名画怎么看？
世界上最贵的10幅抽象派名画欣赏
世界最贵的10幅抽象派名画欣赏艺术市场上从不缺神作，而天价抽象神作更是令人惊叹。
当艺术品卖出上亿美元的天价时，人们不禁要问：是什么样的画如此价值连城？在如今的拍场上，抽象奇迹并非罕见，各种拍卖数据显示，抽象作品大卖已成一种趋势，在世界拍卖最贵的绘画中，“抽象艺术”的价格最高，排名第一。
如今，抽象艺术领跑了全球最贵的名画，成为世界有钱人的收藏目标。
艺术品，变为继房地产和股票之后的第三大投资领域。
这个世界有幸被赐予许多大师的杰作，我们来看看这些世界最昂贵的抽象派名画。
1.威廉·德·库宁: 《交换》 3亿美元荷兰籍美国画家威廉·德·库宁，抽象表现主义的灵魂人物之一，新行动画派的大师之一。
在他创作生涯中，人体成为其绘画创作的主体，加以风景及书写的符号来发展他的抽象世界。
他将欧洲立体主义、超现实主义与表现主义的风格融于自己大而有力的绘画行为之中，把激进艺术的理念融化在自己的艺术世界里，试图唤醒人们心中一种与所有生命事物的内在关联感。
2.杰克森·波洛克：《第17A号》 2亿美元美国抽象表现主义大师杰克森·波洛克是20世纪最有影响力的艺术家之一，他创造了在帆布上随意地泼溅颜料、洒出流线的技法，画板上滴满稠密的棕黄色、白色、栗色和黑色颜料，形成了鸟巢状的外观，看起来有些杂乱无章。
他的滴洒法绘画在随意之间隐藏着戏剧性的偶然效果，激情四射而且充满了色彩的自由、张力和狂野，作品具有难以忘怀的自然品质，融合了抽象主义、表达主义和超现实主义的特点。
3.马克·罗斯科：《紫色，绿色和红色》 1.86亿美元美国当代著名画家马克·罗斯科是现代艺术史中杰出的抽象派画家。
他的作品画面上，矩形的边缘没有被明确地界定，颜色也相互渗透融合，这使得块面仿佛是从背景上隐约浮现出来，并且不断地徘徊、浮动着。
它们在画面上产生某种韵律，温和、舒缓而深沉，触动着人们的心灵。
画论
1、顾恺之——以形写神人有长短，今既定远近以瞩其对，则不可改易阔促，错置高下也。
凡生人，亡有手揖眼视而前亡所对者。
以形写神而空其实对，荃生之用乖，传神之趋失矣。
空其实对则大失，对而不正则小失，不可不察也。
一像之明昧，不若悟对之通神也。
——顾恺之《论画》【白话】凡生人的动作必有目的，一个人手揖眼视而前面没有对象，事实上是没有的。
画是以形写神的，用形态来表现精深的。
既然用形状来表现精深，所以形状必须正确，形状正确，精神才能生动。
假使手揖眼视而前面没有什么实物可对就违反了生活的真实情形，而传神的趋向也就达不到了。
面前没有对象，是大错误，要是有对象，但是对的不大正确，这是比较小的错误，不可不分别明白。
又可作画一个像，在眼前明暗的表现上，不如画两个人在晤面对坐，或一个人在晤对景物，较易传神。
画一个人呆坐，不如画人有所晤对之有精神。
【注释】1.错置高下中的‘错置’在此文中部分的意思是物的位置，有设置的意思。
2．人有长短，指画者看事物的眼光不一样。
2、宗炳——畅神【原文】于是闲居理气，拂觞鸣琴，披图幽对，坐究四荒。
不违天励之藂，独应无人之野。
峰岫峣嶷，云林森眇。
圣贤暎于绝代，万趣融其神思。
余复何为哉，畅神而已。
神之所畅，孰有先焉。
——宗炳《画山水序》【白话】于是，我就独自居住，过着悠闲自在的生活。
调整自己的精神和情绪，饮酒操琴，打开山水画卷静静地玩味欣赏，坐在那里观察各处极远的地方的景色。
不辜负大自然丰富多彩的创造，独自一个人面对空无人烟的旷野，思想感情自由驰骋。
峰峦高俊，树木茂密深远。
圣贤的精神在荒远的年代闪闪发光，山水画无穷的意趣与神韵情思互相交融。
除了创作和欣赏山水画，我还能有什么别的追求吗？不过希望使精神愉悦畅快罢了。
通过山水画的创作与欣赏，使精神舒畅愉快，相比之下，还有谁能够比我更早有体会呢？【注释】1.闲居理气中的‘理气’，有调养气息的意思，梳理自己的内在气息。
2.畅神而已，畅字有舒畅的意思，在画画中使自己精神愉快，放松心情。
【国画知识】国画术语大全，看完了你就是内行了
【国画知识】国画术语⼤全，看完了你就是内⾏了国画讲坛前天◆⽆声诗⽆声诗，指画。
古⼈以画虽不能吟，但有诗意，故称为⽆声诗能吟，但有诗意，故称为⽆声诗。
◆书画同源意为中国绘画和中国书法关系密切，两者的产⽣和发展，相辅相成，在画史上，以先秦诸⼦的所谓：“何图洛书”为书画同源的依据，唐代张彦远《历代名画记·叙画之源流》中说，“颉有四⽬，仰观垂象。
因俪鸟龟之迹，遂定书字之形，造化不能藏其秘，故天⾬粟；灵怪不能遁其形，故⿁夜哭。
是时也，书画同体⽽未分，象制肇始⽽犹略。
⽆以传其意，故有书；⽆以见其形，故有画。
”此为最早的“书画同源”说。
《殷契》古⽂，其体制间架，既是书法，⼜是图画，近⼈郑午昌说“是可谓书画混合时代”。
◆南北宗中国⼭⽔画⼀种理论学说。
由明代画家董其昌所创。
他把李思训和王维作品分别以“青绿”和“⽔墨”两种⼭⽔风格的始祖，以此奠定中国⼭⽔画分“南北宗”之说。
董其昌把李思训和王维视为“青绿”和“⽔墨”两种⼦画法风格的始祖，并从此倡中国⼭⽔画分“南北宗”之说。
◆画分⼗门中国画名词。
中国画的分科，唐代张彦远《历代名画记》分六门，即⼈物、屋宇、⼭⽔、鞍马、⿁神、花鸟等。
北宋《宣和画谱》分⼗门，即道释门、⼈物门、宫室门、番族门、龙鱼门、⼭⽔门、畜兽门、花鸟门、墨⽵门、蔬菜门等。
南宋邓椿《画继》分⼋类（门），即仙佛⿁神、⼈物传写、⼭⽔林⽯、花⽵翎⽑、畜兽⾍鱼、屋⽊⾈车、蔬果药草、⼩景杂画等。
参见“⼗三科”。
◆⼗三科中国画术语。
中国画的分科，唐代张彦远《历代名画记》分为六门；北宋《宣和画谱》分为⼗门；南宋邓椿《画继》分为⼋类。
元代汤垕《画鉴》说：“世俗⽴画家⼗三科，⼭⽔打头，界画打底。
”明代陶宗仪《辍耕录》所载“画家⼗三科”是：“佛菩萨相、⽟帝君王道相、⾦刚⿁神罗汉圣僧、风云龙虎、宿世⼈物、全境⼭林、花⽵翎⽑、野骡⾛兽、⼈间动⽤、界画楼台、⼀切傍⽣、耕种机织、雕青嵌绿。
”◆⼯笔⼯笔画亦称“细笔画”。
属中国画技法类别的⼀种，与“写意画”对称。
油画《呐喊》赏析概述
二、压抑与鲜艳的色彩的同时运用表达情绪的恐惧与不安
在这幅画上，蒙克所用的色彩与自然保持着一定程度的关联。 虽然蓝色的水、棕色的地、绿色的树以及红色的天，都被夸张得富 于表现性，但并没有失去其色彩大致的真实性。同时，他在此基础 上运用了夸张的表现手法，比如奇特的造型和动荡不安的线条。一 方面，画中的天空颜色十分刺眼，就像滚动着的血红色波浪，令人 感到震颤和恐怖，仿佛整个自然都在流血。另一方面，全画的色彩 又是郁闷的：画面中的色彩混浊压抑，除了天空，其它景物的颜色 中都参入了黑色，给人以不祥的预感。海面阴暗处的紫色伸向远处 显得阴沉。同样的紫色，重复出现在孤独者的衣服上。而他的手和 头部，则留在了苍白、惨淡的棕灰色中。燃烧的血红色彩以及象征 死亡的黑色，表现了一种极度恐惧的情感。
世界名画《呐喊》赏析
PPT制作、主讲：
缪佳琪
资料收集： 沈瑶、华舒洁、
仇晨宇、王敏
基本信息 【名称】 《呐喊》 【类别】 油画 【年代】 1893年 【作者】爱德华·蒙克 【规格】 90.8X73.7厘米 【属地】 奥斯陆国家画廊藏 【风格】 表现主义绘画
《呐喊》
画面内容
画面描绘了一个面容近 似骷髅的人，双手捂住耳朵， 站在一条看不见首尾的公路 桥上，似乎由于惊吓而大声 呐喊。
同 学 们 对 这 幅 画 的 感 受
这副画很有意思，线条简单，人物动作也很 简单，却传神得表现出人物内心的恐惧无助和绝 望，颜色不多，但可以分辨这是黄昏，而黄昏恰 恰是最没有希望的时候，我想，人在遇到困难的 时候最好不要看这幅画。 ——仇晨宇
我总觉得这幅画会散发一股莫名恐惧感让我无比 颤栗。画中人捂耳尖叫，眼中透射的是惊恐与慌张， 看似普通的背后行走的正常人，却明显对比着他的异 常，似乎是一种脱离世界的精神所在。远处火红的天 空以及深蓝的大海，并没给人一种平和的感觉，反而 更加让人有一种压抑感，好像看画者都会不自禁地做 出画中人的表情，有画中人的感觉……
以名画欣赏促幼儿审美能力——以康定斯基《圆之舞》为例
以名画欣赏促幼儿审美能力——以康定斯基《圆之舞》为例康定斯基是抒情抽象画派的代表之一，作品以抽象绘画最为经典，通过点线面的运用，在作品当中找到个人独特的艺术风格和绘画乐趣，并形成有别于人的理论体系,他的作品具有知觉混合的能力，在他的作品里可以十分清晰的听见色彩，仿佛这些作品不是在绘画而是音乐作品，比如康定斯基的《圆之舞》是“圆时期”的重要代表作之一，透过俯视的想像，带领我们看到这些圆圈圈，就像夜晚漂浮在褐色大地之上跳跃的泡泡精灵，充满了运动性和音乐性，对于幼儿园的小朋友他们好动好探索好表达，就像这些快乐的五颜六色的圆。
如何通过名画欣赏促进幼儿审美素养呢？一、通过欣赏名画认识艺术。
1.开阔艺术视野。
童年应该是艺术世界的陪伴，五颜六色的陪伴，让孩子多看世界名画，让他们长见识感受艺术的魅力，在艺术的熏陶下，童年将会丰富多彩。
就像康定斯基在他的“圆之舞”中将自己的理论研究变为现实，他故意限制自己只使用一种形式只画圆圈，将注意力集中在其他方面，例如颜色和质量以及它们在画布上的相对位置，这决定了构图。
此外，与康定斯基的许多抽象作品不同，《圆之舞》没有任何客观内涵，就是一种纯粹的抽象，孩子们集合日常生活中的小小情绪体验，用眼睛看表面，用内心感受画面的情绪起伏、并把它记下来，就像在春游一般，孩子们用这种浪漫的情绪去驾驭画面感受圆的俏皮和浪漫。
2.接受艺术熏陶。
艺术是一种很美的载体，可以由内而外的改变孩子的一生，而看名画，是接触艺术最近的方式，孩子看到每一张名画的颜色和笔触，都能提高孩子的艺术修养，让孩子的内心潜移默化得到一种幸福感。
当幼儿欣赏康定斯基的作品《圆之舞》中圆鲜明亮丽的色彩与和极富特色的组合时，感受作品中的音乐性，初步了解抒情抽象的画法。
作品除了各种颜色、各种组合的圆形，还隐含了冷暖色搭配及各种色彩之间的协调处理等一些美术元素，内涵较深，对于大班幼儿来说可以适当渗透冷暖色的概念，以及圆形的组合为切人点来进行，运用圆的大小不同、色彩不同、组合不同三个点进行作品的不同感受、表达。
美术鉴赏论文清明上河图
《清明上河图》鉴赏中国十大传世名画之一。
北宋风俗画作品，宽24.8厘米，长528.7厘米，绢本设色，是北宋画家张择端存世的仅见的一幅精品，属一级国宝。
《清明上河图》生动地记录了中国十二世纪城市生活的面貌，这在中国乃至世界绘画史上都是独一无二的。
作品以长卷形式，采用散点透视的构图法，将繁杂的景物纳入统一而富于变化的画卷中，画中主要分为两部分，一部分是农村，另一部分是市集。
画中有五百五十余人，牲畜五六十匹，船只二十余艘，房屋楼宇30多栋，车13辆，轿14顶，桥17座，树木约180棵，往来衣着不同，神情各异，栩栩如生，其间还穿插各种活动，注重情节，构图疏密有致，富有节奏感和韵律的变化，笔墨章法都很巧妙，颇见功底。
这幅画描绘的是汴京清明时节的繁荣景象，是汴京当年繁荣的见证，也是北宋城市经济情况的写照，栩栩如生地描绘了北宋都城汴京的日常社会生活与习俗风情。
通过这幅画，可以了解北宋的城市面貌和当时各阶层人民的生活。
总之，《清明上河图》具有极高的史料价值。
《清明上河图》的中心是由一座虹形大桥和桥头大街的街面组成。
粗粗一看，人头攒动，杂乱无章；细细一瞧，这些人是不同行业的人，从事着各种活动。
大桥西侧有一些摊贩和许多游客。
货摊上摆有刀、剪、杂货。
有卖茶水的，有看相算命的。
许多游客凭着桥侧的栏杆，或指指点点，或在观看河中往来的船只。
大桥中间的人行道上，是一条熙熙攘攘的人流；有坐轿的，有骑马的，有挑担的，有赶毛驴运货的。
汴河上来往船只很多，可谓千帆竞发，百舸争流。
有的停泊在码头附近，有的正在河中行驶。
有的大船由于负载过重，船主雇了很多纤夫在拉船行进。
有只载货的大船已驶进大桥下面，很快就要穿过桥洞了。
这时，这只大船上的船夫显得十分忙乱。
有的站在船篷顶上，落下风帆；有的在船舷上使劲撑篙；有的用长篙顶住桥洞的洞顶，使船顺水势安全通过。
这一紧张场面，引起了桥上游客和邻近船夫的关注，他们站在一旁呐喊助威。
《清明上河图》将汴河上繁忙、紧张的运输场面，描绘得栩栩如生，更增添了画作的生活气息。
文化艺术鉴赏：欣赏世界名画的基本技巧
文化艺术鉴赏：欣赏世界名画的基本技巧1. 引言•文化艺术是人类精神生活的重要组成部分，而欣赏世界名画是一种独特的文化艺术体验。
•通过学习欣赏世界名画的基本技巧，我们可以更好地理解和欣赏艺术作品所传达的思想、情感和美感。
2. 背景知识•在开始学习欣赏世界名画之前，了解一些背景知识可以帮助我们更好地理解和解读艺术作品。
•学习画派和艺术家的背景、时代背景以及相关历史事件等都是非常重要的。
3. 观察细节•欣赏世界名画时，细致观察是非常关键的。
注意以下几个方面：•色彩运用：关注作品中色彩的明暗对比、使用大胆还是温柔的色调等等。
•线条构图：观察作品中线条的运用方式，是否流畅、曲线还是直线等等。
•主题表达：尝试理解作品所要表达的主题、情感或思想背后的内涵。
•符号象征：寻找作品中潜在的符号或象征意义，理解艺术家的用意。
4. 背景故事•每一幅世界名画都有自己的背后故事。
了解作品背后的故事可以帮助我们更好地欣赏和理解艺术作品。
•学习艺术家创作时的动机、灵感来源、社会背景等对于深入欣赏和研究世界名画非常有帮助。
5. 跨文化比较•欣赏世界名画时，可以进行跨文化比较。
通过对不同文化艺术之间的对比和联系，可以拓宽我们的视野和理解。
•注意不同国家、不同时期、不同流派之间的异同之处，探索其中蕴含的文化价值和审美观念。
6. 参观博物馆与画廊•参观博物馆和画廊是学习欣赏世界名画最好的途径之一。
•在这些场所里面接触到真实绘画原件，通过肉眼观察作品的细节，可以更好地感受和理解艺术家的创作技巧和用意。
7. 学习与分享•学习欣赏世界名画是一个持续的过程，不断积累知识和经验。
•参加相关艺术课程、读书、参与讨论以及与他人分享自己的观点和感受都有助于提升欣赏世界名画的能力。
8. 结语•欣赏世界名画不仅仅是一种娱乐活动，更是一种心灵上的满足和启迪。
•掌握欣赏世界名画的基本技巧，让我们能够真正领略到艺术作品所包含的无穷魅力，并从中汲取思想、情感和美感的灵感。
古代名画“抚琴图”品赏
古琴是中华民族最早的弹弦乐器，是中华传统文化之瑰宝。
古琴的形制、音色、乐曲题材、内涵、结构等因素，使其音乐风格倾向静态、简单、含蓄、古淡、阴柔、抒情、典雅。
白居易在《废琴》一诗中就写道：“丝桐合为琴，中有太古声。
古声淡无味，不称今人情。
”刘长卿的《幽琴》云：“古调虽自爱，今人多不弹。
向君投此曲，所贵知音难。
”古琴之所以“淡无味”，不招人喜欢，正因为古琴音乐风格属于淡静、虚静、深静、幽静、恬静等静态的美。
这也是为什么古琴最适宜于夜阑人静时弹奏，因为这样的环境才能与琴乐的风格和它所追求的意境配合。
如阮籍《咏怀》云：“夜中不能王东峰古代名画『抚琴图』品赏图1：《听琴图》编辑|刘 玉AppreciatION 鉴赏AppreciatION 鉴赏寐，起坐弹鸣琴。
”王维《竹里馆》云：“独坐幽篁里，弹琴复长啸。
深林人不知，明月来相照。
”欧阳修《江上弹琴》云：“江水深无声，江云夜不明。
抱琴舟上弹，栖乌林中惊。
”《红楼梦》第八十六回“受私贿老官翻案牍，寄闲情淑女解琴书”中，林黛玉对贾宝玉讲解琴理：“琴者，禁也。
古人制下，原以治身，涵养性情，抑其淫荡，去其奢侈。
若要抚琴，必择静室高斋，或在层楼的上头，在林石的里面，或是山巅上，或是水涯上。
再遇着那天地清和的时候，风清月朗，焚香静坐，心不外想，气血和平，才能与神合灵，与道合妙。
所以古人说‘知音难遇’。
若无知音，宁可独对着那清风明月，苍松怪石，野猿老鹤抚弄一番，以寄兴趣，方为不负了这琴。
”林黛玉关于古琴的深刻见解，我们今天可以从众多的传世古画“抚琴图”中得到验证，在这些绘画作品中，古人弹琴所处的环境，大都在景色优美的地方，或空阔的水边空地，或孤松下的巨石；崇山峻岭，茂林修竹；旁边没有闲杂人等，除了一二与弹琴者一样风姿高迈的雅人，便是烹茶煮酒的童仆，此情此景，犹如空谷幽兰，世外桃源，令人心驰神往。
一、宋徽宗赵佶《听琴图》《听琴图》（图1），立轴，绢本，设色，纵147.2厘米，横51.3厘米，北京故宫博物院藏品。
后宫露台：一生应该见识的35幅世界名画后宫露台
后宫露台：一生应该见识的35幅世界名画后宫露台话题：后宫露台知识分子画家芬奇路易斯.利奥波德.布瓦伊--桌球这可是人家1807年画的，看看两百年前欧洲人的生活吧。
列奥纳多·达·芬奇——蒙娜丽莎成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。
画中人物坐姿优雅，笑容微妙，背景山水幽深茫茫，淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“无界渐变着色法”般的笔法。
画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系，达到神韵之境，从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵，那如梦似的妩媚微笑，被不少美术史家称为“神秘的微笑”。
达维特--拿破仑穿越阿尔卑斯山此幅作品是达维特第一次刻画现世的英雄，此前，作者只塑造和歌颂古代和已故的英雄，由此可以看出他对拿破仑的崇拜之情。
本画的妙处在于，远景的简约和近景的细腻，色彩的冷暖对比极为强烈，人物和战马的细节刻画非常到位。
对于这个理想化的形象，拿破仑本人也十分满意。
普基廖夫--不相称的婚姻该画描绘了一青春少女与一老者结合的爱情悲剧。
老者被画家描绘得苍老憔悴，而少女则面色红润，充满青春活力。
画家以同情少女的笔调，鞭挞了不合理的社会现实。
安格尔--大宫女这幅画在巴黎展出时，曾引起了极大的争议和抨击。
评论家德·凯拉特里说得较为尖锐，他曾对安格尔的学生说：“他的这位宫女的背部至少多了三节脊椎骨。
”然而安格尔的学生阿莫里·杜瓦尔则辩解说：“凯拉特里可能是对的，可是这又怎么样呢？也许正因为这段秀长的腰部才使她如此柔和，能一下子慑服住观众。
假如她的身体比例绝对地准确，那就很可能不这样诱人了！”约翰.埃.密莱--盲女两个相依为命的孩子，一个是盲女，另一个更小的女孩紧紧依偎在盲女怀里，一边抬头去观看天上的彩虹，一边在给盲女讲解大自然的美丽。
云际彩带当空，原野一片金黄，空气是润湿的，在远景的小道上有几头走动着的牛羊，近处有飞鸟起落。
《秋千》：毁三观的洛可可名画，欧洲贵族的肮脏秘密！
《秋千》：毁三观的洛可可名画，欧洲贵族的肮脏秘密！展开全文秋千弗拉戈纳尔 83x66cm 1766年《秋千》创作于1767年，是弗拉戈纳尔最著名的代表作。
作品描绘的是一对贵族夫妇在茂密的丛林中游玩戏耍。
年轻的贵妇人正在荡秋千，眼光中充满挑逗。
作品趣味虽然轻佻俗艳，却很符合当时贵族的口味，无论题材与形式，都体现了典型的洛可可风格。
花园的景色与树丛画得很美，画意的格调却极其低俗。
这幅画代表了当时贵族的艺术趣味。
以调情为内容，在弗拉戈纳尔的全部作品中占有一定优势，而且无论从内容与形式上看，比起他的老师布歇来，则有过之而无不及。
诚然，弗拉戈纳尔的进步的艺术思想与颓废的贵族趣味是并存着的。
后者在为贵族们订购而作的那些幅画上，表现得非常露骨，轻佻的内容与高超的色彩技巧，是弗拉戈纳尔继承布歇“向妇女献殷勤”的一种绘画传统。
这些绘画作品，主要表现了上流社会贵族男女的情爱场而和游乐生活，有些还带有明显的色情描绘的成分，当巴黎的沙龙内就有人抨击这种绘画。
但弗拉戈纳尔也从此声名远扬，因为他的画完全是迎合当时上流社会的欣赏需求的。
其实这幅画确实没什么主题，洛可可的一贯风格就是取悦女性，美化女性。
画家弗拉戈纳尔就是按照雇主的要求来画的尽量香艳、色情，甚至站在裙底这个角度都是雇主要求的。
不过当时上流社会不管是谁有一个还得几个情妇还是情夫都是极尽风流的事，这确实是当时的上流阶层的风尚，而且这些油画确实技巧色彩搭配都很高超。
欣赏油画也要了解作品是在何种情况下历史背景下创作出来的，正如作者所言，18世纪法国有情人不是耻辱而是时尚贵族们认可的一种常态，不是丢脸的事，正如现在很多所谓男女关系，很多人觉得很正常但在70/80年代什么男闺蜜不也是不被社会认可的吗？现在呢很多人认可也很正常不是吗？油画很多也是人体表现，看什么人看了？你所想的就是你看到的，下半身思考的人看的就是龙虎豹了……而欣赏的人是看画家的构图，配色，力度，表现度等等……史料考证：Charles College 在其《文学回忆录》中写道，一个宫廷官员向Gabriel·Francois Doyen提出一个特别的要求。
【艺术探索】蒙娜丽莎画像解析
这是世界上估值最高的一幅艺术作品：《蒙娜丽莎》《蒙娜丽莎》是意大利文艺复兴时期画家列奥纳多·达·芬奇创作的油画，现收藏于法国卢浮宫博物馆。
该画作主要表现了女性的典雅和恬静的典型形象，塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。
《蒙娜丽莎》代表了文艺复兴时期的美学方向；该作品折射出来的女性的深邃与高尚的思想品质，反映了文艺复兴时期人们对于女性美的审美理念和审美追求。
每年到卢浮宫鉴赏《蒙娜丽莎》作品的人数，大约有600万左右。
1952年，德国发行首枚《蒙娜丽莎》邮票。
《蒙娜丽莎》原作的尺寸：纵77cm、横53cm，该作品画在一块黑色的杨木板上。
《蒙娜丽莎》画像没有眉毛和睫毛，面庞看起来十分和谐。
直视蒙娜丽莎的嘴巴，会觉得她没怎么笑；然而当看着她的眼睛，感觉到她脸颊的阴影时，又会觉得她在微笑。
蒙娜丽莎的微笑中，含有83%的高兴、9%的厌恶、6%的恐惧、2%的愤怒。
蒙娜丽莎，坐在一把半圆形的木椅上，背后是一道栏杆，隔开了人物和背景，背景有道路、河流、桥、山峦，它们在达·芬奇“无界渐变着色法”的笔法下，和蒙娜丽莎的微笑融为一体，散发着梦幻而神秘的气息。
人文背景文艺复兴是盛行于14世纪到17世纪的一场欧洲思想文化运动。
在中世纪晚期发源于佛罗伦萨，后扩展至欧洲各国。
欧洲源自对基督教统治下中世纪的批判，产生了世俗价值观念。
人的观念在达·芬奇等艺术家的观念里居于核心的地位，《蒙娜丽莎》也展现了神性和人性的光辉，肯定了人从自然状态脱离而存在的意义。
草稿背景在《蒙娜丽莎》创作之前，就有一幅，《艾尔沃斯·蒙娜丽莎》出自达·芬奇，其创作时间远远早于《蒙娜丽莎》油画作品。
《艾尔沃斯·蒙娜丽莎》绘画，人物的面色清新红润，不沾岁月痕迹，有着与蒙娜丽莎非常相似的长相、服饰、手势和神秘笑容，只是更为年轻。
有专家还曾利用碳定年法对《艾尔沃斯·蒙娜丽莎》进行了测定，结果显示，该幅画创作于15世纪。
名画鉴赏_精品文档
名画鉴赏导语名画是艺术的杰作，以其卓越的技艺和独特的表达方式，在艺术史上留下了深远的影响。
为了能够更好地欣赏名画，我们需要学会鉴赏名画的技巧和方法。
本文将为您介绍名画鉴赏的基本概念、鉴赏名画的步骤和技巧，以及几幅世界著名名画的鉴赏。
一、名画鉴赏的基本概念名画鉴赏是通过观察、分析和解读一幅名画，进而欣赏其独特的艺术魅力。
它涉及对画面构图、色彩运用、线条表现、主题内容等方面的详细观察和评价。
名画鉴赏不仅是对艺术的欣赏，更是对艺术家和作品背后的文化、历史、哲学等方面的理解。
二、鉴赏名画的步骤和技巧1. 观察细节鉴赏名画的第一步是仔细观察细节。
我们可以从整体构图开始，观察画面中的人物、物体、背景等要素。
然后，我们可以进一步观察画家对色彩的运用、线条的表现、笔触的特点等。
通过仔细观察细节，我们可以更好地理解和感受画家的创作初衷。
2. 分析主题名画往往有一个独特的主题或者故事。
在鉴赏名画时，我们需要通过观察和解读画面中的人物、动作、表情等要素，来对画作的主题进行分析。
同时，我们还可以结合画家的背景和历史背景，对画作的意义和深层含义进行理解和解读。
3. 理解艺术风格和特点每个画家都有自己独特的艺术风格和特点，这也是名画鉴赏的重要内容。
我们可以通过观察画家的创作风格、用色偏好、线条特点等，来理解和欣赏画家的个人艺术风格。
同时，我们还可以比较不同画家的作品，进一步研究不同时期和不同地区画家的艺术风格和特点。
4. 背景知识的积累要更好地鉴赏名画，我们需要对艺术史、历史事件等有一定的了解和积累。
因为名画往往与时代背景、历史事件等紧密相关，了解这些背景知识有助于更好地理解和欣赏画作。
通过学习艺术史和相关文化知识，我们能够更深入地理解名画所传达的意象和内涵。
三、几幅世界著名名画的鉴赏1. 莫奈的《午后的草地》莫奈是印象派画家，他的作品以明亮的色彩和捕捉瞬间的特点而闻名。
《午后的草地》展现了一幅乡村景色，整个画面充满活力和自然的美感。
欣赏一幅名画后的感受作文
欣赏一幅名画后的感受作文嗯...你们知道吗？前几天我去看画展了，哇，那可真是一场视觉的盛宴啊！我就站在那幅名画前面，感觉时间都停止了。
我跟你们说啊，那幅画，我都不记得画家叫啥名儿了，好像是个外国名字，老长一串儿，我就记得好像是从文艺复兴时期的画家画的，嗯...也可能记错喽。
反正那画的色彩啊，就像有魔力似的。
我刚站在那的时候，就想，“这画有啥特别的呀？不就是些颜色和线条嘛。
”可看了一会儿，我就被吸引住了。
那画面上的人物，一个个就像是要从画里走出来似的。
你看那眼神，就像真的在看着你，有点渗人呢，不过也很神奇。
我以前啊，对这些名画可没这么大兴趣。
刚接触艺术这东西的时候，我就觉得那些画家都是些怪人，画些让人看不懂的东西。
就像我之前看到一幅画，全是些乱七八糟的线条，我就想，这也能叫画？我还能画得比他好呢！哈哈，现在想想，真是无知者无畏啊。
在这个艺术的圈子里啊，有好多趣闻呢。
我听说啊，有个画家为了画一幅画，把自己关在一个小屋里好几个月，出来的时候啊，就像个野人似的，头发乱得像鸡窝，身上还一股怪味儿。
嗯，不过他那画确实是惊为天人啊。
再看眼前这幅画，我就琢磨着，画家当时是咋想的呢？他是怀着怎样的心情去画每一笔的呢？我要是能穿越到他那个时代，站在他旁边看他画画，那该多好啊！如果我能跟他说句话，我肯定会问：“大哥，你咋这么厉害呢？”我在那看画的时候，旁边有个小伙子，他就一直在那拍照，我就想，这小伙子是不是和我以前一样，只是为了在朋友圈炫耀一下自己看了名画呢？我就忍不住问他：“小伙子，你觉得这画好在哪啊？”他支支吾吾半天说不出来。
我就说：“看画可不能光拍照啊，得用心去感受。
”我看这画的时候，那光线照在上面，就好像给画加了一层滤镜似的，嗯，那种感觉很难形容。
我感觉自己就像掉进了画里的世界，周围的一切都不存在了。
这时候我就想啊，艺术这东西还真是奇妙，能让人有这样的体验。
我在这个艺术领域混了20多年了，见过太多的画，也见过各种各样的人对画的反应。
给孩子看世界名画的好词好句摘抄
给孩子看世界名画的好词好句摘抄好词1、慎重感慨狼藉惬意颤抖飘忽清晰2、偏远奢华抚慰深邃显要穷困潦倒蔷薇3、飘飘然茯苓花不屈不挠老态龙钟暴风骤雨4、秋高气爽病在危笃毗邻相爱满怀悲痛倾国倾城5、满园春色默默无闻亲子之爱百读不厌得意洋洋6、思前想后张牙舞爪巧舌如簧头昏目眩不安恐惧7、聪明绝顶慷慨和善出口成章不值一提烧陶制器8、生擒活捉天经地义不堪一击锲而不舍迷迷糊糊9、朴实无华画龙点睛坚强不屈威风凛凛死里逃生10、布履步履蹒跚触景生情顽强不屈目不暇接精打细算11、一举一动赏心悦目摇摆不定一步不离宁死不屈12、毫不客气斑斑印记坚持不懈美味佳肴杀机甫的定13、锋利无比锦囊妙计明眸皓齿胸口梗塞温暖舒适14、救人救彻天翻地覆弄巧成拙留心翼翼秋色宜人15、三头六臂肃然起敬不慌不忙烈日炎炎眉清目秀不好句1、这是一个高度竞争的社会，没有资格走的人最好不要走，否则要回头这个位置已经被人占去，再也没有空隙，闲时闹意气，一点用处也没有。
——《曾经深爱过》2、行乐及时，上天给你什么，就享用什么。
千万不要回去听到沮丧的话，一定不回去见到好看的人。
或者就是搞难做的事情，凤凰于飞不应爱的人。
——《电光幻影》3、只有一国可以拥有这种破坏性的机器，在人们绞尽脑汁要增强武器威力的不幸时代，一个国家瞒着其他国家制造这种武器是可能的。
机枪之后有水雷，水雷之后有潜水冲击机，然后一又是各种互相克制的武器，至少我自己心中是这样想的。
——《海底两万里》4、一个人哪怕只生活过一天，也可以不无困难地在监狱里过上一百年。
——《局外人》5、你有一处建在房子里面的小池塘吗?在那个小池塘里，你可以随时观察水中生物生活的每一个片断。
——《昆虫记》6、何必向不能应该的人证明什么，生活得更好，乃是为你自己。
——《忽而今夏》7、跟着溪水蜿蜒徐行，穿花绕树，跳涧越石，我才发现，做一条单纯的溪流是多么幸福啊。
你看，老树掉一片叶子，算是对它的叮咛;那枝野百合花投来妩媚的笑影，又是怎样的邂逅呢?——《溪水》8、已经开始搞一件事的时候，若不是预先排序一下须要多少代价，若不是预先对自己的力量搞一个恰当的估算，那真是太可笑了。
名画鉴赏500字的
名画鉴赏500字的500年来，人们一直对《蒙娜丽莎》神秘的微笑莫衷一是。
不同的观者或在不同的时间去看，感受似乎都不同。
有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时像是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。
在一幅画中，光线的变化不能像在雕塑中产生那样大的差别。
但在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。
而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达·芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的“神秘的微笑”。
哈佛大学神经科专家利文斯通博士说，蒙娜丽莎的微笑时隐时现，是与人体视觉系统有关，而不是因为画中人表情神秘莫测。
利文斯通博士是视觉神经活动方面的权威，主要研究眼睛与大脑对不同对比和光暗的反应。
利文斯通说：“笑容忽隐忽现，是由于观看者改变了眼睛位置。
”她表示，人类的眼睛内有两个不同部分接收影像。
中央部分(即视网膜上的浅窝)负责分辨颜色、细致印记。
环绕浅窝的外围部分则留意黑白、动作和阴影。
据利文斯通说，当人们看着一张脸时，眼睛多数集中注视对方的双眼。
假如人们的中央视觉放在蒙娜丽莎的双眼，较不准确的外围视觉便会落在她的嘴巴上。
由于外围视觉并不注重细微之处，无形中突出了颧骨部位的阴影。
如此一来，笑容的弧度便显得更加大了。
不过，当眼睛直视蒙娜丽莎的嘴巴，中央视觉便不会看到阴影。
利文斯通说：“如果看着她的嘴巴，便永远无法捕捉她的笑容。
”蒙娜丽莎的笑容若隐若现，源于人们的目光不断转移。
利文斯通指出，若要临摹《蒙娜丽莎》，描绘口部时便要望着别处。
1993年，加拿大美术史家苏珊·吉鲁公布了一项令人震惊的研究成果。
她说蒙娜丽莎那倾倒无数观赏者的口唇，是一个男子裸露的脊背。
这一论断既新鲜又荒诞，然而论证是有力的。
集画家、雕刻家、建筑师、工程师及科学家等多种才艺于一身的达·芬奇，可谓是个“怪杰”。
他喜欢穿粉红色外套，在胡须上毫无顾忌地涂上五颜六色，还常称自己解剖过不下30具死尸。
世界名画赏析
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11
《蒙娜丽莎》
达芬奇
500年来，人们一直对《蒙娜丽莎》神 秘的微笑莫衷一是。不同的观者或在不同的 时间去看，感受似乎都不同。有时觉得她笑 得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时像是略 含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。在一幅 画中，光线的变化不能像在雕塑中产生那样 大的差别。但在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴 影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层 面纱。而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上， 达·芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没 有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定 的“神秘的微笑”。
毕加索 油画《格尔尼卡》，是立体主义的领导人毕加索作于20世纪30年代的一件具有重大影响及 历史意义的杰作。此画是受西班牙共和国政府的委托，为1937年在巴黎举行的国际博览会西 班牙馆而创作，是表现战争题材且具有纪念意义的作品。画中表现的是1937年纳粹德国空军 疯狂轰炸西班牙小城格尔尼卡的暴行。作为一个具有强烈正义感的艺术家，毕加索对于这一野 蛮行径表现出无比的愤慨。他仅用了几个星期便完成这幅巨作，作为对法西斯兽行的谴责和抗 议。毕加索他那潜在的变现主义再次迸发出来，线条扭曲着，膨胀着，激情在奔腾驰骋，这便 是《格尔尼卡》。
大学艺术系、北平大学艺术学院和北平艺专。
1949年后任中央美术学院院长。擅长人物、走兽、
花鸟，主张现实主义，于传统尤推崇任伯年，强
调国画改革融入西画技法，作画主张光线、造型，
讲求对象的解剖结构、骨骼的准确把握，并强调
作品的思想内涵，对当时中国画坛影响甚大，与
张书旗、柳子谷三人被称为画坛的“金陵三杰”。
知识，对美术作品进行感受、体验、分析、 判断而获得审美享受和美术知识的过程。
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• 美术名画鉴赏的作用
以科学的视角看名画——名画在左科学在右读后感
以科学的视角看名画——名画在左科学在右读后感说起名画，西方最知名的名画也许非《蒙娜丽莎》莫属，画中女子的笑容时隐时现，被历史学家称为“蒙娜丽莎的微笑之谜”，困扰了世人500年，催生了各种各样的猜测。
直到20世纪末，神经科学家才揭示了其中的奥秘：在观赏《蒙娜丽莎》时，假如人们的中央视觉放在蒙娜丽莎的双眼，较不准确的外围视觉会落在她的嘴巴上。
由于外围视觉并不注重细微之处，无形中突出了颧骨部位的阴影。
如此一来，笑容的弧度便显得更大了。
而如果看着蒙娜丽莎的嘴巴，则永远无法捕捉她的笑容。
从科学的角度解读世界名画，是上海大学教授、《自然》杂志编审林凤生擅长的题材。
近日他的著作《名画在左科学在右》推出，荟萃了他具有代表性的20多篇长文，以科学视角图文并茂地分析了一位位艺术大师和一幅幅世界名画，从美术史到画家生平，从各种画派到名画解读，可以给不熟悉名画的读者扫扫盲。
书中多次提到了艺术中的“视错觉”。
“视错觉”这种现象，往往是人脑感知名画的方式。
诺贝尔生理或医学奖得主克里克曾说过：“看是一个主动的构建过程。
你的大脑可根据先前的经验和眼睛提供的有限而又模糊的信息作出最好的解释。
进化可以确保大脑在通常的情况下非常成功地完成此类任务。
但情况并非总是如此。
心理学家之所以热衷于研究视错觉，就是因为视觉系统的部分功能缺陷恰恰能为揭示该系统的组织方式提供某些有用线索。
”科学家喜欢视错觉，谁知道画家也喜欢视错觉，林凤生在书中就给出了许多这样的例子。
西班牙绘画大师萨尔瓦多·达利是我喜欢的一个画家，在他笔下常常有许多表现出视错觉的所谓“交变图”。
对此，林凤生做了下列解释：“脑科学研究告诉我们，同一张图可以引起我们两种完全不同的知觉，这说明我们所看到的，除了图形本身以外，还包括大脑对它的解释。
而且如果这种解释不唯一的话，那么我们‘看到’的图形就要在这些不同的解释之间来回转换，这种现象称为‘双歧图’。
”对于这种交变，林教授从历史上科学家最早认识到这一现象的“内克尔立方体”谈到庞贝阿波罗神庙遗址中的马赛克地面，旁征博引，最后讲到达利的画作。
《清明上河图》赏析
《清明上河图》赏析作品赏析中国十大传世名画之一。
北宋风俗画作品，宽24.8厘米，长528.7厘米，绢本设色，是北宋画家张择端存世的仅见的一幅精品，属一级国宝。
《清明上河图》生动地记录了中国十二世纪城市生活的面貌，这在中国乃至世界绘画史上都是独一无二的。
《清明上河图》以精致的工笔记录了北宋末期、徽宗时代首都汴京（今河南开封）郊区和城内汴河两岸的建筑和民生。
关于“清明”二字存在一些争议，有人认为是指入画时间为清明时节，还有人认为是在粉饰太平。
《清明上河图》在表现手法上，以不断移动视点的办法，即“散点透视法”来摄取所需的景象。
大到广阔的原野、浩瀚的河流、高耸的城郭，细到舟车上的钉铆、摊贩上的小商品、市招上的文字，和谐地组织成统一整体。
各色人物从事的各种活动，不惟衣着不同，神情气质也各异而且穿插安排着各种活动，其间充满着戏剧性的情节冲突，令观者看来，饶有无穷回味。
结构严谨，繁而不乱，长而不冗，段落分明。
可贵的是，如此丰富多彩的内容，主体突出，首尾呼应，全卷浑然一体。
画中每个人物、景象、细节，都安排得合情合理，疏密、繁简、动静、聚散等画面关系，处理得恰到好处，达到繁而不杂，多而不乱。
充分表现了画家对社会生活的深刻洞察力和高度的画面组织和控制能力。
在技法上，大手笔与精细的手笔相结合，善于选择那些既具有形象性和富于诗情画意，又具本质特征的事物、场面及情节加以表现。
十分细致入微的生活观察，刻划每一位人物、道具。
每个人各有身份，各有神态，各有情节。
房屋、桥梁等建筑结构严谨，描绘一笔不苟。
车马船只面面俱到，谨毛而不失全貌，不失其势。
比如船只上的物件、钉铆方式，甚至结绳系扣都交待得一清二楚，令人叹为观止。
对于北宋京城汴梁以及汴河两岸的繁华景象和自然风光，作品以长卷形式，采用散点透视的构图法，将繁杂的景物纳入统一而富于变化的画面中，画中人物815人，衣着不同，神情各异，其间穿插各种活动，注重戏剧性，构图疏密有致，注重节奏感和韵律的变化，笔墨章法都非常巧妙。