伊顿《色彩艺术》序：色彩史概述
约翰内斯·伊顿的教学及色彩研究
约翰内斯·伊顿的教学及⾊彩研究约翰内斯·伊顿（Jogannes ltten）1888-1967，瑞⼠⼈。
1888年11⽉11⽇⽣于瑞⼠特翁附近的施⽡尔岑埃格，1967年3⽉25⽇卒于苏黎世。
他的才学渊博；不但是画家、雕刻家，⽽且是⼀位很负盛望的美术理论家和艺术教育家，毕⽣从事⾊彩学的研究，被誉为当代⾊彩艺术领域中最伟⼤的教师之⼀。
顿早年求学于⽇内⽡，1913－1916年在德国斯图加特艺术学院学习，受该院教授赫尔策尔的影响很深，从那⾥他获得了极重要的⾊彩理论知识。
在赫尔策尔的⿎励下，伊顿于1916年在柏林施图尔姆陈列馆展出作品，他的作品反映出对表现主义的巨⼤兴趣，对⼆⼗世纪的艺术颇有影响。
伊顿从事教学⼯作，始于1916年，他在维也纳建⽴了⼀所艺术学校。
1919年他带领了⼗四名学⽣⼜加⼊到魏玛的鲍豪斯艺术学校，1923年之前伊顿⼀直担任该校基础课程的教学⼯作并编著教材，为该校作出了很⼤贡献。
由于该校的左翼思想盛⾏以及民主设计思想不能被纳粹政权所容忍，因此于1933年纳粹取代魏玛政权后被解散。
1926年伊顿在柏林创办了艺术学校，并不断完善在鲍豪斯艺术学校的教学⽅法。
1932年⾄1933年在克雷菲尔德创建纺织专科学校并任校长。
1933年以后，在苏黎世先后担任艺术⼯艺学校校长、⼯艺陈列馆主任和⾥特贝格博物馆馆长等职。
伊顿出⽣1888年11⽉11⽇约翰约翰·伊顿在包豪斯⾥有这么⼀个⼈，他⾐着怪异，穿着⼀件⾃⼰设计的长袍罩衫；他忠于信仰的拜⽕教，剃着光头，⼀⾔⼀⾏古怪⼜神秘；他才学渊博，毕⽣研究⾊彩学，是⼀位负有盛望的美术理论家和艺术教育家，他就是现代设计基础课程的创建者——约翰·伊顿。
1919-20 ⾊球约翰·伊顿⽣于瑞⼠，他是在包豪斯中的⼀个怪异存在，他所信仰的拜⽕教对他算是⼀⼤影响，说道拜⽕教据说中国的明教就是有它发展⽽来，所以在伊顿的教学研究中他融合了中西⽅的⽂化，以及宗教与科学的结合，另外在饮⾷⽅⾯他完全采⽤“拜⽕教”的养⽣⾷谱，⾷物原料被做成⼤蒜味道的碎块，所以这是⼀个有味道的⽼师。
色彩艺术的发展历史
色彩艺术的发展历史色彩艺术的历史可以追溯到古代文明时期。
在那个时期，色彩被用于装饰和艺术创作，以表达人们对宗教、文化和生活方式的理解。
在古代文明中，埃及人、希腊人和罗马人是最早使用色彩的民族之一。
他们使用天然颜料来绘制壁画、雕塑和建筑。
这些颜料包括黑色、白色、红色、黄色和蓝色等基本颜色，以及由这些颜色混合而成的各种中间色。
中世纪时期，色彩艺术得到了进一步的发展。
在这个时期，艺术家们开始使用更加鲜艳的颜色，并尝试在画布上创作更加逼真的场景。
这种风格被称为“哥特式艺术”，其特点是使用了大量的红色、橙色和紫色等颜色。
文艺复兴时期是色彩艺术的另一个重要时期。
在这个时期，艺术家们开始更加注重对自然和人类生活的描绘。
他们使用了更加丰富的颜色和更细腻的色彩对比来创作更加逼真的作品。
例如，莱昂纳多·达·芬奇的作品就是这一时期的代表之一。
19世纪末至20世纪初，色彩艺术经历了现代主义的变革。
在这个时期，艺术家们开始尝试使用更加鲜艳和刺激的颜色来表达他们的情感和观念。
例如，梵高、高更和毕加索等艺术家都尝试使用更加独特的色彩组合和对比来创作他们的作品。
随着时间的推移，色彩艺术不断发展和演变。
如今，色彩艺术已经成为了当代艺术中不可或缺的一部分。
无论是在绘画、摄影、雕塑还是其他艺术形式中，艺术家们都在不断探索和创新，以创造出更加独特和引人注目的作品。
王维，唐代著名的诗人，以其独特的诗歌风格和深刻的意象描绘而著称。
他的诗歌中充满了色彩的描绘，从自然景观到人物形象，都富有浓厚的色彩感。
这种色彩艺术不仅增加了诗歌的艺术表现力，也为我们提供了深入理解和欣赏其诗歌的新视角。
王维的诗歌中，对自然景观的描绘尤其引人注目。
他运用丰富的颜色词汇，勾画出如画的美景。
如他的《山居秋暝》中，“空山新雨后，天气晚来秋。
明月松间照，清泉石上流。
”诗人以丰富的色彩描绘出一幅宁静优美的山居秋景图，充满了诗情画意。
王维诗歌中的色彩并不仅仅局限于对自然景观的描绘，他还善于运用色彩来塑造人物形象，表达情感。
色彩
很多画家、文化学者和科学家都从各自的角度对几种常见色彩作了象征意义和情感倾向的总结。
伊顿在（色彩艺术）中指出：“色彩效果不仅在视觉上，而且在心理上应该得到体会和理解。
它能把崇拜者的梦想转化到一个精神境界中去。
”闻一多先生更是用一首小诗（色彩）直接表现了不同色彩给他带来的心理感受：“生命是张没有价值的白纸，自从绿给了我发展，红给了我热情，黄教我以忠义，蓝教我以高洁，粉红赐我以悲哀，在完成这祯彩图，黑还要加我以死。
从此以后，我便溺爱于我的生命。
因为我爱他的色彩。
”前人对色彩的各种感受是值得我们学习和研究的。
下面我们主要将从伊倾和康定斯基两位学者及艺术家的研究视角来探讨色彩的情感特征和象征愈义。
1.红色红色在现实生活中是初升的朝阳、嫩烧的火焰、沸腾的热血，及其引申出来的戮舞红旗等视觉形象的代表，它摄暖热烈，像乐队中小号的音响嚓亮、清脆，而且高昂，往往表达出内在的坚定和有力的强度，在视觉艺术中红色通常成为代表喜庆、喜悦、兴奋、热烈、健康、活力、决心、勇敢、革命和胜利等积极的精神状态；但当这些情绪发展到极端时，就可能衍生出危险、紧急、禁止、战争、权势、愤怒等意义，如在电影《英雄》和《罗拉快跑》中，都利用大面积的红来暗示危险和暴力的降临。
在与其他颜色的对比中，红色表现出鲜明的性格特点，约翰·伊倾教授说：“在深红的底子上，红色平静下来，热度在熄灭着；在蓝绿色底子上，红色就像炽烈燃烧的火焰；在黄绿色底子上，红色变成一种冒失的、莽撞的闯人者，激烈而又寻常；在橙色的底子上，红色似乎被郁积着，暗淡而无生命，好像焦干了似的。
”红色：象征热情、激动、兴奋。
属于一种前进色，特别引人注目，使人联想起太阳、火焰、鲜血和生命。
在我国，红色象征喜庆、吉祥、幸福，故婚礼服中喜用红色。
红色中，人们又习惯把淡红色划为春季色、艳红为夏季色、深红作秋季色。
穿上红色可以显得孩子气，但黑皮肤及精神不佳者不宜穿红色。
红色宜与白、黑等色搭配，忌与蓝、绿等色相配。
色彩艺术伊顿读后感
色彩艺术伊顿读后感
《色彩艺术伊顿》是一本让我深深感受到色彩的魅力的书籍。
在这本书中，作者以独特的视角，深入地探讨了色彩艺术的本质和特点。
首先，我深受书中对于色彩本质的阐述所感动。
作者指出，色彩不仅仅是一种视觉感受，更是一种心理体验。
不同的色彩会引发人们不同的情感和联想，从而创造出不同的艺术效果。
这让我深深地感受到了色彩的神奇之处，也让我对于艺术作品的创作和欣赏有了更深入的理解。
其次，本书还详细探讨了色彩在不同艺术领域中的运用和表现。
例如，在绘画领域中，色彩是塑造形象、表现情感的重要手段；在建筑领域中，色彩则是营造氛围、体现文化特色的重要元素。
这让我对于色彩的运用和表现有了更全面的认识。
最后，本书还介绍了一些著名的色彩艺术家及其作品，让我对于色彩艺术的历史和发展有了更深入的了解。
例如，荷兰画家维米尔的《夜巡》，以及美国画家毕加索的《亚维农的少女》等。
这些经典作品的成功，离不开色彩的运用和表现。
这让我更加欣赏和尊重色彩在艺术创作中的作用。
总之，通过阅读《色彩艺术伊顿》，我对于色彩艺术有了更全面、更深入的认识。
这本书不仅让我增长了知识，更让我感受到了色彩所带来的魅力和美感。
色彩史
设计史之色彩演化史关键词色彩；历史；建筑；艺术自古，色彩就与人类的建筑活动有着密切的关系，人类在创造建筑美的同时也创造了色彩的美．就让我们追溯到人类的童年时代，来开始探索建筑中的色彩的魅力。
1 原始社会大约二十万年前人类就使用了色彩。
根据发掘，人类最早的穴居生活中使用的色彩是红黄( 红土、植物汁) ，黄( 黄土) ，茶( 褐土) ，黑( 黑炭、木炭) ，白( 白云石、石灰石粉) ．并用脂肪( 兽脂) 来作调色剂。
大约在公元前一万五千年间，法国南部和西班牙北部冰河时期的人们，居住在洞窟中以狩猎为生．洞窟的壁上和天棚上用美的色彩描绘了动物壁画——即享有盛名的西班牙的阿尔塔米拉的洞窟，在法国的拉斯科洞窟，在其洞窟石壁和天棚上，就有用红褐色及黑，黄土色等描绘着的野牛、野豚、鹿、马等动物。
经过若干次漫长的冰河时期，大约在一万年以前．人类进入氏族社会，由狩猎变为农耕或畜牧，人们从穴居转为地面居住，利用容易得到的简单材料，营造住宅，神庙，城堡等。
这时建筑的色彩就是原材料的色．诸如树木的枝干、土、石、贝壳之类。
2 古埃及大约公元前三千年埃及建造了金字塔．据说它是由石灰岩建成，在蔚蓝天空为背景下的白色金字塔，由于色彩同时对比的缘故，呈现在人们眼前．白色错觉为蓝色的对比色—金色，达到了原始拜物教的神性。
当时埃及建造的大型神庙建筑，由石灰岩，砂岩，花岗岩，石膏材料建成，建筑色彩使用了红、黄、绿、蓝、褐、白、黑七种。
红是辰砂或红土；黄是黄土或硫化砷：绿是青绿；蓝是含氧化铜的玻璃粉末：白或许是石膏；黑是骨灰或木炭。
根据现在遗留下来的宫殿，神殿，住宅遗迹可知．在那里所使用的色，并不单纯为了装饰，已能应用今天色彩调节原理方面色的机能性，即以实用效果为目的，把强烈反射着光的明亮色用于室内便是饲证。
埃及的建筑结构很少用窗户，这是为了预防耀眼的太阳光，埃及人只在室内，服睛才能得到很好的休息的缘故。
然而，在室外的墙壁，顶棚，地面．仍使用了明亮而强烈的红、蓝、绿、白及金色，以维持实用的采光效果。
、色 彩 体 系
色相：奥斯特瓦尔德颜色系统的基本色相为黄、橙、红、紫、蓝、蓝绿、绿、黄绿 8个主要色相，每个基本色相又分为3个部分，组成24个分割的色相环，从1号排列 到24号。
奥斯特瓦尔德色相环
把这个明度阶梯作为垂直轴，并作成以此 为边长的正三角形，在其顶点配以各色的 纯色色标，这个三角形就是等色相三角形 以消色轴为中心，回转三角形时成为一复 圆锥体，也就是奥斯瓦尔德颜色立体
十二色相环，又称伊顿色相环是瑞士画家伊顿所设计的。这种色相环有着非常鲜 明的优点，它直观地展示着色彩规律，把本是复杂的东西简化得十分通俗，比较 适合初学者使用。它的构成原理是由红黄蓝三原色开始，两个原色相加出现间色， 再由于一个间色加一个原色出现复色，最后形成色相环。 原色：原色是指不能用其它色混合而成的颜色。而原色则可以混合出许许多多其 它的色彩。在伊顿色相环中红、黄、蓝为三原色。红、黄、蓝三原色颜料名称为 大红、柠檬黄、群青。
橙
黄 绿
黄和紫
橙和蓝
红
紫
蓝
色环上成180°的一对色均为互补色。
② 邻近色色相比较接近的颜色。 色环上120°以内的相邻颜色，互为邻近色。
③ 互补色：又称补色或余色。凡两种色光相叠加复合后形成白色光则称该二 种色光为互补色。...或者两种颜料混合调合后生成黑色的，则称该二种颜料为 互补色，如品红与绿。前者称为色光互补色，后者称为颜料互补色。
最基本的互补色： 红和绿
2
、
蒙塞尔体系
蒙赛尔（Albert H. Munsell 1858-1918)美国色彩学家。1992年提出标准色版 他的这一体系经过美国国家标准局和光学学会的反复修订，成了色彩界公认的标准色系之 一。
■色相（Hue）
选择五种主色调：红、黄、绿、蓝、紫；及五种中间色：黄红，黄绿，蓝绿，蓝紫、 红紫为标准。将其成按环状排列，划分成100个均分点（每色相再细分为10，共有100个 色相，其中5为主要色相(如标准的红是5R、黄是5Y）。
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名人谈色彩
伟大的导师马克斯讲过：色彩的感觉是一般美感中最大众化的形式。
歌德:红色的影响力如同其本质一样独特,它充满火力的一面蕴藏在其能量中.而蓝色给眼睛一种特殊的几乎无法言说的感觉，如同看到从眼前飘过的令人愉快的事物，会不由自主地跟随它。
我们喜欢蓝色，并不是他强迫我们去看，而是它有着一种无形的吸引力。
伊顿在《色彩艺术》中指出：“色彩效果不仅在视觉上，而且在心理上应该得到体会和理解……他能把崇拜者的梦想转化到一个精神境界中去”。
浪漫主义绘画派大师德拉克洛瓦说:"我们的目的就是要利用色彩来创造美"
早期英国包罗夫教授(E. Bullough)说人们对色彩的反应有四类型。
其中所谓「生理型」是人类共通的色彩感觉，例如红色觉得热，蓝色觉得冷等。
文化和传统有关，是「联想型」的反应，例如中华文化，红色是喜气洋洋的象征。
个人喜好的不同，就是「性格型」的反应，各人可能有特定的喜欢和厌恶的颜色，这就取决于个人的情感和情绪了。
美国色彩心理学鲁道夫•阿恩海姆说：“严格说来，一切视觉表象都是由色彩和亮度产生”。
“色彩能有力地表达情感。
”
古希腊哲学家热农指出：“色彩是物质最初的现象形式。
”闻一多先生在《色彩》一诗中，对色彩进行了如下描述：
生命是没有价值的白纸，
红给了我热情，
自从绿给我以发展，
黄给我以忠义，
蓝给我以高洁，
粉赐我以希望，
灰白赠我以悲哀
......。
约翰内斯·伊顿作品探析
约 翰 内斯 ・ 伊 顿 一 生 致 力 于 色 彩 的研 究 ， 因受到 宗教 信仰 影 响 ， 他在 《 色 彩艺 术》 中就 曾说过 ， “ 光 是色 之母 ， 色 是光 之 子。 ” 他 专 注 于 色 彩 王 国 那 无 穷 尽 的 混 合 可 能 性 中
观察 、 感知、 体 味 每 一 种 相 对 独 立 的 颜 色 及 色 于 色 之 间 和
谐 关系 的处理 ， 利 用科学 构成 方式 ， 通 过 简 单 的 色 彩 对 比
效 果 及 其 分 类 ，作 为 研 究 色 彩 美 学 适 当 的 出 发 点 来 达 到
色 彩 表 现 的 最 强 效 果 ，他 的 色 彩 理 论 为 后 来 的 设 计 教 学
做 出 了显著贡 献 。
著 名 的 色 彩 学 大 师 约 翰 内斯 ・ 伊顿 所 著《 色 彩论 》 一 书而
来 ， 可称 伊顿 色彩 理论 研究 成果最 重要 成果 。
色 和形 状就 可 以传 达艺 术 家 的感 觉和 情 绪 。” 咖 约 翰 内 斯・ 伊顿 就 是 深 受表 现 主 义影 响 且 其作 品能 够 充分 反 映
情感 ， 而 忽视对 描 写对 象形式 的摹 写 ， 尤 其 在 表 达 恐 惧 情
（ 一 ） 、伊 顿 ｌ ２色 相 环 与 其 Ｃ Ｍ Ｙ Ｋ理 论 数 值 鉴 定 据 相 关资 料 显示 ， 由物 理 三 原色 红 、 黄、 蓝 三 色 经过
两 两 二次 混合 得 出 １ ２种 成 彩 虹 及 自然 光 色 分 色 顺 序 排 列 的环 形色块 体 系 ， 即伊 顿 １ ２色 相 环 ， 是 １ ９ ６ １年 由 近 代
表 现 主 义 特 色 的 色 彩 大 师 。 他 的 作 品 的探 索 与 表 现 韵 味
伊顿色彩心理学
伊顿色彩心理学伊顿色彩心理学是由美国心理学家兼艺术家法比安·伊顿（Fabian Eaton）在20世纪中期提出的一种心理学理论。
伊顿色彩心理学探索了颜色对人类心理和情绪的影响，并试图解释不同颜色与个体之间的关联。
这一理论在设计、市场营销、心理咨询以及广告等领域得到了广泛应用。
伊顿色彩心理学认为，不同的颜色可以产生不同的情绪和心理反应。
每种颜色都代表着一种情绪状态或心理特征。
这些颜色的选择和运用可以影响个体的情绪、态度和行为。
红色是一种充满活力和激情的颜色。
它可以激发人们的活力和冲动，增强人们的注意力和自信心。
红色常用于体育比赛和紧急情况下，以增加人们的兴奋和警觉性。
蓝色是一种冷静和安宁的颜色。
它可以使人感到平静和放松，有助于缓解压力和焦虑。
蓝色常用于医疗机构和办公环境中，以帮助人们保持冷静和专注。
黄色是一种充满活力和快乐的颜色。
它可以增加人们的幸福感和积极情绪，激发创造力和社交活动。
黄色常用于餐厅和娱乐场所，以吸引人们的注意力和增加他们的欢乐感。
绿色是一种平衡和和谐的颜色。
它可以带给人们平静和安宁的感觉，有助于促进身心健康和自然环境。
绿色常用于绿化环境和健康产品中，以传达健康和环保的形象。
紫色是一种神秘和高贵的颜色。
它可以使人感到神秘和浪漫，有助于提升个体的自尊和自信。
紫色常用于奢侈品和高端品牌中，以传递高贵和独特的形象。
橙色是一种充满活力和温暖的颜色。
它可以激发人们的热情和乐观，增加人们的社交活动和创造力。
橙色常用于咖啡厅和户外活动中，以增加人们的活力和亲和力。
粉色是一种柔和和温和的颜色。
它可以带给人们温暖和安慰的感觉，有助于促进人际关系和情感交流。
粉色常用于婴儿用品和女性产品中，以传达柔和和温馨的形象。
灰色是一种中性和稳定的颜色。
它可以使人感到安静和平和，有助于提升个体的专注和冷静。
灰色常用于办公环境和科技产品中，以传达稳定和专业的形象。
伊顿色彩心理学的理论基础是通过对颜色的感知和情绪反应进行研究和观察。
伊顿色彩艺术读书笔记
《伊顿色彩艺术》读书笔记在艺术领域中，色彩无疑是一个至关重要的元素。
而在探讨色彩的书籍中，我选择了《伊顿色彩艺术》作为我这次的读书笔记分享。
这本书，深入浅出地讲解了色彩的原理和应用，使我受益匪浅。
首先，作者对颜色的理论进行了较为完整的总结。
书中详细阐述了色彩的物理和化学属性，以及其在艺术创作中的实际应用。
我了解到，色彩并非孤立存在，而是与光、物体和观察者之间相互作用的结果。
这种理解使我更加深入地认识到色彩的复杂性和多样性。
此外，书中还提到了色彩实体与色彩效果之间的差异。
这种差异实际上突显了色彩在现实与艺术创作中的不同表现形式。
通过对比实验，作者展示了同一种颜色在不同背景下所呈现出的不同感知效果，从而强调了色彩的情感属性和象征意义。
在阅读过程中，我被书中的一个观点深深吸引：色彩实体与效果只有在和谐的多种色调下才会一致。
这使我意识到，在艺术创作中，如何巧妙地运用色彩的和谐与对比，对于营造特定的氛围和表达特定的情感至关重要。
同时，书中还提到了“同时性”的概念。
这一概念揭示了在色彩构图过程中，我们应该从色彩效果出发，并相应地发展色域的大小和形状。
这一观点为我提供了宝贵的指导，使我在未来的艺术实践中更加注重色彩的运用和搭配。
在总结部分，我认为这本书的价值不仅在于它对色彩理论的阐述，更在于它激发了我对色彩的探索和实践。
它使我认识到，色彩不仅是艺术创作的工具，更是表达情感和观念的重要媒介。
通过深入学习和实践，我相信我能更好地掌握色彩的运用，为我的艺术创作注入更多的活力和创意。
最后，我想说，《伊顿色彩艺术》是一本值得每一个对色彩感兴趣的人阅读的书籍。
它不仅提供了丰富的理论知识，还通过实例和实践建议，帮助读者在实际操作中运用这些知识。
如果你也热爱艺术，渴望深入了解色彩的奥秘，那么不妨一读这本书，相信它会给你带来意想不到的收获和启发。
约翰伊顿 颜色形式和结构
约翰伊顿颜色形式和结构
约翰·伊顿是瑞士的著名色彩学家和设计师，他的色彩理论在设计和艺术领
域都有深远的影响。
他的颜色形式和结构理论主要基于色彩的三个基本属性：色相、明度和纯度。
1. 色相：色相是颜色的基本属性，用于区分不同的颜色。
伊顿将色相划分为12个基本类别，并创造了一个12色相环，每种颜色代表一种色相。
2. 明度：明度是指颜色的明暗程度。
在伊顿的理论中，他强调了明度对比的重要性，通过调整明度关系，可以创造出立体感和空间感。
3. 纯度：纯度是指颜色的鲜艳程度或饱和度。
伊顿认为，纯度对于颜色的整体效果至关重要，通过调整纯度可以增强或减弱颜色的视觉冲击力。
在颜色形式和结构方面，伊顿强调了色彩的组合和搭配。
他提出了一些基本原则，如对比原则、和谐原则和节奏原则等，以指导色彩的选择和应用。
对比原则是指通过明度、色相和纯度等方面的对比，突出重点和增强视觉效果；和谐原则是指将色彩组合成和谐统一的整体；节奏原则是指在色彩设计中运用节奏感，以增强视觉冲击力。
总之，约翰·伊顿的颜色形式和结构理论提供了一种系统的、全面的方法来理解和应用色彩。
他的理论为设计工作提供了有力的指导，帮助设计师创造出富有表现力和吸引力的作品。
色彩艺术发展概述(1)
色彩艺术发展概述
印象派画家是牛顿时代后色彩学应用的先驱。印 象主义采取在户外阳光下直接描绘景物，追求光色变 化，主张根据太阳光谱所呈现的颜色去反映自然界的 瞬间印象，于是他们依据光谱赤、橙、黄、绿、青、 蓝、紫七色来调配颜色，表现物象在光的照射下色彩 的微妙变化。
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色彩艺术发展概述
3. 电磁学说
托马斯·杨 创建色觉三色理论 30年之后，英国物理 学家麦克斯韦（1831-1879）诞生了，这位“经典电磁理 论的奠基人”后来揭示了光的电磁本质，证明了电磁波的 速度等于光速，光和电磁波在本质上是相同的，光是一定 波长的电磁波。由此，人们测量到了不同色光的线磁波的 波长。研究了红外线、紫外线。
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色彩艺术发展概述
1.光谱学说
1666年，英国物理学家牛顿利用太阳光进行了著 名的“光的色散”实验。通过实验，牛顿证实了白光 是由红、橙、黄、绿、青、蓝、紫等七种不同的色光 复合而成的，它含有的光线被称为全色光。
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色彩艺术发展概述
“光的色散”实验
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色彩艺术发展概述
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色彩艺术发展概述
Web 服务器
Peer
数据库
Firewall
因特网洲际主干
因特网主干
ISP 企业网提供商
T1
ISP
应用服务器 第三方内容
洲际主干
地区网络 专业提供商 本地 ISP
社团网络
社团用户
Peer
Peer
消费者用户
伊顿色彩心理学
伊顿色彩心理学伊顿色彩心理学是由美国心理学家Karen B. Schloss领导的研究团队在伊顿大学开展的一项研究项目。
该研究项目旨在探索色彩对人类情绪和行为的影响，并深入揭示了色彩与心理状态之间的联系。
伊顿色彩心理学的研究成果为我们提供了一系列宝贵的心理学知识，让我们对色彩的运用有了更深入的认识。
在伊顿色彩心理学的研究中，研究人员通过实验和问卷调查等方法，探究了不同色彩对人们情绪和行为的影响。
研究发现，不同色彩对人们的情绪有着不同的作用。
比如，红色被认为具有激发、兴奋的特性，蓝色则更容易让人感到平静和放松。
而黄色则具有温暖、愉快的特性，绿色则让人感到平和和安宁。
伊顿色彩心理学还研究了色彩对人们行为的影响。
研究发现，不同色彩可以影响人们的注意力和行为表现。
例如，红色被发现可以增强人们的注意力和反应速度，因此在一些需要高度注意力和反应的场景中，如运动员的比赛场地、交通信号灯等，红色被广泛运用。
而蓝色则被认为可以提高人们的创造力和思维灵活性，因此在一些需要进行创造性思考的场景中，如办公室、学习环境等，蓝色也被广泛使用。
伊顿色彩心理学的研究成果不仅在心理学领域具有重要意义，在实际生活中也有着广泛的应用。
比如，在商业领域，许多企业利用色彩心理学的原理来设计产品包装和广告宣传，以引起消费者的注意和兴趣。
在医疗领域，色彩心理学也被应用于疗法和治疗中，以帮助人们调节情绪和缓解压力。
此外，伊顿色彩心理学还被运用于教育、设计、娱乐等各个领域，丰富了人们的生活。
然而，需要注意的是，色彩的影响并非完全一致，它也会因个体差异和文化背景等因素而有所不同。
不同的人对于同一种颜色可能会有不同的感受和情绪反应。
此外，不同文化之间对色彩的认知和情感也存在差异。
因此，在运用色彩心理学的原理时，需要考虑到个体差异和文化因素，避免产生误导或不良影响。
伊顿色彩心理学的研究成果为我们揭示了色彩与情绪、行为之间的关系。
它不仅丰富了心理学的理论体系，也为实际生活中的应用提供了有益的指导。
色彩构成概述
⾊彩构成概述第⼀课时内容第⼀章⾊彩构成的基本涵义⾊彩是每个设计中不可缺少的⼀部分，即使是⽩纸⿊字。
也依然有⾊彩的潜在规律。
作为设计专业的学⽣在做任何⼀种艺术设计的时候呢都离不开⾊彩，我们看着世界、盯着电脑、那么多的颜⾊，可真正到做设计的时候，在浩如烟海的颜⾊库中如何挑选最合适的颜⾊配合设计呢？选择合适的⾊彩不能只靠主观臆断，调研、分析、实践才是学好⾊彩的基础。
⼀﹑⾊彩构成的概念⾊彩在辞海中的解释即是颜⾊,剑桥⼤学三⼀学院院长约翰﹒莱恩斯在剑桥年度主题讲座《语⾔中的⾊彩》⼀⽂中对颜⾊做出的定义是：颜⾊是⾃然实体和物质的特性,这样的特性是可以⽤⾊彩的亮度﹑饱和度等术语来加以描述的。
⾊彩是造型艺术的重要要素之⼀，远看⾊彩近看花，⾊彩起着先声夺⼈的作⽤。
因此，⾊彩对造型艺术是极为重要的，但⾊彩⼜不能脱离形体、空间、位置、⾯积、肌理等⽽单独存在，所以研究⾊彩问题必然牵扯以上诸⽅⾯的关系。
由于按照⾊彩构成的⽅法训练⾊彩在我国基本是近⼗年才开始，近⼗年的教学实践证明，不论是⼯艺美术设计，还是绘画制作，⽤⾊彩构成的办法构成⾊调，都能取得良好的效果。
构成：即构造、解造、重构、组合之意。
⾊彩构成：即⾊彩的相互作⽤，是从⼈对⾊彩的知觉和⼼理效果出发，将两个以上的⾊彩，根据不同的⽬的性，按照⼀定的原则重新组合，搭配，构成新的美的⾊彩关系就叫⾊彩构成。
⼆﹑区分写⽣⾊彩与⾊彩构成在现代艺术设计教育中，写⽣⾊彩与⾊彩构成同属于专业基础课，前者为绘画⾊彩，后者为设计⾊彩，虽然两者对⾊彩基本原理与规律的研究是⼀致的，但其侧重点和训练⽅法有所不同。
写⽣⾊彩侧重于客观的再现，在训练中主要培养学⽣对既有的真实形态的复杂⾊彩现象的表现能⼒，注重研究不同光照下物体的条件⾊和环境⾊的变化规律，表现⼿法多以写实为主，⽬的是培养学⽣正确的⾊彩观察⽅法和⽤⾊彩塑造形体的能⼒。
⾊彩构成侧重于主观的抽象表现，教学中要求同学们必须系统地了解⾊彩理论知识和配⾊规律，注重⾊彩各构成要素间相互关系的研究。
伊顿色彩设计理论对色彩设计的影响
浅谈伊顿色彩设计理论对色彩设计的影响刘诗迪【内容摘要】色彩是艺术创作中必不可少的部分，它构成艺术作品，伊顿色彩设计理论：一方面，引导了色彩创作方式，形式趣味；另一方面，以其深刻的内容影响着现代设计色彩运用，从而决定了艺术作品的深层意蕴。
【关键词】：伊顿色彩设计理论四季色彩理论包装色彩色彩印刷Abstract:Colour is an essential part of art creation, which constitutes the works of art, Eaton colour design theory: on the one hand, and guide the color creation style, the form of interest, On the other hand, with its profound content influence the modern design colour is applied, thus determines the works of art deep implication.Key words:Eaton colour design theory The four seasons color theory Packing colors Color printing无论你是个怎样的死硬派，你不得不承认色彩和生活的亲密程度，差不多到了难舍难离的地步。
事实上，除了黑白影片的人物外，没有人可以生活在一个无色世界中。
色彩令这个世界变得缤纷，它能改变我们的心情，影响我们对某事某物的看法。
著名的色彩学家约翰内斯·伊顿说过“如果你能不知不觉的创作出色彩的杰作来，那么，你创作时就不需色彩知识。
但是，如果你不能在没有色彩知识的情况下创作出色彩的杰作来，那么你就应当去寻求色彩知识。
理想的色彩和谐就是用选择正确对偶的方法来显示其最强效果”。
第一章色彩的发展历程
第一章色彩的发展历程1.1 古代色彩的运用古代人类对色彩的运用可以追溯到几千年前。
在古代文明中，色彩扮演着重要的角色，不仅仅是用于装饰和美化，更是表示吉祥、权力和地位的象征。
在古埃及、古希腊和古罗马等文明中，人们就开始使用不同的颜料来进行绘画和涂饰，营造出丰富多彩的视觉效果。
1.2 中世纪的色彩中世纪是色彩发展的一个相对停滞的时期。
在此时期，宗教在社会中占据主导地位，艺术和文化受到严格的限制和监管。
因此，中世纪的色彩运用相对保守，多以暗淡的色调为主，如灰色、棕色和黑色。
这种色彩表达的是严肃、敬畏和虔诚的情感。
1.3 文艺复兴时期的色彩突破文艺复兴时期是色彩发展的重要转折点。
在这个时期，人们对古代文化和艺术的热情重新燃起，开始追求更加自由和丰富的色彩表达。
大师们通过混合不同颜料和使用新的绘画技法，创造出鲜明、明亮的色彩效果。
文艺复兴时期的绘画作品中常见的色彩有红、黄、蓝等鲜艳的颜色，展现了生机、活力和繁荣的形象。
1.4 工业革命对色彩的影响工业革命的到来极大地改变了人们的生活方式和工艺技术。
这也对色彩发展产生了深远的影响。
随着化学工业的发展，人们开始能够合成各种新的颜料，使得色彩的选择更加丰富多样。
同时，工业化的生产方式也使得色彩的制作和应用更加可行和经济。
这一时期，鲜艳的色彩开始大量应用于绘画、印刷和纺织品等领域，为社会带来了一种全新的视觉体验。
1.5 现代色彩的多样性随着现代科技的发展和全球交流的加强，色彩的应用越来越多样化。
各种新的材料和技术使得色彩的表达和呈现更加丰富和多样。
在当代艺术中，艺术家们运用各种颜料、灯光和影像技术来创造出令人惊艳的色彩效果。
同时，色彩也在设计、广告、时尚和建筑等领域起着越来越重要的作用，成为人们生活中不可或缺的元素。
1.6 未来色彩的展望随着科技的不断进步和人们对色彩的深入研究，我们可以期待未来色彩的进一步突破和创新。
基因工程、纳米技术和虚拟现实等领域的发展，将为色彩的应用和表达提供更多可能性。
西方色彩的演变历程
•
• 古埃及装饰风格简约、雄浑，以石材为主，柱式是其风格之标志，柱 头如绽开的纸草花，柱身挺拔巍峨，中间有线式凹槽、象形文字、浮 雕等，下面有柱础盘，古老而凝重。
在古埃及的艺术里，“装饰” 这个词可能很难使用，因为 除了死者的灵魂以外，这种 艺术无意给别人观看，事实 上，那些作品也不想让人欣 赏，他们只意在“使人生 存”。在残忍的上古时期曾 经有个惯例，有权势的人物 死后，任他们的仆役和奴隶 陪葬。牺牲他们为的是让死 者带着一批合适的随从进入 冥界。后来，这些恐怖行径 不是被认为太残忍，就是被 认为太奢侈，于是艺术就来 帮忙，把图像献给人间的伟 大人物，以此代替活生生的 仆役。在古埃及的坟墓中发 现的图画和模型就跟着种想 法有关，为的是让灵魂在另 一个世界有得力的伙伴。
• 雅典卫城
• 仿女人体的爱奥尼柱式除蓝与红之外，还有金色，显得优雅、秀美、 轻巧；
源于古希腊，是希腊古典建筑的三种柱式之一（另外两种是多立克柱式和科林斯柱式） 特点是比较纤细秀美，又被称为女性柱，柱身有24条凹槽，柱头有一对向下的涡卷装 饰。爱奥尼柱由于其优雅高贵的气质，广泛出现在古希腊的大量建筑中，如雅典卫城 的胜利女神神庙
眼圈为黑色
法 老 像
池 塘
生是 群 弓 成 的在 战 活在 雕 箭 的 是中 士 气每 列 手 队 在王 息个 队 是 列 阿国 。人 战 来 雕 西时 的 士 自 像 尤期 腰 被 努 ， 特的 间 表 比 像 地墓 系 现 亚 高 方室 有 在 的 的里 朱 行 雇 厘 一还 色 动 佣 米 个流 裤 之 军 ， 将行 式 中 。 有 军一 短 ， 弓 墓种 裙 身 箭 中小 ， 体 手 发型 个 裸 和 现的 个 露 枪 的木 神 ， 盾 有制 勇健 兵 雕 善 壮 。 个刻 战 有 其 战。 ， 力 中 士最 很 ， 的 组有 名 有只 40 80
图书精选｜配色考验审美，只有了解了色彩艺术的原理才能做到游刃有余！
图书精选｜配色考验审美，只有了解了色彩艺术的原理才能做到游刃有余！众所周知：包豪斯的成立标志着现代设计教育的诞生，对世界现代设计的发展产生了深远的影响，包豪斯也是世界上第一所完全为发展现代设计教育而建立的学院。
包豪斯风格成为了现代主义风格的代名词。
想真正了解现代色彩理论，你一定需要认识下面这位魏玛包豪斯时期的色彩大师约翰内斯·伊顿。
约翰内斯·伊顿包豪斯最重要的教员之一，是现代设计基础课程的创建者。
艺术设计的三大构成这个体系由包豪斯奠定，雏形由包豪斯的约翰·伊顿完成。
约翰内斯·伊顿1919-1922年，伊顿任教于包豪斯，创造和发展了“初级课程”，这是教授学生基础知识和颜色的材料特性。
这个初级课程的首要目的在于，把每个学生内心沉睡着的创造潜能解放出来。
伊顿开发了全面的色彩理论，这些理论都借鉴了科学和情感，正如他的著作《色彩的艺术》所描绘的那样：“想要成为色彩大师的人必须在与其他所有颜色的无数组合中看到、感受和体验每种颜色”他曾解释过，“色彩必须具有神圣的精神表达能力，不可与物体联系在一起。
在伊顿所有成就中，最令人熟知的就是色轮。
！色轮伊顿给了我们一个由十二种颜色（三个主要，三个次级和六个最次极）组成的色轮。
这个色轮展示了颜色之间的关系，以及饱和度的等级。
他是第一个将不同颜色与特定情绪联系起来的人，并且是第一个研究颜色对我们情绪影响的人之一。
他还研究了个体如何看待颜色。
伊顿教导学生说，有七种不同的对比方法：饱和度、亮度、暗度、延伸、互补对比度、同时对比度、色调对比度以及暖色和冷色之间的对比度。
他有一种独特的授课方式，先看抽象作品，把颜色从作品中抽离出来分析，再让他们研究现实主义作品，最后将他们所学的色彩理论应用到对古典作品的理解中。
巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）（1881—1973），《壁炉架上的吉他与单簧管》（Die Gitarre auf dem Kainin），创作于1915 年。
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伊顿《色彩艺术》序：色彩史概述向书本和向老师学习就象在乘马车旅行。
印度最古的宗教文献和文学作品《吠陀》中这样吿诉我们。
这种想法固然一直在继续，然而“一个人只有在大路上时，马车才有用。
当他到达大路终点时，就要下车步行了”。
在这本书里，我试图制造一种便利的交通工具，它将有助于所有关心色彩艺术问题的人们。
一个人可以在没有车马和没有路标的条件下旅行，但是这样进程就慢，旅途就有危险。
为了迅速而安全地达到一个远大的目标，先乘一辆马车是可取的。
我的许多学生都曾帮助我寻找制造这个交通工具的材料，我对他们深表感谢。
本书要发展的学说是一种美学色彩理论，它起源于一个画家的经验与直觉。
对于艺术家来说，效果是决定性的，而物理和化学所研究的色彩理论则并非决定性的。
由于色彩效果产生于观者的视觉，因而多种色彩的图版是不可缺少的。
然而色彩效果最深刻最真实的奥秘甚至肉眼也看不见，它只能为心灵所感受，重要的是避免概念上的公式化。
在美学领域中，有为艺术家所使用的普遍的色彩规律吗？或者说色彩的审美仅是由主观意识所控制的吗？学生常常提出这个问頫，而我的回答总是这样的：“如果你能不知不觉地创作出色彩的杰作来，那么你创作时就不需要色彩知识。
但是，如果你不能在没有色彩知识的情况下创作出色彩的杰作来，那末你就应当去寻求色彩知识。
”学说和理论在技巧不熟练的时侯是最好的东西，而在技巧熟练的时候，凭直觉判断就能自然而然地解决问题。
在认真研究了伟大的色彩大师之后，我坚信他们都掌握一种色彩科学。
对我来说，歌徳、龙格、贝措尔德、谢弗勒尔和赫尔策尔的色彩理论都具有不可估量的价值。
我希望能在本书中解决大部分有关色彩的问题。
我们不仅要解释客观的原理和规律，还要探索和观察主观的范畴，因为它关系到色彩领域中趣味的评价问题。
我们只有通过对客观原理的熟悉和了解，才能从主观的束缚中解脱出来。
在音乐中，作曲理论早就被认为是重要的，并且列为专业教育的一个组成部分。
然而，一个音乐家懂得了旋律配合法，如果他缺乏洞察力和灵感，也仍然是一个蹩脚的作曲家。
同样，一个画家可能懂得形状、色彩和构图的所有方法，但是如果没有灵感，他仍然创作不出好的作品。
人们常说：天才是九十九分功夫，一分灵感。
几年前报刊上曾出现理査.施特劳斯和汉斯.普菲茨纳之间的争论，内容是关于灵感和对位法在作曲过程中所占的比例。
施特劳斯写道：在他的作品中有四至六小节是靠灵感，而其余的是靠理论和勤学苦练。
普菲茨纳回答说：“施特劳斯很可能只有四至六小节是靠灵感的启示，而我注意到莫扎特常常是在灵感一来，就一连写出许多页的乐曲。
”达.芬奇，丢勒、格吕内瓦尔德、埃尔.格列柯以及许多其他画家都不敢忽视理智地斟酌他们的艺术手法。
《依萨汉姆祭坛画》能够画成，岂不正是由于它的创作者对形状和色彩进行了周密考虑的结果吗？人们不要太受设计规律知识的禁锢，要能从犹豫不决的和不稳定的感知中解放出来。
很显然，我们所说的色彩规律在复杂而又缺乏条理的色彩效果中，只不过是些残缺不全的东西而已。
在人类发展过程中，人们的智慧洞察了许多神秘事物的本质和它们的结构，如虹、雷鸣、电闪、地心吸力等等。
尽管如此，它们至今仍然是神秘的亊物。
德拉克洛瓦曾经写道：“在我们的艺术学校中，对色彩理论的原理既不曾进行分析，也不讲授，因为在法国，按照‘制图员是可以培养的，色彩学家却是天生的’这种说法，学习色彩规律被认为是多余的。
色彩理论神秘吗？为什么称这些原理是神秘的？而这正是所有的艺术家都应该懂得并且都应该被教会的。
”（见《我们时代的艺术家》）正如龟在需要时能将它的四肢缩进甲壳一样，艺术家在靠直觉工作时，也保存着他掌握的科学理论法则。
难道能说龟没有四肢反而更好吗？色彩就是生命，因为一个没有色彩的世界在我扪看来就象死的一般。
色彩是从原始时代就存在的概念，是原始的无色彩光线及其相对物无色彩黑暗的产儿。
正如火焰产生光一样，光又产生了色彩。
色是光之子，光是色之母。
光——这个世界的第一个现象，通过色彩向我们展示了世界的精神和活生生的灵魂。
什么也不会比天上一种巨大的彩色日华更奇观，对人类头脑更具有戏剧性的影响。
雷鸣和电闪恐吓我们，而虹的彩色和北极光却抚慰和鼓舞人们的灵魂。
彩虹被当作一种和平的象征。
文字及其声音，形状及其色彩，是我们依稀臆测到的幻想的实体。
犹如声音赋予语言以情感的色彩那样，色彩也就从精神上赋予形状以决定性的调子。
色彩的原始本质是一种变幻不定的共鸣音，光线则是配曲。
当思想、概念、公式接触到色彩的那一瞬间，色彩就失去了它的魔力，握在我们手中的只剰下一个躯壳。
我们在过去时代的彩色纪念碑上，可以找到已消失的民族的感情倾向。
古代埃及人和希腊人非常喜欢用各种不同色彩的图案。
中国人自古以来就是有才艺的画家。
据记载，公元前八十年一个汉朝皇帝（汉昭帝刘弗陵）就设有存放图画的画院，即博物馆，传说这些收蒙品色彩绚丽，美不胜收。
在唐代（公元618—907），就出现了色彩鲜明的壁画和镶嵌漆画。
大约在同一时期，还发展了新的黄、红、蓝、绿色的“唐三彩”釉陶。
在宋代（公元960—1279），色彩感大为提髙，图画色彩变得更加多样，同时也变得更为写实。
瓷器和陶器制品有了许多无比美丽的新彩釉，如青花釉和月光釉等。
公元头一千多年中具有强烈色彩的罗马和拜占庭多种着色镶嵌细工都—直保存在欧洲，镶嵌细工艺术在色彩工艺表现中要求很髙，因为每个色域都由无数的色彩点子构成，而每种色彩都要经过斟酌和选择。
公元五世纪和六世纪时，意大利拉文纳地方的镰嵌细工艺术家就能用补色创造出许多不同的效果。
加拉.普拉西迪亚陵庙的主色调就是以惊人的灰色的色彩气氛为主导的。
这种效果是由于室内蓝色镶嵌花墙壁沐浴在一种橙色光线中而创造出来的，这种光线是通过装有橙色玻璃的狭长窗户透进来的。
橙色和蓝色互为补色,两者调合则呈灰色。
观众在庙中走动时，接受到不同等量的光线，而交替地突出蓝色或橙色。
随着不断变化的角度，墙壁上就反射出这些色彩。
这种相互作用就给人一种充满色彩的印象。
公元八世纪和九世纪在爱尔兰僧侣的中世纪初期风格装饰中，我们发现一些有多种变化的精细的色彩。
在那些光采夺目的魅力中，最惊人的是那许多不同的色彩被表现为同等明度的画幅，其所达到的那种生动的冷暖效果，一直到印象派画家和凡髙以前是我们所从没有看到过的。
在《克尔斯抄本》中，为了表现色彩技巧和每一行结构的旋律节奏，有些书页就象一部巴赫的赋格曲那样堂皇而纯正。
这些“抽象的”细密画家们的敏感性与艺术才智，也可在中世纪的彩色玻璃中找到近似的对手。
早期的彩色玻璃只便用少数几种色彩，因而看上去比较粗糙，因为到那时为止，玻璃制造技术还只能提供少数几种色彩。
任何人只要肯化上一整天功夫去观察夏特教堂的窗子在光线中的变化，看到落日将巨大的玫瑰色窗户照耀成一种辉煌至极的和谐色彩，他都会对那个时刻的非凡美景永不忘怀。
罗马式建筑和早期哥特式建筑的艺术家们，在壁画和绘画图案中，将色彩作为象征性的表现手法。
因此他们努力创造出不含糊的、明朗的调子。
他们追求简单而淸晰的象征性效果，而不要各种各样的阴影和不同的色彩变化。
形体上也接受同样的处理方法。
乔托和锡耶纳画派可能是在形体和色彩上使人类形象具有个性特色的第一批画家。
他们开创了一个发展阶段，使得十五、十六和十七世纪的欧洲产生了大批具有个性的艺术家。
十五世纪上半叶，胡伯特.凡.爱克和扬.凡.爱克兄弟在再现人体和物体的固有色方面开始形成了构图风格。
这些固有色，通过模糊与鲜明、明亮与阴喑的调子，创造出了非常接近于自然的现实主义形象。
色彩成为赋予自然物体特色的一种手段。
《根特祭坛画》完成于年1432年，1434年扬.凡.爱克画出了哥特时期中的第一幅肖像画《阿诺非尼夫妇像》。
弗兰西斯加用鲜明的轮雕线和清晰的富于表现力的色域画出富于个性的人物，并使用平衡的互补色彩。
使用的色相是一些罕见的、这位艺术家所特有的调子。
达.芬奇反对强烈对比的着色方法。
他用极细微的色调层次作画，在《洞穴圣母》(1485）一画中，他把色彩安排成二大色域。
《圣杰罗姆》（1438)和《礼拜》(1482)这两幅画，整个就是用乌贼墨顔色的明喑色调构成的。
提香在他的早期作品中，将同种色域安排在相互对抗的孤立状态中。
后来，他遂渐将这样的色域处理成冷暧、明暗、模糊与强烈的转换，也许这在皮蒂陈列馆藏的《贝拉》（1536)一画中表现得最为明显。
在他晚期的作品中，用一种主要色相和许多种不同的明暗色调烘托出客观物体。
《戴荆冕的耶稣像》（1570)就是一例。
埃尔.格列柯是提香的学生。
他将他老师的多色调拉回到富于表现的大色域。
他那种奇特的，常常是令人毛骨悚然的色彩表演不再表现固有色，而是抽象概括，以适应在精神上富有表现力的主題要求。
这就是埃尔.格列柯被看作是非写实派绘画的一位前辈的原因。
他的色域并不指明客观物体的类别，它被组织到纯粹的、画面的多旋律色调之中。
比格列柯早一个世纪的格吕内瓦尔德早巳解决了这个问题。
凡是埃尔.格列杯—向用灰色和黑色色调来突出并富有特色地描画阴影的地方，格吕内瓦尔德就用色彩对比来处理了。
通过客观的对色彩的掌握，他为每幅画的主题找到了适当的色彩。
《依萨汉姆祭坛画》的所有部分都表明丁多种多样的色彩明暗、色彩效果和表现力，因而当之无愧地被称为富有才华的包罗万象的色彩构图。
《天使乐队》（见图版9)、《耶稣复活与变容》(见图版27）等作品，无论在形体上和色彩上，都是完全互不相同的绘画。
事实上，为求各个主题的艺术真实，格吕内瓦尔德从整体上牺牲了祭坛画的装饰性统一。
为了作到真实与客观，他将自己置身于学者的规范之外。
然而，他的色彩的心理表现力，色彩的象征性真实和瑰实主义含意——即色彩所具有的三种潜力，都以一种更深刻的意义融合成为一个整体。
伦勃朗被认为是明暗对照法画家的典范。
尽管达.芬奇、提香和埃尔.格列柯也把明暗对照法当作一种表现手段，但伦勃朗的作品却是完全不同的。
他觉得色彩是一种浓密的物质。
他用灰色、蓝色或黄色、红色的透明色调，创造了一种具有显著美化了自身生命的深度效果。
他用蛋白同油画颜料调成糊状物作画，取得了一种散发着异常感人的现实主义质感效果（见图版6《戴金盔的人》）。
在伦勃朗的作品中，色彩变成物质化了的发光能，具有令人感奋的力量。
纯色常在模糊的环境中象宝石那样闪光。
埃尔.格列柯和伦勃朗使我们进而想到巴罗克色彩的问题。
在比较典型的巴罗克建筑中，静止的空间被归结于带有运动节奏的空间。
色彩也被纳入同样的用途。
它不是用来表现客观物体，而是用作韵律联接的一种抽象手段。
说到底，色彩是用来帮助创造深度幻觉的。
威尼斯画家莫尔伯奇（1724-1796）的作品表现了这种巴罗克式的着色特点。
在罗马帝国和古典主义时期的艺术中，着色局限在黑、白、灰三种，为了便画面生动，也有节制地便用少数几种彩色。
这种风格产生一种现实主义的严谨效果，尔后被浪漫主义所替代。