绘画的结构观念

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中国当代绘画中解构主义的运用

中国当代绘画主要反映在当代社会、生活以及各种关系下的实践活动中所产生的观念、情感、触动等，当代绘画语言及表达状态受当代社会现状的深刻影响，同时解构主义具有开放性和无终止性，其具有的哲学思想在当代绘画中的运用，能更好地体现和表达当代绘画思想。

中国当代绘画通过对解构主义的运用，利用不同时期、不同形式的中国元素，对当代绘画进行解构创新。

本文就中国当代绘画中解构主义的运用进行了分析和探讨。

一、解构主义概述解构主义是人类发展过程中，对新的艺术形式不断探索，通过不断的实践而生成的，并在创作过程中，使强加于公众的预定秩序中的必然性逻辑得以突破。

解构主义通过重新拆分和组合等形式进行创作，并具有多样性，利用图像构成、层次变化增减等手法及构图方式对现存的规划进行颠覆。

同时，通过解构主义二元对立的分析方法可以看出，解构主义具有反二元对抗、反权威、反中心、反非对即错理论的特点。

因此，解构主义对当代绘画具有指导意义，通过强调推理、变化、随机的统一，对原有限制进行分解和重新定义，将传统的对立形式转变为两者并列或叠合，对现有的绘画模式进行一定的颠覆，令绘画作品给人耳目一新的感觉。

另外，解构主义在保持了当代绘画多样性的同时，充分发挥解体和建构的双重意义，对当代绘画进行解构、创新。

二、中国当代绘画中解构主义的运用（一）绘画语言中国当代绘画经历了模仿、创造的发展历程，从简单向多样化发展，逐渐有了自己的特点，并受到各界关注。

当代绘画主要是对当代问题进行反映，如性别、环境、宗教、种族等问题，艺术家用绘画的方式，对当下的多样化问题进行反映或宣泄，或引起外界关注等。

当代绘画作品形式丰富，利用艺术特有的语言方式或符号体系，艺术家可对自己的思想和情感进行充分表达。

其中绘画语言可分为题材选择和技术性语言，如构图、线条、色彩、透视、明暗、肌理、结构、笔触等。

艺术家通过应用这两个层次的语言，在绘画作品中对自己的思想和情感进行无意或有意、隐晦或直白的表达。

浅谈风格学的发展以及对绘画中五对概念的思考

浅谈风格学的发展以及对绘画中五对概念的思考风格学是艺术理论中的一个重要分支，它研究的是艺术作品中的风格特征及其演变和发展。

风格学的发展经历了一个漫长的历史过程，从最早的形式主义到后来的结构主义，再到现代的视觉文化研究，风格学在不同的历史时期有不同的研究方法和理论观点。

在早期的风格学中，主要关注的是作品的外观和形式特征。

印象派画家们以捕捉瞬间光影的效果为特点，画面中的线条和色彩强调了对自然的感受和直觉。

而立体主义则追求几何形状和立体空间的表现，画面中的线条和平面间的关系成为了其独特的风格。

随着时间的推移和理论的发展，风格学开始转向对作品内在结构和符号意义的研究。

结构主义强调作品的内部结构和元素之间的关系，以及在这些关系中所蕴含的意义。

毕加索的立体主义作品中，作品的组织方式和构图结构体现了他对多个视角的同时表达和对物象的解构和再构。

而达利的超现实主义作品则通过变形和错位的形象表达了潜意识的思维和情感状态。

近年来，随着视觉文化研究的兴起，风格学开始关注作品与社会、历史、文化背景的关系。

它探讨了作品的生成背景以及作品与观众之间的互动关系。

波普艺术强调消费文化和大众媒体对作品的影响，对商品和商标进行艺术化的再创作和解构，强调了作品与当代社会的互动关系。

在绘画中，有五个基本对概念，分别是形象与抽象、写实与非写实、具象与非具象、传统与现代、个性与风格。

这五对概念在绘画中充满了辩证关系和相互影响。

形象与抽象是绘画中的两个基本方向。

形象是对客观事物的直接表达和再现，强调对物象的真实和具体描绘。

而抽象则是对事物的简化和提炼，去除物象的细节和外在特征，强调对形式和结构的表达。

写实与非写实是绘画中的两种不同的表现手法。

写实强调对物象外貌和细节的准确描绘，将绘画视为一种客观再现的工具。

而非写实则追求对主观感受和想象的表达，通过图像的变形和夸张来表现作品的情感和内涵。

具象与非具象是绘画中的两种表现形式。

具象绘画是对客观事物的直接描绘和再现，画面中能够辨认出具体事物和形象。

创造与重生——浅谈绘画中的解构与重构

一、解构与重构画面的意义解构一词起始于现代主义运动中的解构主义，它涉及了哲学、语言学、美学等诸多方面。

在艺术领域中主要是指后现代主义的思维形态。

解构就是意味着突破原有的系统，打开其封闭的结构，排除其本原和中心，消除其二元对立。

另一方面意味着将瓦解后的系统的各种因素暴露于外，看看它隐含着什么，排除了什么，然后使原有因素与外在因素自由组合，使它们相互交换、相互重叠，从而产生一种无限可能性。

我们所熟悉的模仿再现的模式，即写实性绘画对现实自然结构的模仿，是他律的。

重构性的形式语言，其所遵循的创作观念是“形式自律”和“主观创造”。

它可以满足艺术家的创造欲望，充分释放艺术家的创造潜力，发挥艺术家的自主创造力，在作品中将自然形象解构，重新组织画面结构，建构一种非写实的全新的艺术形象，这对于艺术创作来讲有着十分重要的现实意义。

二、简化是重构画面的重要途径▲减法的过程在现实对象中所呈现的因素常常是多方面的，包括点、线、面、外形、光影、质感等，绘画写生中的解构就是对客观物象的简化与抽离。

其中简化是必然的方法手段，就是把物象复杂多样的外部形态组织在一个单纯统一的结构程序中，使自己要传达的意图用最明确的方式表现出来。

抽离，就是将隐含在对象中纯粹的形式结构因素抽取和分离出来。

这里的解构是要将形式元素从自然形态中抽离出来，用简化的方式加以表现。

其实，早在解构、重构的观念被提出之前，就早已出现类似解构与重构的形式。

比如中国的龙的形象就是将现实世界里的很多动物的形象进行解构删减，只将其寓意强势的、美好的部分重构在一起，这样全新的龙的形象便产生了。

中国龙的形象具备了鹿角、虎眼、狮鼻、牛耳、鹰爪，就这样新的和谐形象诞生了，并被赋予了超越现实非凡的意义。

当然，这是一种无意识的解构与重构。

在这里简单地讲，解构就是把原结构解体肢解还原成每个局部的基本原始单位，重构就是把原结构解体肢解还原成每个局部的基本原始单位重新组合，构成一个全新的、不同于以前的新物体结构。

画画最注重的事形体结构关系

画画最注重的事形体结构关系
在绘画活动中，对客观表现对象的认识和表现，是一个包含着对多种因素的分析和综合的复杂过程。

任何物体都具有一定的形状体积质量颜色纹理光泽以及其他眼睛可以感觉到的特征，其中，形状和体积是指物质占有空间的形态。

平时我们说苹果是球体，箱子是六面体，就是说的这些物体的空间存在形式。

绘画中的形体，就是对物体这种客观特征的把握。

各种形体都有自己内部的和外部的构成因素和结构关系，形体和形体之间也有一定的组合关系，这就是形体的结构。

在绘画中，同物质的其他视觉特征相比较，形体结构是最基本的要素尽管形体在画面上的体现经常是和其他造型因素的表现结合在一起的。

但是不论采用什么表现手段，线条也好，色彩也好，明暗调子也好，都应当正确表现出物象的形体结构。

在绘画造型的思维活动中，运用明确的形体结构观念去分析和综合物象，是一种符合绘画造型规律的科学方法，它使艺术形象建立在更加明确坚实的视觉效果的基础上。

对形体结构的认识和表现应当和对物体的自然结构的认识和表现统一起来。

形体结构的把握不能代替其他感性特征的表现，形体结构并不等同于完整的生动感人的艺术形象，但它却为这种形象的完成创造出可靠的基础。

绘画的八个原则

绘画的八个原则
1. 构图：构图是指在画面中安排元素的方式。

一个好的构图应该有明确的主题、吸引人的视觉焦点以及合理的元素分布。

2. 比例和透视：了解物体的比例关系和透视原理对于绘制准确的图像非常重要。

正确的比例和透视可以使画面更加真实和具有立体感。

3. 明暗对比：利用明暗对比可以营造出立体感和质感。

通过描绘光与影的关系，可以使物体看起来更加逼真。

4. 色彩搭配：选择合适的色彩可以增强画面的表现力。

了解色彩理论，如色轮、色彩搭配原则等，有助于创造出和谐、吸引人的色彩组合。

5. 线条质量：线条是绘画的基本元素之一。

通过控制线条的粗细、流畅度和轻重，可以传达出物体的形状、质感和动感。

6. 形式和构图：形式是指物体的形状和结构，而构图是指将形式组织在一起的方式。

观察和理解物体的形式，以及运用构图原则，可以使画面更具吸引力。

7. 个性和风格：每个人的绘画都有独特的个性和风格。

发展自己的风格，表达个人观点和情感，是绘画的重要目标之一。

8. 练习和实践：绘画技巧的提高需要不断的练习和实践。

通过反复尝试、学习和反思，你可以不断提高自己的绘画能力。

浅谈中国传统绘画的造型观念

浅谈中国传统绘画的造型观念中国传统绘画是世界文化的珍品之一，源远流长，具有厚重的历史底蕴和独到的美学魅力。

而在中国传统绘画当中，造型观念是其重要的组成部分之一。

通过对中国传统绘画中的造型观念的解析，可以更好地理解其独特的美学风格。

一、造型观念的基本内涵中国传统绘画的造型观念是一种综合性的观念，包括形象魅力、结构水平、空间造型、动态感受等多个方面。

其中最突出的是形象魅力和结构水平，这两个方面是中国传统绘画中最为重要的造型观念。

1、形象魅力。

形象魅力指的是一幅画的主要表现形象所具有的吸引力，它是造型观念中最基本的部分。

在中国传统绘画中，形象魅力常常表现为形象的性格特征、气质特点和情感表达等方面。

这些特点通过造型手法得以表现，从而引起观者的感情共鸣，使得画面更加富有魅力。

2、结构水平。

结构水平指的是绘画作品中线条和色彩的组织结构，它是造型观念中最为重要的方面之一。

在中国传统绘画中，结构水平通过阴阳对比、大小对比、明暗对比等手法之间的组合实现。

这种结构水平使得绘画作品的整体构成更加和谐，具有一定的设计感，能够让观者获得更好的视觉体验。

二、造型观念的表现手法在表现造型观念的过程中，中国传统绘画注重通过图像的技巧和表现形式来实现。

其主要的表现手法包括线条质感、笔触特点、色彩魅力和墨色设计等。

1、线条质感。

在中国传统绘画中，线条的使用非常重要。

线条要具有一定的质感，反映出物体的纹理和质感特点。

在中国传统绘画中，用笔的力度和光线及方向的变化等手法来表现物体的质感和纹理，从而使画面更加生动、立体、写实并且艺术化。

2、笔触特点。

笔触特点是不同画家和不同学派之间的风格差异，也是造型观念中的重要方面之一。

笔触特点通过画师的笔法、线条的细腻程度、水墨的浓淡变化等来表现。

笔触的多样性、细腻和变化，在绘画作品中的表现是非常突出的。

3、色彩魅力。

中国传统绘画中的色彩非常丰富，往往通过色调的变化来表现不同的情感和氛围。

在表现色彩魅力时，画家往往通过颜色的运用，来表达不同的思想和情感。

美术原画知识点总结

美术原画知识点总结一、画面构图画面构图是绘画中最基本的技巧之一，它决定了画面的组织结构和整体效果。

画面构图的基本原则包括平衡、对称、节奏和比例等。

平衡是指画面中各个元素之间的平衡和协调，对称是指画面中元素的对称排列，节奏是指画面中元素之间的律动和韵律感，比例是指画面中各个元素之间的大小和比例关系。

一个好的画面构图可以使画面更加吸引人，更富有美感。

二、色彩运用色彩是绘画中最具有表现力的元素之一，它可以表达出作品的情感和氛围。

色彩的基本属性包括色调、明度和饱和度。

色调是指颜色的基本色系，如红、黄、蓝等，明度是指颜色的明暗程度，饱和度是指颜色的纯度和浓淡程度。

在绘画中，艺术家可以通过色彩的对比、运用冷暖色调和搭配不同的色彩来表现出作品所要表达的情感和意境，从而使作品更加生动和具有吸引力。

三、线条表现线条是绘画中最基本的元素之一，它可以表现出物体的形态和结构。

线条有很多种不同的表现方式，包括实线、虚线、粗细线、曲直线等。

在绘画中，艺术家可以通过线条的运用来表现出物体的轮廓、纹理和质感，从而使画面更加丰富和立体。

四、造型结构造型结构是绘画中最重要的技巧之一，它决定了画面中物体的形态和结构。

造型结构的基本要素包括透视、比例和构图。

透视是指在绘画中通过线条和色彩的运用表现出物体的真实空间感和距离感，比例是指在绘画中表现出物体的大小和比例关系，构图是指在绘画中组织和安排物体的位置和形态。

一个好的造型结构可以使画面更加有立体感和逼真感。

五、表现手法表现手法是绘画中最具有个性和特色的部分，它决定了作品的风格和特点。

表现手法包括写实主义、抽象表现主义、印象主义等。

每一种表现手法都有其独特的特点和魅力，艺术家可以根据自己的审美观念和情感倾向选择适合自己的表现手法来表现作品。

六、题材和主题题材和主题是绘画作品中的灵魂和内核，它决定了作品的文化背景和情感内涵。

绘画作品的题材包括人物、风景、静物等，主题包括爱情、自然、生活等。

美术构知识点

美术构知识点美术构是指绘画中的构图技巧，通过艺术家对形状、空间、比例、色彩和线条的处理，以及对物体之间关系的表达，来创造出美感和视觉效果。

在绘画中，构图是至关重要的，它不仅可以决定作品的整体形象和品质，还可以引导观众的视线和情绪体验。

在本文中，将介绍一些关于美术构的重要知识点。

一、形状和空间形状是构图中的基本单位，可以是实体物体的外轮廓，也可以是抽象的图形。

艺术家利用形状的大小、形状的方位和形状之间的关系来创造出有趣和富有活力的构图。

例如，在画面中运用大型的形状可以引起强烈的视觉冲击，而小型的形状则能够传递出细腻和柔和的感觉。

同时，形状的方位也能够传递出不同的情绪和意义。

例如，向上的形状可以表达出力量和进步，而向下的形状则能够传递出压抑和沮丧的情感。

空间是构图中的另一个重要元素，通过创造出深度和透视感，艺术家可以将画面分为前景、中景和背景，从而营造出立体感和空间感。

在绘画中，使用透视原理可以使物体在画面中呈现出远近和大小的差异，从而创造出细致入微的空间效果。

对于后景的处理，可以使用模糊和色彩的变化来产生透视效果，使观众感受到远处的虚实关系。

二、比例和尺度比例和尺度是指在绘画中物体大小和相对关系的表达。

正确的比例和尺度能够使物体在画面中显得真实和具有说服力。

艺术家可以通过放大或缩小物体的尺寸，以及通过调整物体之间的距离和相对大小来创造出不同的视觉效果。

在绘画中一般使用正常比例，即与真实物体的大小相对应，但也可以运用夸张的比例来突出某种情感或意义。

三、色彩和光影色彩是构图中的重要组成部分，通过选择和组织不同的色彩，艺术家可以创造出丰富多彩的画面效果。

色彩可以传达出不同的情感和意义，如红色可以象征爱情和激情，蓝色可以象征冷静和宁静。

艺术家还可以通过对颜色的明暗、明度和饱和度的调整来营造出光影效果，使画面更加生动和立体。

四、线条和运动线条是构图中的另一个重要元素，可以用来划分画面，引导观众的视线和表达出运动的感觉。

结构素描知识讲解PPT课件精选全文

结构素描的起源相对较晚，它不同于明暗素描概念早在西方文艺复兴时期就已经基本确立，而是直到1919年德国包豪斯学校开创了结构素描教学，结构素描的理念才正式提出来，并且在教学的实践中日益显现出它的开拓性和重要性。但是这种素描方式，或者说是理解方式，引入我国已是上个世纪80年代，直到90年代才真正开始深入到学院素描的教学体系之中。
实训
1．练习画一幅有水果、罐、盘子组合的结构素描。尺寸要求：４开素描纸。 2．用结构素描的形式画一组蔬菜、罐和酒瓶的静物。尺寸要求：４开素描纸。
谢谢聆听
第二节建立正确的素描观念
画素描就要从理解开始，从结构造型起步。素描造型是绘画的起步，有了准确的形体，才会有色彩艺术，素描对于艺术设计、绘画创作是极其重要的，要有效的把握素描在专业学习中的地位，充分认识素描的本质及其在绘画和设计中的作用。。
1、画素描要建立“结构”观念
2、培养正确的观察方法
第一节：结构素描概述第二节：建立正确的素描观念第三节：静物结构画法步骤及注意事项第四节：作品赏析
第一节：结构素描概述
1、概念：结构素描是以：概括、简练的线条为基本语言，相对忽略明暗、光影变化及质感，着重研究对象造型、空间及内部结构的一种绘画方法。
2、起源：
明暗素描
4、结构素描的特点
结构素描主要表现物体的结构、透视、空间和物体内部结构，在亮面和暗面明暗交接线的部分，用线条强化结构，让人们感觉到亮面与暗面的转折，也增强了物体的立体感。
5、学习结构素描的目的
结构素描教学中，除了培养学生准确的描绘能力，结构的分析能力和塑造能力外，更重要的是培养眼（观察）、心（理解）、手（表现）的协调能力，通过素描认识自然，发现设计能力。逐步掌握准确表达自己设计意图的方法，对自己的设计构想、设计意象进行直观的形象表达。最终目的在于训练设计者用立体的思维去看待和理解设计对象。

绘画六大原则

绘画六大原则绘画六大原则：揭示绘画艺术的精髓与灵魂绘画，作为人类历史上最为古老的艺术形式之一，以其独特的方式展现了人类对美的追求和对世界的理解。

在绘画创作过程中，有六大原则被广泛认可并遵循，它们分别是：构思立意、构图布局、明暗对比、色彩运用、观察研究和艺术个性。

这六大原则不仅是绘画技艺的精髓，更是绘画艺术的灵魂。

一、构思立意构思立意是绘画创作的起点，它要求画家在创作前对作品的主题、内容和意义进行深入思考。

构思立意的好坏直接关系到作品的成败。

一个好的构思立意应该具有独特性、新颖性和深刻性，能够引起观众的共鸣和思考。

二、构图布局构图布局是绘画创作中的重要环节，它决定了画面的整体结构和视觉效果。

构图布局要遵循一定的规则和原则，如平衡、对比、节奏等。

画家需要通过巧妙的构图布局来引导观众的视线，突出主题，营造出独特的艺术氛围。

三、明暗对比明暗对比是绘画中表现立体感和空间感的重要手段。

通过运用明暗对比，画家可以塑造出物体的形态和质感，营造出丰富的光影效果。

明暗对比的运用需要恰到好处，既要突出主题，又要保持画面的和谐统一。

四、色彩运用色彩是绘画中最为直观和感性的元素，它能够直接触动观众的情感。

色彩运用要求画家对色彩有深入的理解和掌握，能够根据不同的主题和氛围选择合适的色彩。

同时，色彩运用也需要注重色彩的搭配和对比，以营造出丰富的视觉效果。

五、观察研究观察研究是绘画创作的基础，它要求画家具备敏锐的观察力和深入的研究精神。

画家需要通过观察研究来捕捉生活中的细节和美好瞬间，提炼出具有艺术价值的元素。

同时，观察研究也能够帮助画家更好地理解和表现自然和人物的特点和神韵。

六、艺术个性艺术个性是绘画创作中最为宝贵的品质，它体现了画家的独特风格和创造力。

每个画家都应该有自己独特的艺术个性和风格，这样才能在绘画领域中脱颖而出。

艺术个性的形成需要画家不断地探索和实践，积累丰富的艺术经验和技巧。

综上所述，绘画六大原则是绘画艺术的精髓和灵魂。

绘画中素描最重要的三个观念你有吗？

绘画中素描最重要的三个观念你有吗？?-整体观念：在作画时始终坚持整体地观察对象，这是头像写生训练中一个十分突出的问题。

因为在素描写生中没有任何孤立的东西，它是秩序、综合关系所形成的和谐整体。

培养整体观察的能力，做到写生时纵观全局，这必须经过长期严格的训练。

在作画的时候，如果我们看到什么画什么，不仅会使画面失去绘画中所必须遵守的主次虚实关系，而且会导致顾此失被，因小失大，造成形体比例上的错误。

有一句艺术格言“画鼻子时看耳朵”，因此实际写生时当然不可能各局部同时画，但看对象时应纵观全局，各个部分的关系以一次观察所见为标准，不能以数次观察、不同时间所见为标准。

如画头的基本形时，就必须同时注意它与颈部和肩部的关系。

在处理明暗调子时也是如此，有时把这分画得暗一点，目的足为了使另一部分提壳;减弱这一部分是为了突出那一部分，这些都足以整体关系为着眼点。

总而言之，由于我们描绘的对象是一个具有内在相互联系的不可分割的整体，不论是结构关系、比例关系、黑白关系、体面关系、面和线关系，都是相对存在，互相制约的，如果画时孤立片面地去对待，最终必定会失去画面的整体统一。

由此可见，整体观察，它不仅是一个观察和表现的方法问题，也是一个思维方式方法问题。

自古以来，有成就的画家，始终把整体关系放在首位，在整体关系基本正确的前提下，再求局部的精致变化。

画局部，看整体，反复交替，互相促进。

如果局部破坏了整体，画面就会出现混乱，然而仅有大关系，没有局部的深入刻画，整体便是空洞的。

整体的充实，足由局部精致表现来反映的，是互为因果，相辅相成的。

为了达到局—部与局部之间，以及局部与整体之间“比例关系”的准备，首先要从确定大关系人手，遵循整体—局部--整体的作画步骤，从大至小，由简人繁地逐步深入，同时要注意画面各局部之间的进展，始终保持相应的关系，才能进行有效的比较检验和调整。

柯罗曾经说“我从来不急于画细节，我首先注意一幅画的大体和特征.....”-立体观念：宇宙间的一切物体都是由它的高度、宽度和深度组合而成的，即三维空间。

绘画造型的结构和层次

绘画结构的造型和层次从世界绘画的两大体系来看，以中国画为代表的东方绘画和以油画为代表的西方绘画，各有自己的基本特征和历史传统，从而形成各自不同的表现形式与审美特点。

中国绘画具有悠久历史和优良传统。

从上古时期开始，到战国时代的帛画，汉代的画像砖与画像石，都已经具有很高的水平。

自魏晋南北朝以来，更是涌现出许许多多著名的画家和流派，具有各自鲜明的艺术特色和风格。

魏晋六朝时期出现了“六朝三杰”，即东晋的顾恺之、南朝宋的陆探微和梁的张僧繇三大家。

唐宋时期是中国绘画艺术达到高峰的时代，除原有的人物画外，山水画、花鸟画等都成为独立画科。

这个时期的人物画家，涌现出了被后世尊为“画圣”的吴道子以及擅长历史画与肖像画的阎立本等人。

这个时期的山水画家更是形成了不同的风格和流派。

如唐代李思训擅长青绿山水，王维擅长水墨山水；五代的荆浩、关同是以描绘中原地带实景为主的北方山水画派；董源、巨然是以描写江南景物特色为主的南方山水画派；北宋的李成、范宽多画雄奇壮阔的北方山水，南宋的马远、夏珪则追求以少胜多地画半边山或一角水等等。

西方绘画艺术也是源远流长，品种繁多，尤其是油画艺术更可以说是世界绘画艺术中最有影响的画种。

油画是西洋画的主要画种，它是用油质颜料在布、木板或厚纸板上画成，其特点是油画颜料色彩丰富鲜艳，能够充分表现物体的质感，使描绘对象显得逼真可信，具有很强的艺术表现力。

同时，油画颜料又有较强的覆盖力，易于修改，为画家提供了艺术创作的便利条件。

除油画外，版画也是一个重要的画种。

版画的特点是采用笔画和刀刻的方法，在不同材料的版面上进行刻画，然后印制出多份原作。

由于所用的版面材料和性质不同，版画可分为三大类，即木刻和麻胶版画的“凸版”类、铜版画等的“凹版”类、石版画的“平版”类等。

木刻和麻胶版画的“凸版”类是在木板或麻胶版上刻制而成；铜版画等“凹版”类，则是用酸性液体腐蚀铜版形成各种凹线，从而构成具有独特艺术效果的画面；石版画“平版”类，是在石印术基础上采用特殊药墨制成。

美术语言形体的概念

美术语言形体的概念
美术语言形体是指在美术创作中，用来表达和展示艺术作品形象、结构、比例、空间和质感等方面的视觉元素和形态特征的一种语言系统。

它是美术作品中视觉形式的组织和表现方式，是艺术家用来传达思想、表达情感和交流观念的重要手段。

形体可以指代作品的整体形状和外观，也可以指代作品中每一个元素的形态特征。

在美术语言中，形体着重强调作品的外在形象，包括几何形状、线条轮廓和整体结构。

而这些形态特征可以通过画面的构图、色彩、线条、纹理等来体现。

概念上，形体具有以下几个重要的方面：
●结构：指作品的整体构造和组织方式。

艺术家通过合理的结构安排，
使作品有序、和谐，产生稳定、统一的视觉效果。

●比例：指作品中各个元素之间的大小关系，以及与整体的比例关系。

艺术家通过合理的比例处理，使作品更加符合人眼的审美习惯，达到视觉上的平衡和协调。

●空间：指作品所呈现的三维空间感。

艺术家可以通过透视法、虚实对
比、光影效果等手法来创造或模拟真实的空间感，使观者有身临其境的感受。

●质感：指作品表现的材质感和触感。

艺术家可以通过绘画技巧或雕塑
工艺等来传递出物体的质地、纹理、光泽等特征，使观者能够感受到作品的真实与立体。

形体是艺术作品表达和传达内容的载体，它通过独特的造型语言，传递着艺术家的情感、思想和审美观念。

艺术家可以通过对形体的操控和创造，塑造出独特的艺术形象，创作出令人赞叹的艺术作品。

同时，观者也可以通过欣赏作品的
形体特征，感受到艺术作品所要传达的情感和思想内涵。

名词解释艺术作品的结构

名词解释艺术作品的结构艺术作品的结构对于理解和欣赏一件艺术品的美感和内涵至关重要。

它是艺术家表达自己想法和情感的基础，同时也是观众感受艺术品的窗口。

在这篇文章中，我们将探讨艺术作品的结构，并解释其在艺术创作中的重要性。

一、艺术作品的结构概述艺术作品的结构指的是艺术家在创作过程中设计的组织框架，包括元素、形式、组合和布局等方面。

它决定了作品整体的呈现方式和内在逻辑。

艺术作品的结构在不同艺术形式，例如绘画、雕塑、音乐和文学中表现方式各异。

二、绘画作品的结构在绘画中，作品的结构主要包括构图、颜色、形状和空间等要素。

构图是艺术家布置画面元素的方式，它可以决定观众的视觉焦点和视觉路径。

颜色、形状和空间则是通过色彩搭配、物体形态和透视来表达艺术家的意图和情感。

艺术家可以通过合理运用这些要素来构建作品的氛围和情感表达，引导观众进入作品的世界。

三、雕塑作品的结构在雕塑创作中，结构的重要性同样不可忽视。

雕塑作品的结构除了包括作品的整体形态外，还需要考虑作品的比例、重心和材料运用等因素。

艺术家可以通过雕塑作品的表面纹理和光影效果来增强作品的立体感，使观众能够更好地感受到作品的形态和质感。

四、音乐作品的结构音乐作品的结构可以分为整体结构和局部结构。

整体结构是指音乐作品中不同部分的组织方式，例如前奏、主题、转奏和尾声。

而局部结构则是指每个部分内部的构图方式，包括旋律、和声、节奏和动态等要素。

音乐作品的结构可以决定作品的动静变化和情感表达方式，让听众在音乐的律动中感受到旋律的起伏与和谐。

五、文学作品的结构在文学作品中，结构是指作品的叙述方式和组织结构。

它包括作品的起承转合、情节的展开和人物的塑造等方面。

艺术家可以通过选择不同的叙事视角、时间顺序和描写手法来呈现作品的独特结构，让读者能够更好地理解和感受作品中的故事和情感。

六、艺术作品结构的重要性艺术作品的结构对于观众的理解和欣赏至关重要。

合理的结构能够提供观众明确的信息和感受，引导观众正确地解读和理解作品。

设计七大构成理念

卡西米尔·马列维奇为代表的构成主义俄国画家。

(1878年2月11日-1935年5月15日) 受业于莫斯科绘画雕刻建筑学校。

早期作品寻求变形和稚拙的美，代表作《花姑娘》、《农民》采用印象主义画法。

1912年在驴尾巴展览会上陈列的《手足病医生在浴室》、《玩纸牌的人》，又具有立体主义和未来主义的特色。

还曾参与起草俄国未来主义艺术家宣言。

十月革命后参加左翼美术家联盟。

1930年以嫌疑犯被捕入狱，后获释。

著有《无物象的世界》。

至上主义艺术奠基人。

马列维奇曾经说过，“方的平面标志之至上主义的开始，它是一个新色彩的现实主义，一个无物象的创造……所谓至上主义，就是在绘画中的纯粹感情或感觉至高无上的意思。

”对马列维奇来说，一个方形本身就具有一种独特的表现性个性，一切具有自身表现性特点的要素统统要排除在绘画之外，构图的全部重点是不带任何感情因素的直角系统。

与具象图案和简单抽象相比，马列维奇倾向于选择最简单的形式，如方块。

他不断探索着形体、色彩与空间的关系，断言：“如果想成为真正的画家，那么画家必须抛弃主题与物象。

”1913年，马列维奇画出了著名的《白底上的黑色方块》，这是至上主义的第一件作品，标志着至上主义的诞生。

康定斯基为代表的抽象主义(1866年12月4日-1944年12月13日)瓦西里·康定斯基斯科学法律和政治经济学，1896年移居慕尼黑开始拜师学习绘画，作品参加过1906～1907年的巴黎秋季沙龙展览。

1909年发起建立新美术家协会并任该会主席，2年后又组织《青骑士》编辑部，而导致新美术家协会的分裂。

1917年回到俄国，十月革命后任莫斯科人民教育委员。

但因其艺术主张与苏维埃政策相抵触，1921年以接受德国魏玛包豪斯学院邀请为理由离开苏联。

1933年定居法国讷伊。

代表作：作品多采用印象主义技法，又受野兽主义影响，被认为是抽象主义的鼻祖，主要作品均采用音乐名称，诸如《乐曲》、《即兴曲》、《构图2号》等。

结构素描的认识和理解

结构素描的认识和理解
结构素描是一种通过绘画来表现物体形态和结构的艺术形式。

它的目的是捕捉物体的主要特征和本质，以便更好地理解和描绘它们。

结构素描要求艺术家以细致入微的观察和理解来呈现物体的形状、比例和构造。

在进行结构素描时，艺术家首先要观察物体的整体形状和轮廓线。

通过细致的观察，艺术家可以将物体的形状和结构分解为简单的几何形状，如圆形、方形、三角形等。

然后，艺术家通过绘制这些基本形状的比例和位置关系，来描绘物体的整体结构。

在进行结构素描时，艺术家需要注意物体的透视和光影效果。

透视是指物体在视觉上的缩小和变形，艺术家需要通过绘制线条和阴影来表现物体的远近和深度。

光影效果是指物体受到光照的影响而产生的明暗变化，艺术家需要通过绘制阴影和高光来表现物体的体积和质感。

结构素描要求艺术家具备良好的观察力和构图能力。

观察力是指艺术家对物体形态和结构的敏锐洞察力，艺术家需要通过细致入微的观察来捕捉物体的细节和特征。

构图能力是指艺术家对物体在画面中的布局和组合的能力，艺术家需要通过合理的构图来呈现物体的形状和结构。

结构素描是一种富有表现力和艺术性的艺术形式。

通过细致入微的
观察和精确的描绘，艺术家可以将物体的形态和结构完整地呈现在画布上，使观者能够更好地理解和欣赏物体的美。

结构素描不仅可以培养艺术家的观察力和绘画技巧，还可以增强观者对物体形态和结构的认识和理解。

通过学习和实践结构素描，艺术家可以提高自己的绘画水平，创作出更具艺术价值的作品。

绘画的本质规律

绘画的本质规律
绘画的本质规律可以归纳为以下几个方面：
1. 形式与结构：绘画是通过形式和结构来表达形象的艺术形式。

形式指绘画中使用的各种线条、色彩、符号等元素，而结构则是指这些元素如何组织在画面中。

形式和结构在绘画作品中的运用，能够构建出可读性强、视觉效果好的画面。

2. 色彩与光影：色彩是绘画中最直观的元素之一，能够传达出情感和氛围。

绘画中的光影处理也是重要的技巧，能够增强画面的立体感和表现力。

3. 比例与透视：绘画中准确的比例关系和透视效果可以让画面更加真实和立体。

良好的比例和透视能够使观者感受到画面中物体的距离和深度，增加艺术作品的空间感。

4. 表现与想象：绘画有两个基本方向，一是画观察到的客观事物，一是画艺术家的内心感受和想象。

艺术家通过表现自己的想法、情感和观察到的世界，使观者产生共鸣和思考。

5. 技巧与表达：绘画需要艺术家具备一定的技巧，如素描、色彩运用、层次处理等。

这些技巧对于准确传达艺术家的意图和表达观者的情感是至关重要的。

绘画的本质规律是多方面的，艺术家需要对这些规律进行深入的研究和理解，并运用到自己的创作中，才能创作出富有艺术性和表现力的作品。

论油画教学中绘画观念的培养

结构的认识，配合透视知识，改画出理想美的人体姿态）。第四
、Leabharlann 整体观念整体这一字眼几乎是每一个学习绘画的同学都要接触的词阶段是对人体结构熟记于心，并能默写出各种角度和透视状态的汇，什么是整体初学者会给你不同的回答如： “ 体就是到处都人体动态。在训练过程中可进行自问自答方式提醒自己注意人体整画”， “ 整体就是画面的大体效果 ” 。以上对整体肤浅的认识必的每一结构单元，人体结构在纸面上的转化则是对提问的回答，然会造成无细节感和不完整的画面问题，甚至滋生了不认真观察如画一幅站立的人体提问自己头、胸腔、骨盆的透视状态，肌ｌ＾Ｊ的习惯。如果初学者对整体的认识有偏差，那么怎样的认识才是的起止及各部位的比例等等。还要注意在不同大小的纸面上作练深刻的？关于画面中的整体效果是生动的，是有细节的、是有主习，以免由于画幅大小的变化而不能掌握人体的比例。在人体次的、是完整的、浑然一体的，也就是说整体效果是在画面中包结构学习中可参考以下几本书：《里曼人体结构绘画教学》［伯含着关键细节和视觉中心生动的画面效果。面面俱到会走上照片美］治・乔伯里曼著，《人体造型基础》沈兆荣编著，《体结人式的被动描摹，笼统的描绘产生不了绘画精品。整体这一字眼的构》浙江美术学院教材编写组编，《构人体一艺用人体解剖》解认识只有在绘画实践中才能感悟到它的真正含义。孙韬，叶南编著。但是，这种学习人体结构知识的弊端就是由于关于整体观念的培养首先应该要了解人眼局部观察的生理大量的练习、记忆和推理造成了对人体结构知识牢固的 “ 验图经特点，眼睛的生理特征特性是导致局部观察的直接原因。眼睛的式 ”，如果不及时激活、更新这些经验图式就会走上概念化的道特点就是在很短的时间有进行聚焦的功能，也就是说在一定的范路，在这种练习的同时要配合大量的人体写生把结构知识转化为围内它想看清楚那里就能聚焦到那里，眼睛的这一特点使没有训活生生的艺术形象。反之如果对人体结构没有深刻的理性认识，练过的初学者画面上容易出现凌乱的效果，这种观察习惯是油画人体写生也只能是被动的描摹自然而无法进入主动造型的绘画状学习中的最大障碍。２整体的体块关系没有建立就开始 “ ．死扣 ” 态。局部。如：头像写生中过分的关注瞳孔、鼻孔等。３过分的描画．三、明暗观念物体的轮廓线，物体暗部、亮部轮廓线虚实程度一样，内轮廓和初学者在观察物体的时候很容易看到物体的轮廓线，而对明外轮廓的虚实程度一样。４画面中几大部分明暗色度雷同或过分暗两大部分的界限视而不见，甚至画面中的物体几乎没有投影，．的去强调物体暗部反光和半调子结构的色度，造成画面花、脏、这种对物体轮廓线的过度敏感将不利于初学者对写实油画的入乱、灰的画面问题。在给初学者讲授整体观察方法似乎有点抽门，它是写实油画的一个巨大障碍。明与暗是我们学习写实油画象，甚至被误认为是笼统的、流于一般性的观察。其实，整体的必须认识的两个方面，它是写实油画的一个显著特征。在光 �

绘画构图

绘画构图构图的基本原则讲究的是：均衡与对称、对比和视点。

1、关于均衡与对称均衡与对称是构图的基础，主要作用是使画面具有稳定性。

均衡与对称本不是一个概念，但两者具有内在的同一性——稳定。

稳定感是人类在长期观察自然中形成的一种视觉习惯和审美观念。

因此，凡符合这种审美观念的造型艺术才能产生美感，违背这个原则的，看起来就不舒服。

均衡与对称都不是平均，它是一种合乎逻辑的比例关系。

平均虽是稳定的，但缺少变化，没有变化就没有美感，所以构图最忌讳的就是平均分配画面。

对称的稳定感特别强，对称能使画面有庄严，肃穆，和谐的感觉。

比如，我国古代的建筑就是对称的典范，但对称与均衡比较而言，均衡的变化比对称要大得多。

因此，对称虽是构图的重要原则，但在实际运用中机会比较少，运用多了就有千篇一律的感觉。

在构图中最讲究的是“品”字形和三七律。

品字形构图和三七律构图的方式常被人们称为黄金构图法，也有叫做为永衡的三角构图法，这些都是指均衡而言。

什么是“品”字形构图？就是在画面上同时出现三个物体的时候，不能把它们等距离放在一条线上，而应使其呈现三角形状，像个品字。

只要留意，这种三角在自然界中是无处不在的。

大山就是由无数的三角形构成，上下交错，井然有序，犹如一个巨大的品字状或三角形，具有强烈的排列韵味。

什么是“三七律”构图？就是画面的比例分配三七开。

若是竖画面，上面占三分，下面占七分，或上面占七分，下面占三分；若是横构图画面，右面占三分，左面占七分，或是右面占七分，左面占三分。

在中国画界中这种三七开构图的布局被称为是最佳的构图布局比例关系。

所谓最佳，并不是单一，或唯一，在特殊情况下，根据题材的需要，也是可以打破的，二八律或四六律也可以使用。

本来艺术就讲究的是有法而无定法。

总之，就是为了整个画面而考虑，去应用。

对于摄影师而言。

如能把均衡与对比运用自如了，也就算掌握了摄影构图的基本要领了。

2、关于对比对比的巧妙，不仅能增强艺术感染力，更能鲜明的反映和升华主题。