《怀念与回忆》回忆两位俄侨大提琴家鲍斯特列姆和波戈金(巴阔金)-李大毅

《怀念与回忆》回忆两位俄侨大提琴家鲍斯特列姆和波戈金(巴阔金)-李大毅
《怀念与回忆》回忆两位俄侨大提琴家鲍斯特列姆和波戈金(巴阔金)-李大毅

怀念与回忆

—回忆两位俄侨大提琴家鲍斯特列姆金和波戈金

李大毅

回忆是美好的,它可以重温与感悟人生。俗话说,师傅领进门,修行在个人。是谁引导我步入一生所钟爱的大提琴艺术殿堂和艺术人生所感悟的台阶?是侨居在哈尔滨的二位俄罗斯大提琴家,格·鲍斯特列姆和阿·伊·波戈金。虽然他们是我的导师,但我对他们艺术生涯了解甚少,加之当时年幼和语言的障碍等原因,影响了彼此的沟通,不过留给我记忆中的都是一份沉甸甸的珍重和尊敬,是他们为我一生从事大提琴演奏与教学事业奠定了基础,成为我的引路人。

1949年5月,我随鲁艺文工团从佳木斯调往哈尔滨,来到这座美丽的城市,人称东方莫斯科。一方水土一方人,更何况历史的缘故,西方的音乐文化在这里得以传播。当时正是解放战争节节胜利,全国即将解放,共和国将要诞生。为了适应新形势的需要,培养音乐人才,鲁艺文工团的领导将一些小同志送往哈尔滨苏联音乐学校学习。学校离鲁艺文工团很近,从阿什河街29号转弯到义州街原苏联中学对过(现在的外事办)。路上大家都非常兴奋,见到校长希多罗夫之后他简单的向我们介绍了学校的概况,专业教师和课程要求,其他的几个同志都主动与主科教师见了面并决定开始授课。而我是因为鲍先生去林区养病不能按时上课,何时归来又不得而知,当时的心情是既失望有焦急。1950年秋,当得知鲍先生回哈的消息后,我真是欣喜若狂,一夜没有睡安宁,打听到住址后便前去求师。他住在马家沟中山路与巴陵街口不远的一幢小院里,有奶牛和一条猎狗……想象中的外国老师会是什么样子?他厉害吗?会讲中国话吗?听不明白怎么办?这一切顾虑都被鲍先生一家人的热情接待全打消了。人生中重要的等待和如愿,烦恼与狂喜是都会碰到的,然而对我来说,这等待和如愿真就决定了我人生的事业道路,并一直无怨无悔地走到了今天。

第一次会面的印象是最深的,也是终生难忘的。鲍先生硕大的前额,高高的鼻子笑容可掬,和蔼可亲,热情随和,让儿子阿辽沙为我做翻译,他说:“我从未教过中国孩子,你是第一个,校长希多罗夫同志已同我讲过,你们是文工团领导派来学习的,为新中国哈尔滨乐队培养人才”。又说,“大提琴声音很美,很难学,你要做好用功的准备,希望你不要半途而废,坚持下去,将来可以搞演奏,还可以当教师,中国很需要人才”。

同龄人是最容易沟通的,阿辽沙私下里对我说:“我真不明白你为什么喜欢拉琴?我学小提琴是没法子,父亲的意愿。我很羡慕哪些不学琴的小朋友,前几天难得的一次玩的机会,结果从房子上滑下来把右臂摔骨折了”。当然,我非常理解他,也很同情他,但我不一样,我从小就酷爱音乐,我求师如饥似渴,我太想读书了,将来我还要读音乐学院。

1950年11月初,哈尔滨下了第一场大雪,上午8点钟在苏联音乐学校上了第一堂大提琴课,我用的是一把普通琴,工艺很粗糙,声音很难听,而且很笨重,我背它似乎

很费劲儿。鲍先生一看哈哈大笑,他说这不像琴,很像衣橱和盛咸菜的木桶。然后他把自己的琴打开给我上课,并让我将琴送到他家去为我修整。

正课开始了,从持琴、持弓、左右手姿势讲起,特别值得一提的是琴下面的支柱的高低与人体、椅子的高低量好了以后用红蓝笔铅笔画上记号不准随便改动。这样,对弓弦接触点,对人与琴的自如关系,对把位、换弦、揉弦都产生直接的重要的影响,归结一点,演奏要消除任何部位的紧张,培养演奏中的舒适感。这一席话是我在后来的工作实践中慢慢才体会到的,因为在这之前我的演奏方法问题较多,面对像我这样的学生,鲍先生还表现出极大的耐心,真是不厌其烦的反复讲解、示范,纠正我演奏中各种错误。我很惭愧,怨自己太笨,甚至有些急躁,他似乎已经觉察,一直给我鼓励、给我信心。时至今日在我的教学中永远都是怀着极大的耐心和爱心去培养学生的自信心,这是教学成败的基本前提,所以有的家长说,你的耐心和爱心是你事业成功的一半。我说这是从我的老师那里学来的,因为他对在创造美的全过程中能够化解与调解教与学、师与生这一对既对立又统一的关系,创造了良好的课堂气氛。教学中他对保留指的要求很严格,并且对左手支撑关节的起落的弹性要求很高。即:有力又不失弹性,特别强调两手的拇指正确与否,他说:“两手有问题,永远拉不好琴”。

1952年秋,鲍先生被沈阳音专聘请任教去了,我又一次陷入无师的痛苦之中,我无法自修,对大提琴作品知道的甚少,不知下一步怎么进展,自己对作品、演奏方法、练琴方法乃至对音乐的理解都缺少科学性,掌握不了带规律性的东西。诸如:分句、高潮、弓子分配、力度变化等都不能自觉的去演奏,而仅有的是一味追求速度,尽管作品拉得烂熟,但无法驾驭它。一年时间过去了,一天苏联音乐学校茹克老师来鲁艺给我们上和声课时告诉我,波戈金从大连回哈尔滨了,并将波先生的家庭住址寄给我,这一突如其来的好消息有如寒冬里的一丝春风,高兴得我连和声课都没有上好,第二天,马上登门拜师求学。波先生很有派头,所谓派头就是很有艺术家学者的风度,他夫人温和善良,女儿马鲁霞在弹钢琴,全家对一个中国孩子求师学习大提琴似乎感到惊奇。

波先生对我很热情,同时又很严格,记得第一堂课左手换把练习和拇指把位的训练,因为那时的琴弦拉完一手黑,况且横把位的音位也不准,波先生找出一块细砂纸在琴弦上轻轻地磨几下反复再试。对课堂提出的要求很多也很高,乐句的起伏、音准、节奏、力度变化颤指、弓速的变化等等要求都很细。他反对上下滑音,他说音乐是心灵的语言,用琴去唱,而且要求我去模仿他。就这样两年间在他班上使我在原有的基础上有所提高、有所规范,学习了维瓦尔第D大调协奏曲,恩格尔斯g小调奏鸣曲,戈特曼第四协奏曲,还有一些小品:阿鲁秋年即兴曲、拉赫玛尼诺夫练声曲、格拉袒诺夫西班牙小夜曲、游吟诗人之歌等。正在学习有长足进步时,波先生被辽宁歌剧院聘请任教去了,他除了教授大提琴还为辽歌训练乐队。我又一次被无师的苦恼困扰着,经常产生烦躁与无奈,经再三与领导申请,最后同意我去沈阳学习三个月。我住在辽宁歌剧院,与中央歌剧院前来的黄晓芬、苗雨、曹春耀,中央民族歌舞团的赵峰、西安音专的赵振霄一起在波先生班上课。我私下里向波先生吐露想考音乐学院的想法,他很支持并为我制定了一套教学

计划,他说学音乐必须创造条件争取机会,只有念音乐学院才能接受系统的音乐教育。从音阶、练习曲、巴赫第一组曲、戈特曼第三协奏曲第一乐章等,这些都是我后来投考音乐学院的曲目,也是波先生为我打下的基础。在此期间我还经常去沈阳音专看望鲍先生和阿辽沙。鲍先生告诉我他们全家将去苏联乌兹别克共和国的塔什干音乐学院。因此,他建议我考中央音乐学院,并希望我将来从事教学工作,我似乎感觉到我适合作教学工作,但他更认为教师工作很伟大,应当受到尊重,况且中国很需要演奏人才。不久,接到了团里的电报,催我返回哈参加演出。当夜,大雪纷飞,匆匆离去,别了二位恩师和那几位同行好友,列车上我感到孤寂与寒冷,面对白茫茫的北国飘雪陷入沉思和遐想。

48年过去了。每个人的生活历程都有一篇故事。人在成长道路上自然离不开遗憾、教育和环境等诸多因素,但我也信服缘分,而且随着时间的推移就更加倍地珍视这缘分,所以,每当我拿起鲍先生送给我那套他在中国编写的五册大提琴教程时;每当我打开波先生送给我那个精美的台灯时,心中便升腾起对二位恩师的一片怀念之情,怀念他们两家人的热情、真诚,更敬重二位恩师对新中国大提琴事业所做出的贡献,平添出一道绚丽的色彩,犹如大提琴优美而深沉的旋律。

波先生后来去澳大利亚了,任广播乐团首席大提琴。据陈鼎臣先生讲,他1979年去悉尼演出时波先生还打听我的情况,可惜一直没有联系上,这在我的记忆中,在感情世界又多一番回忆、一份真诚的怀念。

每当我在春天里嗅到了香花散发出醉人芳香时,仿佛又回到少年时代与二位先生上课漫游在音乐世界中的情景。那是在演奏戈特曼第四协奏曲的副部主题时,波先生指着窗外的丁香说:“春天,春天来了,多么温暖……”每当我迎着飞雪向前走时,不由得怀念起告别二位恩师的难舍心情,也浮现出阿辽沙雪地送我一程的情景。他们在我记忆的长河中,时时激起阵阵波澜,使我在事业的道路上走得更坚实,更加充满自信。我敬重恩师,怀念恩师,怀念他们引导我步入了神圣的音乐殿堂,迈上了感悟艺术人生的阶梯。

1998年10月8日于北京魏公村

注:本文摘自《黑龙江大提琴史话》,作者李大毅,原解放军艺术学院教授,大提琴演奏家、教育家。

波戈金,又翻译成巴阔金。

大提琴演奏中艺术表现力的培养

大提琴演奏中艺术表现力的培养 在众多的交响乐作品中,大提琴总是被放在一个非常重要的位置。尤其是大提琴低沉、抒情、开朗、深情的音质,极大地丰富了交响乐的表达形式。从十八世纪伊始,诸多音乐家将大提琴独特的音质巧妙地融入到音乐作品中,也将大提琴的艺术技巧和艺术内涵提升到了一个更高的层次。那么,如何提升大提琴的艺术表现力对演奏者来说至关重要。 一、提升艺术想象力 艺术的想象力是内心与作品碰撞产生的火花,不是凭空捏造出来的,它的产生是建立在对音乐理解、体验、掌握等能力基础之上。合理的想象是基于作品的创作背景及作曲家的创作风格展开的,要忠实于作曲家的创作意图。在进行艺术想象时,可以有鲜明的个人特征,但不能背离初衷,出格的想象是不能正确展现音乐作品风格的。艺术的想象力可以通过自己的努力培养出来,比如在演奏一些富有情节的作品时,可以把自己想象成其中的一个角色,身处于一个与作品意境相符合的画面。想象力越丰富,挖掘音乐内涵就越有深度,就越能展现音乐的表现力。 二、加强演奏理解力 大提琴演奏者要想完美的诠释音乐作品必须做到对乐曲有充分的理解和认识。任何一个作品的诞生都有其创作背景,对音乐的正确理解,首先离不开对作品创作背景的分析;其次要正确的理解作品的风格。事实上,在大提琴的演奏实践中,演奏者每时每刻都要用心去揣摩作品创作者的意图,并在此基础上对作品进行二次创作,加入自己的思想和理解。一个作品的时代风格,流派特征以及音乐的性质和作品本身所富有的内涵需要演奏者长久以来不间断的练习。作为演奏者常常只是关注乐曲音符所体现的音乐内容,做到不错音以及完整的演绎完一首乐曲,对音乐作品本身的内涵缺乏理解,更谈不上加上自

大提琴音乐欣赏

大提琴音乐欣赏 大提琴是管弦乐队中必不可少的次中音或低音弦乐器。在管弦乐曲中大提琴声部经常演奏旋律性很强的乐句,也与低音提琴共同担负和声的低音声部。它也是非常为人们所喜爱的独奏乐器。 应用谱号:低音谱号、次中音谱号或高音谱号。 发展历史 大提琴的历史可以追溯到16世纪末,是一种叫作“低音维奥尔琴”或“膝间维奥尔琴”(Viola de gamba)的15世纪的乐器演变而来。维奥尔琴的体积不像大提琴那么大,弧形也不那么明显,但演奏时可以夹在两膝之间,像大提琴那样用弓拉奏。 大提琴最初在意大利语中被拼作Violoncello,后来逐渐简写为Cello。大提琴以其热烈而丰富的音色著称,是交响乐队中最常见的乐器之一。适合扮演各种角色:有时加入低音阵营,在低声部发出沉重的叹息;有时则以中间两根弦起到节奏中坚的作用。大提琴最为辉煌的时刻,要数作曲家赋予其表现如歌的旋律的使命。整个大提琴组奏出的美妙的旋律,足以令交响乐队中的任何其他乐器都相形见绌。 乐器特色 属提琴族乐器里的下中音乐器,音色浑厚丰满,具有开朗的性格,擅长演奏抒情的旋律,表达深沉而复杂的感情。 代表人物:马友友 他广泛而多元的音乐事业,不难理解其不断寻求与听从不同的对话方式,以及对个人的艺术成长求新求变的态度。无论是演奏新乐曲或大家耳熟能详的曲目、和好友一同演出室内乐、与年轻的音乐家及听众接角、探索西方古典传统外的文化及音乐型式,马友友努力从中找寻能激发想像力的元素。 马友友紧凑的音乐会行程,包括与全球知名乐团协奏演出、个人独奏会及室内乐等。与不同的演奏家合作都能为他带来不同灵感,合作过的音乐家包括艾克斯、巴伦波因、爱森巴哈、潘蜜拉-法兰克、柯汉(Jeffrey Kahane)、Young Uck Kim、拉雷多、巴比-麦菲林、艾格-梅耶、摩里斯(Mark Morris)、欧康纳、彼德-塞尔金、史坦、史托兹曼、史塔特(Kathryn Stott)等。借着与音乐家之间的互动,超越单一音乐风格的界限。他最大的目标就是将音乐化为一沟通的语言,跨越世界不同种族,拉进人与人之意距离。为达成此目的,他更投身研究国乐、中国传统乐器、非洲卡拉哈利的丛林音乐等。 为发展大提琴演奏曲目,马友友时常演奏20世纪较不为人知的大提琴曲,许多现代作曲家皆为他量身订做新乐曲。曾为多位作曲家的新作首演,其中包括艾伯特(Stephen Albert)、丹尼波尔(Richard Danielpour)、哈比森(John Harbison)、柯希纳(Leon Kirchner)、李伯森(Peter Lieberson)、卢塞(Christopher Rouse)、盛宗亮、谭盾、约翰-威廉斯等。这些不仅是为他而写的作品,马友友在作曲家的创作过程也扮演重要角色。 马友友最主要演奏乐器是Domenico Montagnana 1733,这是一把在威尼斯组装的大提琴,要价250万美元,拥有270年以上的历史,暱称为Petunia,马友友曾有一次将它遗留在纽

浅析大提琴演奏中的揉弦和换把技巧

浅析大提琴演奏中的揉弦和换把技巧 在大提琴演奏中,要求相应的演奏者在具备专业知识的基础上,能够具备良好的体力、灵活的头脑以及较高的心理素质,进而才能够在实际演奏的过程中,充分的将演奏技巧进行运用,确保相应演奏效果能够促使听众完全沉浸在大提琴乐曲之中,并以丰满的情感来感染听众,进而彰显出大提琴演奏的魅力。在此过程中,很多时候大提琴学习者在进行技巧练习的过程中,对于如何换把与揉弦都掌握的不到位,进而导致左右手难以实现协调,相应左手在演奏中难以充分发挥出作用,进而导致演奏的效果不佳。 一、在大提琴演奏中揉弦技巧分析 (一)掌握揉弦技巧的必要性 在进行大提琴演奏的过程中,揉弦是最为常用的一种演奏技巧之一,通过这一技巧的充分应用,则能够实现对大提琴乐曲的有效装饰,进而促使相应乐曲更具感染力。揉弦技巧的应用促使大提琴演奏者将自身的情感与技巧充分进行展现,此时演奏出的乐曲则就被演奏者赋予了生命力,同时也具备了个人的情感特征,进而在激发听众内心情感因素的过程中,促使听众产生情感的共鸣。 (二)揉弦技巧训练的关键点 在实际学习与应用这一演奏技巧的过程中,其难度相对较大,对于学习者而言,则需要放平心态,在反复练习的过程中循序渐进的掌握这一技巧,确保在揉弦的过程中,能够保证手指、手腕以及手臂这三个部分实现协调性,进而才能够发挥出揉弦在演奏中的作用。首先,要明确手指在揉弦过程中所承担的重要作用,准确拿捏好相应的力度,并明确相应的位置,放松心态以确保实现最佳演奏效果。其次,在手腕的运用上,主要是要掌握好手腕颤动的技巧,并保证其与手腕间的和谐性;最后强调的是手臂的颤抖同样要与前两者进行协调,以真正的展现出揉弦在大提琴演奏中的作用。

《大提琴》教案

《大提琴》教案 教材:义务教育课程标准实验教科书《美术》(湘版)教材八年级下册第5课 一、导入 播放大提琴独奏曲《海顿主题变奏曲》,使学生进入一个提琴音乐的氛围,欣赏两分钟。 提问:同学们听完这段大提琴演奏曲后,有什么感受?大提琴的音色特点有哪些? 同学们回答后实行总结:大提琴的音色悠扬,琴弦的音色含情,旋律动人。特别人性和自然,能较好地反映人的情感。 大提琴的四根琴弦,具有四种特点。第一根琴弦a弦,发音华丽,富于歌唱性;第二根弦d 弦,音色朦胧;第三、第四根弦,G弦C音色低沉响亮。所以,大提琴是近代管弦乐队不可少的次中音和低音乐器。 二、欣赏分析大提琴的构造和造型 利用电脑和大屏幕,欣赏大提琴的造型。让学生自由讨论后回答大提琴的特点有哪些?学生回答后总结: (1)造型华丽高贵,大方适度,色彩漂亮雅致。 (2)具有优美的曲线和弧面,造型显得柔美。 (3)有粗细的直线,直线的琴杆和琴弦,使提琴的造型柔中有刚。 (4)大提琴的比例感很适当,点、线、面均衡,显得造型完美,素有乐器中的美男子之称。 三、解构艺术造型的特点 所谓的解构艺术造型,就是打破原有的形状和形体,然后重新组合,构成新的形状和形体。例如:1994年中国北京举行一个盛大的文艺晚会,中央电视台实况转播,其中一个国外的美术大师现场表演艺术创作R帐跫野鸦计淘诘厣希髦盅丈愕乖诨忌希缓竽闷鹨话哑恋拇筇崆伲吒呔俟范ィ芰ο虻孤筒实幕荚蚁氯ァG儆ι椋筒史山Γ疑约诱恚桓毕执囊帐踝髌范偈辈恕Lㄏ乱黄净逗簦饩褪抢梅纸夤钩傻囊帐踉煨驮斫写醋鞯摹?BR>解构艺术造型,其特点就是打破陈规,不受原有形象

的束缚,重新组合形成新的形象。这种造型手法,具有很大的不可预测性,能够产生偶然性和新奇感。 实行解构艺术造型训练,能够启发智慧,激发人的潜能,使艺术的思维更加活跃,使受训练的学生思想解放和更加敏捷,会对日常生活中的艺术形式有更多的发现和创意。 四、利用电脑展示解构艺术造型的作品 1.利用大提琴的造型,实行分解构成。 图:《提琴时代》《花的旋律》 2.利用圆号的造型,实行分解构成。 图《圆号新形象》《提琴与圆号》 3.利用蝴蝶的造型,实行分解构成。 图:《蝴蝶新组合造型》 4.利用鱼的造型,实行分解构成。 图:《多条鱼组合构成》 5.利用大提琴、圆号、蝴蝶、鱼的造型实行综合分解构成。 图:《自然交响乐》《圆号梦想曲》《一起为鱼儿伴奏》《大提琴时代的士高》 课堂练习 利用大提琴、圆号、鱼、蝴蝶的图案,实行分解构成练习。 (每位学生发一份图案资料,学生利用资料剪贴、拼接实行造型练习) 要求 一、分割的形状不能太碎,要尽可能保持大提琴、圆号、鱼、蝴蝶造型的特点。 二、重新组合构成画面时,注意构图的均衡、大小、轻重感,点线面有机的结合。

大提琴与交响乐关系

浅谈大提琴与交响乐的关系 摘要:本文探讨了大提琴演奏者的情感与交响乐演奏的关系,并指出了情感运用对于交响乐演奏技巧的作用以及如何在交响乐 演奏中正确运用情感。 关键词:大提琴交响乐;演奏技巧;作用 abstract: this paper discusses the relationship of the cellist emotion and the symphony orchestra, and points out the role of symphony playing skills that and how to the correct use of emotion in the symphony orchestra. key words: cello symphony; playing skills; role; 中图分类号:j622.3前言交响乐作为一种表现力丰富、对人的精神有极大影响的丰富多样的音乐体裁形式,在音乐艺术形式中它是具有较高品位的高雅的音乐种类。交响乐的演奏需要用到多种乐器,而每种乐器的使用又都需要一定的演奏技巧,用来表现交响乐作品主题、风格及内涵。本文主要介绍了大提琴演奏技巧进行交响乐的演奏,需要演奏者融入自身的情感,发挥情感在交响乐演奏中的作用。1、大提琴与交响乐演奏的关系音乐是情感的产物,是人类特有的一种情感表达方式。音乐通过乐音的组织来表达人类的思想感情,反映现实生活。如同其它音乐艺术一样,交响乐也是情感的产物,没有情感的交响乐是枯燥、空洞和乏味的音乐。对于演奏者来说,演奏者只有充分的把自身的情感融入交响乐作品之中,才能准确的把握好作品的演奏,而交响乐作品的演奏又可以使演奏者

大提琴演奏呼吸分析论文

大提琴演奏呼吸分析论文 摘要:呼吸在演奏大提琴中起着一定的作用。呼吸动作对演奏中的情绪变化、音乐表现也有着密切关系。正确的呼吸有助于肌肉和心理放松,对提高和发挥演奏技巧有极其重要的作用。在大提琴演奏中只有做到正确划分乐句,合理运用呼吸,才能把音乐作品演绎得淋漓尽致。 关键词:大提琴演奏呼吸音乐 我们知道呼吸是生命的基础,没有呼吸人类将无法生存。在音乐作品中,会有或长或短的乐句,在乐句中间会有停顿与相连的问题。这里的停顿与相连的问题就是我们所说的呼吸。音乐是人类语言的高级状态,它同语言一样有着句子的长短之分,有着抑扬顿挫的语气变化,有表达一个中心思想的结构性和完整性。它跟人类的呼吸一样,没有呼吸就没有乐句,也就没有了语调和结构,没有了生命。有些学生在大提琴演奏中出现不顾音乐的分句,演奏中缺少音乐的呼吸的问题。一些教师在教学过程中也常常忽略这一非常重要的问题,致使学生对乐句的认识模糊,处理作品缺乏音乐的律动性和歌唱性,从而给人一种上气不接下气的感觉,缺乏层次感,也缺少了作品应该表达的思想感情。 一、正确划分乐句是音乐呼吸的基础 划分乐句是为了理解乐句,理解乐句是为了理解乐曲。一篇,只有懂得了每句话的意思,才能理解全篇的意思。同

样,一首乐曲,演奏者只有懂得了每个乐句的含义,才能领悟全曲的含义,分清了乐句,就能体会到各句之间的关系。下面我们就简单地分析一下怎样划分乐句。 第一,也是最重要的,就是对作品要反复认真地体味、感受,从心理上接纳每一个音和每一个句子,了解每一个音和每一个句子所要表达的意思。培养这种良好的音乐感受力是正确划分乐句最可靠的途径。这一点在歌曲中是比较容易理解的。特别是那种结构方整性的歌曲,比如四句歌词对应着的四个乐句,句与句之间都有明显的呼吸。而器乐曲中乐句也有的类似歌曲,分句比较清楚,容易理解,但有的就不那么一目了然了,这就是“器乐化”的乐句。但无论如何,所有旋律实际存在着乐句的构成。我们若细心研究分析,从作品创作的时代背景到作品创作的风格特征,从作曲家的创作特征到作者的创作原因,再加上反复的聆听感悟,做到了这些再去理解乐曲便不再是难事了,这是正确划分乐句的第一步。 第二,与的句子不同,一个乐句有多种的划分方案是完全可能的,而且这几种方案都有其道理,可以说是成立的。但客观地说,它们之中只会有一种是最能令听众满意的方案。这个时候就要演奏者细心比较这几种划分法,用心体会它们的细微差异,才能选择出在听觉和感觉上最满意的一种。 第三,要特别注意远距离的音以及顿音、跳音、被休止

大提琴

大提琴 大提琴是近代管弦乐队中必不可少的次中音或低音弦乐器。在管弦乐曲中大提琴声部经常演奏旋律性很强的乐句,也与低音提琴共同担负和声的低音声部。它是甚为人们喜爱的独奏乐器。作为独奏乐器来说,它的地位仅次于钢琴与小提琴。 大提琴是由古代的膝琴演变而来的,自16世纪以来即流行于世,但在很长一段时间内乐器的大小一直未能固定下来。经过许多年的实践与改革才算告一段落。现代大提琴高约48英寸,具有深厚动人的音色。 大提琴四根弦的音高比中提琴低八度(C—G—d—a),乐谱通常用低音谱表,在较高音区有时用中音谱表。它的奏法与中、小提琴不同,是夹在两腿之间演奏。大提琴的第一根a 弦发音华丽有力,富于歌唱性,第二根d弦,音色较朦胧,第三、四弦(G、C)低沉响亮,能够承受乐队的非常沉重的音响。它的发音原理虽然与中、小提琴相同,但其手指的把位在低音区与小提琴迥然不同,在高音区时能用姆指把位演奏。至于演奏技巧,由于它在琴身大小、琴弦排列与琴弦长短等方面与小提琴均不相同,因而各有难易。 自17世纪大提琴家多曼尼科?加布里埃利写了第一首大提琴独奏曲以来,陆续有人为大提琴创作乐曲。18世纪时,维瓦尔第、塔尔蒂尼和莱奥等作曲家模仿小提琴协奏曲为大提琴写了不少协奏曲,后在英国、奥地利与法国等地相继出现意大利风格的大提琴协奏曲及其他乐曲。 至于18、19世纪的古典主义与浪漫主义作曲大师们,如海顿、莫扎特、贝多芬、舒伯特、舒曼、德沃夏克及柴科夫斯基等写了大量大提琴独奏曲、协奏曲与有大提琴声部的室内乐,使这一乐器的性能与技巧得到充分的发展与发挥。其中最常演奏的有巴赫的六首大提琴组曲、博克尼尼协奏曲、海顿的D大调与C大调协奏曲、勃拉姆斯为小提琴与大提琴谱写的a小调协奏曲、舒曼的协奏曲、德沃夏克的协奏曲、柴可夫斯基的《罗可可主题变奏曲》、圣桑的协奏曲等。 其他如拉洛、埃尔加、柯达伊、兴德米特等近、现代作曲家亦写了许多优秀的大提琴乐曲,深受人们的喜爱。

大提琴演奏特点分析

龙源期刊网 https://www.360docs.net/doc/2b9452379.html, 大提琴演奏特点分析 作者:李彤 来源:《大东方》2016年第06期 摘要:本文围绕大提琴演奏特点展开论述,先后解读了弓法对音色的影响、右手持弓的 方法、训练对音乐的预先感觉等几个方面的问题。一纸管窥,个人见解,希望对大家有所裨益。 关键词:大提琴;演奏;弓法;持弓;训练 一、弓法对音色的影响 演奏音乐,重在表现音乐艺术的灵魂,这需要演奏者和音乐合二为一,而体现这一效果的重要技巧是掌握拉奏的方法。所谓弓法,简单的讲就是拉奏的方法。当我们为作品选择弓法时,由于每个人对作品内容及风格的理解不同,会出现各种不同的观点。所以弦乐器的弓法不是绝对唯一的。但是我们所选定的弓法,应该是最能准确地表达音乐内容,而又最简便、最顺手、最习惯的弓法。因此,要想选定较科学的弓法,我们首先要熟练掌握以下几种基本弓法的演奏方法。 1.分弓 分弓应该是我们最早接触到的,一弓一个音的弓法叫分弓。演奏分弓时弓子要紧紧贴弦,上弓和下弓要做到平衡,每个弓段都应如此。虽然演奏这种弓法时整个下臂很结实,但我们还是应尽可能避免僵硬和紧张的感觉。通常,演奏较强音我们用弓根开始,演奏较轻巧或弱音要用弓尖部分。因为弓根较笨拙,不能演奏得太快,所以我们用中弓演奏较快的部分。 2.连弓 一弓内出现两个或两个以上的音叫连弓。连弓可以把较长或较短时值的音符连在一起。连弓和分弓比较,首先是音量上有差别,同样的时值,同样数量的音符,用连弓演奏,比用分弓演奏要弱。连弓最容易出现的问题就是“不连”。有的学生在左手换指或串把时,无形中影响了运弓。右手运弓要积极,在没有特殊标记的情况下,不要有任何停顿。连弓应具有流畅、平稳、抒情、悠扬等性质,例如大提琴曲《天鹅》就要求我们演奏出这样的特点。 3.顿弓 顿弓分为分顿弓和连顿弓两种。 分顿弓是音与音之间要有很短暂的休止的一种弓法。顿弓是由分弓发展而来的,弓子不能离开琴弦,在运弓的瞬间使各音之间断开。顿弓比分弓断的效果更加明显,声音也更干净。

音色在大提琴演奏中的意义及表现技巧

音色在大提琴演奏中的意义及表现技巧 作为音乐构成的主要元素,音色对于乐器演奏的效果有着显著的影响,不同乐器的音色存在明显差别。大提琴属于弓弦类乐器,其音域偏低,音色浑厚而又纯净,在演奏的过程中,想要将其音色的魅力充分表现出来,演奏者必须掌握娴熟的技巧,对弓与弦的接触点及弓速进行有效的控制,以此获得稳定且优美的音色。 一、大提琴演奏中的音色概述 不同种类乐器的音色存在差异且各有特色,这种差异是因泛音的不同造就的,多种泛音组合形成的频率构成了丰富多彩的音色。音色主要由波形、共振峰及声波起振三项要素构成,乐器演奏就是此三者相互递进和叠加关系的总和。在声音形成的过程中,首先由振动形成声波,振动包含起振、内部变化及衰减三个环节,不同时间段形成的声波表现出明显的差异性,因而形成了各有特色的音色。 (一)大提琴音色在演奏中的作用分析 对于乐器演奏者而言,乐器是其抒发内心情感的重要工具,就像笔之于作家。大提琴是一种比较广为人知的弦乐器,其音色庄重浑厚,在乐曲演奏中通常负责旋律性较强的部分及和声和低音部分,这使得其能够表达出各式各样的情感。想要将一首曲子的情感充分表达出来,需要使用到不同节奏的低音或是高音,因此,正确发出音色就成了大提琴演奏的关键点。只有准确把握音色,才能将大提琴这种乐器的优势充分发挥出来,构造出具有诗意的情境。 一个大提琴演奏者的演奏水平很大程度上要看其音色的表现效果,不仅要美妙动听,而且要蕴含真挚的情感。音色本质上代表的是声音的感觉特性,这是一种很难用语言准确描述的概念。发声体内部构造、体积大小、材质构成等因素的差异均会使其发出不同的音色。以人类个体为例,不同人的嗓音特色也不同,表现出甜美、温润、细腻、低沉等多种不同的质感,此处所说的嗓音泛指的就是音色。人类

大提琴独奏

大提琴独奏:Julian Lloyd Webber 钢琴伴奏:John Lenehan, Pam Chowhan, Richard Rodney Bennett 录音时间:1993.10 录音地点:伦敦亨利·伍德音乐厅 压缩比率:320 kbps (新增APE 无损压缩格式,分轨压制) 专辑介绍: 此专辑是朱利安·劳埃德·韦伯(Julian Lloyd Webber,即著名的音乐剧作曲家安德烈·劳埃德·韦伯的弟弟)为自己的儿子大卫出生(1992.4.25)而录制的一张大提琴摇篮曲专辑。其中包括朱利安自己创作的小品(第一轨),舒曼的《梦幻曲》、舒伯特、德沃夏克、斯科特、勃拉姆斯等作曲家的摇篮曲等。专辑充满了演奏家对于自己孩子的殷殷深情与博大父爱。专辑中的曲目不仅可以作为平时疏解心理压力的曲目,更可以作为孩子晚上入眠前的助眠功能音乐使用。本人作为大提琴专业出身,同时又是一个可爱孩子的父亲 专辑曲目: 01. Song for Baba 02. Kinderszenen, Op.15: No.7 Traumerei 03. Wiegenlied, D.498 04. Cancion de cuna para dormir a un negrito (Cradle Song) 05. Shepherd's Lullaby 06. Wiegenlied 07. Gipsy Melodies, Op.55 No.4: Songs My Mother Taught Me 08. Dream Sequence: a. Baby Let Me Take You Dreaming, b. Sleepyhead, c. Welcome To My Dream 09. Slumber Song 10. Lullaby, Op.57 No. 2 11. Slumber Song 12. Where Go The Boats 13. Chants d'Auvergne: Brezairola 14. A Little Song 15. Alice 16. Histoire de Babar le petit elephant: Lent at melancolique 17. Gentle Dreams 18. Mary's Lullaby 19. Dolly Suite: Berceuse 20. Wiegenlied, Op. 49 No. 4 21. Nursery Suite: Rock-a-bye, Baby/ Rocking Carol/ Golden Slumbers

音乐课欣赏大提琴《天鹅》教案

卡米尔·圣-桑是十九世纪法国著名音乐家和民族乐派杰出的代表人物。 这首我们熟悉并为之感动的优雅、温柔的大提琴曲,它出自圣桑的管弦乐《动物狂欢节》第十三首。 圣桑采用了以两架钢琴为大提琴伴奏的演奏形式,这首乐曲是G大调,全曲分三部分。这是整个组曲中唯一的一首抒情乐曲,后来成为大提琴独奏名曲。钢琴表示清澈的湖水,大提琴优美迷人的旋律,描写天鹅高贵优雅的神情。 它不仅是一首大家所熟悉的脍灸入口的名曲,也是作者在这部作品中唯一允许在他生前叫人演出的乐曲,被视作圣桑的代表作品,这首大提琴曲被改编成各种乐器的独奏曲,甚至被改编为芭蕾舞《天鹅之死》。 该曲是由G大调、6/4拍子、由单主题发展而成的三部曲式。 乐曲一开始,钢琴以清澈的和弦、清晰而简洁地奏出犹如水波荡漾的引子,在此背景上,大提琴奏出旋律优美的主题,描绘了天鹅以高贵优雅的神情,安详浮游的情景。 中间部分由第一部分主题固定发展而成,犹如对天鹅优雅而端庄型象的歌颂,把人带入一种纯洁崇高的境界。 第三部分,钢琴以优美的琴音表现出天鹅游荡于水面时,水面波动、天鹅高雅悠闲。全曲在最弱奏中逐渐消失。 在这乐曲里,如果大提琴代表了天鹅,钢琴就是那波光粼粼的湖水,美丽的天鹅公主在湖水里载沉载浮,期待着王子的到来。 在西方,有一种传说,天鹅临死之前,必唱一首动人的歌,这首曲子也有这种意境。它让我常常想起英国诗人、著名的意象派大师弗林特的名作《天鹅》,其中的两句——“天鹅游入我忧伤的漆黑深处,衔着一朵白玫瑰般的火焰。”这是一种印象深刻的、难忘的忧伤。弗林特《天鹅》在百合花的荫影下,在金雀花和紫丁香倾泻在水面的金色、蓝色和紫色下,鱼影颤动。在又绿又冷的草叶上,天鹅的脖子彷佛显出涟漪荡漾似的银色,天鹅嘴里彷佛是暗淡的铜色,朝着黝黑的水深处,在那一座座拱门下,天鹅缓慢地游动。天鹅游入那座黑色的拱廊,天鹅游入我忧伤的漆黑深处,衔着一朵白玫瑰般的火焰。 领悟教材 把握重点 1、教学内容及教材分析:本课共三首描写天鹅的乐曲。第一首:选自人教版教材第七册第三课,由法国作曲家圣—桑作曲的大提琴独奏《天鹅》;第二首是大家都很熟悉的《四小天鹅舞曲》;第三首是芭蕾舞剧《天鹅湖》的场景音乐《天鹅》。重点欣赏第一首。这是管弦乐组曲《动物狂欢节》中流传最广的一首乐曲,描绘了洁白高雅的天鹅在碧波涟涟的湖面上悠然漫游的优美形象。用两架钢琴伴奏表现清澈明丽、波光粼粼的湖面。 2、教学目标:通过三首“天鹅”音乐的欣赏,启发学生联系自己的生活经验和已有的音乐知识来感受同一主题却不同性格、形象、意境的三首乐曲,提升音乐审美情趣,让学生在感受美的基础上创造美,从而获得感受与鉴赏、表演、创造及交流合作的能力。 3、教学重点:调动多种感官感受、理解大提琴独奏曲《天鹅》的情绪和意境。 4、教学难点:用各种艺术表现形式表达自己对《天鹅》音乐的独特感受与见解。 5、教学准备:多媒体课件、大提琴、天鹅头饰若干、水彩笔、画画纸、检测表格四张。 二、精选教法 让学生想学 高尔基说过:“在听赏音乐时得用自己的经验、印象和知识去补充……”“兴趣是最好的老师。”教育心理学认为:学习者能同时开放多个感知通道,比只开放一个感知通道(如听)能更准确有效地掌握学习对象。为了实现本堂课的教学目标,我采用了“借助动觉,展示听觉体验”的方法。动包含了:动口回答问题、动脑想像意境形象、动体态模仿天鹅舞、动手描出天鹅画,最终使学生动情(表现在上课的兴趣及对天鹅乐曲的喜爱),这是使学生从感知音乐到理解音乐、创造音乐的手段。因此,本堂课我精选了以下教学方法: 1、把生活融入课堂,激发感受与鉴赏的兴趣。 2、多渠道调动学生的多个感知通道参与运用于整个教学过程,使学生主动参与音乐教学,并获得独特感受与见解。 具体教法有:演示法、谈话法、讲授法、讨论法、律动法、描述法、绘画法共七种。 三、暗授学法 让学生会学 根据小学生年龄小、注意力集中时间短、好动、愿意表现自我的心理特征,我设计了以下学法: 1、用听、想、看、说、动等多种形式体验音乐,交流互动,升华情感。 2、用画、舞、颂等艺术表现形式表达各自对《天鹅》的独特感受与见解。 这些方法能使学生的心理得到满足,同时各显其能:能画的画一幅《天鹅》画,能舞的跳一段《天鹅》舞,能写的写一首《天鹅》颂,并能使学生扬长避短,充分表达自己对音乐的感受。

大提琴

大提琴 一、导入 播放大提琴独奏曲《海顿主题变奏曲》,使学生进入一个提琴音乐的氛围,欣赏两分钟。 提问:同学们听完这段大提琴演奏曲后,有什么感受?大提琴的音色特点有哪些? 同学们回答后进行总结:大提琴的音色悠扬,琴弦的音色含情,旋律动人。特别人性和自然,能较好地反映人的情感。 大提琴的四根琴弦,具有四种特点。第一根琴弦a弦,发音华丽,富于歌唱性;第二根弦d弦,音色朦胧;第三、第四根弦,G弦C音色低沉响亮。因此,大提琴是近代管弦乐队不可少的次中音和低音乐器。 二、欣赏分析大提琴的构造和造型 利用电脑和大屏幕,欣赏大提琴的造型。让学生自由讨论后回答大提琴的特点有哪些?学生回答后总结: (1)造型华丽高贵,大方适度,色彩漂亮雅致。 (2)具有优美的曲线和弧面,造型显得柔美。 (3)有粗细的直线,直线的琴杆和琴弦,使提琴的造型柔中有刚。 (4)大提琴的比例感很适当,点、线、面均衡,显得造型完美,素有乐器中 的美男子之称。 三、解构艺术造型的特点 所谓的解构艺术造型,就是打破原有的形状和形体,然后重新组合,构成新的形状和形体。例如:1994年中国北京举行一个盛大的文艺晚会,中央电

视台实况转播,其中一个国外的美术大师现场表演艺术创作,其特点就是打破陈规,不受原有形象的束缚,重新组合形成新的形象。这种造型手法,具有很大的不可预测性,可以产生偶然性和新奇感。 进行解构艺术造型训练,可以启发智慧,激发人的潜能,使艺术的思维更加活跃,使受训练的学生思想解放和更加敏捷,会对日常生活中的艺术形式有更多的发现和创意。 四、利用电脑展示解构艺术造型的作品 1.利用大提琴的造型,进行分解构成。 图:《提琴时代》《花的旋律》 2.利用圆号的造型,进行分解构成。 图《圆号新形象》《提琴与圆号》 3.利用蝴蝶的造型,进行分解构成。 图:《蝴蝶新组合造型》 4.利用鱼的造型,进行分解构成。 图:《多条鱼组合构成》 5.利用大提琴、圆号、蝴蝶、鱼的造型进行综合分解构成。 图:《自然交响乐》《圆号梦想曲》《一起为鱼儿伴奏》《大提琴时代的士高》 课堂练习

大提琴独奏曲《天鹅》

小学音乐课教学设计 大提琴独奏曲《天鹅》教学设计 清新县第二小学郑少金 教学内容: 西南师范大学版六年级上册音乐第五单元欣赏大提琴独奏曲《天鹅》 教学目标: 初步了解大提琴的形状,演奏姿势和方法,熟悉大提琴的音色和表现特点。初步了解作曲家的创作意图,懂得大提琴独奏曲《天鹅》所表达的意境,以及曲中旋律、速度、力度、音色等表现特征,并能乐于创造性地用形象语言去表达音乐的感受。 教材分析: 《动物狂欢节》组曲共十四段,由十三首标题小曲和终曲组成。在《动物狂欢节》中,作者圣-桑以生动的手法,描写动物们在热闹的节日气氛行列中,各种滑稽有趣的情形。《天鹅》是法国作曲家圣-桑所作的管弦乐曲中流传最广的一首乐曲,由大提琴家演奏,两架钢琴伴奏。展现了清澈明丽、波光粼粼的湖面。乐曲充满了浓郁的诗情画意。乐曲为3/4拍,行板速度,采用三段体结构。作者以安娴、幽静略带忧伤的音调,形象地刻画了“天鹅”纯真的情感和高雅的姿态。 教学重难点: 运用已掌握的音乐知识(旋律、速度、力度、音色等)来感受乐曲的形象和意境,并创造性地用形象语言去表达音乐的感受。 教学准备: 钢琴、多媒体课件等。 教学过程: 一、森林舞会---聆听《天鹅》引子部分 1、师:今天的森林里特别热闹,一大早小动物们就开始忙碌起来了,哦,原来是要举行一场舞会。你听是在什么地方举行这场舞会呢? 2、教师用钢琴弹奏乐曲的引子部分。 3、指名回答:从音乐里你听出是哪个地方举行舞会?音乐形象地描绘了湖面怎样的景象? 4、师:你能用你的手臂来表示这波光粼粼的湖面吗?(请学生用左手手臂律动来表示湖

面的水波) 【设计意图:《天鹅》是一首非常短小却又优美的乐曲,作品描绘了一个特定的背景—--波光粼粼的湖面。抓住这一要点,我以一场森林舞会为主线展开教学,通过创设情景从学生的兴趣入手,引导学生主动学习。乐曲的引子部分是用钢琴模仿波光粼粼的湖面,所以从一开始我就注重给学生一个“画面感”:从波光粼粼的湖面切入,立足于感受音乐优雅的气质,令学生运用有创造性的形象语言去表达对音乐的理解。】 二、天鹅之舞----聆听《天鹅》第一部分 1、师:一位森林里公认的舞蹈家来湖面表演舞蹈,让我们一起静静地欣赏它的舞姿吧。(完整聆听全曲) 2、指名回答:这波光粼粼的湖面吸引了谁来跳舞? 3、师:原来,是森林的舞蹈家天鹅被吸引来了。 4、师:你觉得这是怎样的一只天鹅?你能学一学这高贵优雅的天鹅吗?(请学生学一学天鹅的姿态) 5、师:天鹅展开它优美的翅膀开始跳舞了,你觉得它是怎样舞蹈的?(聆听第一乐段) 6、师:让我们用右手手臂也来学一学天鹅的舞蹈。 7、随音乐用手指把天鹅的舞姿来画一画。(和学生一起画图形谱) 8、师:天鹅完全陶醉在自己的舞姿里了,让我们用“m”哼唱,一起为天鹅的舞姿伴奏。 9、师:湖面的伴奏音乐始终还在吗?请你用左手手臂表示波光粼粼的湖面,右手手臂表示这只跳着优雅舞姿的天鹅,随着音乐一起律动。 【设计意图:乐曲的第一段音乐细腻柔美,层次感教强。通过律动、图形谱、哼唱主题等方法引导学生感受音乐,把学生带入优美的意境。】 四、变化舞姿----聆听《天鹅》的第二部分 1、师:接下来,音乐发生了变化,天鹅的舞姿也发生了变化。你看,芭蕾舞演员也学着天鹅的舞姿跳起了舞蹈。(聆听《天鹅》的第二乐段,观看第二乐段的视频) 2、师:天鹅的舞姿起了哪些变化?(更舒展优美……) 3、师:舞蹈演员是怎样用手臂模仿天鹅的舞姿的?让我们一起学一学。(一起学一学天鹅的舞姿) 4、请女孩子扮演天鹅,男孩子扮演天鹅身边的湖水,随音乐律动。 【设计意图:乐曲的第二乐段运用了模仿手法,情绪显得比较活泼和激动,请男、女生

大提琴演奏的一些基本知识

大提琴演奏的一些基本知识 大提琴演奏介绍:大提琴主要用低音谱号记谱,在演奏高音区时,亦可用中音谱号或高音谱号记谱。 大提琴演奏音域(独奏音域) 大提琴演奏常用音域(合奏音域) 大提琴演奏空弦与把位 大提琴演奏空弦排列同中提琴一样,但记谱与发音比中提琴低八度。例: 大提琴每一根弦,均可采用不同的把位而奏出完整的音列。 由于大提琴的琴弦较长,在演奏低音区 ,时,指距较宽,一个把位只包括三度音程(大三度或小三度)内的三个音。在演奏再高的音区时,演奏者可加用大拇指按弦。 4.大提琴演奏各种改变音色方法同小提琴(请参照小提琴)。

5.大提琴拨弦速度不宜超过一=104的连续十六分音符。拨弦的有效音域为: 演奏技巧 1、大提琴演奏可自如演奏音阶,在 的音域内,可自如地演奏半音阶,并能自如地演奏各种音程的跳动和装饰音,在一根弦上,可拉奏滑音。 2.在速度不太快时,大提琴可演奏双音。较容易演奏的双音有:八度、纯四度、增四度、纯五度。可以演奏的双音有:大、小六度。在速度较慢时可以奏出的双音有:大、小三度,但较困难。 其它音程的双音很少使用(或无法奏出)。 3.在速度不快(并尽量运用空弦)的情况下,大提琴可演奏三音和四音组成的和弦。下列为可演奏的和弦:

4、大提琴演奏各种改变音色方法同小提琴(请参照小提琴)。 5、大提琴拨弦速度不宜超过d=104的连续十六音符。拨弦的有效音域为:

6.大提琴演奏可运用大指按弦,四指触弦的方法,自如地奏出人工泛音。其记谱方法同小提琴。 7.大提琴演奏可单独使用某一根弦演奏。一般地讲,两根外弦(第一、四弦)的发音更响亮,演奏也更方便些。

相关文档
最新文档