艺术设计学理论知识
艺术生主修知识点总结
艺术生主修知识点总结艺术生作为一种特殊的职业，需要具备一定的专业知识和技能。
主修艺术的学生需要通过多方面的学习和培训，才能成为一名合格的艺术家。
本文将对艺术生主修的知识点进行总结，包括美术、音乐、舞蹈、戏剧等多个方面。
一、美术1. 基本绘画技能绘画是美术生必备的基本技能，包括素描、水彩、油画等多种绘画技巧。
学生需要通过大量的实践练习，掌握各种绘画材料和技法，提高自己的绘画水平。
2. 艺术史知识了解各个时期的艺术流派和代表作品，掌握艺术史的发展脉络和重要人物，对于提高美术生的艺术修养和审美能力非常重要。
3. 创作理论和方法学习艺术创作的理论和方法，包括构图、色彩、表现手法等，培养自己的审美意识和创作能力。
4. 材料与工艺学习各种绘画和雕塑材料的使用方法，包括铅笔、彩色铅笔、水彩、油画颜料等，掌握各种绘画和雕塑工艺的技巧。
5. 作品展示与评价学习艺术作品的展示和评价标准，包括作品选题、构图、表现手法、色彩运用等方面的要求，提高自己的作品质量和展示能力。
二、音乐1. 基本乐理知识学习乐谱、音高、音符、节奏等基本乐理知识，掌握乐理分析和写作的基本技巧。
2. 乐器演奏学习一种或多种乐器的演奏技能，包括钢琴、小提琴、大提琴、吉他、管乐等，掌握各种乐器的演奏技巧和表演方法。
3. 音乐史与作品欣赏了解各个时期的音乐发展和代表作品，掌握音乐史的发展脉络和重要人物，提高音乐生的音乐修养和欣赏能力。
4. 音乐创作与编曲学习音乐创作的理论和方法，包括和声、曲式、编曲等，培养音乐生的创作能力和表现技巧。
5. 演出与指导学习音乐演出和指导的技能，包括指挥、合唱、独奏等方面的表演和指导技巧。
三、舞蹈1. 身体训练学习各种舞蹈动作的基本技巧和训练方法，包括柔韧性、力量、协调性等方面的训练。
2. 舞蹈基本功学习各种舞蹈基本功的技巧和表现方法，包括舞姿、步法、转体、跳跃等方面的训练和练习。
3. 舞蹈史与作品欣赏了解各个时期的舞蹈发展和代表作品，掌握舞蹈史的发展脉络和重要人物，提高舞蹈生的舞蹈修养和欣赏能力。
设计学概论知识点总结
设计学概论知识点总结第一章设计学的研究范围及其现状1、我们一般将设计学划分为：设计史.设计理论和设计批评三个分支。
2、西方美术史之父-----瓦萨里。
中国——XXX（唐）。
3、在中国古代汉语中，与西方“设计”相似的概念是“经营”（重点）和“造物”。
4、1977年英国成立了XXX，这标志着设计史正式从装饰艺术史或应用美术史中独立出来，成为一门新的学科。
5、德国建筑家、理论家XXX是将XXX进化论运用于美术史研究的第一人。
著有《工艺美术与建筑的风格》。
19世纪为设计史分离于美术史奠定坚实基础的的两位巨人——德国的XXX《工艺美术与建筑的风格》——奥地利的里格尔《风格问题》6、奥地利美术史家XXX著作《风格问题》被认为是有关装饰艺术历史的最重要的著作。
7、作为人类设计理论的最初萌芽和起点是中国古代的《考工记》和古罗马的《博物志》。
8、在西方一般以XXX著作《美的分析》为最早的设计理论专著。
9、英国“工艺美术”运动代表人物：XXX强调用手工制作来反对机器和工业化。
这场运动的第一条原则是恢复材料的真实性。
10、人类工程学：人类工程学是研究人的劳动工作能力与极限，以及如何使劳动工具、作业条件、生活道具等与人的解剖结构、生理与心理等特性相适应的学科。
11、“设计”这个词是文艺复兴时期作为艺术批评术语而发展起来的。
12、罗马的建筑师和工程师XXX《建筑十书》提到结构设计应当由其功能所决定。
13、XXX今世主义修建大家，奠定了明确的今世主义修建风格，提出“少就是多”的准绳，改变了世界修建的面貌。
XXX：提出“装饰就是罪恶”。
14、被称为战后XXX的是：XXX。
15、对当代设计学产生重大影响的两位法国结构主义哲学家是XXX和XXX-XXX。
16、今世西方重要设计思潮（1）符号学理论（德国本塞；50年代使用与修建设计）（2）结构主义（XXX的“无意识结构”概念和XXX的《神话》）（3）解构方法（引申自符号学，由60年代的XXX在《论语法学》中确立）（4）混沌理论（由60年代XXX科学家发展，80年代“创造性的混沌”开始流行，如黑川纪章的作品）（5）绿色设计（源于60年代美国的反消费运动，成为重要趋势）（6）信息技术（计算机技术和通信技术改变20世纪设计过程，尤其是功能决定方式的观念）17、符号学的代表人物：德国哲学家XXX、结构主义倡导者：法国人类学家XXX。
艺术学概念知识
艺术学概念知识一、艺术起源论1. 人类的童年：“人类的童年”是马克思和恩格斯在悟用摩尔根的原始社会史的分期时，用以比喻蒙昧时代低级阶段，指的是人类史前文化的开始时期。
原始社会是人类发展的最初阶段。
2. 人类的造物活动：劳动中工具的制造标志着从猿到人过渡阶段的结束，也标志着人类文化的起源。
制造工具最鲜明体现人类有意识，有目的的活动，从工具造型的演变上可以充分看出人类自由创造的特征，也可看出实用价值先于审美价值。
3. 艺术产生的基础：①劳动造人，是艺术的产生提供了前提。
②生产劳动实践创造了艺术的主体——人，为艺术的产生创造了前提。
4. 原始艺术的产生：①人类最初的艺术活动始于上万年前的冰河时期。
②早在人类社会发展的初期，处于蒙昧时期的人类就开始试图用神话传说来解释艺术的起源，于是西方出现了文艺女神缪斯的神话，中国出现了夏禹的儿子启偷记天帝的音乐并带回人间的传说。
5. 众说纷纭的艺术起源说：①艺术起源于“模仿”，早期的人类艺术，特别是原始艺术，“模仿”占有相当大的成分。
②艺术起源于“游戏”，仅从生理学或心理学的角度出发，艺术活动或审美活动起源于人类所具有的游戏本能。
③艺术起源于“表现”，东西方都有悠久历史，如汉代的《毛诗序》中就讲到“情动于中而形于言，言之不足故嗟叹之，嗟叹之不足故咏歌之，咏歌之不足，不知手之舞之，足之蹈之也”，西方现代主义文艺思潮的主要理论基础，就是强调艺术应当“表现自我”。
④艺术起源于“巫术”，英国著名人类学家爱德华·泰勒在他的《原始文化》书中，最早提出这理论主张，原始人思维最主要特点是万物有灵。
考古发现，早期的造型艺术也与巫术有关。
⑤艺术起源于“劳动”，19世纪末以来，欧洲大陆，民族学家与艺术史学家就广为流传。
劳动造人，也是艺术的产生提供了前提。
从艺术发生学看，生产劳动是艺术起源的根本原因。
6. 对诸多起源说的综合思考：①艺术起源于人类实践活动。
②这些说法都从某一个角度或某一个侧面探讨了艺术的产生，有助于揭示艺术起源的奥秘。
关于艺术设计的学习计划
关于艺术设计的学习计划第一部分：艺术设计基础知识在学习艺术设计之前，首先需要对艺术设计的基础知识有所了解。
这包括艺术史、设计理论以及艺术设计的基本原则和技巧等方面的知识。
对于艺术史的学习，可以通过阅读相关书籍和参观艺术馆、画廊等途径进行。
对于设计理论和原则的学习，可以通过参加相关的讲座、课程或者自学相关书籍进行。
此外，还可以通过学习一些基本的设计软件，如PS、AI等来提高自己的设计技巧。
学习目标：1. 熟悉艺术史的发展脉络，了解不同时期、不同地域的艺术风格和特点。
2. 掌握基本的设计原则和技巧，如构图、色彩搭配、形式表达等。
3. 熟练运用一些基本的设计软件，如PS、AI等。
时间安排：第一年：学习艺术史，了解各个历史时期的艺术发展脉络。
第二年：学习设计理论和原则，提高设计技巧。
第三年：学习并熟练运用基本的设计软件。
第二部分：艺术设计专业知识在学习了艺术设计的基础知识之后，接下来是学习艺术设计的专业知识。
这包括插画、平面设计、包装设计、动画设计等不同方向的专业知识。
通过学习这些专业知识，可以提高自己在特定领域的设计能力，并且找到自己的兴趣所在。
学习目标：1. 掌握一两个特定领域的专业知识，如插画、平面设计等。
2. 提高在特定领域的设计能力，形成自己的设计风格。
3. 找到自己感兴趣的设计方向，并决定未来的发展方向。
时间安排：第四年：选择一个特定领域的专业知识进行学习。
第五年：提高在特定领域的设计能力，形成自己的设计风格。
第六年：找到自己感兴趣的设计方向，并决定未来的发展方向。
第三部分：实践与经验积累学习艺术设计不仅需要理论知识，更需要实践和经验的积累。
在学习过程中，可以通过参加设计比赛、展览、实习等途径来提高自己的设计能力和经验。
此外，还可以通过参与一些社会实践项目或者与其他设计师合作来丰富自己的设计经验。
学习目标：1. 参加设计比赛、展览，提高自己的设计能力和经验。
2. 参与实习或者与其他设计师合作，丰富自己的设计经验。
设计艺术学概论知识点
设计艺术学概论知识点设计艺术学是研究设计和艺术的学科，涉及到设计原理、艺术理论和实践等方面的内容。
下面将介绍设计艺术学的几个重要知识点。
一、设计原理1. 平衡：指构图元素在视觉上的平衡感，可以通过对比大小、形状、颜色等元素来实现平衡。
2. 节奏：指作品中元素的有序重复或变化，使整个作品具有动感和节奏感。
3. 重点：指突出一个或几个元素，以吸引观众的注意力和强调重要性。
4. 间距：指构成作品元素之间的空间关系，可以调整间距来改变元素之间的相互作用。
5. 重复：指在作品中使用相同或类似的元素，以强调整体一致性和统一感。
二、艺术理论1. 色彩理论：研究色彩的原理和运用，包括色相、饱和度、明暗度等方面的内容。
2. 绘画理论：研究绘画艺术的技法和表现手法，包括线条、色彩、透视等方面的内容。
3. 雕塑理论：研究雕塑艺术的创作方法和表现手法，包括造型、材料、空间感等方面的内容。
4. 建筑理论：研究建筑设计的原则和规律，包括建筑结构、比例、功能等方面的内容。
5. 数字艺术理论：研究利用计算机和数字技术进行创作的艺术形式，包括动画、虚拟现实等方面的内容。
三、设计实践1. 平面设计：包括海报设计、包装设计、标志设计等方面的内容，主要应用于平面媒体上。
2. 产品设计：研究利用设计原理和技术对产品进行创新和改良，提高产品的功能和美观。
3. 室内设计：研究利用设计原理和空间规划对室内环境进行设计，创造舒适和美观的室内空间。
4. 网页设计：研究利用设计原理和技术对网页进行布局和美化，提高用户体验和可用性。
5. 媒体设计：包括电影、电视、游戏等媒体的视觉设计和特效制作，营造视听效果。
四、设计艺术学的发展1. 古代设计艺术：古代文明中的设计艺术，如埃及、古希腊、古罗马等。
对后世的设计产生了深远影响。
2. 现代设计艺术：19世纪末20世纪初的现代设计运动，如德国包豪斯学派、瑞士国际风格等。
3. 当代设计艺术：当代设计领域的发展和创新，包括数字艺术、可持续设计、交互设计等。
艺术设计原理
艺术设计原理艺术设计是一门综合性的学科，它融合了美学、心理学、视觉传达等多个领域的知识。
在进行艺术设计时，我们需要遵循一些基本的原则，这些原则可以帮助我们更好地进行设计创作，提高作品的审美效果和艺术表现力。
本文将介绍一些常见的艺术设计原理，希望能够对广大设计创作者有所帮助。
首先，色彩是艺术设计中非常重要的元素之一，色彩的搭配和运用直接影响到作品的视觉效果。
在进行色彩搭配时，我们需要遵循色彩搭配的原则，比如对比、类比、冷暖对比等。
同时，色彩的明度、饱和度也需要进行合理的调配，以达到视觉平衡和和谐的效果。
其次，构图是艺术设计中另一个重要的原则。
构图是指在画面中对各种元素进行布局和安排，以达到视觉上的平衡和美感。
在进行构图时，我们需要注意元素之间的比例、对称、重心等因素，同时也要考虑到画面的整体效果和视觉引导，使得画面更加具有张力和吸引力。
此外，形式和内容的统一也是艺术设计中必须要遵循的原则之一。
形式和内容的统一是指作品的外在形式和内在内容之间要相互呼应和统一，不能脱节。
一个成功的艺术作品不仅要有精湛的技法和绚丽的外表，更要有深刻的内涵和丰富的内在意义，形式和内容的统一使得作品更加具有思想性和艺术性。
最后，创新是艺术设计中非常重要的原则之一。
艺术设计是一个不断创新的过程，创作者需要不断地进行思考和尝试，寻求新的表现方式和创作手法。
只有不断地进行创新，作品才能具有新颖性和独特性，吸引观众的眼球，产生更强的艺术感染力。
综上所述，艺术设计原理是艺术设计创作者在进行创作时必须要遵循的基本规律，它们对于提高作品的艺术表现力和审美效果起着至关重要的作用。
希望广大设计创作者能够在实践中不断地总结经验，不断地提高自己的设计水平，创作出更加优秀的艺术作品。
艺术设计的概念与定义知识点整理
艺术设计的概念与定义知识点整理●设计的概念●考点●设计的概念和定义●设计词义内涵的三阶段●意匠●图案●工艺美术●易考类型●名词解释，简答，填空选择●设计的词源●设计源于拉丁文，其本义是“徽章、记号”，即事物或人物得以被认识的依据或媒介。
●在中国，“设计”最初是分开使用的，在汉语中最基本的语义是设想与计划，是在做某项工作之前预先制订方案、图样等。
●“设”指预想、策划，“计”指特定的方法策略等。
●《现代汉语词典》将其定义为：“在正式做某件工作之前，根据一定的目的要求，预先制定方法、图样等。
●Design的词源变化：Design ara(拉丁语)—-Design ara(意大利语)De segno(意大利语)—Desse in(法语)-Design(英语)“Design●内涵与重点变化的三个阶段：●古典、近代、现代三个阶段：●15世纪前后：●“以线条的手段来具体说明那些早先在人的心中所构思、后经想象力使其成形，并借助熟练的技巧使其现身的事物”即将艺术家的心中构思的作品现实化。
●18世纪：●1786年初版的《大不列颠词典》对“Design”的解释：“艺术作品的线条、形状、在比例、动态和审美方面的协调，可以从平面、立体、结构、轮廓的构成等诸方面加以思考，当这些因素融为一体时，就是产生比预想更好的效果。
●18世纪后：●突破了美术与纯艺术的范畴。
对“Design”的解释更加多样。
●Design概念源于意大利文艺复兴时期的绘画，最初是指素描、绘画。
后来人们从中理出绘画的四要素，即：设计、色彩、构图和创造。
●在美术方面，设计常指拟定计划的过程，又特指记在心里中或者制成草图或模式的具体计划。
作为名词最本质的意义是计划及至设计，即预设一定的目标并比而建立方案，是一种思维过程和一定形式、图式的创造过程。
●设计通常受到四种因素的限制：●材料的性能●材料加工方法所起到的作用●整体上各个部件的结合●使用者或受其影响者所产生效果●设计一词虽然是西语Design在现代汉语中的反映，但其西语词源学上的含义，在古代中国的文献中早已有了相对应的词义。
事业单位艺术设计知识
事业单位艺术设计知识当谈到事业单位的艺术设计知识时，这涉及到组织和管理艺术设计项目的能力和技巧。
艺术设计知识对于事业单位来说非常重要，因为它们通常需要在广告、宣传、展览等方面使用艺术设计来吸引人们的注意。
首先，艺术设计知识包括对艺术原理和设计原则的理解。
这些原则包括对色彩、形状、线条、纹理等视觉元素的理解，以及对构图、平衡、重复、对比等设计原则的掌握。
这些知识对于制定吸引人们眼球的宣传海报、展示产品的展览布局等工作非常重要。
其次，艺术设计知识还包括对不同设计风格和流派的了解。
这包括对现代艺术、传统艺术、流行艺术等不同艺术风格的认知，以及对不同艺术流派的历史和文化背景的了解。
在实际工作中，事业单位的员工需要根据不同的宣传需求和展览目的，选择适合的艺术设计风格和流派。
另外，艺术设计知识还包括对设计软件和工具的熟练运用。
事业单位的员工需要掌握Photoshop、Illustrator等设计软件的基本操作技能，以及对打印、展示等工具的使用技巧。
这些技能对于制作高质量的宣传材料和展览品非常关键。
总之，事业单位的员工需要具备一定的艺术设计知识，才能在宣传和展览等方面做出高水准的工作。
通过不断学习和实践，他们可以不断提升自己的艺术设计能力，为事业单位的发展贡献力量。
另外，艺术设计知识还包括对市场需求和用户心理的了解。
事业单位的艺术设计工作不仅仅是为了美化宣传品或展品，更重要的是要能够吸引目标受众的注意。
因此，艺术设计人员需要了解不同受众群体的审美偏好和心理需求，以便能够创作出更具吸引力的艺术作品。
此外，艺术设计知识还需要结合实际的组织管理技能。
在事业单位中，艺术设计工作通常需要与其他部门或团队协作，因此艺术设计人员需要具备良好的沟通能力和团队合作精神，能够与他人合作完成艺术设计项目。
最后，艺术设计知识还包括对法律和版权的了解。
在艺术设计工作中，需要遵守相关的法律法规和版权规定，以确保所使用的图片、文案等内容符合法律规定，避免侵权行为。
设计中的哲学知识点
设计中的哲学知识点设计是一门融合了艺术、技术和功能的学科，通过运用各种元素和原则，最终创造出有意义且具有美感的作品。
然而，设计不仅限于表面的形式与样式，它还包含了深刻的哲学思考。
在设计过程中，设计师需要考虑和运用一些哲学知识点，以更好地理解和传达自己的设计意图。
本文将探讨设计中的哲学知识点。
1. 美学与审美理论美学是研究和探讨美、艺术和审美经验的学科。
设计师需要对美学和审美理论有一定的了解，以便能够创造出引人注目和令人满意的作品。
审美理论涉及到对美的定义、审美标准和审美经验的探索。
通过学习美学，设计师可以更好地把握设计中的形式、色彩、比例、对称性等因素，提高作品的审美价值。
2. 艺术与设计哲学艺术与设计密不可分，二者相互影响，相互渗透。
设计可以被视为艺术的一种应用形式，通过艺术与设计哲学的学习，设计师可以更好地理解艺术在设计中的作用。
艺术与设计哲学涉及到对艺术中意义、表达和创造力的思考，通过学习这些哲学知识点，设计师可以更好地发掘自己的创造力，并将之运用到设计过程中。
3. 形而上学与设计形而上学是哲学的一个重要分支，关注存在、实体和本体等问题。
在设计中，形而上学的思考可以帮助设计师更深入地思考设计对象的本质和意义。
设计师需要思考作品背后的理念和观念，并通过形而上学的思考来表达出来。
例如，在产品设计中，设计师可以思考产品的功能、材料和形式之间的关系，以及产品对用户的意义和影响。
4. 伦理学与设计伦理伦理学关注道德和道德行为，设计伦理则是将伦理学的原则应用到设计实践中。
设计师需要认真考虑自己的设计对环境和社会的影响，并遵循伦理原则来创造可持续、有益且不伤害任何人的作品。
设计伦理也涉及到对原创性、剽窃和商业道德等问题的思考，设计师需要在设计中保持高度的道德标准。
5. 辩证法与设计思维辩证法是一种思维方式和方法论，强调对矛盾、变化和多样性的理解。
在设计中，辩证法能够帮助设计师看到问题的多个方面和复杂性，以及解决问题时需要综合考虑的各种因素。
艺术设计学毕业论文文献综述
艺术设计学毕业论文文献综述引言：艺术设计作为一门学科，融合了美学、审美、心理学等多领域的知识，旨在通过创造力和独特的视觉表达方式，传达情感、思想和观念。
本文旨在综述相关文献，探讨艺术设计学的研究动态和发展趋势。
一、艺术设计学的历史背景艺术设计学作为一门学科的发展可以追溯到古代文化和艺术创作。
本小节将回顾艺术设计学的历史背景，剖析其演变和发展。
二、西方艺术设计学理论西方艺术设计学理论主要包括美学、美学哲学、艺术理论等方面。
本节将分析相关理论，如Kandinsky的抽象表现主义、Gestalt原理在设计中的应用等。
三、东方艺术设计学理论东方艺术设计学理论主要包括中国、日本等东方国家的传统艺术和设计哲学。
本节将综述中国传统绘画中的构图原理、山水画中的“气韵生动”等东方艺术设计学的理论与实践。
四、艺术设计与社会文化艺术设计与社会文化紧密相连，相互影响。
本节将探讨艺术设计在社会文化方面的作用，如公共空间设计中的文化认同、艺术设计在环境保护中的应用等。
五、数字化时代的艺术设计随着科技的发展，数字技术对艺术设计产生了深远影响。
本节将研究数字化时代的艺术设计趋势，如虚拟现实在艺术创作中的应用、计算机辅助设计的发展等。
六、跨学科研究与创新设计艺术设计学与其他学科的交叉融合推动了创新设计的发展。
本节将探讨跨学科研究在艺术设计中的应用，如人机交互设计与人工智能的结合等。
七、可持续发展与生态设计艺术设计应承担社会责任，关注可持续发展和生态设计。
本节将分析艺术设计与可持续发展的关系，如再生材料在产品设计中的应用、绿色设计在建筑领域的实践等。
八、未来的发展方向与趋势本节将展望艺术设计学的未来发展方向，如人类与技术的融合、虚拟现实与增强现实的应用等。
结论：艺术设计学作为一门学科，不断与时俱进，拓展了人类对美的认知和审美体验。
通过对文献的综述，我们可以更好地理解艺术设计学的历史、理论和实践，为未来的研究和创新提供借鉴和指导。
参考文献：（这里列举了所引用的文献，按照规范的引用格式排列）。
艺术设计学理论知识
艺术设计讲义第一讲艺术设计的定义20世纪美国设计师罗维创立艺术设计中的流线型风格。
飞机、汽车、舰艇等美国艺术设计师德雷福斯1937年设计的现代电话机原型环绕我们生活的美也包括造物的美。
造物世界是艺术设计的世界……一、艺术设计观念的历史发展艺术设计（design），并不是对象的全部设计，而只是对象的艺术方面的设计。
艺术设计是现代工业批量生产的条件下，把产品的功能、使用时的舒适和外观的美有机地、和谐的结合起来的设计。
作为一种职业，它在20世纪初期诞生和形成。
其理论的基本问题是生产和艺术、效用和美的关系问题。
（一）中国艺术设计观念的形成1、春秋时代的文献中，有很多记载涉及到艺术设计的观念。
《老子》、《论语》、《大学》2、战国时期的《考工记》是我国第一部论述手工艺技术的著作，是我国古代技术史最重要的文献。
在我国器物制作史上产生了重大影响。
1、它总结了我国古代的器物制作经验，制定了器物制作的基本原则。
2、它包含着丰富的艺术设计观念。
以车为例，它关于车轮、车厢、车盖和其他部件的制作原则都充分体现了形式遵循功能的观念。
车轮的制作要使使用者感到舒适，用现代术语说，要考虑到人体工程学因素。
木车的制作还要考虑到文化象征意义。
3、明朝宋应星《天工开物》集中国传统文化和科学技术于一身，“天工开物”史“天然界靠人工技巧开发出有用之物”这四个字集中体现了中国传统的造物思想。
4清朝康熙年间李渔《闲情偶寄•器玩部》中的艺术设计观念。
他把器物看做感情的寄托。
他善于通过排列布置，使无情之物变为有情之物。
这样看待器物，就是造物在手而臻化境矣。
（二）西方艺术设计观念的1、古希腊人理解的艺术包括音乐、绘画、雕塑、手工业、农业、医药、骑射、烹调等。
艺术和技术是不同的然而相互补充的活动。
2、苏格拉底产生了美和效用的关系问题，苏格拉底把美和效用联系起来，认为没必定是有用的，衡量美的标准就是效用，有用就美。
有害就丑。
3、柏拉图区分了绝对美和相对美。
艺术设计学理论知识
艺术设计讲义第一讲艺术设计的定义20世纪美国设计师罗维创立艺术设计中的流线型风格。
飞机、汽车、舰艇等美国艺术设计师德雷福斯1937年设计的现代电话机原型环绕我们生活的美也包括造物的美。
造物世界是艺术设计的世界……一、艺术设计观念的历史发展艺术设计（design），并不是对象的全部设计，而只是对象的艺术方面的设计。
艺术设计是现代工业批量生产的条件下，把产品的功能、使用时的舒适和外观的美有机地、和谐的结合起来的设计。
作为一种职业，它在20世纪初期诞生和形成。
其理论的基本问题是生产和艺术、效用和美的关系问题。
（一）中国艺术设计观念的形成1、春秋时代的文献中，有很多记载涉及到艺术设计的观念。
《老子》、《论语》、《大学》2、战国时期的《考工记》是我国第一部论述手工艺技术的著作，是我国古代技术史最重要的文献。
在我国器物制作史上产生了重大影响。
1、它总结了我国古代的器物制作经验，制定了器物制作的基本原则。
2、它包含着丰富的艺术设计观念。
以车为例，它关于车轮、车厢、车盖和其他部件的制作原则都充分体现了形式遵循功能的观念。
车轮的制作要使使用者感到舒适，用现代术语说，要考虑到人体工程学因素。
木车的制作还要考虑到文化象征意义。
3、明朝宋应星《天工开物》集中国传统文化和科学技术于一身，“天工开物”史“天然界靠人工技巧开发出有用之物”这四个字集中体现了中国传统的造物思想。
4清朝康熙年间李渔《闲情偶寄•器玩部》中的艺术设计观念。
他把器物看做感情的寄托。
他善于通过排列布置，使无情之物变为有情之物。
这样看待器物，就是造物在手而臻化境矣。
（二）西方艺术设计观念的1、古希腊人理解的艺术包括音乐、绘画、雕塑、手工业、农业、医药、骑射、烹调等。
艺术和技术是不同的然而相互补充的活动。
2、苏格拉底产生了美和效用的关系问题，苏格拉底把美和效用联系起来，认为没必定是有用的，衡量美的标准就是效用，有用就美。
有害就丑。
3、柏拉图区分了绝对美和相对美。
美术设计知识点
美术设计知识点美术设计是一门综合性很强的学科，涵盖了广泛的内容和技巧。
对于美术设计的学习者来说，了解基本的知识点是至关重要的。
本文将就美术设计中的几个关键知识点进行论述。
色彩搭配在美术设计中，色彩搭配是非常重要的。
不同的色彩搭配可以传达出不同的情感和意义。
在进行色彩搭配时，需要考虑色彩的明度、饱和度、色相等因素。
例如，冷色调的搭配可以营造出平静、冷静的氛围，而暖色调的搭配则会给人一种热情、活力的感觉。
此外，色彩还可以通过对比和协调来表达出不同的效果，例如对比色的搭配可以产生强烈的冲击力，而类似颜色的搭配则会给人一种和谐、平和的感觉。
构图构图是美术设计中的另一个重要知识点。
构图的好坏直接影响作品的视觉效果和观赏性。
一个好的构图可以引导人的视线，突出主题，产生视觉冲击，营造出良好的平衡感。
常用的构图方法包括：对称构图、主体构图、斜线构图、黄金分割构图等。
通过运用这些构图方法，可以使作品更加丰满和生动。
此外，还需要注意空间的处理和比例的关系，以确保整个画面的和谐和统一。
线条运用线条在美术设计中是非常重要的元素之一。
不同类型的线条可以表达出不同的情感和意义。
例如，直线可以表达出稳定和坚定的感觉，而曲线则会给人一种柔和和流动的感觉。
线条还可以通过粗细、长短来表达出不同的性质和特征。
在美术设计中，掌握线条的运用技巧可以有效地增加作品的层次感和动态感。
光影处理光影处理是指在美术设计中对光线和阴影进行处理的技巧。
光影是一个作品中的重要要素，可以产生立体感和真实感。
通过对光影的运用，可以使作品更加有层次和立体感。
掌握好光影的处理技巧，可以突出主体，增加作品的艺术感。
材料运用材料运用是指在美术设计中对不同材料的运用和处理。
不同的材料有不同的特性和效果，合理运用可以增加作品的表现力和创意性。
常用的材料包括颜料、纸张、布料等。
通过对材料的运用，可以在作品中创造出丰富的质感和纹理，增加观赏性和艺术性。
总结美术设计涉及到很多知识点和技巧，上述仅是其中的几个关键要素。
艺术设计概论必考知识点
艺术设计概论必考知识点艺术设计概论是艺术设计专业的入门课程，旨在为学生提供艺术设计领域的基础知识和理论基础。
以下是艺术设计概论中必考的知识点。
一、艺术设计的基本概念和特点艺术设计是一门通过创造性思维和审美观感表达情感、传递信息的艺术形式。
它的特点包括：主观性、客观性、创造性、具象性、抽象性、形式美、功能性等。
二、艺术设计的分类和门类艺术设计可以按照不同的标准和分类方法进行分类。
按照表现形式，可以分为平面设计、立体设计和时空设计；按照应用领域，可以分为产品设计、环境设计、传媒设计等。
三、设计元素和设计原则设计元素是艺术设计中最基本的组成部分，包括：点、线、面、色彩、质感、形状、空间等。
设计原则是指在设计过程中的指导原则，如：对比、重复、平衡、对称、层次等。
四、艺术设计史艺术设计史研究从古至今艺术设计的发展历程，了解不同时期不同地区的艺术设计风格和特点，有助于提高设计师的历史文化素养和审美能力。
五、人体比例与构造人体是艺术设计的重要题材之一，艺术设计师需要了解人体的比例关系和结构构造，以便能够准确表达人体形态和形象。
六、色彩学色彩学是研究色彩的科学，对艺术设计师来说至关重要。
了解色彩的基本概念、色彩的构成、色彩的表现力和色彩的搭配原则，有助于艺术设计的创作和表达。
七、视觉传达艺术设计是一种视觉表达形式，视觉传达是艺术设计师必备的能力。
通过色彩、形状、构图、排版等手段，有效地传递信息和表达意图。
八、设计工具和软件应用艺术设计师需要掌握一定的设计工具和软件应用技巧，例如：手绘工具、平面设计软件、建模软件、渲染软件等。
熟练掌握这些工具和软件，可以提高设计效率和质量。
九、艺术设计与社会艺术设计与社会密切相关，艺术设计师需要关注社会变化、文化潮流和市场需求，将艺术设计与社会实践相结合，为社会提供优秀的艺术设计作品。
总结：艺术设计概论必考知识点包括艺术设计的基本概念和特点、艺术设计的分类和门类、设计元素和设计原则、艺术设计史、人体比例与构造、色彩学、视觉传达、设计工具和软件应用以及艺术设计与社会等内容。
艺术考研《设计学概论》重点2[整理版]
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第四章设计源流之二（西方部分）——-知识点水晶宫博览会1851年，为了炫耀英国工业进步，英国伦敦举办了19世纪最著名的设计展览——水晶宫博览会。
水晶宫的设计采用了玻璃和铁架结构，博览会对设计理念产生根本影响，各种思想争论对设计界形成强大冲击。
终于在19世纪下半叶英国引发了一场工艺美术运动。
霍塔旅馆维克多-霍塔是比利时新艺术运动的大师,霍塔是一位建筑师，他在建筑与室内设计中经常使用葡萄蔓般相互缠绕和螺旋扭曲的线条，这种线条被称为“比利时线条”或“鞭线”，它起伏有力，并成为了比利时新艺术的代表性特征。
巴黎地铁设计吉马德（Hector Guimard，1867-1942）是法国新艺术的代表人物。
法国新艺术运动受到唯美主义与象征主义的影响，追求华丽、典雅的装饰效果。
吉马德最有影响的作品是他为巴黎地铁所作的设计，所有地铁入口的栏杆、灯柱和护柱全都采用起伏卷曲的植物纹样。
这些设计赋予了新艺术最有名的戏称——“地铁风格”。
高迪西班牙新艺术运动以建筑师安东尼奥·高迪为代表，他吸取了东方风格与哥特式建筑的结构特点，并结合自然形式，以浪漫主义的幻想，将极力软化的曲线趣味渗透到三度空间的建筑之中去，巴赛罗那的米拉公寓是一个典范。
他以浪漫主义的幻想，极力使塑性艺术渗透到三度空间的建筑之中去，与比利时的新艺术运动有异曲同工之妙。
装饰艺术运动装饰艺术运动它是于1920年在巴黎首度出现的。
装饰艺术风格是一种明确的现代风格,它从各种源泉中吸取了灵感，包括新艺术，俄国芭蕾、美洲印第安艺术。
艺术装饰运动传入美国，与美国的大众文化相融合，形成了独具特点的“爵士摩登”风格。
它豪华、夸张、迷人、怪诞，主要表现在建筑设计和产品设计两方面。
在建筑设计上，一系列的大型建筑物都是艺术装饰风格的产物，如克莱斯勒大厦等，这些建筑一方面采用了金属、玻璃等新型材料，一方面采用了金字塔形的台阶式构图和放射状线条来处理装饰。
第三国际纪念塔构成主义是一战前后俄罗斯的一个先锋艺术流派。
10177设计基础知识点
2设计艺术的发展分类及特点
– 为了传达的设计——视觉传达设计 – 为了使用的设计——产品设计 – 为了居住的设计——环境设计 • 按对象存在的空间形式，可分二类： – 二维设计——也称平面设计，包括字体、标识、广告、书籍等图形设计 – 三维设计——也称空间设计，如产品、包装、展示、建筑与环境设计等 • 按其应用领域的归属，可分三类： – 工业设计——以大工业化生产为特征，以具体的物质实用功能的产品为对家的工业设计 – 环境设计——以生活环境如室内、建筑直至环境如城市规化、园林设计等为对象的环境设计 – 传播设计——以商业活动为领域，以图形、图像为媒介而进行的信息传达活动的，即为传播设计 • 国际工业设计学会联合会（ICSID）综合了美国工业设计协会（SID）与日本工业设计协会（JIDA）将现代 设计艺术分为两类： – 即以机械批量生产的产品设计和包括包装、广告、展示、室内以及开拓市场有关的传播设计 – 1平面设计艺术 • 平面设计是设计艺术中历史最长、又最具活力、应用范围最广的设计艺术形态也是视觉传达设计（ visualdesign）的主要课程 – 包括字体设计、标示设计、广告设计、包装设计、书籍艺术设计、CI设计（企业形象设计） – 图形、文字、色彩、构成是平面设计的基本元素
1绪论
– 1功能美 » 功能是非艺术品的本质特征，产品的功能是实现功利的前提，设计艺术之不同于艺术创作 的根本原因就是设计要讲功利，设计的产品必须是具有某种功能的用品，而不能仅仅是只 供欣赏的艺术品。 » 功能美是物的结构、材料、技术所表现的符合目的性和符合规律性的功能的统一 » 功能为第一要素 » 功能美所产生的多层次的审美感受，满足了人对功利与实用的双重需求： » 其一，功能美具有直接的功利性，使人在使用过程中得到物质的满足 » 其二，人与机的协调反映了机受人支配，使人获得体力和脑力解放的深层美学思想 » 其三，产品与环境的协调在更为广泛和更加深刻的背景下体现在人类利用自然规律，摆脱 束缚与重负，追求体力解放和精神自由的不懈努力
设计学概论知识点大全
设计学概论复习重点第一章知识点：1、设计学成为一门独立的学科，并且被学者们作出思辨的归纳和论理的阐述，则是20世纪以来的产物2、设计就是设想、运筹、计划与预算，它是人类为实现某种特定目的而进行的创造性活动。
设计的终极目标永远是功能性与审美性。
3、依据西方对美术学的划分方法，设计学一般划分为设计史、设计理论与设计批评三个分支。
4、吉迪恩与佩夫斯纳被称为20世纪最有影响的西方设计史学家。
5、1977年，英国成立了设计史协会，这标志着设计史正式从装饰艺术史或应用美术史中独立出来而成为一门新的学科。
6、在古代中国，与古代西方“设计”相似的概念是“经营”。
7、设计(Design)概念源于文艺复兴时期，最初是指素描、绘画8、进入20 世纪，德国包豪斯设计学校的校长格罗佩斯提出的美术和工艺、建筑相融合的设计理论有着深远的影响。
9、设计批评的任务是以独立的表达媒介描述、阐释和评价具体的设计作品，包括历史的、再创造性的和批判性的批评。
10、西方设计界从50年代开始将符号学方法用于建筑设计。
当时人们十分关注建筑的“意义危机”，认为现代建筑使环境失去了场所感，由此导致了一场功能与意义之争。
11、对当代设计学产生重大影响的两位法国结构主义哲学家是福柯和罗兰·巴特。
12、西方开启中国古代设计思想研究的工作始于20世纪初萌生的现代主义设计运动，特别是被誉为“20世纪的米盖朗琪罗”的美国建筑设计大师赖特和德国现代主义设计大师米斯·凡德洛。
第二章知识点：1、设计是以成品为目的，并具有功能性、艺术性、相应的科学技术含量和确定的经济意义，也就是说设计具有艺术、科技、经济三个特征。
2、设计的创造过程是遵循实用化求美法则的艺术创造过程。
3、工业设计是技术与艺术的结合，同时受着经济、环境、社会形态、文化观念等多方面的影响和制约，由技术设计、经济设计、艺术设计组成。
4、设计是在工业革命后开花结果的。
1785年吉米·瓦特发明了蒸汽机，彻底改变了人类的技术世界，设计也发生了戏剧性的变革。
设计学概论知识要点
《设计学概论》第一章导论：设计学的研究范围及其现状设计就是设想、运筹、计划与预算，它是人类为实现某种特定目的而进行的创造性活动。
第一节设计学的研究范围简单说来，设计就是设想、运筹、计划与预算，它是人类为实现某种特定目的而进行的创造性活动，是一种物质文化行为；设计的终极目标永远是功能性与审美性。
我们一般将设计学划分为设计史、设计理论和设计批评三个分支。
一、设计史1.1977年，英国成立了设计史协会，这标志着设计史正式从装饰艺术史或应用美术史中独立出来而成为一门新的学科，大学里美术史系也将设计史作为单独的一门课程向学生们提供。
1.美术史学上19世纪的两位巨人：森珀和里格尔，正是这两位大师通过在美术史领域作出的卓有成就的研究，而给20世纪的学者最终将设计史从美术史中分离出来奠定了坚实的设计史研究基础。
2.20世纪最有影响的西方设计史家：佩夫斯纳和吉迪恩，他们同时又是极有贡献的美术史家和建筑史家。
佩夫斯纳通过其1936年出版的《现代设计的先锋》开创了设计史研究的先河，更重要的是他通过这部著作在公众心目中创造了有关设计史的概念，进而影响了公众对于设计的趣味和观念。
吉迪恩关于“无名的技术史”的研究，将设计史的研究引入更为广阔的文化研究方法。
3.美术史学史上19世纪的两位巨人——森珀和里格尔。
正是这两位大师通过在美术史领域作出的卓有成就的研究，而给20世纪的学者最终将设计史从美术史中分离出来奠定了坚实的设计史研究基础。
森珀，是将达尔文进化论运用于美术史研究的第一人，提出唯物主义美术史论；里格尔，“装饰研究”以及“艺术意志”的提出。
二、设计理论设计是三项艺术（建筑、绘画、雕塑）的父亲。
在古代中国，与古代西方“设计”相似的概念是“经营”。
▲在西方，一般以荷加斯的著作《美的分析》为最早的设计理论专著。
现代意义上的设计理论著作是19世纪开始的，而且一般都归为两种类型。
一种是以1837年成立的设计学校为中心的设计教育理论研究，其中最重要的人物是琼斯和德雷瑟。
数学与艺术设计课程知识点
数学与艺术设计课程知识点数学和艺术设计是两个截然不同的领域，一个强调逻辑和计算，而另一个强调创造和表达。
然而，在当今的教育体系中，这两个领域开始交叉融合，以提供更全面的学习体验。
数学与艺术设计课程充满了启发和创新，让学生在培养逻辑思维和审美触觉的同时，享受学习的乐趣。
下面将介绍数学与艺术设计课程中的几个重要知识点。
1. 数学中的几何学与艺术设计几何学是数学中的一个重要分支，它研究物体的形状、大小、相对位置以及它们之间的关系。
在艺术设计中，几何图形的运用是十分常见的。
例如，画家利用几何图形的对称性和比例感来创造美感。
在数学与艺术设计课程中，学生将学习到几何学的基本概念，如点、线、面以及不同几何图形的特征和性质。
他们将通过实践应用这些知识，设计出有吸引力和协调感的图案和图像。
2. 数学符号与艺术设计数学中的符号是一种有效的语言工具，用于表达和传递数学思想。
类似地，艺术设计中的符号也扮演着重要的角色，用于传达特定的意义和感情。
在数学与艺术设计课程中，学生将学习到一些常见的数学符号以及它们的含义。
他们将探索如何将这些符号与艺术设计相结合，以创造独特的视觉效果。
3. 数学模式与艺术设计数学模式是数学中的一种思维方式，通过寻找规律和建立抽象模型来解决问题。
在艺术设计中，模式设计也是一种常见的创作方法。
通过学习数学与艺术设计课程，学生将了解到如何用数学的模式思维来进行创作。
他们将学会提取艺术作品中隐藏的模式，并尝试将它们应用于自己的设计中。
4. 数学与色彩理论色彩理论是艺术设计中的重要内容，它研究颜色的组合、对比和情感效果。
数学在色彩理论中也发挥着重要作用。
学生将学习到色彩的基本属性，如色相、饱和度和亮度，并了解到如何利用数学方法来进行颜色的混合和计算。
这将帮助学生更好地理解色彩的运用，创造出富有表现力和感染力的艺术作品。
5. 数学与透视绘画透视是艺术设计中非常重要的技巧，用于展现三维物体在二维平面上的空间效果。
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艺术设计讲义第一讲艺术设计的定义20世纪美国设计师罗维创立艺术设计中的流线型风格。
飞机、汽车、舰艇等美国艺术设计师德雷福斯1937年设计的现代电话机原型环绕我们生活的美也包括造物的美。
造物世界是艺术设计的世界……一、艺术设计观念的历史发展艺术设计（design），并不是对象的全部设计，而只是对象的艺术方面的设计。
艺术设计是现代工业批量生产的条件下，把产品的功能、使用时的舒适和外观的美有机地、和谐的结合起来的设计。
作为一种职业，它在20世纪初期诞生和形成。
其理论的基本问题是生产和艺术、效用和美的关系问题。
（一）中国艺术设计观念的形成1、春秋时代的文献中，有很多记载涉及到艺术设计的观念。
《老子》、《论语》、《大学》2、战国时期的《考工记》是我国第一部论述手工艺技术的著作，是我国古代技术史最重要的文献。
在我国器物制作史上产生了重大影响。
1、它总结了我国古代的器物制作经验，制定了器物制作的基本原则。
2、它包含着丰富的艺术设计观念。
以车为例，它关于车轮、车厢、车盖和其他部件的制作原则都充分体现了形式遵循功能的观念。
车轮的制作要使使用者感到舒适，用现代术语说，要考虑到人体工程学因素。
木车的制作还要考虑到文化象征意义。
3、明朝宋应星《天工开物》集中国传统文化和科学技术于一身，“天工开物”史“天然界靠人工技巧开发出有用之物”这四个字集中体现了中国传统的造物思想。
4清朝康熙年间李渔《闲情偶寄•器玩部》中的艺术设计观念。
他把器物看做感情的寄托。
他善于通过排列布置，使无情之物变为有情之物。
这样看待器物，就是造物在手而臻化境矣。
（二）西方艺术设计观念的1、古希腊人理解的艺术包括音乐、绘画、雕塑、手工业、农业、医药、骑射、烹调等。
艺术和技术是不同的然而相互补充的活动。
2、苏格拉底产生了美和效用的关系问题，苏格拉底把美和效用联系起来，认为没必定是有用的，衡量美的标准就是效用，有用就美。
有害就丑。
3、柏拉图区分了绝对美和相对美。
他称现实事物的美是相对美，而抽象形式如直线、圆平面和立体的美就是绝对美，是永远的美和为美而美的美。
4、西塞罗继承了苏格拉底关于美取决于功用的观点，认为有用的事物就是美的事物，并把这种观点运用到动植物和艺术中。
区分出有用的美和装饰的美。
5、古罗马维特鲁威《建筑十书》论述了造物活动中没和功用的关系。
提出了建筑的主要原则是“坚固、适用、美观的原则”。
形式美和功能美要保持某种平衡。
6、奥古斯丁区分出自在之美和自为之美。
自在之美是是事物本身的美，自为之美是一个事物适宜其他事物的美，包含着效用和合目的性的因素。
对艺术设计的启示是艺术设计都是有对象的设计，他应该针对消费者的实际需要。
7、达芬奇文艺复兴时期的设计的一些产品，体现出艺术和技术的内在的统一。
8、18世纪西方美学家看到美和效用之间的联系。
9、19世纪，随着艺术家对生产过程的介入，器物的设计和制作也被看作是一种艺术。
二、设计活动中的艺术设计设计作为一种人类有意义的活动，其含义是在正式做某项工作之前，根据一定的目的要求，预先制定方法图样等。
设计的两种表现形态：1 他只是生产过程的内部因素，没有从生产中脱离出来，产品的原型保留在生产这儿的头脑中，生产者也就是设计者。
2 设计是相对独立的活动，生产者根据设计师预先设计的图纸进行加工。
设计和生产的关系：1 设计和生产相适应，他们是一种统一的行为 2 设计适应生产3 设计独立于生产，但对生产的影响很小，4 设计独立于生产，并对生产产生重大影响，以至于生产服从于设计艺术设计三艺术设计和自主创新（一）艺术设计的复杂性和变易性艺术设计的复杂性表现为，它具有多种类型和模式。
类型的多样性，既取决于各国社会经济结构和工业发展水平的差异，又取决于艺术设计对象的差异。
艺术设计活动的复杂性和综合性，决定了艺术设计理论的复杂性和综合性，涉及哲学、社会学、美学、艺术学、经济学、文化学、人体工程学、工艺学等领域。
艺术设计的变易性也很明显。
最初它作为建筑的一部分，最有代表性的是“包豪斯”（意即“建筑之家”）的成立。
后从欧洲移植到美国，20世纪30－40年代，独立于建筑而得到发展。
美国的艺术设计主要是商业性艺术设计，以追求商业利润为目的。
在风格上，它同式样主义处在密不可分的统一中，但游离于功能之外改变产品形式。
50－60年代，德国乌尔木高等造型学校尖锐地批评了美国艺术设计的式样主义，使艺术设计摆脱式样主义。
艺术设计逐步成为既不依赖建筑、又不依赖式样主义的一种独立的活动。
（二）艺术设计是企业集成创新的重要途径2005年12月举行的中央经济工作会议指出：“要把增强自主创新能力作为科学技术发展的战略基点和调整产业结构、转变增长方式的中心环节。
” 自主创新有三种方式：原始创新，集成创新，引进消化吸收以后再创新。
基于艺术设计的以上特点，我们认为，艺术设计是企业集成创新的重要途径。
艺术设计作为集成创新，有如下特点：1．艺术设计具有原型或原生材料，也就是说，它具有供集成的客体。
而供集成的客体，不仅可以是同一种类或者相近种类的物体和现象，而且可以是比较疏远的种类的物体和现象。
不同领域的客体可以组合，甚至不是整个客体、而只是客体的一部分、或者作用原则、功能特征、知觉特征也可以集成为新的统一体。
2．艺术设计具有明确的目的性和强烈的功利性。
发明与此不同，它往往是意想不到地产生的，或者是长期实验的结果。
如：苏格兰人贝尔发明电话是原始创新，美国人德雷福斯设计了电话机的现代款式是集成创新。
3．艺术设计起着进步的加速器的作用，起着某种技术催化剂和社会催化剂的作用。
它把科学家和发明家所获得的发现、规律、原则、材料用于具体的现实，使它们进入工业、技术和日常生活中。
4．艺术设计在集成创新时产生出质量效果。
如：赋予产品以美和舒适的属性。
第二讲早期工业时期的艺术设计艺术设计作为一种职业，产生于20世纪初期。
英国人威廉•莫里斯和罗斯金被后人追溯为艺术设计的先驱者。
在19世纪末期发生的手工艺设计向工业艺术设计的过渡中，德国建筑家泽姆佩尔起到重要作用，德国艺术工业联盟则实现了这种过渡。
受到德国艺术工业联盟的影响，英国和法国早期的艺术设计也得到发展。
罗斯金是英国艺术理论家、画家、诗人和政论家，属于英国浪漫主义晚近的一代。
他提倡复兴“富有创造精神的”中世纪手工艺。
作品《建筑的七盏明灯》论述了建筑和装饰的设计原理，肯定“装饰是建筑的首要部分”，呼吁工业化的英国回到中世纪。
作为一位道德学家，罗斯金关注艺术和技术相互作用的伦理方面，从道德主义立场批判资产阶级社会。
英国19世纪中期形成的两种审美思潮——道德主义和唯美主义中，罗斯金作为道德主义的代表，认为审美和伦理是同一的，强调美的道德性；要求艺术具有高尚的道德内容，认为作品的艺术价值直接依赖于它所体现的思想的意义；丧失了美就同时意味着丧失了道德。
罗斯金主张，倒退到手工生产中去。
他并不反对技术本身，而是反对伴随技术所产生的资源严重消耗和自然环境的破坏。
基于这个原因，罗斯金严肃批评了当时著名的建筑“水晶宫”，认为它的固定，彻底破坏了自然景观。
罗斯金以文化学态度看待艺术现象，强调像阅读弥尔顿或但丁那样“阅读”过去时代的建筑。
他在手工劳动中看到创造因素，并把这种劳动诗化。
他是第一个始终不渝地把艺术、劳动和道德因素联成整体的人。
威廉•莫里斯是罗斯金的观点的最早支持者之一。
关于19世纪下半叶建筑和实用艺术发生衰落，莫里斯总结了两点：首先，资本主义只承认带来商业利润的产品是唯一的价值，制造商由于采用机器，因而能够用同样的工时和成本生产多得多的廉价产品，导致产品艺术质量下降；其次，追逐利润的物质生产的增长导致劳动分工，丧失了劳动的创造性。
他认为，每个历史时代艺术性质的决定因素是作为该时代基础的劳动的性质。
莫里斯把罗斯金的思想付诸了实践。
莫里斯的结婚新居“红房子”力求接近中世纪后期的风格。
如采用了某些哥特式细部――尖拱顶、高坡度屋顶等。
“红房子”不仅影响了私人住宅的设计，而且成为对人栖居的环境进行整体安排的范例。
莫里斯参与创办手工艺研究同业行会――英国最早的设计协会之一。
他主张把手工生产和机器生产相对立，同时他对产品结构十分关注。
莫里斯把当时英国人不喜欢公开谈论的私人住宅和居住环境问题变成讨论的对象。
他建议采用风格轻盈的室内装璜、明亮和色彩鲜明的墙纸、新的灯具和家具。
1866年展出的“绿客厅”是未来室内装璜的实验设计，和“红房子”一样获得广泛的知名度。
莫里斯以此表明艺术家参与环境设计的可能性。
在艺术理论上，莫里斯重新评价装饰实用艺术和手工艺在整个艺术体系中的地位。
如果说罗斯金注意过去时代建筑的历史方面和艺术方面，那么，莫里斯则把手工艺确定为艺术的基础。
在他看来，其他各种造型艺术是从手工艺中产生和发展起来的。
莫里斯认为，任何人都能够从事艺术创作，就像能说话一样，虽然造型艺术创作要求特殊的技能，要求学习艺术语言。
所有的人都应该被吸引到艺术创造的活动中来。
在美学理论上，莫里斯主张，每一代人都把人类所积累的文化当作遗产来接受他们知觉美和在劳动中体现美的艺术才能差不多是相等的。
而各代人之间的差异在于表现他们才能的形式。
例如，在中世纪很多人都从事艺术创作，因为他们生活在自然经济中，要为自己和周围的环境制造物品、建筑房屋。
新艺术运动“如同英国的艺术与手工艺运动一样，欧洲大陆的新艺术运动具有复兴手工艺与装饰艺术的优点。
毫无疑问，艺术与手工艺运动在追求质量坚实可靠和形式简练朴素之外，还追求比新艺术运动更高的道德价值。
艺术与手工艺运动代表一种为社会尽职的行为，而新艺术运动在本质上是为艺术而艺术。
”如果艺术与手工艺运动热衷于复兴中世纪艺术，那么，新艺术运动从大自然中吸取创作灵感。
他们以日常生活作为艺术的对象，观察自然中昆虫、植物、动物的外在形态，从中提取设计元素，发展曲线美的设计。
新艺术运动深受王尔德唯美主义美学的影响。
唯美主义者按照“纯美”的原则安排生活，主张为了美的体验而对美进行体验。
如：巴黎一个地铁入口采用金属铸造技术，模仿扭曲的树木枝干和蜿蜒的藤蔓，显得典雅而浪漫。
二德国艺术工业联盟（一）泽姆佩尔20世纪初，泽姆佩尔“对同样也重视物品纯粹目的的德国应用艺术运动有强烈的影德国的泽姆佩尔在《科学，工业和艺术》一书中阐述了工业生产领域中艺术创作的衰落，主张通过改革艺术、研究和普及器物世界的美来改变现存状况。
泽姆佩尔专门研究了科技进步成果和这些成果的审美利用之间的中间环节。
他认为，这种中间环节就是形式，它形成了物质文化领域中艺术活动的特征。
器物形式既取决于它所由制作的材料，也取决于体现原初构思的手段，以及影响某些形式形成的生产因素。
《技术艺术和结构艺术中的风格，或实践美学》：研究了艺术中造型的历史规律，阐述了形式对功能、材料和制造工艺的依赖。