山水画大兴,作者纷起,如荆浩、关仝、李成、董源、巨然、范宽、许道宁、燕文贵、宋迪、王诜、米芾、米友仁的水墨山水,王希孟、赵伯驹、赵伯骕的青绿山水,南北竞辉,达到高峰,从此成为中国画中的一大画科;元代山水画趋向写意,以虚带实,侧重笔墨神韵,开创新风;明清及近代,续有发展,亦出新貌。

表现上讲究经营位置和表达意境。

传统分法有水墨、青绿、金碧、没骨、浅绛、淡彩等形式。

人物画以人物形象为主体的绘画之通称。

中国的人物画,简称“人物”,出现较山水画、花鸟画等为早;大体分为道释画、仕女画、肖像画、风俗画、历史故事画等。

人物画力求人物个性刻画得逼真传神,气韵生动,形神兼备。

其传神之法,常把对人物性格的表现,寓于环境、气氛、身段和动态的渲染之中。

故中国画论上又称人物画为“传神”。

历代著名人物画有东晋顾恺之的《洛神赋图》卷,唐代韩滉的《文苑图》,五代南唐顾闳中的《韩熙载夜宴图》,北宋李公麟的《维摩诘像》,南宋李唐的《采薇图》、梁楷的《李白行吟图》,元代王绎的《杨竹西小像》,明代仇英的《列女图》卷、曾鲸的《侯峒嶒像》,清代任伯年的《高邕之像》,以及现代徐悲鸿的《泰戈尔像》等。

在现代,更强调“师法造化”,还吸取了西洋技法,在造型和布色上有所发展。

花鸟画历代花鸟画家辈出,如唐代薛稷的鹤、边鸾的孔雀、刁光胤的花竹;五代郭乾晖的鹰,黄筌、徐熙的花鸟;北宋赵昌的花、崔白的雀、吴元瑜的花鸟;南宋吴炳的折枝、林椿的花果、李迪的禽;元代李衎的竹、张守中的鸳鸯、王冕的梅;明代林良的禽,陈淳、徐渭的墨花;清代朱耷的鱼,恽寿平的荷,华喦的鸟;近代吴昌硕的花卉等,皆一代名手,绵延不绝。

陕西省汉中市实验中学七年级美术上册课件：抒情与写意----中国花鸟画(共19张PPT)

清代画家恽寿平与五代的黄荃一样，也非常重视写生，在表现对象时，既不用墨线勾轮廓，也不用墨色作底子，而善于用颜色渲染、点簇并用。他画的花卉十分工整俊秀，好像被水洗过一般清新飘逸，洁净淡雅。
齐白石，生于湖南长沙，近现代中国绘画大师，世界文化名人。
齐白石出生在一个很贫穷的农村家庭，从小就下田劳动，十二岁开始学做木工，二十七岁才开始学画画，五十七岁后定居北京。艰苦的生活磨炼，使他拥有了取之不
尽的绘画源泉。擅画花鸟、虫鱼、山水、人物，笔墨雄浑滋润，色彩浓艳明快，造型简练生动，意境淳厚朴实。所作鱼虾虫蟹，天趣横生。
他把日常生活中的小鸡、鱼虾、玉米、稻麦、蝌蚪等都收进画中，创造了属于他自己的绘画世界。
陈之佛先生创作的这幅巨幅工笔花鸟画，采用了中国传统文化中象征美好的题材，用喜气洋洋而又充满生命活力的艺术形象，以及严谨的构图、精致的笔墨，精心的描绘了十只仙鹤在青松之间自由自活动的神态。画家借这个题材，向中华人民共和国成立十周年献礼，抒发了艺术家对祖国美好未来的祝福。
写生珍禽图五代黄荃
现藏于北京故宫博物院，纵 41.5cm，横70cm，绢本，设色
背景; 《写生珍禽图》左下方有一行小字款署“付子居宝习”，是黄筌画给儿子黄居宝作习画范本用的
技法：
多用淡墨细勾，重彩渲染，用笔极为精细，而后以淡墨轻色，层层敷染，更重质感。
一只黄褐色的兔
子停在草坡上，仿佛
瘦金体
宋徽宗30岁时的作品《瑞鹤图》
鹤群盘旋于宫殿之上的壮观景象，绘画技法精妙绝伦，图中群鹤如云似雾，姿态百变，各具特色。
宋徽宗时代，是花鸟画的黄金时代，而在此之前的五代时期就已经有许多杰出的花鸟画家为这个黄金时代的到来奠定了基础。

写意画的名词解释

写意画的名词解释
写意画是中国绘画中的一种表现形式，它强调画家通过简洁、概括的笔触和形式，来表达自己的情感和意境。

与工笔画注重细节和写实不同，写意画更注重画家的主观感受和表现手法，追求“形似”而更重“神似”。

画家通常会运用笔墨的浓淡、干湿、虚实等变化，以及线条的表现力和构图的形式感，来表现自己的情感和意境。

写意画通常包括山水、花鸟、人物等题材，其风格多样，有的豪放大气，有的婉约细腻，有的古朴典雅，有的现代时尚。

写意画在中国绘画史上占有重要地位，是中国文化的重要组成部分。

画派意义——兼论江淮大写意画派

292023/03 No.253文_陈明哲中国美术家协会会员、安徽省书画院专职画家画派意义—兼论江淮大写意画派绘画是发展的，绘画的发展是有规律的，尽管人们对绘画发展模式论的观点不尽相同，然而绘画的发展受到政治、经济、宗教、哲学等诸多因素的影响是人们已有的共识。

绘画流派是绘画发展的产物，一个画派的形成往往是一个地方绘画艺术高度发展的结果。

不同的历史时期出现不同的风格流派，这些不同的风格流派往往体现了绘画发展的规律性。

历史上往往社会大开放、大融合就会迎来艺术的大创造、大发展，表现在绘画上一定是百家林立，画派纷呈。

明末清初，安徽绘画领域出现了空前繁荣的景象，形成了很多带有安徽地域特征的绘画流派或者说是地方绘画群体，在黄山有以渐江为首的新安画派；在安庆有以方以智为代表的桐城画派；在芜湖有以萧云从为代表的姑孰画派；在宣城有以梅清、石涛为中心的宣城画派；在安徽北部的萧县到了乾嘉时期还出现了以大写意花鸟为艺术特色的龙城画派。

那时绘画流派纷呈的安徽画坛在全国影响很大，地位很高，对后来的扬州画派、海上画派和岭南画派都产生了一定的影响，特别是萧云从的绘画艺术还影响到了日本和朝鲜。

一先谈谈关于“画派”的概念。

画派中的“派”字本义最早见于东汉许慎《说文》：派，别水也。

西晋左思《吴都赋》又有“百川派别”句，刘逵为之注引最为明确：水别流为派。

“派”字用在绘画这一领域时则说明绘画的繁荣已经像河流一样支系众多。

绘画的分门别派肇于六朝。

唐代张彦远《历代名画记》讲到顾恺之、陆探微和张僧繇、吴道子分别代表当时绘画的疏体和密体两种风格流派，称为“疏密二体”，又在《论传授南北时代》的章节里讲“各有师资，递相仿效，或自开户牖，或未及门墙”，都提到当时绘画门派及师承问题。

所谓“画派”就是一些艺术见解、审美情趣、表现手法及创作风格接近的个体画家构成的群体。

“画派”一词出现相对较晚，明代画家杜琼作长歌《东原集赠刘草窗画》有句“马夏铁骨自成体，不与此派相合比”，“诸公尽衍辋川派，余子纷纷不足推”，把古今画派的衍变一一道出。

写意山水画的鉴赏方法

写意山水画的鉴赏方法我折腾了好久写意山水画的鉴赏方法，总算找到点门道。

咱们先说说这写意山水画最直观的东西——画面布局。

就好比咱看一个房间，东西都得摆得有章法不是。

写意山水画也是这样，山山水水、树石云雾得有个布局。

有的画那山在中间，就像众星捧月似的，这就有一种巍峨的感觉。

我之前看一幅画，整个画面满满的都是山，当时我就觉得这画咋看着这么压抑呢，后来才知道这布局太满就会让人有这种感觉，欠缺一种空灵的美。

然后啊，就得看这墨色了。

这墨啊就像厨师做菜放盐一样，多少都有讲究。

浓墨的地方可能是为了突出重点，像山上的一些峭壁啥的，用浓墨就很有那种厚重感。

淡墨呢，可能用来表现远处的山或者烟雾，有一种若隐若现的美感。

我刚开始鉴赏的时候，根本看不出墨色浓淡有啥区别，就觉得都是黑乎乎一片，后来拿着画在不同光线下看，才慢慢有点觉悟。

再讲讲这线条。

线条就像人的骨架子一样，支撑着整个画面呢。

好的线条那是有力度又有韵味的。

我试过自己临摹写意山水画，那线条画得扭扭歪歪，根本没有原画的那种流畅感。

后来看大师的画，人家的线条就像行云流水一样，不管是勾勒山石的轮廓还是树木的枝干，都特别自然。

看一幅写意山水画的时候，你看那线条要是歪歪扭扭又很没有规律，乱糟糟的，那这画可能也不咋地。

还有那意境。

这东西有点玄乎，但也是写意山水画很重要的一部分。

就像我们读一首诗能感受到诗人的心情一样，看一幅写意山水画也要能体会到画家在画画时候的心境。

我有一次看一幅画着秋天山林的画，画面上的叶子微黄，有一片枫叶飘在空中，我当时就感觉好像有一阵秋风刮过似的，这种就是画家营造出的意境。

不过这意境这东西也看自己的感受，有时候可能我感受到的和别人感受到的不一样，这其实也正常。

最后就是落款和印章啥的。

这就好像一个人穿衣服最后配个配饰一样，是画的一部分。

落款的字体要是跟画面很搭配就会加分。

我见过一幅画，落款的书法特别大气，跟意象雄浑的山水就特别搭。

印章的话，就图个点缀，有些画家的印章还很有特色，看着那红红的印章印在画的某个角落，有点像给画注入了一点小灵魂。

写意画中的“五笔”指的是什么

圆：
就是要中锋运笔，尤其在线的转折处要如“折钗股”，如“金之柔”，这是一种有韧劲、有弹性的柔力，笔圆气乃厚，笔力柔中有刚，不松脆。
留：
是使笔迹运动中用力均匀而自然，在凝炼中求畅快，如“屋漏痕”，如 “虫蚀木”。漏屋墙上缓慢淌流的水渍，积点成线，用以比喻用笔蕴含的力感。要做到留，行笔要慢，力求不急不躁，不飘不滑，自始至终用意志、气劲把力度控制住。
写意画中的“五笔”指的是什么
写意画是山水画的一种，也是主要以笔墨为主的，色调单一，一般是以黑白灰为主，而写意画中一般是有“五笔”那么这“五笔“指的是什么呢?我们现在来看一下。
写意画运用中的五笔分别指的是平、圆、留、重、活。
平：
是在平稳中求奇峻之力，求力度均衡，如“如锥画沙”。笔力的平，是使力藏在点划之内，自然而然，不见起止之迹的一种内在力量。
上面就分为为大家介绍了写意画中的“五笔”，其实也相当于写意画的一些技巧窍门，是我们学习写意画必须了解如“高山坠石”，产生一种气吞山河的气势。下笔之势要肯定、大胆，切忌犹疑不决，拖泥带水。
活：
是用笔要灵动不滞。笔的转折、疾徐、轻重、顿挫等动作要运转自如，如“飞鸟出林”、“惊蛇入草”。意到笔随，意到笔不到，正是为求笔之活脱。笔之活脱，全在心腕配合如一，腕能随心所欲，心活腕自活，腕活笔自活。