油画静物中的装饰性表现手法探析
中国当代著名女画家闫平静物绘画技法探释
中国当代著名女画家闫平静物绘画技法探释作者：莫祥莹来源：《美术界》 2010年第7期TEXT / 莫祥莹闫平是中国当代重要的女性艺术家之一，她浓厚强烈的个性语言形成了自己独特的绘画风格。
绚烂的色彩、丰富新颖的画面形成了即浓墨重彩又简约温馨的画面效果。
她运用了女性特有的观察视角，关注身边的生活，体现自身的生活状态。
精心布局又显顺手拈来的画面构成，似乎一气呵成，充满了写意潇洒的韵味，给人一种酣畅淋漓的精神享受。
其中记录其琐碎生活痕迹的静物画较为完整的展现了她绘画的艺术特色。
下面将根据闫平的3 幅静物绘画来具体分析其绘画形式语言的特点。
通过剖析希望能更进一步了解艺术家的独具匠心，体验其心绪浮动瞬间对画面的精心经营。
一、《等你花开》绘画是平面艺术，而绘画的历史大部分是在表现空间。
闫平的静物作品更多地吸取了现代艺术大师灵活多变的空间表现技法。
结合自身的实践形成了其自由多变的空间组合表现手法。
例：图1《等你花开》，画面中央是一个平视视角下的花瓶形象，花瓶下面的桌面则表现出俯视的视觉效果。
与桌子紧紧相连的左侧画面是非常隐秘的镜面一角，折射着局部的花瓶和桌面。
画家运用多种视角下的空间组合、遮挡和折射主体静物的方法，把在现实中无法出现的空间关系自然和谐地结合在一起。
在整体的画面空间布局上，画家基本还是遵循了近大远小、近处清晰远模糊的处理手法，使画面整体上既增加了视觉的丰富性又营造了一种多维与平面结合的空间处理手法。
画面出现了即具有装饰意味有不失独具特点的画面效果，这样的表现手法在阎平很多的静物作品中可以看到。
二、《大非洲菊》凡成功的作品，大都具备清晰而明确的视觉层次，使观众在欣赏作品时有一个顺序。
闫平在许多静物作品中喜欢运用满构图与多个视觉点结合的形式，使作品具有丰富的表现形式和历久弥新的视觉魅力。
例；如图2《大非洲菊》这是非常典型的满构图与多个视觉注意点相结合的画面处理方式。
画面似乎被其中物体填满，没有大点面积的“空地”，但其中却没一个有孤立完整的形体。
世界名画系列之静物名画
世界名画系列之静物名画世界名画系列之静物名画1、花瓶中的蜀葵扬·凡·海瑟姆荷兰 62.1cm×52.3cm 布油彩伦敦国家美术馆藏几朵蜀葵，被画家在深沉的背景前突现了出来，玻璃花瓶隐没在花朵的背后。
这是一幅花姿娇艳的静物花卉，画面层次比较复杂，色彩分布讲究整体布局，用色沉着华丽，富于质感。
可以看出，画家接受了巴洛克画风的影响，朴实性减弱了，增强了夸饰成分把更多的注意力放在表现色彩的华丽上。
但是，静物的生动与奇妙，仍然给你以美的满足。
2、蓝色花瓶里的花束 17世纪初扬·勃鲁盖尔佛兰德斯 66cm×50.5cm 板油彩维也纳艺术史美术馆藏扬·勃鲁盖尔曾任当地大公的宫廷画师，他善画花卉和风景，绘画方法倾向于修饰，笔触细腻，色彩具有装饰性风格。
《蓝色花瓶里的花束》是用彩色线条一笔笔勾画出来的，笔细腻，力求光洁和质感，并强调明暗对比，讲究画面的韵律、节奏及色彩的响亮性。
3、有奶酪的宴席1613年弗洛里斯·凡·迪克荷兰49.5cm×77.5cm 板油彩哈勒姆哈尔斯博物馆藏这是一幅静物作品，手法细腻，色彩饱满，反映了现实生活的美满与愉悦。
桌上的静物主要是食品和水果，画家以娴熟的技巧，表现出面包、苹果、葡萄、核桃、银盘、刀具、台布的质感。
不同物品质感的差异，形成了画面中的节奏与交响，反映了一种真挚纯朴的感情。
精湛而优美的技艺背后，隐伏着尼德兰革命后的新时代给绘画带来的变化：艺术根植于生活，生动而富于诗意。
4、春天的花、苹果和梨1866年亨利·方丹－拉图尔法国 73cm ×60cm 布油彩纽约大都会博物馆藏画家以极其写实的手法，描绘了室内桌上的花瓶、鲜花、苹果、梨等物。
柔和的灰色是主调，深色的花瓶与桌子加强了色彩的层次。
黄色的苹果与淡绿的梨，因色彩的明亮而使画面变得轻松活跃起来。
花、苹果、梨都以写实手法刻画得十分逼真，体现出一种空间中的立体感。
静物中的秘密：世界静物名画解读
静物中的秘密：世界静物名画解读世界很复杂，但是艺术家不是要还原世界而是通过事物来创作自己心灵的世界。
画家们希望通过画面，使人明白，作品创作的题材并不重要，重要的是作品是否给人以想法。
他们集中精力描绘那些静止的东西，不断地修改结构，追逐色彩，通过捕捉那些简单事物的精髓，流溢出一种温暖的、令人感到亲近的真诚。
而这令人感到温暖的画作类别之一就是我们今天为大家准备的静物名画系列。
而其实静物画一度被认为是低下的画作，而纵观整个绘画发展史，静物画作也确实是少之又少，但是随着一代代画家的努力，再加上人们审美心态的变化，人们开始体会这种美的象征意义。
那么究竟这些画作有着怎样的象征意义呢？又有那些经典的静物画名作？今天的文章将为你一一解答。
1.《虚无的静物与挑刺的男孩》《虚无的静物与挑刺的男孩》彼得·克拉斯1628年现收藏于阿姆斯特丹国立博物馆虚无传达的是世间财产的转瞬即逝、徒劳无功。
时间的快速流逝以及无可逃脱的死亡，这一观念到了17世纪，就发展成了一种羽翼丰满的流派。
其标志性的表现手法是在昂贵的水果以及其他食物、时髦的盘子、盛开的鲜花和其他奢饰的东西中加入富有意味的物品。
这些绘画表达了双重的讯息：欣赏你周围的美，但是，永远记住，它是短命的。
这一静物画也告诉我们一些有关艺术家这一行业的东西——尤其是各种各样的训练阶段。
徒弟们首先学习调和色彩，然后才画复制品的速写以及对着三维空间的雕塑画素描。
这些阶段在这里都有表现。
这幅作品几近为虚幻符号大全：骷髅和人骨提醒我们某天也将死亡；钟表和冒烟的油灯恰似空玻璃杯一样，意味着在我们还未了解之前生命就结束了，就是时光飞逝的象征。
这里的小提琴，鲁特琴和笛子——也与短暂性相关，因为还有什么比音乐更为转瞬即逝呢？2.《有牡蛎、柠檬核银杯的静物画》——擅长描绘反光的大师《有牡蛎、柠檬核银杯的静物画》威廉·克拉斯·赫达1667年现收藏于洛杉矶美术博物馆赫达是荷兰17世纪黄金时期中最具才华的静物画家之一。
哈勒曼特的油画静物
——沉静而大美的精神世界
哈勒曼特是荷兰、欧洲乃至当今世界上非同凡响的写实主义静物 画家，他的写实技巧几乎达到了“极致”，更重要的是他不同于过去
古典时期的写实主义画家，他敏锐的观察力与独到的技法给画中对象
赋予了生命与精神，超脱、静谧的意境呈现出极鲜明的现代意识与韵 味，作品整体的气氛上有典雅明亮之感。尽管哈勒曼特的画风以写实 为主，却并未沦入照相写实主义一般呈现机械式的笔调，有着照片所 没有的感情与气氛，也有现实所看不到的光影变化。 更为传奇的是，这位大师从未进过正规的美术学院，长期住在远 离城市的乡下，几乎没出过国门，惟一的一次出国是几经劝说，带着 自己的作品飞到了遥远的中国台湾举办个展。这是他的第一次乘飞机， 这位艺术大师竟连安全带都无法解开。
这位伟大的荷兰画家再一次将写实油画推上新的高峰，拓展了写 实油画的内涵、范围和表现力，反衬了印象派及后印象派及现代派画 法的肤浅，印象派及后只在色彩和笔触等表现手法手段上打转转，根 本不能和写实油画画法相比，很可能在将来被证明是缘木求鱼、皇帝 的新装。亨克· 哈勒曼特对他画的每一样东西都倾注了时间、感情、情 感和爱，画面精光内敛，静谧柔和，亲切自然，色彩赏心悦目，充满 北欧童话气质，平易中有内涵，平凡中见大奇，沉静中现大美。 正是由于以上原因，他的作品也成了艺术市lmantel1945沉静而大美的精神世界哈勒曼特是荷兰欧洲乃至当今世界上非同凡响的写实主义静物画家他的写实技巧几乎达到了极致更重要的是他不同于过去古典时期的写实主义画家他敏锐的观察力与独到的技法给画中对象赋予了生命与精神超脱静谧的意境呈现出极鲜明的现代意识与韵味作品整体的气氛上有典雅明亮之感
古典油画静物知识点总结
古典油画静物知识点总结古典油画静物是艺术家们经常使用的题材之一，它不仅是对物体形态、色彩、光影等方面的考察，更是对艺术家观念和创作技法的实践。
在古典油画静物的创作中，艺术家们需要对静物进行精确的观察与描绘，同时还需要把握好画面的构图、色彩和光影等方面的处理。
下面将对古典油画静物的创作要点进行总结。
1. 静物的选取在古典油画静物创作中，艺术家们可以选择各种各样的物品作为静物，例如花瓶、水果、食品、器皿等。
在选择静物的时候，艺术家们需要考虑静物的形态、材质、颜色和光线等因素，以便更好地展现出静物的特点和魅力。
2. 视角的选择在古典油画静物创作中，艺术家们可以选择不同的视角来观察和描绘静物，例如正面、侧面、俯视、仰视等。
不同的视角可以展现出静物的不同形态和特点，给观众带来不同的视觉体验。
3. 光影的处理在古典油画静物创作中，艺术家们需要着重处理静物的光影效果，以便更好地展现出静物的立体感和质感。
在描绘光影时，艺术家们需要注重色彩的对比和过渡，使画面更加有层次和逼真。
4. 构图的处理在古典油画静物创作中，艺术家们需要注重画面的构图，即物体的位置、大小、比例和关系等。
艺术家们可以通过调整静物的位置、换位或者增减一些辅助物体来构图，以便更好地展现出画面的平衡和和谐。
5. 色彩的运用在古典油画静物创作中，艺术家们需要运用各种色彩来描绘静物，以展现出静物的质感和特点。
在运用色彩时，艺术家们需要注重色彩的明暗关系和层次感，使画面更加生动和立体。
6. 笔触的运用在古典油画静物创作中，艺术家们需要灵活运用不同的笔触来描绘静物，以展现出静物的质感和形态。
在运用笔触时，艺术家们可以通过厚薄、浓淡、勾勒、飞白等技法来描绘静物，使画面更加丰富和有趣。
7. 细节的处理在古典油画静物创作中，艺术家们需要注重描绘静物的细节，包括纹理、光影、色彩和形态等。
艺术家们可以通过放大、缩小或者特写的方式来描绘静物的细节，以展现出静物的真实与生动。
油画静物课心得体会教师
作为一名教师，我有幸参与了油画静物课的教学工作。
在这段时间里，我深刻地体会到了油画艺术的无穷魅力，以及静物画在油画艺术中的独特地位。
以下是我在油画静物课中的心得体会。
首先，油画静物课让我重新认识到了艺术的力量。
在课堂上，学生们通过观察、描绘、创作，逐渐掌握了油画的基本技巧。
他们从最初的手忙脚乱，到后来的得心应手，这个过程让我感受到了艺术的力量。
油画静物画不仅能够锻炼学生的审美能力，还能培养他们的耐心和毅力。
在这个过程中，学生们逐渐学会了欣赏美、创造美，这让我深感欣慰。
其次，油画静物课让我体会到了教师的责任。
作为一名油画静物课的教师，我深知自己肩负着培养下一代艺术家的重任。
在课堂上，我不仅要传授学生绘画技巧，还要引导他们树立正确的艺术观。
我努力做到因材施教，关注每个学生的个性发展，激发他们的创造力。
同时，我还注重培养学生的团队协作精神，让他们在合作中共同进步。
在油画静物课的教学过程中，我遇到了许多挑战。
首先，如何让学生们对油画产生兴趣，是我在教学过程中首先要解决的问题。
为此，我采用了多种教学方法，如展示优秀作品、举办绘画比赛等，以激发学生的兴趣。
其次，如何让学生们掌握油画的基本技巧，也是我需要面对的问题。
我通过耐心讲解、示范操作、个别辅导等方式，帮助学生逐步提高绘画水平。
在教学过程中，我深刻体会到了以下几点：1. 理论与实践相结合。
在课堂上，我注重理论知识的讲解，同时鼓励学生动手实践。
通过实践，学生们能够更好地理解和掌握油画技巧。
2. 注重培养学生的审美能力。
在教学中，我引导学生关注作品的形式美、色彩美、构图美，提高他们的审美鉴赏能力。
3. 培养学生的创新意识。
在绘画过程中，我鼓励学生们发挥想象力，勇于尝试不同的表现手法，培养他们的创新精神。
4. 注重激发学生的学习兴趣。
在教学过程中，我关注学生的兴趣点，通过游戏、竞赛等形式，提高他们的学习积极性。
总之，油画静物课让我受益匪浅。
在这段时间里，我不仅提高了自己的教学水平，还深刻体会到了艺术教育的价值。
油画静物的题材分类与创作方法
油画静物的题材分类与创作方法安英哲【期刊名称】《《艺术家》》【年(卷),期】2019(000)009【总页数】1页(P65-65)【关键词】静物油画; 油画静物; 创作方法; 题材分类【作者】安英哲【作者单位】辽宁省抚顺市工商银行【正文语种】中文【中图分类】J213静物油画作为一个古老绘画种类，虽然早在古罗马时期就出现过，文艺复兴之后的画家，也把静物布置在环境里，但一直没有作为主题来描绘。
到了17世纪，静物作为主题才正式确立起来，热爱生活的荷兰人对静物这一主题尤其感兴趣，使不少荷兰画家投入了相关创作，从而促使这一题材在美术史上占有一席之地。
静物油画从内容题材上大致分为四类。
第一类主题性静物油画；第二类叙事性静物油画，静物摆放内容穿插主线，带有一定的故事性；第三类场景式静物油画，通常选取储存间、厨房等生活场景；第四类节日民俗性静物油画，中西方民俗节日丰富多彩，节日的食品、节日娱乐的道具、节日的服饰等都可以成为绘画摆放的静物。
静物油画的创作大致可以分为四个步骤。
第一步确立绘画内容与题材；第二步收集绘画素材；第三步组织安排画面；第四步进行绘画。
第一步，对综上所述的几种内容进行选材，根据自己的兴趣与关注度确立自己创作的相关主题。
例如，一些人对主题性静物油画感兴趣，如偏爱娇艳欲滴的花卉，通过对各种花卉深入的观察与深研，形成花卉系列主题；还有的人对玻璃、金属器皿或瓷器尤其喜爱，通过对这些物品的深入表现，建立起自己独到的绘画语言。
第二步，收集静物素材。
确定相关主题后，就可以进行静物素材的收集与整理。
例如，将自己的风格定位为中式古典写实风格，就要收集一些古董和老物件、一些旧家具等老物品。
收集瓷器就要找一些较为经典的器型；老物件就找一些有年代感、有时间磨损痕迹的器物；选取老家具的木质不一定名贵，但要有一些雕花纹饰，最好还带些包浆。
收集了相关素材后，可对素材进行联想，寻找事物的关联性。
形成了初步的构思后，就可以进行摆放布置拍照，然后将这些照片存入电脑，建立相关主题的文件夹。
油画创作艺术表现手法
油画创作艺术表现手法油画凭借颜料的遮盖力和透明性能较充分地表现描绘对象，色彩丰富，立体质感强。
油画是西洋画的主要画种之一。
整理的表现手法，供参考！必须在每一层干透后进行下一层上色,由于每层的颜色都较稀薄,下层的颜色能隐约透露出来，与上层的颜色形成变化微妙的色调。
例如在深红的色层上涂罩稳重的蓝色，就会产生蓝中透紫即冷中寓暖的丰富效果，这往往是调色板上无法调出的色调。
这种画法适于表现物象的质感和厚实感，尤其能惟妙惟肖地描绘出人物肌肤细腻的色彩变化，令人感到肌肤表皮之下流动着血液。
它的缺点是色域较窄，制作过程工细，完成作品的时间长，不易于表达画家即时的艺术创作情感。
作画时先用单色画出形体大貌,然后用颜色多层次塑造,暗部往往画得较薄，中间调子和亮部则层层厚涂，或盖或留，形成色块对比。
由于厚薄不一，显出色彩的丰富韵意与肌理。
透明与不透明两种画法没有严格的区别，画家经常在一幅画作中综合运用。
表现处在暗部或阴影中的物象时，用透明覆色法可以产生稳定、深邃的体积感和空间感；不透明覆色法则易于塑造处在暗部以外的形体，增加画面色彩的饱和度。
19世纪以前的画家大都采用这两种画法，制作作品的时间一般较长，有的画完一层后经长期放置，待色层完全干透后再进行描绘。
即在画布上作出物象形体轮廓后，凭借对物象的色彩感觉或对画面色彩的构思铺设颜色,基本上一次画完,不正确的部位用画刀刮去后继续上色调整。
这种画法中每笔所蘸的颜料比较浓厚,色彩饱和度高,笔触也较清晰，易于表达作画时的生动感受。
19世纪中叶后的许多画家较多采用这种画法。
为使一次着色后达到色层饱满的效果，必须讲究笔势的运用即涂法，常用的涂法分为平涂、散涂和厚涂。
平涂就是用单向的力度、均匀的笔势涂绘成大面积色彩，适于在平稳、安定的构图中塑造静态的形体；散涂指的是依据所画形体的自然转折趋势运笔，笔触比较松散、灵活；厚涂则是全幅或局部地厚堆颜料，有的形成高达数毫米的色层或色块，使颜料表现出质地的趣味，形象也得到强化。
文艺复兴名画赏析静物
文艺复兴名画赏析静物文艺复兴时期的静物画以描绘静态的物体为主题，通常包括花卉、水果、器皿、食品等。
这些物体通常被摆放在一种精心设计的背景中，通过精细的绘画技巧和光影效果来表现出物体的形态和质地。
在文艺复兴时期，静物画成为了艺术家们展示绘画技巧和表现力的重要手段，许多著名的文艺复兴画家都创作了优秀的静物作品，这些作品不仅在当时备受赞赏，而且至今仍然被人们所喜爱。
其中，莱昂纳多·达·芬奇的《蒙娜丽莎》中的静物描绘是最为著名的之一。
在这幅作品中，莱昂纳多通过精湛的绘画技巧和对光影效果的把握，将蒙娜丽莎手中的水晶杯和水果描绘得栩栩如生，给人以强烈的视觉冲击力。
同时，静物的描绘也为整幅画作增添了生动的氛围，使得蒙娜丽莎的微笑更加神秘动人。
这幅作品不仅在静物的描绘上达到了极高的艺术水平，而且在整体构图和表现手法上也堪称完美，成为了文艺复兴时期静物画的经典之作。
另外，拉斐尔的《圣母子与圣安娜》中的静物描绘也是非常出色的。
在这幅作品中，拉斐尔通过对静物的精细描绘，使得整幅画作更加富有层次感和立体感。
静物的描绘不仅为画面增添了趣味和生动感，而且也为整个画面增添了一种平衡和和谐的美感。
这幅作品在静物的处理上展现了拉斐尔高超的绘画技巧和对光影效果的精准把握，成为了文艺复兴时期静物画的又一杰作。
除了莱昂纳多和拉斐尔，米开朗基罗的《大卫像》中的静物描绘也是非常出色的。
在这幅作品中，米开朗基罗通过对大卫手中的弹弓和弹弓袋的精细描绘，使得整幅画作更加生动和具有戏剧性。
静物的描绘不仅为画面增添了一种动态的张力，而且也为整个画面增添了一种紧张和悬疑的氛围。
这幅作品在静物的处理上展现了米开朗基罗出色的绘画技巧和对形态结构的深刻理解，成为了文艺复兴时期静物画的又一杰作。
总的来说，文艺复兴时期的静物画以其精湛的绘画技巧和对光影效果的把握而著称，许多著名的文艺复兴画家都创作了优秀的静物作品。
这些作品不仅在当时备受赞赏，而且至今仍然被人们所喜爱。
油画的色彩表现及技法运用分析
油画的色彩表现及技法运用分析油画是一种使用油性颜料绘制的艺术形式，具有丰富的色彩表现和技法运用。
色彩在油画中起着非常重要的作用，它不仅仅是代表事物的颜色，更是艺术家表达情感和创造效果的一种手段。
本文将对油画的色彩表现和技法运用进行分析。
油画的色彩表现具有鲜艳、明亮和丰富多彩的特点。
油画采用的颜料具有很高的纯度和饱和度，使得作品能够呈现出非常鲜明明亮的色彩效果。
艺术家通过运用色彩的对比和鲜明度来制造一种强烈的视觉冲击力，使作品更加吸引人。
油画的色彩表现可以通过明暗对比来营造形象的空间感和层次感。
明暗对比是指在画面中利用色彩的明暗变化来区分和强调不同的物体或形象，使画面呈现出深度和立体感。
艺术家可以通过调整颜料的明暗度以及运用明暗的对比来表现物体的体积、光影和质感。
油画的色彩表现还可以通过色彩的温度来表达情感和氛围。
冷色调通常给人一种安静、冷静和沉寂的感觉，而暖色调则会给人一种热情、活力和生机的感觉。
艺术家可以通过选择和运用不同的色彩温度来传达作品中所要表达的情感和氛围。
油画的色彩表现还可以通过色彩的纯度和色彩间的对比来创造想象力丰富的效果。
纯度指的是颜料的纯净度和饱和度，纯度较高的颜色会给人以强烈的刺激和冲击。
艺术家可以通过调整颜料的纯度和运用色彩的对比来制造画面中的亮点和焦点，从而吸引观众的注意力。
在油画的技法运用方面，色彩的质感是非常重要的。
艺术家可以通过运用不同的刷法和材料来表现不同的质感效果。
使用粗糙的刷子或刮刀可以表现出粗糙和纹理感，而使用细腻的刷子则可以表现出光滑和细腻的质感。
艺术家还可以通过混合和涂抹不同颜料的方式来实现色彩过渡和渐变的效果，从而增加作品的层次和立体感。
除了运用刷法和材料，艺术家还可以通过调整色彩的笔触和层次来表现不同的效果。
色彩的笔触是指艺术家在绘制画面时所使用的刷子或画笔的笔触方式，可以是粗糙、浓重的笔触，也可以是轻盈、细薄的笔触，每种笔触都会给作品带来不同的视觉效果和质感。
油画的色彩表现及技法运用分析
油画的色彩表现及技法运用分析1、色彩的明暗对比油画艺术家在创作时会利用明暗对比的方式营造出画面中各种物体的一些基本性质，比如光亮与阴暗、大小与形状等。
通过色彩的明暗对比，画面的整体感觉更加立体，更具有深度。
2、色彩的鲜艳与柔和油画艺术家可以利用色调上的不同处理方式，使得颜色在画面中呈现出鲜艳和柔和的效果。
大胆运用鲜艳的色彩可以使画面充满活力和感染力，而油画艺术家在某些画种中则更偏好把色调做的柔和，以表达出深度和艺术家对生活的细腻感知。
3、色彩的相互作用油画艺术家在创作过程中会运用协调色彩的表达方式，使画面更加具有统一性和和谐感。
同时，艺术家也可以利用这些方法来引导观众的视线动向，从而达到更好的视觉艺术效果。
1、画笔与画面的配合油画笔的种类和使用技巧多种多样，在不同画种和不同风格的油画中会呈现出千变万化的愉悦效果，其中最基本的一种表现就是画笔和画面的配合。
油画艺术家们在创作中不断探索和研究，以取得更细腻的表现效果。
2、色彩的涂布油画的色彩饱和度、色彩的涂布效果等方面会有很多不同的表现方式。
艺术家们可以利用布染或紊制的方式调整色彩的饱和度或使其像是擦拭后留下的麻纹。
这样表现的油画栩栩如生，给人以厚实感。
3、浸染效果的调节油画的浸染效果可以用来表现物体透明度的大小，艺术家可以通过浸染和固定颜色的方式来调节物体透明度和饱和度。
这种技法的使用方式虽然繁琐，但可以为油画创作带来独特的表现。
总体来说，油画艺术家在进行色彩表现和技法运用时需要不断探索和摸索，每种表达方式都可以让油画的创作更加生动、逼真。
同时，艺术家需要不断探索新的表达方式，并将其融合在自己的作品中，让作品体现出自己的风格和思想。
油画静物课心得体会怎么写
油画静物课心得体会怎么写油画静物课心得体会在这次油画静物课上，我学到了很多关于油画的基本技巧和绘画方法。
通过观察和描绘各种各样的静物，我不仅丰富了自己的感官经验，还培养了我的观察力和表达能力。
以下是我对这门课的一些心得体会。
首先，油画静物课让我对细节和光影有了更深入的理解。
在这门课上，我们使用的是油画颜料，它的颜色饱满且富有层次感。
通过掌握色彩的运用和调配，我学会了用不同的色调和明暗构造出独特的光影效果。
对于每一个静物的细节，我都仔细观察和描绘，努力捕捉那些微小的变化和细微的纹理。
这使得我的作品更加丰富和生动，同时也提高了我的绘画技巧和能力。
其次，油画静物课提醒我重视构图和比例。
在描绘每一个静物之前，我会先观察它的形状和结构，然后用简单的几何图形勾勒出基本的构图。
通过这种方式，我能够准确地把握物体的比例和位置关系，从而保证整个画面的平衡和和谐。
同时，课程还教会了我如何运用对比和重点来吸引观众的注意力，使画面更加有层次和立体感。
这些构图技巧在我的绘画中起着至关重要的作用，使我能够创作出更具视觉冲击力的作品。
另外，油画静物课让我对绘画材料和工具有了更深入的了解。
在这门课上，我们使用了各种不同类型的画笔和调色板，以及不同质地的油画颜料。
通过尝试和实践，我逐渐掌握了不同画笔和画笔笔触的运用方法，以及不同调色板上颜料的混合和调配技巧。
这使得我的作品更加丰富多样，同时也增加了我的创作灵活性和自由度。
最后，油画静物课提醒我艺术需要耐心和坚持。
在学习油画的过程中，我遇到了很多困难和挑战。
有时候，我会觉得自己无法把握形状和颜色的准确度，或者不满意自己的绘画效果。
然而，在老师的鼓励和指导下，我学会了耐心地面对困难，不断调整和改进我的作品。
通过不断的练习和努力，我逐渐提高了我的绘画技巧和艺术表达能力。
这种耐心和坚持对于我以后的学习和创作都是非常宝贵的品质。
总的来说，油画静物课对我来说是一次宝贵的学习经历。
通过观察和描绘各种静物，我不仅学到了油画的基本技巧和方法，还培养了我的观察力和表达能力。
浅析油画创作的构图与表现
浅析油画创作的构图与表现油画是一种广泛应用的艺术形式，它通过油性颜料和溶剂的混合创作出具有丰富色彩和层次感的作品。
构图和表现是油画创作中两个非常重要的要素，它们决定了作品的整体叙事和视觉效果。
在本文中，我将对油画创作中的构图和表现进行浅析。
构图是指在画布上将各种元素有机地组合在一起，形成有意义的整体结构。
好的构图能够引导观众的目光，达到良好的视觉效果。
在油画创作中，有几种常见的构图方式。
一种常见的构图方式是对称构图。
对称构图是指在画布上将元素按照中轴线对称地分布，使整个作品呈现出平衡和稳定感。
这种构图方式常被应用在具有庄重和神圣意义的场景中，如宗教题材的作品。
对称构图在传达庄重感和平衡感方面非常有效。
另一种常见的构图方式是透视构图。
透视构图是通过透视原理来创造一种深度感，并将观众的视线引导到作品的重点部分。
透视构图能够给人一种立体感和空间感，使作品更加生动和具有层次感。
这种构图方式在创作具有远景或者建筑等场景时非常有用。
还有一种常见的构图方式是黄金分割构图。
黄金分割构图是指将画布按照黄金分割比例划分成不同的部分，以此来决定画面元素的位置和比例关系。
这种构图方式能够产生一种和谐的视觉效果，使作品更加吸引人。
黄金分割构图常被应用在肖像画和风景画等领域。
除了构图，表现是油画创作中另一个重要的要素。
表现是通过绘画技巧和调色来表现出主题和情感。
在油画创作中，有几种常见的表现手法。
一种常见的表现手法是明暗对比。
明暗对比是通过绘制物体的明暗部分来表现光线和阴影的效果。
通过增加明暗对比，画家可以创造一种戏剧性的效果，使作品更加生动和有吸引力。
明暗对比常被应用在人物画和静物画中。
另一种常见的表现手法是色彩运用。
色彩运用是通过运用不同的色彩来表达作品的主题和情感。
通过色彩的鲜明和对比，画家可以创造出一种强烈的视觉效果，使作品更加丰富多彩。
色彩运用在印象派画风和现代艺术中非常常见。
油画创作的构图和表现是决定作品质量和艺术效果的重要因素。
油画静物创造中的情感表达
284油画静物创造中的情感表达★ 郑文霞油画静物属于一种有着独立精神取向、审美价值的艺术形式，虽然它的取材多来源于现实生活中习以为常的一些事物，但是通过油画静物能够完备地呈现出创作者对生活的真实体验，对艺术审美认识，对事物的情感癖好等。
本文首先说明了油画静物的情感来源，然后详细阐述了油画静物创造中的情感表达方式。
一、油画静物的情感来源——生活所谓艺术是源于生活且高于生活的，意指我们所接触、认识和了解的艺术，起源都是我们生活中所遇到的点点滴滴。
通过画家的画笔，将生活中的点滴作为油画静物创作的元素，使油画静物的作品更耐人寻味。
抽象思维是艺术创作的来源，是画家在油画静物创作的过程当中，在生活中所得到的体会和感受，进行油画静物的创作，将自身生活展示出来，使画作的创作源于内心，源于生活。
不同的画家所重视的情感是不一样的，有些画家对简单、自然的艺术美感非常重视，而不是通过非常鲜明的色彩将其表达出来，只是营造出一种朴实的艺术美。
当代画家孙昌武在开始油画静物的创作时，能够充分发挥持之以恒、脚踏实地的优点，也正是因为这些优点使他在艺术发展的道路上奠定了坚实的基础。
画家在完成画作创作时，通过情感将自身对生活的理解、看法、认知融入画作当中，使画作独具特色，让人们在欣赏画作时能够了解到画家想要表达的思想与情感。
二、油画静物创造中的情感表达1、运用情感因素体现作品生命油画静物的创作，是对创作者在自主创作过程中，对静物的深入刻画。
虽然理论上静物是静止的实物，但是在创作者进行创作的过程中，将自身的情感融入其中，那么就赋予了静物灵动的生命。
也就是当绘画艺术上升到一定的境界之后，人所看到的不再是油画的外表，而是被油画静物的内涵所吸引。
对于油画静物的观察和体会。
我们都不难发现，创作者在作画的过程中，都充分的加入了自身的情感，就像花瓶和陶罐一般，在普通人眼中陶罐过于淳朴，花瓶给人带来一种高贵和优雅的感觉，不管是从视觉还是心理上，给人带来地体验都是存在微妙的差异的。
浅谈油画中装饰性色彩的艺术表现
浅谈油画中装饰性色彩的艺术表现
装饰性色彩是指通过对色彩的选择和运用来达到装饰效果的一种表现手法。
它不仅仅是为了强调作品的视觉效果，更重要的是为了给观者带来美的享受和情感的体验。
装饰性色彩常常以明快、鲜艳、对比强烈的方式呈现，具有强烈的装饰感和视觉冲击力。
装饰性色彩在油画中的表现手法多种多样。
首先是色彩的选择和运用。
装饰性色彩常常采用一些鲜艳、明亮的色调，如红色、黄色、蓝色等，以增强作品的视觉效果。
其次是色彩的对比和搭配。
装饰性色彩常常通过对比明亮和暗淡、冷暖色调等的搭配来增加作品的层次感和光影效果，使作品更加丰富多彩。
装饰性色彩还可以通过色彩的运用形成一些特殊的效果，如色彩的渐变、色块的叠加等，以增强作品的装饰性。
装饰性色彩在油画中的艺术表现具有重要的意义。
装饰性色彩可以增加作品的视觉冲击力和吸引力，使观者更加容易被吸引和留下深刻的印象。
装饰性色彩可以丰富作品的表现力和情感表达。
通过色彩的明暗变化、对比和搭配等手法，艺术家可以更好地表达自己对对象和主题的感知和理解，使作品更具有艺术性和独特性。
装饰性色彩还可以增强作品的气氛和情感表达，使观者更加容易进入作品的世界，产生共鸣和情感共鸣。
油画的色彩表现及技法运用分析
油画的色彩表现及技法运用分析油画是一种流行的绘画技法，具有浓郁的色彩和丰富的表现力。
油画的色彩表现及技法运用对作品的质量和效果起着至关重要的作用。
本文将从色彩表现和技法运用两个方面进行分析。
一、色彩表现1. 色彩搭配油画的色彩搭配是非常重要的，艺术家需要根据作品的主题和情感来选择合适的色彩。
冷暖色调的搭配可以产生对比和冲突，增强画面的张力和层次感。
而且，对比色的运用也能够使画面更加生动鲜明，色彩更加丰富。
2. 色彩层次油画具有良好的色彩层次表现能力，作者可以通过色彩的叠加和调和来实现画面的深度和立体感。
通过浅色和暗色的搭配，利用透视和光影来营造远近之感和虚实之分，使作品更加具有立体感和真实感。
3. 色彩饱和度对于油画，色彩的饱和度可以根据作品的主题和情感来选择。
鲜艳的色彩可以产生活泼和明快的氛围，而柔和的色彩可以产生温柔和浪漫的效果。
饱和度的选择可以更好地表现画面的情感和情绪，增加作品的表现力。
二、技法运用1. 布局构图油画的布局构图是非常重要的，艺术家需要根据画面的主题和情感来设计合适的布局构图。
通过构图的设计，可以突出作品的主题和重点，营造画面的平衡和和谐。
2. 色彩运用油画的色彩运用是非常灵活多样的，可以通过颜料的叠加和调和来表现丰富的色彩效果。
在运用色彩时，艺术家可以通过颜料的涂抹和刮取来实现不同的质感和效果，增加作品的表现力和艺术性。
3. 光影处理油画的光影处理可以通过色彩的明暗对比来实现，利用色彩的渐变和层次来表现光线的反射和折射。
艺术家可以通过对色彩的处理来表现物体的质地和纹理，增加作品的真实感和立体感。
4. 笔触运用油画的笔触运用也是非常重要的，可以通过不同的笔触来表现不同的效果。
粗犷的笔触可以产生浑厚和有力的效果，而细腻的笔触可以产生柔和和细腻的效果。
通过笔触的运用，可以更好地表现作品的情感和情绪。
浅谈静物油画蕴含的艺术之美
浅谈静物油画蕴含的艺术之美摘要：对于艺术爱好者而言，静物油画是他们进入油画艺术世界的门槛，也是探索艺术的一种尝试。
现代静物油画通过多年来的创新及发展，其文化内涵越来越丰富，而且表现出来的艺术魅力也越来越独特，为了进一步深入领略静物油画蕴含的艺术之美，本文主要从几个不同的角度赏析了静物油画的艺术之美。
关键词：静物油画；艺术之美；色彩；情感之美静物油画是绘画学习者非常熟悉的一个主题，不管是从前还是后现代的画家都涉猎过静物油画这个题材，在美术行业发展的历史长河中，静物油画一直都散发着自己独特的艺术光辉。
我国现代油画艺术经过多年来的沉淀已经取得了很大的发展，并且发展成一种独立的艺术形式，通常静物油画创作的描绘对象都和人们的日常生活具有紧密的联系。
因此，取材简单、广泛，不仅可以将人们的真实生活客观地反映出来，表达人们内心的思想情感，而且也可以很好地表达画家对于现实生活中艺术美的追求，这对于提升画家的审美品质以及艺术涵养具有极其重要的现实意义。
为了进一步开拓画家的艺术生涯，非常有必要研究分析静物油画中蕴含的艺术美。
一、静物油画静物的生命之美一直以来，静物油画创作对于画家的心灵感受以及绘画语言都比较注重，虽然静物油画描绘对象都是各种各样静止不动的静物，但是也应该将静物画得形神具备、栩栩如生，让观赏者感觉画中的“静物”如同“动物”一样，应该使油画看起来有品质、极富情感，有生命，进而使人深切地感受到静物油画中静物的生命之美。
画家在创作静脉油画的过程中，首先一定要仔细观察物体，并且用心细心去体会，将自己的真情实感融入到创作中，进而通过恰当的艺术手段以及表现形式有机结合客观的物象和主观的情感，充分体现出静止物象自身的本质特征，使人们感受到艺术的生命之美。
比如，如果描绘一个长颈玻璃花瓶以及一个陶瓷，在绘画创作的过程中，画家一定要用心地一笔笔添加，每一笔都要融入自己的真心情感，一幅幅地进行创作，创作出来的每幅画都应该有其自身的意境情调，进而使描绘出来的花瓶显得温柔、细腻又高贵，描绘的陶罐显得平和又朴素，让人有一种充满生机、生命力比较强的感觉。
油画的色彩表现及技法运用分析
油画的色彩表现及技法运用分析油画是一种色彩丰富、表现力强的绘画艺术形式，它通过颜料的层层堆叠和绘画技巧的运用，实现了丰富多彩的色彩表现。
在油画中，色彩不仅是描述对象的外貌特征，更是艺术家对情感、思想和观念的表达工具。
本文将从色彩的运用和技法的使用两个方面对油画的色彩表现进行分析。
一、色彩的运用1. 色彩的对比艺术家通过色彩的对比来加强画面的视觉冲击力，增强色彩的鲜明度和层次感。
一种常用的对比方式是冷暖色的对比，通过冷色调和暖色调的搭配，能够产生明暗对比和空间深浅的感觉。
还可以通过互补色的对比来增强画面的对比度和生动感，如红绿、蓝黄等互补色的运用。
2. 色彩的层次在油画中，艺术家通常采用层层叠加的方法来塑造画面的空间感和立体感。
通过亮度和饱和度的变化，将前景、中景和背景进行分层处理，使画面呈现出远近有序的感觉。
在色彩的运用上，上层的颜色通常较浓重、纯净，而下层的颜色则较淡雅、柔和，以达到整体色彩的统一和协调。
3. 色彩的象征意义油画中的色彩不仅仅是描述对象的外貌，还具有象征意义。
不同的颜色能够唤起观众的情感和联想，并传达艺术家对主题的思考和表达。
红色往往象征着激情和力量，蓝色象征着平静和沉稳，黄色象征着愉悦和温暖等等。
通过运用不同的色彩，艺术家可以有效地传达自己的情感和观念。
二、技法的运用1. 画笔的运用油画中的画笔是艺术家表达色彩的工具，不同的画笔能够产生不同的效果。
粗笔触可以产生粗糙、有质感的效果，细笔触则能够细腻、柔和地表现细节。
艺术家经过长时间的实践积累，能够熟练地运用不同的画笔，掌握出不同的笔触效果，从而表现出丰富的色彩和纹理。
2. 勾线法勾线法是一种常用的油画技法，通过使用细小的画笔，绘制出线条和轮廓，使画面更加生动、细腻。
勾线法在描绘物体的形状和纹理时非常有效，能够突出物体的形态特征，增强画面的逼真感。
勾线法的运用需要对物体的形状和轮廓有较深的了解和观察，并且需要一定的技巧和耐心。
3. 冷热色渐变法冷热色渐变法是油画中常用的一种技法，通过将冷色和热色进行渐变，使画面产生光影变化和层次感。
对装饰性色彩在油画创作中应用的几点探讨
对装饰性色彩在油画创作中应用的几点探讨作者：沈俊杰沈九美来源：《艺术评鉴》2021年第21期摘要：油画是一种重要的艺术表现形式，其在人类社会发展史和艺术史上具有重要的地位。
而在油画创作中色彩是最为基本的语言形式，对油画创作价值的提升非常重要。
色彩又分为写实性色彩和装饰性色彩两种类型，前者是油画创作中比较常见的表现形式，也指实实在在所运用和体现的色彩，而装饰性色彩则是属于深层次的表现方式。
在油画创作中运用装饰性色彩能够将创作者的精神内涵体现出来，而且还能够对作者的思想情感进行表达，并体现出创造者的审美情趣，具有较大的实践性价值。
基于此，就围绕这一内容进行了研究，总结装饰性色彩的概念与特点，分析其作用，并结合实际情况提出装饰性色彩在油画创作中的表现和构成方式。
关键词：装饰性色彩油画创作语言形式应用策略中图分类号：J205 文献标识码：A 文章编号：1008-3359（2021）21-0043-03油画是一种较为复杂的艺术形式，在创作油画的过程中，不仅要遵循绘画艺术作品创作的客观形式与规律，而且还要充分发挥主观能动性，如此才能够创作出特色显著、内在情感丰富的油画艺术作品。
而在对油画作品评价的过程中，色彩是较为重要的评价指标，如果色彩的运用存在偏差或者搭配不合理，那么就会导致整个作品创作失败。
装饰性色彩与传统色彩相比较而言，更能够体现作者情感，彰显作者精神内涵，所以在创作油画的过程中要对装饰性色彩进行科学运用，提升对装饰性色彩的关注度。
一、装饰性色彩的概念与特点（一）装饰性色彩的概念装饰性色彩属于一种抽象的色彩表现形式，其与传统色彩是不同的，依据美学法则对作者主观情感进行发挥，并对油画作品进行装饰。
这里我们所提到的“装饰”指的是附着于物体身上的装饰，通常会对主体描述带来推动和促进作用，对作品的精神内涵等进行传递，提升作品的美感，并对作品创作的方法和材料进行体现。
装饰性色彩涵盖了灯光、点、线、面、阴影等多方面的要素，艺术家可以借助不同的构图、组合等方式组成高质量的油画作品。
从构图色彩空间等方面分析静物装饰画
从构图色彩空间等方面分析静物装饰画构图是画好色彩静物的第一步，奠定了整幅画的半壁江山，经过很多专业人士的反复研究和推敲，最能抓住考官眼球的构图法则如下。
1、整体大小比例适合，刻画每一个物体，而不是强烈的主次关系。
2、在做足充分的视觉冲击的同时，让物体达到真实自然。
3、在同等光源下，有层次的布置画面大的黑白灰关系。
4、注重透视、衬布摆放时负形的处理、画面均衡、节奏感强。
5、适合于物体多或少的各种题型。
绘画必须从作画开始就建立起对构图的审美意识和设计意识，构图是整个画面和谐的基础条件，构图可以很好地体现情感力量。
构图方法有三个要点：
1、画面主体图形的位置。
2、非主体图形的位置以及与主体图形的关系。
3、画面底形的位置以及与图形的关系。
对画面布局的掌控能力，即构图能力一幅优秀的色彩画，首先进入观看者眼睛的就是画面的整个构图和空间上的布局。
如何布局才能使色彩画面效果更优美，视觉上更愉悦，这一点尤其重要。
准确地说，构图布局是最关键最重要的一步，合理美观的构图是一幅艺术作品取得良好效果的前提。
- 1、下载文档前请自行甄别文档内容的完整性，平台不提供额外的编辑、内容补充、找答案等附加服务。
- 2、"仅部分预览"的文档,不可在线预览部分如存在完整性等问题,可反馈申请退款(可完整预览的文档不适用该条件!)。
- 3、如文档侵犯您的权益，请联系客服反馈,我们会尽快为您处理(人工客服工作时间：9:00-18:30)。
油画静物中的装饰性表现手法探析作者：赵亚楠徐刚来源：《美与时代·中》2019年第10期摘要：油画静物中的装饰性是具有时代特征的表现形式，它不仅具有美化作用，而且承载了人类对精神世界的追求和审美的认识。
文章从油画静物的装饰性起源和发展出发，客观地从构图、色彩、黑白空间以及吸收中国民間艺术元素方面阐述了油画静物中的装饰性表现手法。
关键词：油画静物;装饰性;表现手法装饰性艺术伴随着人类的发展，历经了不同时代的演变。
艺术家通过物象来营造出不同的视觉感受，促使装饰性艺术逐步从朦胧化的发展过渡到自觉的绘画历程中。
油画静物的产生和发展，几乎贯穿于油画发展的全部历程。
它所描绘的对象是我们生活中常见的物品（水果、花卉、瓷器等），并在内容上表现出油画静物固有的装饰性特征，使其内容、形式、色彩在油画静物中扮演着重要的角色。
一、油画静物的装饰性起源和发展油画最早出现于14世纪末的尼德兰，是一种以油脂为主要材料的绘画方法。
其作品具有着浓烈的宗教气息，虽然人物画局部早已含有写实静物的部分，但也只是用来进行装饰和辅助。
油画静物起源于17世纪的荷兰画派，产生了不少的优秀作品。
到18世纪，夏尔丹便是法国当时出色的代表画家之一，他的作品没有使用任何修饰手法，却又非常周密地描绘出极其平常的各种生活家庭用品，如《铜锅与鸡蛋》。
夏尔丹通过对日常生活这一题材的关注，凭借自身的力量，将静物画提升到一个相对较高的层次。
静物画过去只是学画者最初学习和训练的内容，后来却变成了主要用于装饰欧洲宫廷的画廊的重要内容。
在18世纪到19世纪，印象派的出现使装饰性色彩得到进一步提升，油画静物同样成为印象派常用的绘画题材。
在后来的近现代艺术潮流中，对静物油画装饰性的艺术探索一直没有中断。
20世纪初，西学东渐中国油画家，借鉴了印象派和印象派之后的用色和造型技法，使早期中国油画静物作品中带有一定的装饰性风格，在当时，大多油画家都受西方绘画的影响，如林风眠、常玉、潘玉良、庞薰琹、丘堤等都曾创作了很多装饰性风格的静物作品。
在近当代，中国油画静物发展更加迅速，受到立体主义、抽象绘画、波普艺术的影响，油画静物表现多种多样的风格趋向，也出现了一批优秀的油画家如吴冠中，及黄菁《罐子》、任传文《静物》、王羽天《开架图书》等优秀作品。
在如今的现实生活中，越来越多的人们使用装饰性画装点他们的生活环境，因此，油画静物中的装饰性效果越来越明显，艺术家们致力于装饰性油画的研究，趣味性与艺术性日益增强，无论题材内容还是表现形式都令人耳目一新。
二、油画静物中装饰性表现手法（一）构图的装饰性表现构图是艺术家对画面的整体把控与宏观布局。
物体形象在画面上的位置分割，以及线条、明暗、色彩等在画面中的组织，是构图的重点。
在构图的实际操作中，艺术家会更多地关注其中的艺术趣味性，而不是传统的方法。
其中的装饰性是不可回避的，艺术家们会努力挖掘自己艺术潜能，在当下众多的艺术精品中寻求构图灵感，这也是对画面形象和结构的全面经营和探索[1]。
画面构成能力的实际操作、画面装饰性的趣味表达，均是衡量艺术家是否成熟的标志。
从莫兰迪的许多作品中可以看到他采用的装饰性构图。
如他的《静物》一画，画面中描绘的是参差不齐、胖瘦不一的瓶罐，瓶罐的造型都是用简单的线条来勾勒，画面色调统一，极度平常，但若详细研究便会发现，每件物体间的距离和位置都经过精心的设计与安排，除物体固有的形态之外，物体与背景形成了错落有致的构图，和谐到极致的关系让人不由得感动，直透人的心灵，使观赏者深感其中精妙的装饰性构图方式，信服于大师的艺术才华与超人天赋。
（二）色彩的装饰性表现1.主观色彩在油画中色彩的装饰性是极为重要的，五彩缤纷的色彩表达了艺术家的内心世界。
而主观色彩是艺术家对客观物象色彩的主观感受，是艺术家在创造过程中，将艺术情感和艺术表现结合的产物，它体现了画家独有的思想情操，同样也是艺术个性的张扬[2]。
我们应将自己不同的生活体验、不同的艺术感受融汇到创作中，那不仅仅是简单的描摹物象，更应是智慧与激情的碰撞。
凡·高的作品《向日葵》就是很好的范例，画幅中从背景的色彩到花与花瓣的颜色完全是主观的，完成这些对于凡·高并不难，他的确是个天才。
我们可以在作品中看到金色的花瓣、金色的背景，厚重的、丰富的色彩让人无言以对，这些都反映了装饰性色彩的特点。
从凡·高的作品中，我们学会了如何去感受对象、感受色彩，如何用自己的方式去表现色彩。
只有投入百分之百的情感，方能像凡·高一样创作出优秀的作品。
马蒂斯是野兽主义的代表人物，他以主观色彩来构建画面的空间和情感氛围。
他认为在色彩的选择上更多是以观察后的各种经验感受为基础去表现画面。
这种观点，是油画装饰性色彩存在的主要价值之一。
在马蒂斯作品《红色时间、蓝色桌布上的静物》中，蓝色的衬布占据整个画面，静物相对很小，甚至比衬布上的花纹和褶皱都要小。
整幅画面在视觉上给人一种强烈的空间感，马蒂斯又通过主观处理把色彩搭配得简约而又巧妙，使画面看起来极具跳跃感。
2.色彩的归纳与提炼画面中的整体色彩都是由归纳与概括产生的。
首先是背景处理，装饰性的静物油画大多采用单纯色来作背景，使画面统一于一种主色调。
其次，在画面中静物的颜色尽可能地进行简化，通过做减法来概括和提炼、发现本质，提炼成一两种主色，使画面不过于繁琐。
阿利卡是法国视觉表现艺术家，他始终坚持物体本身色彩的面貌，色彩运用十分简单、概括。
在他的作品《伞》《大提琴》等作品中，将物象中的色彩稍加改变和归纳，并在统一的色调中寻找变化。
物象中单一的色彩可能会使观赏者乏味，但艺术家却能在作品中巧妙使用同一色彩，使作品单一而不单调。
3.色彩的平面性平面性作为装饰性色彩造型的重要特征，将立体的静物概括转变为平面的形式来表达。
平面化是指采用平涂的手法将静物的形体展开，以突出其造型固有的特征[3]。
三维立体的静物，在造型上通常有着丰富的条理、虚实和空间等相关特性的变化，色彩也会因周边环境的影响而发生变化。
这些是一般绘画色彩写生所要表达的因素。
装饰性色彩则是将复杂的色彩加以简约化，从而更好地突出主题，使画面更加契合形式美的法则。
维亚尔的作品具有象征、神秘的境界，单纯的色块构成画面的形象，呈现出特有的魅力。
画面将各种色块拼凑成平面图形，像是许多精致图形组成的彩色壁毯一样，具有强烈的装饰性效果。
莫兰迪的作品，大多采用平面化的方式来描绘静物。
他的作品《桌上的静物》，采用平面化的方式，对桌子上瓶罐形态的本质进行提炼，没有深入的写实刻画、明暗过渡和色彩的精雕细琢，而是以平面化的方式给予观赏者最深刻的视觉感受。
没有提炼和概括的平面化色彩，就没有生命力。
平面性色彩对物象进行概括塑造时，将一些不必要的因素去除，主要表达艺术家的思想，这是视觉艺术表现最为有力的方法。
（三）黑白空间的装饰性表现黑白空间中的装饰性在体现作品的整体效果时，主要采用黑与白两色来表现。
在不断的归纳与总结中，人们将丰富的色彩简化为黑与白两大元素，使画面的效果单纯明了，从而具有独特的魅力。
在布局方面，黑白装饰画极具创意性，为了画面的整体效果，会先确定好画面的构图方式，例如轮廓线的起伏、黑与白的分割等。
另外要强调整个画面的主次、疏密效果，才能使画面更具艺术感染力[4]。
黑白空间装饰性的造型与一般绘画造型方法有所不同，前者更具有表现力，主要表现在由点、线、形构成的黑白画面中。
黑白两色与丰富多彩的色彩相比，視觉上缺少很大的冲击力，因此在形的表现上要更加趋于丰富化。
王怀庆先生的作品是基于中国绘画黑白的传统理念而创作的。
他在画面中利用黑白表面的强烈冲突和张力，表现他的创作感受，其作品《椅》就特别集中地体现了这一绘画风格。
作品结合西方的绘画方式，用黑色线条组合的椅子，展现了艺术家对于作品细心的设计以及对于情感的释放。
作品中黑与白两色让作品从内向外体现出了一种强烈的情感魅力和视觉冲击力，最大程度上增加了画面的装饰性效果。
（四）对中国民间绘画的借鉴在油画创作中，对民间绘画元素的借鉴是不可或缺的。
木版年画以其奇特的色彩、造型、构图、题材等样式的元素特征，开辟了中国当代油画创作的新视野，中国当代油画也从木版年画中借鉴了很多的表现效果。
画家刘铁飞的油画在造型方面就吸收了木版年画中独特的因素，将中国的传统年画造型样式和西方绘画元素结合起来[5]。
他运用写实的手法表现他的作品，如《伴我童年》画面构图完整，色彩和谐，装饰性效果明显。
画家刘大鸿借鉴了中国传统民间画的色彩与形体表现，运用细线勾勒、单纯的色彩，也将木版年画中门神的气韵表现出来了。
其作品《样板卦》吸收了民间漆艺中的色彩与构图方式，色彩绚丽又不失浑厚。
中国油画静物的装饰性正是吸收了民间艺术元素的营养才得以更宽广的发展，但真正的东学西渐之路还很长。
三、结语油画及其所包含的油画静物都是经过长久的发展而形成的，这个过程是艺术家对客观世界探索和对自己内心追求的尝试。
我们除了要学习和借鉴传统艺术形式之外，也要让油画静物中的装饰性表现形式紧随时代的步伐，要不断对当代艺术形式和文化趋向进行分析，将其融入到我们的艺术创作之中，使我们创作出许多具有时代精神的作品。
参考文献：[1]魏娟.油画创作中的构成形式[D].河北师范大学，2010.[2]余岚.装饰性色彩语言在油画静物中的表现研究[D].湖南师范大学，2013.[3]尚冠男.中国当下油画色彩平面化语言表现分析[D].西南大学，2011.[4]项竞婵.黑白装饰画中装饰性与绘画性的关系探析[D].上海师范大学，2017.[5]谢光跃.浅析中国意向油画的装饰性色彩[J].美术教育研究，2012（11）：24-25.作者单位：中国矿业大学建筑与设计学院。