浅谈绘画艺术赏析鉴赏论文
绘画艺术论文的范文
绘画艺术论文的范文绘画艺术是视觉造型艺术中重要的表现方法之一，通过梳理绘画色彩史，对以后印象派绘画作品为例的绘画艺术进行以色彩为主的美学分析，从而概括色彩的美学属性，阐述色彩在绘画艺术中的审美意义。
下文是店铺为大家搜集整理的关于绘画艺术论文的范文的内容，欢迎大家阅读参考!绘画艺术论文的范文篇1浅论纳比派的绘画艺术一、纳比派的代表人物保罗·塞律西埃(paul serusier)是这个团体的理论家,他的绘画天赋远不如他的思辨能力。
在他的《绘画入门》小册子中,他阐述了自己的观点,绘画本质上是精神形象的主观集合。
因为它是心灵与精神真实对话的直接记录,没有依赖自然作中介。
莫尼斯·德尼(maurice denis)也是纳比派的理论家。
德尼认为,一幅画的首先得是一件装饰品,题材的选择不重要,以色彩的层次和线条的韵动和谐引发人的情感。
纳比派的创作原则是以德尼提出的“主观与客观双重调整”为指导思想的。
纳比派将理论付之实践并取得辉煌成果的是博纳尔和维亚尔。
皮埃尔·博纳尔(pierre bonnard)1867年生于巴黎郊区丰特奈-欧罗斯,1947年卒于法国坎内。
因受浮世绘影响很大,被称为“日本式的纳比人”。
博纳尔的代表作品有油画《逆光下的女裸体》、《乡间餐厅》、《化妆》,版画插图《达芙尼与克罗依》、《自然史》等。
博纳尔热衷于平面的色彩和富有装饰的造型,基于对生活的观察,融入自己的情感、经历及回忆,形成了自己独具魅力的艺术特点。
博纳尔身处印象派、野兽派和立体派之间,自然受到他们的影响,但在多色运用及革新上远远超过了印象派及野兽派。
他的绘画不是追随自然,而是在和自然平行地工作着。
在他的画中,每一个区域的不同倾向的色彩组成了有着各自一定视觉冲击力的“场”。
也就是说,不同明度、色相的的颜色被组织在一个平面之中,各自居于自己的色彩位置,色彩的强弱变化产生视觉的吸引与间隔现象,这些运动性的感觉是基于各个色彩给人带来的不同的心理感受。
中国古代绘画鉴赏论文
中国古代绘画鉴赏论文引言中国古代绘画作为中国文化的重要组成部分，具有深远的历史和独特的艺术风格。
古代绘画是中国文化的瑰宝之一，在描绘自然、人物和抒发情感方面表现出非凡的魅力。
本论文旨在对中国古代绘画进行鉴赏与分析，探索其艺术魅力和传承意义。
中国古代绘画的发展历程中国古代绘画起源于新石器时代，经历了长期的演变与发展。
从远古的遗址壁画，到商周青铜器上的图像，再到秦汉时期的壁画绘画，中国古代绘画逐渐形成了独特的艺术风格。
此后，唐宋时期的山水画达到高峰，明清时期的花鸟画、人物画、宫廷画等形式也相继兴起。
中国古代绘画的艺术特点中国古代绘画具有独特的艺术特点，其中包括：1. 重视意境：中国古代绘画注重意境的表达，通过细腻的笔墨、构图和色彩运用，以及与文学、音乐等其他艺术形式的结合，创造出深远的情感表达和哲学思考。
2. 追求笔墨技巧：绘画中的笔墨运用是中国古代绘画的重要特点之一。
中国画家注重笔墨的丰富变化和运用技巧，通过不同笔法、墨色等方式，刻画出栩栩如生的对象和氛围。
3. 重视传统文化的传承：中国古代绘画具有浓厚的传统文化氛围，画家们通过吸收前人的经验和智慧，不断传承和发展中国古代绘画的艺术技巧和风格，使其在历史长河中得以延续。
中国古代绘画的传承与发展中国古代绘画在传承和发展上经历了多个时期的转变。
近代以来，中国画坛出现了一批才华横溢的画家，他们在传统技法的基础上融入了现代元素，开创了新的艺术形式和风格。
同时，中国古代绘画也逐渐为国际艺术界所重视，并在世界范围内得到认可和推崇。
结论中国古代绘画作为中国文化的瑰宝，不仅展现了中国人民的审美追求和智慧，更是中国民族精神和文化认同的象征。
通过对中国古代绘画的鉴赏与分析，我们可以深刻领略到其中所蕴含的独特魅力和艺术价值。
同时，继承和发扬中国古代绘画的传统，具有重要的现实意义和历史意义。
中国古代绘画的艺术鉴赏是一项深入研究的领域，本论文只是对其进行了简要的介绍。
希望能够引起更多读者对中国古代绘画的兴趣，进一步深入了解和探索中国文化的无穷魅力。
美术鉴赏论文2000字(通用3篇)
美术鉴赏论文2000字(通用3篇)论文一：对达芬奇《蒙娜丽莎》的艺术鉴赏达芬奇是文艺复兴时期最杰出的艺术家之一，而他的作品《蒙娜丽莎》则是他最具代表性的作品之一。
这幅画作是一幅肖像画，绘制于16世纪初期，目前收藏在法国卢浮宫。
通过对《蒙娜丽莎》的深入观赏，我们可以欣赏到达芬奇在绘画技巧和表现手法上的独特魅力。
首先，在绘画技巧方面，达芬奇运用了光与色彩的巧妙组合，使得画面显得十分生动。
画中女子的面部充满了光影效果，而眼神中的微笑更是达芬奇的创作精髓所在。
他通过运用细腻的笔触和渐变的色彩，使得画中的蒙娜丽莎仿佛具有生命力，能够和观者进行交流。
此外，达芬奇还巧妙地运用了透视法，使得画面具有深度感，使蒙娜丽莎的形象更加立体。
其次，在表现手法方面，达芬奇以其深厚的艺术造诣展示了他对人物心理的独特洞察力。
在画中，蒙娜丽莎的面容表情并非丰腴的微笑，而是一种微妙的、难以捉摸的神秘微笑。
这种表情使得观者难以揣摩她内心的情感，给了观者更多的想象空间。
这种不确定性与神秘感正是达芬奇追求的目标之一。
他通过巧妙挑战传统肖像画表现方式，创造出了一种独特的艺术语言，使得观者能够在作品中感受到蒙娜丽莎内心深处情感的种种可能性。
最后，我们还可以从《蒙娜丽莎》中感受到达芬奇对于自然界的赞美和对于人类美的追求。
画中的蒙娜丽莎身着一袭华丽的礼服，头戴一顶菊花装饰的帽子，这些细节展示了达芬奇对于细节的精心雕琢。
同时，画中的背景正是美丽的自然风景，这个细致描绘的背景象征着达芬奇对于自然世界的热爱与崇敬。
达芬奇通过这幅画作将人类的美与自然美相结合，传递出对于真实与理想的追求。
总之，达芬奇的《蒙娜丽莎》是一幅艺术品，它展示了达芬奇卓越的绘画技巧和对于艺术的深刻把握。
通过细腻的绘画技巧、神秘的表现手法以及对于自然与人类美的追求，达芬奇创造出了一幅极具魅力和内涵的杰作，给观者带来了无尽的欣赏乐趣。
论文二：对梵高《星夜》的艺术鉴赏梵高是19世纪后期最重要的艺术家之一，而他的作品《星夜》则是他在画作风格和表现手法方面的代表作。
绘画鉴赏论文：莫奈的绘画特色
绘画鉴赏论文：莫奈的绘画特色
介绍：
莫奈（Claude Monet）是19世纪法国印象派绘画的代表人物，其作品以其独特的绘画风格和特色而闻名于世。
本文将探讨莫奈的绘画特色，包括他的色彩运用、光影效果和题材选择。
色彩运用：
莫奈在使用色彩方面非常大胆和敏感。
他善于运用丰富的色彩来再现自然景观的丰富细致之处。
他常常使用大量的色块和色调变化，创造出充满活力和光彩夺目的画面。
同时，他的色彩运用也呈现出随光线变化而变化的特点，使观者感受到自然之美。
光影效果：
莫奈对光影效果的描绘也是他的绘画特色之一。
他擅长捕捉光线在画面中的变化和反射，通过不同的光影变化来表现场景的氛围和情感。
他常常使用快速、松散的笔触来描绘光线和阴影的效果，使画面显得生动而有层次感。
题材选择：
莫奈的画作多以自然景观为主题，特别是以花园、水景和田园为常见题材。
他喜欢在户外进行写生，捕捉大自然中景色的瞬间变化。
他不仅通过色彩运用和光影效果来表现自然景观的美，还注重捕捉自然环境中的氛围和情感，给人以宁静和舒适的感受。
结论：
莫奈以其独特的绘画特色创造了许多令人惊叹的艺术作品。
他的色彩运用、光影效果和题材选择都展示了他在印象派艺术中的才华和创新精神。
通过研究和欣赏莫奈的作品，我们可以更好地理解他在绘画领域的杰出贡献和艺术成就。
中国美术鉴赏美术论文
浅谈美术之“美”对于一个绘画者，别人评价“画技”如何，也许只指绘画技巧。
如果别人评价“水平”如何，这“水平”二字就不止是技巧，更多的包括绘画者的作品面世之后所引起的效应。
当然，作品的面世效应还是起源于技巧，没有绘画技巧就谈不上绘画，也就无从谈起绘画者的意识和情感。
这里先从技巧说起。
在商业社会中，浮躁和投机的急功近利像苍蝇一样盘旋于当代艺术的各个角落，形成了庸俗文化、流行文化，在这样的背景下，潜心于绘画技巧的艰苦磨炼应该视作是成功之母。
一分耕耘一分收获，一个绘画者，首先应该是一个绘画技巧的纯熟掌握者。
素描，是为正确地理解形体，也可以说是为了造型的方便，在特殊情况下，暂时避开色彩，用单色来塑造形体。
素描是引导和锻炼初学者正确地观察形体和理解形体，并准确地将其描绘下来。
理解物体的结构，打准轮廓，校正比例，掌握动态，刻划细部，这些都是造型的一般规律。
色彩是绘画的重要因素，是绘画者传递感情的手段，正确地观察色彩，熟练地调配色彩，才能艺术地表现色彩。
简单地说，要根据客观的色彩作为表现的依据，通过绘画者的感受和想象，用简练概括的笔调，强调鲜明生动的感受，加入你自己的想象，剔除那些重复繁杂的成分，从而使色彩更为鲜明生动。
这里说到色彩，并不是原模原样地照搬物体色彩，即把色彩归入绘画者的纯技巧，也不是一成不变地给物体“照像”，这里所说的“感受”、“想象”以及“剔除”已经加入了绘画者的主观因素。
既然是造就艺术品，首当其冲是绘画者的主观功能。
可以说客观世界是冷漠的，只有通过绘画者的主观创造才可以注入温热。
真实的一盘苹果和画上的一盘苹果，同时放进展厅，真实的苹果也许可以刺激看者的肚腹，而画上的苹果却能够引动观看者的轰然，引发观看者审美意识的飞翔，还可以引发观看者的探究心理。
观看者流下的不仅仅是口水，画幅上色彩的跳跃、结构的虚实，甚至可以引发人们的呐喊，这就是艺术的魅力了。
办一个展览，绘画者与参观者虽然未曾见面，然而通过作品，绘画者与参观者却能够达到心灵的息息相通。
绘画鉴赏论文
绘画鉴赏论文绘画是一种表达艺术家情感和观点的艺术形式。
在绘画鉴赏论文中，可以探讨不同绘画作品的主题、技术和风格。
下面是一篇关于维米尔斯的《午后的一家人》绘画的鉴赏论文的示例：《午后的一家人》是法国艺术家皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿维尔的杰作之一。
这幅绘画创作于1881年至1882年间，以浓厚的日常现实主义表达了人们在压抑的社会环境中的孤独和沉默。
整幅画的构图非常平衡，将观众的目光自然地引导到画面的中心。
在画面的正中央，一个年纪稍长的男子坐在一把带有靠背的椅子上，他似乎沉浸在自己的世界中，目光空洞。
在他的左侧，一个年轻的女孩坐在地板上，她小心翼翼地解开自己的鞋带。
在男子的右边，一个年轻的男子倚靠在壁炉旁，眼神游离，额头上留下深深的思考印记。
在画面的边缘，还有一只小狗静静地坐着，它看起来也受到了整个氛围的影响。
这幅画使用了柔和而暗淡的色调，以增强整体的沉闷和沉默感。
维米尔斯运用了精细的绘画技巧，通过细致的笔触表现出织物的质感和光影效果。
例如，男子的背后有一条白色的披肩，维米尔斯巧妙地用细腻的画笔勾勒出了它的褶皱和柔软的触感。
维米尔斯通过这幅作品传达了他对现代社会的不满和对人与人之间关系的思考。
他以精确的细节和生动的表达，揭示了当时法国社会中的冷漠和孤立。
男子的目光空洞，女孩解开鞋带的动作小心翼翼，男子的思考印记，所有这些都暗示着他们在现代社会中的无力感和沉默。
《午后的一家人》是维米尔斯艺术中的一次成功尝试，他通过绘画表达了对人类孤独和冷漠的深入思考。
这幅画引起了观众对当代社会关系的反思，强调了个体在现代社会环境中的无力感和沉默。
维米尔斯以他细腻的绘画技巧和精确的画面构图，成功地传达了他对现代社会状况的不满和对人与人之间关系的深刻思考。
中国画鉴赏论文（推荐五篇）
中国画鉴赏论文（推荐五篇）第一篇：中国画鉴赏论文中国画赏析中国画具有十分悠久的历史渊源，同时也具有与时俱进的时代风格，它不仅是中华文化的国宝，也是传承中华民族精神的主要载体。
中国画第一特点是意境创作的追求，推陈出新是中国画进步的宗旨，中国画主张“缘物寄情”，“以景寓意”，“以神取形”，“笔不周而意周”，“笔不工而心恭”。
在概括客观物象的同时，必须融进画家的主观感受，透过描绘对象创造形象的方式来借以体现画家的主观感受，使主观情感和客观的物象精神性格交融和转化使画家在作画前的主观感受得以充分的表达，而产生动人心魄的意境创作。
在中国画章法布局中状物立象，就是首先必须剪裁取舍分别主宾然后根据物象往来逆顺的运动之势部署画面。
使之造成动人心魄的气象。
而中国画在“置陈布势”中，如果要使画面章法获得灵动舒畅，富有变化，必须巧妙地处理空白，疏密，虚实之间的关系。
所谓空白是无画处，是虚处，是疏处是与密实相对而言的是与疏密虚实有密切联系的，虚实对构图，笔墨有极大的概括性，所谓“虚实相生无画处皆成妙境”既是疏密有致，可以打破构图中的平均布置，“虚中有实，实中有虚”空景难图，实景清而空景现，虚与实在意境中不仅相辅相成，而且相互转化，中国画用墨有干湿，浓淡之分，构图遵循计白当黑，知白守黑的艺术原则，有藏有露，有隐有显造成一种虚虚实实，真真假假的美妙，而又带有几分迷蒙感的意境创作。
中国画在发展的早期就重视表情的描述，南朝的王微在《叙画》中提出山水并不是地图，应求“容势”，要表现大自然的生动变化，“望秋水，神飞扬，临春风，恩浩荡••••••此画之情也”。
文人画家也旨在写意而不写实。
欧阳修指出“古户画画意不画形”从“意”出发把追求形式看成是画工的事，真正的画家应是得意忘形。
中国画凝聚着中华民族的性格，心理，气质，以其鲜明的特色和风格在世界画苑中，独具体系，中国画被风起云涌的时代气息所驱动，推陈出新，魅力长存一、欣赏以线造型的中外美术作品，提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。
美术论文鉴赏优秀3篇
美术论文鉴赏优秀3篇美术鉴赏论文篇一从《瑞鹤图》谈美术鉴赏的意义经过这一段时间美术鉴赏课的学习，我想从一幅花鸟画，《瑞鹤图》简单谈一下美术鉴赏的意义。
那么要谈美术鉴赏的意义，首先我们要知道什么是美术鉴赏。
了解了什么是美术鉴赏，下面就要说说美术鉴赏的意义。
既然是鉴赏美术作品，那美术鉴赏的意义就首先是美术作品的意义。
而美术作品的意义又分为本身意义及延伸意义。
其本身意义就是说我们看到一件美术作品时所获得的美感和愉悦感。
拿《瑞鹤图》来说，此图绘彩云缭绕之汴梁宣德门，上空飞鹤盘旋，鸱尾之上，有两鹤驻立，互相呼应。
画面仅见宫门脊梁部分，突出群鹤翔集，庄严肃穆中透出神秘吉祥之气氛。
此幅一改常规花鸟画构图的传统方法，将飞鹤布满天空，一线屋檐既反衬出群鹤高翔，又赋予画面故事情节，此在中国绘画史上是一次大胆尝试。
绘画技法尤为精妙，图中群鹤如云似雾，姿态百变，无有同者。
更为精彩之处，天空石青满染，薄晕霞光，色泽鲜明，鹤身粉画墨写，睛以生漆点染，顿使整个画面生机盎然。
卷后为徽宗瘦金书题记及诗，款“御制御画并书”，签押“天下一人”，观其书风，健笔开张，挺劲爽利，侧峰如兰竹，媚丽之气溢出字里行间。
看到此图后，我们为之一震。
一片生机跃然纸上。
我们在看图的同时，也得到了美的享受。
这就是其本身意义。
北宋政和二年上元之次夕（即公元1112年正月十六日），都城汴京上空忽然云气飘浮，低映端门，群鹤飞鸣于宫殿上空，久久盘旋，不肯离去，两只仙鹤竟落在宫殿左右两个高大的鸱吻之上。
引皇城宫人仰头惊诧，行路百姓驻足观看。
空中仙禽竟似解人意，长鸣如诉，经时不散，后迤逦向西北方向飞去。
当时徽宗亲睹此情此景兴奋不已，认为是祥云伴着仙禽前来帝都告瑞，国运兴盛之预兆，于是欣然命笔，将目睹情景绘于绢素之上，并题诗一首以纪其实。
但“祥瑞之兆”却难以挽回衰败的国运，此后第十五年，即公元1127年，金兵攻陷都城汴梁。
宋朝军民纷纷起来抗击金兵，金人自知无力吞下这个腐朽然而却十分庞大的仅仅通过一幅画，我们就了解到这么多的历史文化知识，我们的文化底蕴、艺术和文化素养得到极大提高。
关于美术鉴赏课程论文(8篇)
关于美术鉴赏课程论文（8篇）美术鉴赏课程论文篇11、形与神在艺术史上的源流。
形与神的关系在美术史上一直是一个连续讨论的问题。
关于传神论早在汉代就有了萌芽，其代表就是刘安《淮南子》中支出作画勿“谨毛而失貌”，而当时著名的画家王延寿则表示作画要“随色象类，曲得其情”.这些说法和观点影响到了后来的艺术工作者，并且为之后的“以形写神”的论点打下了的理论和实践基础。
而到了东晋时期，绘画艺术由“自发”转向“自觉”，而陶瓷雕塑也不例外，典型就是顾恺之的东晋画家顾恺之提出的“以形写神”“，以神造形”“，传神写照”等论点，这些论点无不显示出形神合一的理论特色，自此以后，形神合一作为中国美学的一项基本要求来确定。
经历南北朝的青白瓷、唐朝的唐三彩、宋朝的五大名窑等的发展，在中国文化整体大兴盛的前提下，艺术下的形神合一体系也到了又一个大总结的时期而代表就是唐代的张彦远所说的“以气韵求其画，则形似在其间”.这样理论的完整化更是让中国的美学“气韵”表现形式更为人们所重“，气韵”也成为一件优秀艺术品不可缺少的条件。
再加上当时儒家内敛化和佛道“虚无”思想的影响“，气韵”说更是得到了文人士子们的支持成为之后艺术品的必须要求，甚至于到了后来有“得意忘形”的说法。
这些传统的艺术要求对于陶瓷造型同样有效，甚至于其更多的保留在历代陶瓷艺术中，一直到现在“形神合一”都是陶瓷雕塑审美的基本原则。
2、陶瓷雕塑中“形神合一”表现。
陶瓷雕塑其本质是一种三位体系的雕塑艺术。
所以体、形是“实”，神是“虚”.对于陶瓷创作者来说，首先要考虑的就是体与形，在现有的技术利用，使外部空间与雕塑实体有一个和谐的环境，在进行艺术创作时，在观察周围环境的情况下，进行一种合理的嵌入式的艺术，所以在一定形式上说。
即精神之最高境界“始于形似，止于神似”.最后，在外部环境、雕塑实体与内在精神的三位一体的统一。
而这些在我国古代一些著名的陶瓷雕塑也可看看出来，如在临潼的兵马俑中就很好地做到了三位一体，一方面利用大规模陶俑数量和军阵的.整齐划一的气势进行了与周围环境进行了一个很好的契合，再这样契合的情况下，甚至于是它们创造了一个外部环境，用这个适宜的外部环境下雕塑实体的精致程度也是无与伦比的，二者以军阵为桥梁连接在一起的时候就是其单个的军人精神与整体的军阵是精神融为一体，这样的一体化程度结果就是内在精神的直接显现，在显现的过程中又坚持了单个的军人精神。
中国绘画艺术欣赏论文
中国绘画艺术欣赏论文中国绘画艺术历史悠久，涵盖了从古代岩画、甲骨文到现代的艺术形式。
中国绘画的特点是注重借景抒情，形式讲究笔墨的变化和层次感，以及别具一格的构图和色彩形式。
这篇文章将探讨中国绘画的起源、发展和欣赏。
中国绘画起源于新石器时代，随着历史的演变和各个朝代的不同艺术传承，绘画艺术经历了许多变化。
在唐代，中国绘画达到了巅峰，成为中国艺术的代表。
唐代的绘画艺术借鉴了西方各种绘画技巧，丰富了中国绘画形式的多样性。
宋代的绘画追求画面的淡雅和精致，将中国绘画推向另一个高潮，宋代的水墨画成为世界艺术史上的瑰宝。
中国绘画的核心在于“笔墨”，要想欣赏中国绘画，就必须理解其笔墨的表达形式。
中国绘画的笔墨要求轻重、粗细、深浅的变化有序而有秩序，同时求得刚柔相济，内外相容的美感。
在中国绘画中，笔墨的运用是表现画家情感、寄托思想感情的最佳方式。
除了笔墨，中国绘画的构图和色彩形式也非常独特。
构图要求内部结构严谨、布局合理，表现出画家对自然世界的观察和认识。
同时，中国绘画的色彩表现形式也极为精妙，通过色彩的渲染和变化，展现出画家对客观事物的表现力和感觉。
在欣赏中国绘画时，还需关注题材和风格。
中国绘画涵盖中国历史上的许多主题和景象，如山水、花鸟、人物、历史事件等。
在不同的艺术时期，不同的画家都有其独特的风格，如“大写意”、“小写意”、“对点花鸟”、“xx派”等，这些风格都是中国绘画最重要的特点，带有浓重的历史和文化底蕴。
总之，中国绘画是一门博大精深的艺术，需要通过多方面途径、多样化的欣赏方式来深入理解。
在欣赏的过程中，要细心观察，认真研究，从中感受到艺术家的情感和思想，积累丰富的艺术体验和感悟，进而拓展视野、陶冶情操。
美术鉴赏论文3篇
美术鉴赏论文3篇美术鉴赏是一种视觉艺术，在发展学生的视知觉，获得以视觉为主的审美体验，陶冶审美情操，提高生活品质等方面，具有其他学科难以替代的作用。
学而不思则罔，思而不学则殆，以下是漂亮的小编帮助大家找到的美术鉴赏论文较新3篇，欢迎借鉴，希望对大家有所启发。
美术欣赏论文篇一摘要：随着我国教育体制改革的不断深化，人们清醒地认识到教育的目的是促进人的素质全面、和谐发展，而不只是积累知识那么简单。
素质教育的基本目的是使学生在思想、道德、文化、身心等方面能够得到全面、和谐发展。
美育作为学校素质教育的重要组成部分，以其特殊的地位与作用区别于其他学科。
纵观当前的美术教学，美术观赏已贯串从小学至大学的审美教学全过程中。
而中小学美术观赏教学，作为培育学生审美素质的初级阶段，必需与学生的年龄特性相分离，控制学生观赏习气和观赏特征。
面对一幅绘画作品，该如何观赏？这是每一个人都会在心里问的一个问题。
在美术界，这也是一个值得讨论的，而且是一个历来末能构成共识的学术问题。
从大量的听课与调查中发现不少观赏课中，教员讲授时间很多，大局部超越30分钟，有的以至整节课讲授，学生学的时机很少，这样的课，不单教员讲得口干舌燥，学生学得更累，更没有兴味，这也不顺应如今所倡导的减负运动。
作为一名美术教育工作者，我也是常常考虑着这一问题，分离本人的教学理论，在这里谈一下本人的考虑。
一、美术观赏教学的常见类型普通说来，常见的美术观赏教学有以下四品种型。
(1)讲解型-----教员对美术伤口或是对美术观赏的根本原理和根底学问的解说、阐明。
(2)问答型-----教员就作品或观赏学问、原理发问，学生答复。
(3)讨论型------以学生为主体展开讨论，教员作为援助者。
(4)自在型------学生在学校内外自发地、自在地观赏美术作品。
讲解型的美术观赏教学的类型较常见。
象上面所讲的那样，一味由教员解说，这种以教员为中心的教学办法容易堕入学问灌输型的形式之中。
中国绘画艺术特征探析论文
中国绘画艺术特征探析论文中国绘画艺术特征探析论文作为文明古国的中国，其文化底蕴是极其深厚的，而中国的绘画更是渊远流长，已有六千多年的历史，并以它独有的民族特色为世人所赞叹。
它以强烈的东方文化情调、表现方法、表现形式和使用工具自成一家。
和世界其他民族的绘画艺术相比，特别是同西方的绘画相比，有着很大的相异性。
中国绘画可分为人物、山水、花鸟三大类种;有工笔、写意、钩勒、没骨、设色、水墨等技法形式;有独特的透视和构图法则;有壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面等画幅样式。
并以特有的装裱工艺装璜画幅。
中国画有一整套的画理画论，并以绘画同诗文、书法篆刻相结合，形成了其显著的艺术特征。
1追求神似的法则在中国画的作品中对物象的描绘，和客观中的物象相比，有相当大的差异性。
这一点无论是最早的人物画、花鸟画和山水画中均可找到。
既便是在绘画技艺不发达的远古时期，画家们也不以画得象不象而苦恼，人们在头脑中能天然地将这些画作同自然物象对应起来，很大程度是一种“符号提示”，这一点可在中国的象形文字中略见端倪。
但绘画毕竟是对客观物象的描绘，画家们在“像不像”的问题上，即绘画理论上所谓的“形似”上也作过一些争执和思考。
一直到东晋大家顾恺之首先在理论上提出不以形似为满足，才明确提出“以形写神”的主张，把“传神写照”作为绘画的最高境界。
他的这一主张和审美观点是在中国文化结构中的合理选择。
因此很快这一观点便被视为中国绘画的最高境界，追求神似成为中国画家在表现方法上的准则。
这一审美法则的奠定具有划时代意义，对后世中国绘画的影响之大，至今仍不可小视。
人物画家要刻画的是人物所具有的精神气质，山水画家要描绘的是山川的神采气韵，花鸟画家要写出花鸟禽兽的勃勃生机。
为了神完意足，画家采取“遗貌取神”的表现手法。
中国画家作画以追求神似为本，往往不计太多其他。
因此一幅优秀的中国画，虽没有对现实的物象作逼真的描绘和精到的刻画，但都能生气勃勃，神采焕发，给人以美的享受。
关于美术鉴赏论文范文
关于美术鉴赏论文范文美术鉴赏论文范文：美术作为一门独特的艺术形式，一直以来都是人们欣赏和鉴赏的对象。
随着时间的推移，美术不仅仅是一种艺术形式，更是一种文化符号和表达方式。
通过观察和鉴赏美术作品，我们可以了解一个时代的价值观、审美观和思想情感。
在本篇论文中，我将以中国水墨画为例，探讨美术鉴赏的意义以及如何进行有效的美术作品鉴赏。
首先，美术鉴赏可以让人们更好地理解艺术作品所表达的文化和思想。
中国水墨画作为一种古老的艺术形式，承载了丰富的中国传统文化和哲学思想。
通过鉴赏水墨画，我们可以感受到中国文化的深厚底蕴和审美价值观。
从画家笔法的运用到传统意境的表达，每一幅水墨作品都蕴含着独特的文化内涵，需要我们仔细品味和理解。
其次，美术鉴赏还可以培养人们的审美能力和艺术欣赏水平。
通过观察和研究艺术作品，我们可以学会欣赏美的能力并培养自己的审美眼光。
在鉴赏水墨画时，我们要关注画家的构图、用色和笔触等方面，同时也要了解其所表达的主题和情感。
通过不断地欣赏和研究，我们可以逐渐培养出独特的审美观点并形成自己独到的艺术品味。
除此之外，美术鉴赏也可以为我们提供美的享受和情感宣泄的方式。
当我们欣赏一幅优秀的艺术作品时，可以感受到其中传递出的情感和情绪。
水墨画常常以自然和山水为题材，通过画家的笔触和造型来表现大自然的美感和宏大。
当我们欣赏这些作品时，可以感受到大自然的力量和神秘，同时也可以通过作品中蕴含的情感来找到共鸣和宣泄自己的情绪。
最后，有效的美术鉴赏需要借助于相关知识和技巧。
在鉴赏水墨画时，我们应该了解画家的背景和创作理念，同时也要学习一些常见的艺术语言和技术。
此外，还可以通过参观画展和艺术展览来拓宽自己的视野，与其他鉴赏者进行交流和讨论，以提升自己的鉴赏水平。
总之，美术鉴赏是一种重要的艺术体验和表达方式。
通过了解和欣赏艺术作品，我们可以感受到其中蕴含的文化和情感，并提升自己的艺术欣赏能力。
以中国水墨画为例，我们可以通过鉴赏去了解中国传统文化的美学观和审美价值。
中国美术鉴赏论文15篇
中国美术鉴赏论文15篇中国美术鉴赏论文:对高中美术鉴赏教学的感悟高中美术鉴赏作为一般高中阶段美术科目中的一个学习领域，是在九年义务教育阶段美术课程“鉴赏？评述”学习领域基础上向更高层次的拓展与延长。
“鉴赏”与“鉴赏”这两个概念，只有一字之差，在现实生活中往往通用，两者好像并无多大区分。
事实上，它们是有区分的。
“鉴赏”一词的基本含义是“鉴别（或‘鉴定’）” 和“鉴赏”。
“鉴别”是指对美术作品的真伪、创作年月、艺术质量之凹凸的识别与确定，或者是对各种美术现象、美术思潮的分析与评价。
可见，“鉴赏”包括“鉴赏”，但不仅仅是鉴赏，它的内涵大于“鉴赏”。
由此可见，美术鉴赏的学习活动，设计的范围要比美术鉴赏大，要求也更高。
在学习过程中，应当更加发挥学习的主动性，更加深化地进行讨论性学习。
在美术鉴赏过程中，鉴赏者是主体，没有同学们的主体行为，仅仅靠老师的讲授，就没有真正意义上的美术鉴赏活动。
本文就是我在教学中的一些感受。
1. 美术鉴赏的客体与主体的审美关系在美术鉴赏课中，美术鉴赏的客体与主体之间发生一种审美关系。
一方面，客体对人的审美感知和体验，以及审美力量和需要的本质特性的制约；另一方面，由于客体具有审美价值，主体对其感知与体验必定表现为评价性；客体在主体心目中的地位和认可程度，都具有主体的评价标准和情感态度。
高中生对美术作品的评价，最初都是以自己目前的审美标准来衡量其美与丑，过于自我缺少客观性，不能真正熟悉美术作品，更不行能进行客观评价。
虽说评价本身不能制造价值，但审美价值必需经过评价才能被熟悉和把握。
在教学中，这种评价是多方位和多层次的，既可以是外部语言的表述，也可以是内心的评判。
通过大量的审美感知和体验的沟通活动，渐渐使主体的评价标准与客体的审美价值相吻合，以达到鉴赏教学的目的。
鉴赏教学难于艺术实践教学，而现代作品鉴赏则更难。
这或许由于在鉴赏传统的再现性作品时，有关史料和作品内容丰富了教学内容，符合了同学追求现实意识和阅历的需求，故而造成一种课堂秩序和教学效果良好的假象。
[美术鉴赏论文]美术鉴赏论文《浅析北宋时期山水画》
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[美术鉴赏论文]美术鉴赏论文《浅析北宋时期山水画》篇一: 美术鉴赏论文《浅析北宋时期山水画》浅析北宋时期山水画摘要：宋朝延续300多年，其绘画在隋唐五代的基础上继续得到发展。
山水画发展到宋代，出现前所未有的兴旺景象。
无论从题材内容还是从表现形式和表现方法都更加的多样化，出现了一批有杰出成就的画家，他们以古人为师,以自然为师,以吾心为师,创作了具有丰富审美特色,面貌各异的山水画杰作,为后人留下了宝贵的典范,在美术史上树立了一块重要的里程碑。
通过下面对一些主要画家及其作品的介绍，可以了解山水画在北宋所取得的巨大成就。
关键字：山水画表现手法寒林雪景北宋山水画坛在五代的基础上人才辈出,风格技法多彩纷呈,成就突出。
出现了李成、范宽、燕文贵，惠崇等划时代的杰出画家。
范宽得助于终南，太化；高克明“喜游山水间，搜奇访古，穷幽探绝，终日忘归”。
不少山水画家都有自己特色，燕文贵画山水楼观，号“燕家景致”；许道宁擅长寒林，平远，野水，表现山峰峭拔，林木劲硬的风貌。
燕文贵曾在汴梁大街买画，许道宁在汴梁买药时画山水招揽顾客，他们有都与都市世俗文化有着不同程度的联系1．李成李成，字咸熙。
擅长画寒林平远之景，在宋初极负盛名，被誉为“古今第一”，但他为人矜持，不轻易为王公贵族作画，因此其画颇为难得。
开封祖国寺附近的宋家药铺门首因有他所画的山水壁画，被誉为“山水宋家”。
李成的山水画以“气象萧疏，烟林清旷，毫锋颖脱，墨法精微”而自成一格。
他擅长用幽淡多层次的水墨画平远开旷的景色，世称“惜墨如金”；又以爽利秀润的笔锋画寒林枝杈，俗谓之“蟹爪”。
《情恋萧寺图》《情恋萧寺图》是流传在国外一幅影响较大的传为李成的作品。
此图作为高山峻岭，深沟巨壑，前景突兀巨石，以边平缓，一边峭拔，产生一种体积感和重量感。
岩石的轮廓线，用笔坚实有力，所组成的表面结构具有质感。
中景山涧瀑布飞流直下前景深潭，与远景处一悬瀑形成互相呼应之势。
途中造型曲尽变化的“蟹爪树”，树干枝杈笔法稳健有力，树态展枝摇曳，显得生动活泼。
美术鉴赏论文2000字(通用3篇)
美术鉴赏论文2000字(通用3篇)一、《蒙娜丽莎》——对达·芬奇绘画艺术的鉴赏达·芬奇是文艺复兴时期最伟大的艺术家之一，他的绘画作品具有深厚的艺术内涵和卓越的技巧。
其中最著名的作品之一就是《蒙娜丽莎》。
这幅画作是达·芬奇的代表作之一，也是西方绘画史上的经典之作。
首先，《蒙娜丽莎》以蒙娜丽莎的肖像为主题，展示了达·芬奇对于人物形象的精准把握和对情感表达的深入思考。
画面中的蒙娜丽莎微微一笑，眼神深邃而又神秘。
她身着华丽的衣饰，头上的小帽点缀着颜色丰富的珠宝。
蒙娜丽莎的形象透露出一种难以言喻的神秘感，引发观者的无尽想象。
其次，《蒙娜丽莎》的构图精妙而又复杂。
达·芬奇巧妙地运用了透视法和对比法，使得画面中的蒙娜丽莎形象显得栩栩如生，仿佛能从画布中走出来。
他将蒙娜丽莎放置在一座开阔的景观中，背景中的山川和河流仿佛随着时光的流转而变幻。
这种细腻的构图技巧使得整幅画作更加具有动感和立体感。
再者，《蒙娜丽莎》的色彩运用极富特色。
达·芬奇巧妙地运用了明暗对比和色调的渐变，在画面中形成了丰富而又和谐的色彩层次。
蒙娜丽莎的面容及若隐若现的微笑，通过轻柔的光线和柔和的色彩展现出来，使她的形象更加神秘而又诱人。
最后，《蒙娜丽莎》所传递出的艺术思想也是其深受赞誉的原因之一。
达·芬奇通过这幅作品表达了他对于人性和情感的思考。
蒙娜丽莎那微微一笑的面容中隐藏着无尽的秘密，仿佛在告诉观者们人性的复杂和多变。
这种思想层面的表达使得《蒙娜丽莎》成为了一幅永远不会被人们遗忘的杰作。
总之，达·芬奇的《蒙娜丽莎》不仅是一幅绘画作品，更是一部关于人性和情感的艺术篇章。
他精准的人物形象塑造、复杂的构图和精妙的色彩运用，打造出了一幅令人陶醉的经典之作。
这幅作品以其独特的艺术风格和丰富的内涵，在人们心中留下了深刻的印象。
二、《星夜》——梵高的色彩盛宴梵高是后印象主义画派的代表人物之一，他的画作以其独特的色彩运用和个人表达风格而著名。
关于美术鉴赏的论文
中国绘画艺术浅谈博大精深、源远流长往往是形容我国古代艺术文化、悠久历史的最佳词汇。
一个线条，一个轮廓，一抹色彩，看似简简单单的几笔，画家却能够用远近呼应、以动衬静等手法将人物、山水表现得淋漓尽致、唯妙唯俏，这就是我们中国古代绘画的精髓所在！从远古的陶瓷绘画，到魏晋的墓室彩绘砖，再到隋唐的壁画，个人感觉，相比较于西方油画的死板，我们中国美术讲究的是形散神聚，画家们举手投足之间一挥笔墨，就能表达自己对人物、事物的态度与看法——不论是一种巫术，还是讽刺官僚、表现民生疾苦，抑或是细致刻画某种动物等等。
通过这几次选修课，我觉得古代的画家不仅仅是画家，他们往往能够用笔墨批判现实或者是表达某种愿望或抱负，总之，绘画的目的已经远远超越了欣赏，我们能够从众多的绘画之中感受到它们所带来的内涵美、意境美，这也是值得我们去欣赏、去研究的地方！在美术鉴赏这门课中，我印象最深的就是顾恺之大师。
顾恺之，字长康，晋陵无锡（今江苏无锡）人。
顾恺之博学有才气，工诗赋、书法，尤善绘画。
精于人像、佛像、禽兽、山水等，时人称之为三绝：画绝、文绝和痴绝。
谢安深重之，以为苍生以来未之有。
顾恺之与曹不兴、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。
顾恺之作画，意在传神，其“迁想妙得”“以形写神”等论点，为中国传统绘画的发展奠定了基础。
老师上课细心地讲述了洛神赋的故事，《洛神赋》是古代有名的诗人曹植用神话隐喻着失落了爱情的感伤的诗篇《洛神赋》，是中国古代文学中的一篇重要作品。
曹植所爱的女子甄氏，在他的父亲曹操的决定下，为他的哥哥曹丕夺去。
甄氏在曹丕那里，没有得到稳固的爱情死得很惨，她死后，曹丕把甄氏遗留的玉镂金带枕给了曹植。
曹植在回归他自己的封地的路上经过洛水，夜晚梦见了甄氏来会他，悲痛之余作了一篇《感甄赋》，塑造了洛神的动人形象，也就是被他美化了情人的形象，甄氏的儿子曹叡将它改名为《洛神赋》。
恺之知识渊博而有才气，擅长诗赋、书法，尤其精通绘画。
工人像、佛像、禽兽、山水等。
中国传统绘画艺术特色及艺术欣赏论文
中国传统绘画艺术的特色及艺术欣赏摘要绘画艺术鉴赏是美术欣赏的主要对象，本文从中国传统绘画的特点出发，介绍赏析中国传统美术作品的具体方法，主张提高个人的艺术修养，提升鉴赏水平。
关键词传统绘画艺术特色鉴赏能力中国是一个有着五千年历史的文明古国，数千年的历史文化传承，使这个国家拥有独特的文化形态和艺术成就。
在世界历史上有着卓越成就的传统绘画，最能表现其独特的审美意识。
而要认识理解中国的绘画艺术，就要从历史的根源出发，以传统的中国绘画来进行解读和剖析。
首先就要了解绘画的特点：一、形、神、韵兼备，以形传神，是中国画的一个重要创作原则“像不像”不是创作好坏的评论标准，也不是创作的出发点。
中国画追求的是绘画的气韵和意境，只具备“画得像”的功夫，但是作品没有神韵，即使你画的再像，也不是中国画所追求的最终目的。
比方说，在人物刻画中，中国画从姿态上区分男女的性别特征，女子线条柔美，削肩细腰，男子则是威武雄壮，身体结构并不相称。
这就是只求神似，不求形似的象征手法，用以展现性别特点。
从历代名家的作品中可以看到，作者都是以形似来展现整个画面的神韵，由一点来表现整个画面的空间感和视觉享受，显得磅礴大气。
二、中国画主要以线条表现事物的生命力与西方绘画不同，中国画并不是立体描绘对象，而以简单的线条表现分界的临界点，比如在刻画人物侧脸时，用一条曲线表现鼻子和脸部的分界，用蛋形曲线展示人物的脸部轮廓。
在山水的刻画中，以线条展现山水树木的纹理，这种处理手法让西方人叹为观止，也对后期印象派的创作产生深远影响。
三、色彩的渲染主要以墨色为主，用清水调和水墨制作出深浅不一的色彩来展示不同角度下色彩变化例如最为明显的是在处理荷叶时，中国画使用深墨简单几笔描出荷叶的经脉轮廓，而离视线较远的一部分则淡化处理，以此表现作者的视觉角度。
中国画虽然是平面创作，却能很好地衔接多角度的视察。
四、中国画不讲究立体描绘无论是人物、花鸟、山水、虫鱼，都是平铺在一张纸上，而且打破了空间的局限。
中国绘画艺术欣赏论文
中国绘画艺术评论与欣赏论文学习了《中国绘画艺术评论与欣赏》这门儿课，激发了我对中国艺术的兴趣，想要更为深刻了解绘画艺术。
中国绘画史中国的绘画史可以上溯到原始社会的新石器时代，距今至少有七千余年的。
最初的中国绘画，是画在陶器、地面、和岩壁上的，渐而发展到画在墙壁、绢、和纸上。
使用的基本工具是毛笔和墨，以及天然矿物质颜料。
在无数画家不断探索、创新的努力之下，逐渐形成了鲜明的民族风格和民族气派，并有着自己独立的绘画美学体系。
由古至今的中国绘画艺术经历了几个阶段。
石器时代是中国绘画的萌芽时期，伴随者石器制作方法的改进，原始的工艺美术有了发展。
但在若干年以前，我们所掌握的中国绘画的实例还只是那些描画在陶瓷器皿上的新石器时代的纹饰。
在整个“先秦”时代中，春秋以前属于奴隶制社会，战国以后则进入了封建社会。
伴随着社会分工的扩大，各种手工业得到了极大的发展，出现了所谓的“青铜文明”。
统治阶级的需要带动了美术各门类的发展，绘画当然也不例外，有了长足的发展。
但是，我们今天能够见到的先秦绘画遗迹少之又少，造成这种现象的原因被推测为大部分的绘画都绘制在了易于腐烂的木质或者布帛上面。
秦汉时期，是中国统一的多民族封建国家的建立与巩固时期，也是中国民族艺术风格确立与发展的极为重要的时期。
西汉统治者也同样重视可以为其政治宣传和道德说教服务的绘画，在西汉的武帝、昭帝、宣帝时期，绘画变成了褒奖功臣的有效方式，宫殿壁画建树非凡。
东汉的皇帝们同样为了巩固天下，控制人心，鼓吹“天人感应”论及“符瑞”说，祥瑞图像及标榜忠、孝、节、义的历史故事成为画家的普遍创作题材。
汉代厚葬习俗，使得我们今天可以从陆续发现的壁画墓、画像石及画像砖墓中见到当时绘画的遗迹。
秦汉时代艺术以其深沉雄大的气魄，在中国美术史上放射着夺目的光彩。
三国魏晋南北朝的历史，是由统一而分裂的过程。
先是魏、蜀、吴三国鼎立，随后由司马家族统一为西晋，但十六国的连年战乱，使得中国再次进入了一个分裂的时代。
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浅谈绘画艺术赏析鉴赏论文现代绘画艺术以其产生之时的狂热激情、原创的魅力给现代美术史增添了浓墨重彩的一笔，并对其后的艺术形式产生了深远的影响。
下面是小编为大家整理的绘画艺术赏析论文，供大家参考。
绘画艺术赏析论文篇一：《浅谈中世纪宗教绘画艺术赏析》摘要：中世纪绘画没用继承希腊罗马客观写实、典雅肃穆的艺术创作风格，而是围绕格列高尼大主教所倡导的原则，即以宣传教义为第一原则，用艺术来表达对上帝的无限崇敬。
本文从中世纪绘画特征入手，结合中世纪宗教背景，继而分析中世纪宗教绘画特征。
以中世纪宗教绘画《善良的牧羊人》《面包和鱼的奇迹》《基督为使徒洗足》《圣马太像》为例，浅谈对中世纪绘画艺术的赏析。
关键词：宗教;希腊罗马风格;宣传教义;绘画作用一、中世纪绘画特征欧洲中世纪是一个政教合一的时代，因此，其绘画艺术亦与宗教有千丝万缕的联系。
众所周知，欧洲____之神学观念对人本主义和现实生活采取一种否定的态度，从而使本应反映人和现实生活的一切艺术都成为了基督____神学的奴仆，因此，艺术为基督____是欧洲中世纪艺术的重要特征，绘画艺术亦然。
其次，基督____是欧洲中世纪人民生活以及灵魂寄托的场所，从而使得教堂建筑成为了这个时期艺术发展的重心，在这个时代，雕塑、绘画、工艺美术一般从属于建筑艺术，亦因此成为了建筑艺术的从属品。
这个时期的绘画形式，多以壁画、镶嵌画和彩色玻璃窗画为主。
总之，其艺术风格重在表现，也就是去反映____徒对教义和宗教故事的虔诚态度。
可见，欧洲中世纪的绘画艺术特征多表现为不注重真实空间的描绘以及真实的色彩关系，而更多地强调色彩的象征性，喜欢运用寓意象征的手法来表现人们对宗教的虔诚。
此特征也反映了其不同于由古希腊罗马奠定的西方绘画写实的传统，亦可以说，此写实传统于中世纪遭到了破坏，同时从中世纪绘画题材上讲，其题材十分单一，表现的主要为宗教题材之绘画。
至于欧洲中世纪如西班牙等一些信奉伊斯兰教的国家，由于伊斯兰教严禁偶像崇拜，因此，这些国家的画家们就将他们的研究主要集中于伊斯兰教的宗教建筑――清真寺的各类植物及几何图案装饰上面了。
二、中世纪宗教绘画在德国自然神话派中涌现出许多学者对宗教均有自己的看法，如麦克斯?缪勒提出了“自然神话说”，而英国人类学家泰勒对于宗教有着相反的看法，他提出了“万物有灵论”。
无论哪种学说，我们可以从各种起源论中得出这样一种结论：宗教和艺术都产生于原始人类对自然中不可解释现象的蒙昧性，这些看法均是源于原始人类在自身力量之外对异己力量猜测的表现，这些表现跟人类的观念、想象、情感、意愿等相关。
同时也体现了在生产力低下之状态下，人们特别渴望一种力量帮助他们战胜生存困难，基于这点，我们找到了宗教和艺术有着共同的文化根基之处。
假设原始人没有对“超自然力量”意念的渴望，就不会有超凡的宗教之神，也就不会出现围绕宗教之神产生讨论的理性神学和宗教哲学;最后，也就不可能出现把“超自然力量”还原为自然力量的现代科学精神。
人类社会发展到一定阶段，出现了展示人类精神世界的文化现象，____是在展示人类精神文明虚幻和超凡的精神品质的背景下出现的，它直接切入到人类生存的终极命运层面上，是对人类精神层面的思考和感悟。
中世纪(一般认为其时代为约476年西罗马帝国灭亡至1640年英国资产阶级革命)，通常也认为是欧洲历史上的封建时代(主要是西欧)。
一提及中世纪，我们很快就想起17、18世纪文艺复兴学者对它的定义“黑暗的时代”。
仿佛这一千多年给我们留下的就是杀戮、禁欲、黑死病，诸如此类。
是的，从罗马城的人口在不断锐减这一事实来看(公元前5世纪，至少有80万人口;公元4世纪，君士坦丁时期，大约有60万人口;公元419年，“罗马之劫”之后，30～50万人口;公元800年，查理曼大帝时期，不超过三万人)，当时的欧洲的确是民不聊生。
转过头，我们再来看艺术，中世纪最伟大的艺术是高耸入云的哥特式和厚重敦实的罗马式教堂。
至于绘画和雕塑艺术，过了希腊罗马时期，到这个时候仿佛就开始急转直下，沉入没流。
那我不禁要问，中世纪身前是辉煌灿烂的希腊罗马，身后是伟大进取的文艺复兴，为什么单单这一千年出现了诡异的断层?为何人们的审美出现戏剧化的改变?希腊人成熟的造型技巧也一夜之间蒸发?从前的希腊艺术家以及他的继承者们都去了哪里?如图1所示，这幅绘画是公元5世纪的一位罗马皇后墓室镶嵌壁画，我们看到画面中的这位基督鼻梁高耸，双眼深邃，典型的希腊青年形象，他身穿罗马袍，手拿____的标志性十字权杖，身边的羊群，山坡的刻画十分生动且富有很强的立体关系，人物与背景的关系显得真实自然。
此时的基督____得到罗马官方的认可，本身还在不断的认识和定义自我。
宗教画家们也因无程式可以遵循，只好从他们的先人那里继承希腊罗马的艺术审美和技巧。
所以这幅画不但没有宗教的神秘庄严，反呈现一派宁静祥和的田园风光。
而到了公元6世纪，我们再来看看同样的一幅镶嵌画(如图2所示)，这幅作品图解的是福音书中的故事，基督用5个饼和2条鱼给5000人吃了顿饱饭。
基督站在画面的中间，身着象征高贵的紫袍，表情庄重祥和，门徒们均匀的站在其左右，人物的表情雷同。
这幅画相较于上一张作品而言刻板而且平淡，既没有运动感也缺少表情刻画。
时间不过才过了一个世纪而已，缘何希腊罗马的荣光就差不多消失殆尽。
早期____信徒们对于用何种态度对待为上帝造像进行过一番激烈的挣扎，一部分人反对造像，他们认定为上帝造像和过去希腊人为宙斯制作雕像没有区别。
而以格列高尼大主教为代表的另一部分人则认为“文章对识字的人能起什么作用，绘画对文盲就能起什么作用”，充分肯定绘画在宗教宣传中的地位。
在中世纪宗教艺术的发展中，后一部分人最终战胜了前者，绘画艺术得到了承认。
但以这种方式承认的艺术类型，显然是受到限制的艺术，他们承认了绘画的认识和教化功能，却完全否定了其艺术性。
“如果要为格列高尼的目的服务，就必须把故事讲的尽可能地简明，凡是可能分散对这一神圣主旨注意力的，就应该被省略。
一开始，艺术家们还是在使用罗马艺术中发展成功的叙述方式，但是慢慢的就越来越注重于事物的核心精义所在。
[1]”我们再回到图2，相较于11 世纪的完全程式化处理的《基督为使徒洗足》(如图3所示)，图2的绘画者受到希腊艺术熏陶的痕迹还是显而易见的。
人物的造型比例，衣褶的处理，人物之间的空间处理，人物与环境之间的空间关系，甚而地面上投射的阴影无不在出卖艺术家的出身――他是希腊那一路的。
不过画家为了秉承宣传的目的而刻意简化了多余的东西，对于他而言，绘画已经不是为了自身的美好而存在，忠实的描摹是没有必要的，与宣传教义无关的东西最好不要画进来。
他要做的是把故事叙述的尽可能简洁明了，通俗易懂，让虔诚的信徒们感受到上帝的慈悲与威力。
时间往后推几个世纪，看看9世纪这幅《圣马太像》(如图4所示)。
中世纪人习惯在福音书的扉页画上作者，圣马太的题材是中世纪绘画的传统题材，许多艺术家表现过它，但图4的圣马太形象一定是最有感染力的一位。
乍一看，他已经与古希腊的典雅静穆相去甚远，线条飞扬跋扈，没有透视和空间感。
但正是这种飞扬的节奏使我们相信这位圣徒是受到灵感的激励，满含敬畏和喜悦写下神谕。
凸起的眼球，笨拙的大手都赋予人物全神贯注的样子。
在这位画家来看：绘画，不是为了一心一意的客观描绘，也不是要创造优美的东西，他是要表达对上帝的崇敬，表达对宗教的无尽信仰。
中世纪夹在希腊罗马的荣光和文艺复兴的伟大之间，我们不断将三者进行比较，可是艺术领域的发展无所谓进步与倒退，“埃及人大画他们知道确实存在的东西，希腊人大画他们看见的东西，而在中世纪，艺术家还懂得在画中表现他们感觉到的东西”[1]，不牢记这一创作意图，我们就无法公正的对待中世纪艺术作品，也不可能真正理解其他包括中国在内的西方文化系统以外的艺术形态。
正如老师在课上提及的，“一部艺术史即是一部人类的观念史”，要了解和欣赏一段美术史，我们必须将它放在特定的历史语境中，了解当时人所思所想，方能感同身受。
三、结语宗教的价值和审美是存在内在矛盾的，其反应在宗教艺术美术当中。
当精神对于审美趣味和宗教对于现实审美中起到绝对主宰作用时，审美趣味的能量可以放大。
纵观西方美术史，由于人类对于宗教狂热而激发出来惊人的精神、物质力量，从而反作用于人类艺术的范例很多。
正如贡布里希所说“过分的道德严肃性可能会扼杀艺术”。
从另一方面(审美价值的角度)来说，如果没有足够的道德严肃性也可能对艺术扼杀，这也是宗教与审美矛盾辩证统一的关系;同样，也就是说当宗教的审美趣味被放大时，同时也就夸大了其之于宗教精神的批判性。
参考文献：贡布里希.艺术的故事[M].南宁：广西美术出版社，2008.王宏建，李建群.欧洲中世纪美术[M].北京：中国人民大学出版社，2010.绘画艺术赏析论文篇二：《试谈郎世宁绘画风格的艺术特色赏析》摘要：中西绘画交流早在明万历年间就有，而清初的郎世宁则是公认的传入西画技法的第一人。
郎世宁带来的西方绘画美学思想独特的魅力在于融合了传统宫廷画思想，成就了郎世宁特殊的作品风貌。
关键词：郎世宁;传统中国画;中西文化Giuseppe Castiglione，汉名郎世宁，意大利米兰人，生于1688年7月19日，是18世纪以西法作中国画最有成就的画家。
由于对东方文化极度热忱，促使他在康熙五十四年(1715)来中国传教。
最初以传播教义为目的他为了获取传播天主教的便利和权益入职内廷，为帝王作画，并逐渐受到赏识和器重，至乾隆三十一年六月十日在北京病逝，他在中国的艺术生涯长达五十年。
他的作品为了迎合当时封建君主的喜好，不断在中西文化的撞击中成熟，对当时的宫廷绘画产生了一定影响。
因其画风受中西方绘画的共同影响，所以采用中西掺和的画法，纵观郎世宁的作品绘画风格特点可从以下几类作品中比较与传统宫廷画的差异。
一、人物肖像画郎世宁在人物肖像画方面，以当时先进于中国的解剖学作为造型依据，加之擅长运用逼真画法描绘人物，体现出较强的写实能力，因而受到好奇西方学术、艺术和科技的清朝皇帝的器重。
郎世宁的肖像作品追求立体感、准确性、比例合理、晕染精细、凹凸分明。
这一类作品的特点可以从他几幅比较重要的作品当中如体现出来，其中比较典型的是《乾隆朝服像》《乾隆大阅图》《孝贤纯皇后像》《平安春信图》等。
他的肖像作品最具特点之处在于对光源的处理方面，他采用正面光源，抛弃西画过强的光影对比，迎合传统中国画，这样的革新使人物面部整体感觉更柔和更清晰，这是郎世宁欧洲画法融合中国传统技法的再创造。
二、纪实画郎世宁的纪实画作品主要有《马术图》《万树园赐宴图》《平定西域战图》《平定西域回部战图》《丛薄行诗意图》《哈萨克贡马图》等。
这些大型纪实画不仅抛弃了纪实画常用的长卷形式，也抛弃了传统中国画因封建等级制度而过度夸大帝王地位的画法，改为适当的人物比例，但在构图中将主要人物置于显著位置或者加强对主要人物的刻画来强调君主或主要人物的身份特殊性。