现代艺术作品欣赏论文
现代设计中的中国元素(大学论文 艺术作品赏析)绝对原创首发!
现代设计中的东方气质—中国传统元素提要：近几年中国风的盛行，给国际设计界注入了古老而神秘的元素。
传统的中国文化开始深入人心，设计师都在将传统的元素与现代设计风格进行提炼和融合。
在中国传统元素融入设计的一刹那，世界开始逐渐体味到中华五千年那博大精深的文化，并能深深感受到这独特的气息。
关键字：传统元素现代设计通过上课我们了解到从1919年包豪斯设计学院对艺术的设计与创新，到50年代以后出现的打破界限的后现代主义，西方国家一直在不断的发展自己艺术的道路。
他们每次的成功都会给整个世界带来不可抗拒的影响。
它们成为流行，成为时尚，成为经典。
它们也成为了国际设计界的引航者。
随着世界的发展，世界成为了一个整体。
西方的理论和风格影响着中国。
中国的设计在飞速的发展，设计师也更努力的让作品适应国际品味。
但事物都有两面性。
我们传统的名族特征如果不继续发扬的话，也会在这样的文化冲击下逐渐消失。
在现代设计中，我们更应该融入自己的元素，在设计中体现文化，让东西方的内涵相互融合。
记得老师在课上给我们看过在杭州的照片，这个古典与现代交织的城市里，每一个角落，每一个细节都是经过精心设设计的。
复古的电话亭，新与旧，黑与白，古旧与现代，这些对立的元素，在这个城市中，都得到了最美的的融合。
人们享受了繁华，也感受着素雅。
城市中的浮躁与喧嚣，就在这些古朴的韵味中被消解得一干二净。
我们也很熟悉“中国银行”的标志，那圆形的古钱币与中文“中”字完美的结合，带来的不仅是现代的气息与东方的风采。
整个标志都透着浑厚与庄重的中国气质。
传统文化的神韵与内涵在这个设计中体现的淋漓尽致。
当然这个设计也早已深入人心，这也是我心中最“中国”的设计之一。
一直以来优秀的设计都有自己独特的风格。
带有本民族元素的设计，无论他们融入了多少学到的理念，但那种强烈的民族风格特点都能沉淀其中。
这种融入设计里带有标志性的感觉，是来源于生活环境的熏陶。
我们中华名族传统元素因其丰富的文化内涵及其令人难忘的外表特征而独具风采。
(图案构成)立体构成论文(美术生艺术生必备)赏析
立体构成作品分析为了制作自己的立体构成,我查阅了很多相关资料.也从中发现了自己非常喜欢的作品.立体构成是一门研究在三维空间中将立体造型进展组合并赋予个性美的立体形态的学科。
经过自己制作立体构成，我对它也有了自己的认识。
我下面要介绍的是一组我非常喜欢的设计.应为他用了最常见的材料,制造出了一种特殊的效果.第一节〔材料，构造，制作〕看资料理解到, 设计者的材料运用的很创新,是利用生活中最常见的物质——纸。
一开始真的难以想象用纸也可以制作出这样立体的形状。
印象中的纸总给人薄弱，柔软的感觉。
但是整个作品把纸做出了坚硬厚重紧结的效果。
纸作为整个作品的原材料。
通过带状条形的环绕形成一样的形状，并利用简单的折叠、裁剪、粘贴做加工，形成花瓣的形态。
自己制作的时候，觉得最难的就是粘贴。
是点线面的组合搭配，与精细程度的最大考验。
这也是我最佩服这个作品的原因之一。
作品中每个立体图形之间细小的线的交织、点的粘贴,和面与面的角度也很讲究,细致。
每个花瓣键的角度完全一样，最细微的连接也是那么精细。
做到这样美观的效果真的很难。
花瓣统一协调,是抽象的形象.纸与纸的完美简单的组合,加上常见的纸张颜色——白色, 呈现出材料自身特有的魅力. 花瓣构造贯穿了整个作品, 从而使作品的整体性非常强。
作品中多个点同时出现时，让很多角度都可以找到视觉中心，杂而不乱。
虽然屡次的重复，但是乱而不失中心。
厚厚纸张和多个〞花瓣〞的设计可随意旋转,规律的重复连接.类似焊接的技术,让作品透着纸张与形状优美的柔和,也有一种厚重的稳固于坚强.在简洁的造型中给人带来强大的视觉冲击.立体构成与平面构成不同的是，它是有体量的。
体和量难以分割。
作品中的花瓣紧结厚实。
但是流畅的线条给人以舒适平和。
平衡能带来视觉及心理的满足，作品中点、线、面、色、空间的平衡带给人和谐的立体感。
多方位多角度的立体设计,完好美观. 没有底座的局限,随意的摆放，无论什么角度都是一种不同的管受。
现代雕塑研究论文
现代雕塑研究论文前言随着现代艺术的不断发展，雕塑作为一种重要的艺术形式也得到了越来越多的关注与探究。
在当今社会，现代雕塑早已经从传统的石、木、铜等材质中挣脱出来，而是采用了更加多元化的手段与表现形式。
本文将对现代雕塑的发展、特点以及与传统雕塑的区别进行分析与探讨。
现代雕塑的发展随着现代科技的不断进步与艺术思潮的涌现，现代雕塑也经历了不少的变革与发展。
在20世纪以来，现代雕塑开始探索更加多元化的材质，如玻璃、塑胶、水泥等，并在此基础上创造出各种奇特、独特的作品。
伴随着技术的发展，现代雕塑形式也日益多样化，不再限于三维空间内创造物体的作品，更多采用了数字技术等新兴技术手段进行创作，打破了传统艺术的束缚，开创了一种全新的艺术形式。
现代雕塑的特点现代雕塑在形式与表现上都不同于传统雕塑，具有以下几个鲜明的特点：1. 以现代科技手段为支撑现代雕塑借助现代科技手段进行创作、设计，如计算机辅助设计和三维打印技术等。
这些先进的技术手段为艺术家提供了更加多元化的操作方法，使得艺术家可以更加灵活地表达他们的作品。
2. 材质的多样化与传统雕塑只使用大理石、青铜、石膏等有限的材质不同，现代雕塑采用的材质更加多样化，有金属、树脂、玻璃、塑料、布料等许多不同的材质，使得作品的形态更加丰富多彩。
3. 技法的创新现代雕塑技法相对于传统雕塑也有了很大的变革。
现代雕塑借助计算机技术，可以实现对三维物体（如石膏、泥塑等）的扫描、修整、设计和打印等过程，节省了大量的手工创作时间，也提高了作品制作的精度和细节。
4. 融入社会文化环境现代雕塑不仅追求艺术性和美感、形式新颖，更融入社会文化环境，让观众在欣赏作品的同时，也能够领略到作者对社会问题的认同与探索。
这种融合也进一步加深了作品的内涵与意义。
现代雕塑与传统雕塑的区别与传统雕塑形态单一、材质较少等特征不同，现代雕塑充分利用了新技术、新材料的优势，作品形态、造型等更为多元、自由。
传统雕塑通常偏重于建筑与公共雕塑等传统领域，而现代雕塑则更加注重艺术性与创新性，关注人类社会与个体生命的关系、文化内涵等方面，更具有现代价值与文化意义。
美术鉴赏论文2000字
美术鉴赏论文2000字
（未细分论题）
对于现代人来说，艺术已不是奢侈品，而成为我们日常生活中不可或缺的部分。
艺术
有着自己独特的语言和表达方式，以此来表现作者的观点和创意。
对于观众或欣赏者来说，欣赏艺术也是一种沟通方式。
细读艺术作品，我们不仅可以了解到创作者，也可以了解到
自己，了解自己的思想和内心世界。
在艺术鉴赏的过程中，我们需要具备一定的专业知识。
例如可以从色彩学、构图学、
线条学等方面来分析和解读一幅画作。
当我们能够看到画作中的线条、颜色和形状时，自
然而然地会去考虑创作者的主题和意图。
这个过程需要我们慢慢的去琢磨，深入了解，才
能达到对作品的深度理解和感悟。
艺术的崇高之所以能感染我们，正是因为它具有无限的想象力，创造力，和表达力。
这些艺术元素可以帮助我们更好地感受作品，更深刻地理解作品中所蕴含的意义和精神内涵。
同时，艺术也可以帮助我们增强自我认知和情感体验，从而从中汲取生命的智慧和启示。
最后，艺术是一种文化传承和创新的形式。
在艺术鉴赏中，我们需要重视传统艺术与
当代艺术的结合，不断挖掘和创新。
艺术的魅力在于它的多样性和变化性。
无论何时何地，都可以找到自己喜爱的艺术形式和表达方式。
在整个鉴赏学习过程中，带着真诚的态度，认真的去感悟和理解艺术，才能真正的体
会到艺术所带来的美好与乐趣。
论文《毕加索艺术作品赏析》
毕加索艺术作品赏析津津【摘要】毕加索是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。
他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到部的统一与和谐。
他有过登峰造极的境界，他的作品不论是瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。
在他一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。
【关键词】简介作品及风格艺术成就评价一、毕加索简介毕加索（1881年10月25日—1973年4月8日）是西班牙画家、雕塑家、剧作家、诗人，法国共产党党员，是现代艺术(抽象派)的创始人，西方现代派绘画的主要代表。
他自幼有非凡的艺术才能，他的父亲是个美术教师，又曾在美术学院接受过比较严格的绘画训练，具有坚实的造型能力。
毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用。
他一生中画法和风格几经变化,分为这样几个时期：“蓝色时期”，“玫瑰红时期”，“黑人时期”，“立体主义时期”（分成分解和综合两种形式），“古典主义时期”，“超现实主义时期”，最后是“抽象主义时期”。
毕加索一生是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。
他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到部的统一与和谐。
他有过登峰造极的境界，他的作品不论是瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。
在他一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。
他说过：“当我们以忘我的精神去工作时，有时我们所作的事会自动地倾向我们。
不必过分烦恼各种事情，因为它会很然或偶然地来到你身边，我想死也会相同吧！”他静静地离去，走完了九十三岁的漫长生涯，他如愿以偿地度过了一生。
二、毕加索的风格毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用。
美术鉴赏论文2000字
美术鉴赏论文2000字选取的作品是中国现代画家齐白石所创作的《荷花》。
首先从艺术风格入手，这幅画作使用了传统水墨画的技法，采用单色与水墨浓淡的变化进行表现，以及传统中国花鸟画中的“以写为主”的理念，即通过写意的笔墨表现画面的主体，流露画家的情感。
而此幅画画家则采用了飘逸、灵动、清秀的笔法和色彩，巧妙地将荷花、蝴蝶等自然元素与抽象形式融合在一起，体现了“形在意先”的表现手法，即将自然万物和人文情感融为一体，反映出传统文化对审美的追求。
其次从艺术技法的角度来探究，这幅画在手法上使用“点、线、面、墨”的技法进行表现，来刻画荷叶、荷花、蝴蝶的轮廓和质感，并通过墨渍、淋墨、拂墨等技法，将画面的色彩、光影表达得淋漓尽致。
而画家则通过字形、符号等方式创新性地表现了荷花的纹路和质地，使画面形象和情感达到了一种和谐、舒适和优美的状态。
再从艺术手法的表现入手，这幅画作通过“神似”、“虚实结合”、“虚与实之间”等方式表现了画家的艺术手法。
画家通过描摹自然界中的荷花、蝴蝶等富有生命力的自然元素，并将其与艺术表现结合起来，融为一体，形成了一种感性和理性的统一，表达了一种无与伦比的审美情趣。
虚实的结合也表现了画家的表现技法，针对不同的视觉效果，采取不同的表现方式，如荷花的装饰性、蝴蝶的形象逼真等，让人不仅能欣赏到画面的美，同时也能够体验到深层次的文化真谛。
最后，值得一提的是做出这幅作品的艺术家，齐白石是一位卓越的中国画家，其艺术理念和表现方式均非同一般，在中国画的创作中产生了深远的影响。
他将传统文化和新的艺术表现法相结合，探究出了一条独具特色的艺术之路，成为了中国现代画坛上的翘楚。
综上所述，从艺术风格、技法、艺术手法的表现以及做出这幅作品的艺术家等方面来进行美术鉴赏，不仅能够使人更深入地认识一件艺术作品，而且还能够帮助人们更好地理解和欣赏中国传统文化和艺术魅力，从而提高人们的审美水平和文化素养。
推荐优秀的中国剪纸艺术论文范例欣赏(共3篇)
推荐优秀的中国剪纸艺术论文范例欣赏（共3篇）第1篇：浅谈中国剪纸艺术对泰国学生的教学意义一、中国艺术剪纸 1.中国剪纸概述。
剪纸这门艺术来源于民间，它与人们的生活有密切的关系，常出现在房间装饰，门户窗花上，被运用于各个地区和民族的传统节日庆祝、婚庆典礼等活动中。
它的工具简单，有剪刀、纸、刻刀等一应俱全。
创作者也都来自民间，内容反映生活，真正体现了“艺术源于生活”。
由于创作主体的民间性，使得剪纸作品生活化，并且灵活多变，花样丰富，这就构成了剪纸灵巧生动而又生活化的特点。
劳动人民通过一把剪刀在纸上灵活地剪出各种图案，或大或小或繁或简，表达着人们对美好生活的向往。
2.中国剪纸的意义（1）文化。
剪纸作为中国民间传统工艺，与其他的民族传统文化一样，经过了千年的历史积淀，成为中国文化不可或缺的一部分，不仅丰富了中国文化，更加反映出劳动人民丰富多彩的生活。
（2）社会民俗。
在中国古代，剪纸艺术的社会功能主要用于民俗，它是古代劳动人民在农耕社会生活中创造、流传、享用的一种民间艺术，是劳动人民生活中的一部分，与中国农耕社会的民俗文化融为一体。
我们后人可以从取向和表现形态上看出古代民俗心理和民俗活动的传承。
（3）审美。
剪纸艺术能够给人带来身心愉悦感。
在特定的情境下，还能引发人们的想象力，从更深的层次去感受、体验它。
更高层次上说，民间剪纸反映着民族精神，赏心悦目的美感，表示人们有了对幸福生活的追求，以及对美好生活的向往。
3.中国剪纸的造型特点。
在汉唐时期，就有了“剪纸为小幡”之说，如用金箔镂刻的“华胜”残片是保留至今的唐代剪纸形式作品。
后来发展为在节日中以色纸剪成各种花草、动物或人物故事贴在窗户上或门楣上作为装饰，逐渐变成了有欣赏性又有实用价值的手工艺术品。
目前，中国剪纸在传统的基础上不断拓展，现已延伸到书籍装帧、贺卡设计、商品包装上了。
大量新的造型、别致新颖的构图呈现在人们面前，同时还被赋予了新的内容和生命力。
与中国剪纸相比，外国剪纸的特点是造型单纯、突出外轮廓，作品的取材有生活场景、童话、寓言故事等，还有的是将不同色彩的剪纸通过拼摆组成装饰画。
美术论文鉴赏优秀3篇
美术论文鉴赏优秀3篇美术鉴赏论文篇一从《瑞鹤图》谈美术鉴赏的意义经过这一段时间美术鉴赏课的学习，我想从一幅花鸟画，《瑞鹤图》简单谈一下美术鉴赏的意义。
那么要谈美术鉴赏的意义，首先我们要知道什么是美术鉴赏。
了解了什么是美术鉴赏，下面就要说说美术鉴赏的意义。
既然是鉴赏美术作品，那美术鉴赏的意义就首先是美术作品的意义。
而美术作品的意义又分为本身意义及延伸意义。
其本身意义就是说我们看到一件美术作品时所获得的美感和愉悦感。
拿《瑞鹤图》来说，此图绘彩云缭绕之汴梁宣德门，上空飞鹤盘旋，鸱尾之上，有两鹤驻立，互相呼应。
画面仅见宫门脊梁部分，突出群鹤翔集，庄严肃穆中透出神秘吉祥之气氛。
此幅一改常规花鸟画构图的传统方法，将飞鹤布满天空，一线屋檐既反衬出群鹤高翔，又赋予画面故事情节，此在中国绘画史上是一次大胆尝试。
绘画技法尤为精妙，图中群鹤如云似雾，姿态百变，无有同者。
更为精彩之处，天空石青满染，薄晕霞光，色泽鲜明，鹤身粉画墨写，睛以生漆点染，顿使整个画面生机盎然。
卷后为徽宗瘦金书题记及诗，款“御制御画并书”，签押“天下一人”，观其书风，健笔开张，挺劲爽利，侧峰如兰竹，媚丽之气溢出字里行间。
看到此图后，我们为之一震。
一片生机跃然纸上。
我们在看图的同时，也得到了美的享受。
这就是其本身意义。
北宋政和二年上元之次夕（即公元1112年正月十六日），都城汴京上空忽然云气飘浮，低映端门，群鹤飞鸣于宫殿上空，久久盘旋，不肯离去，两只仙鹤竟落在宫殿左右两个高大的鸱吻之上。
引皇城宫人仰头惊诧，行路百姓驻足观看。
空中仙禽竟似解人意，长鸣如诉，经时不散，后迤逦向西北方向飞去。
当时徽宗亲睹此情此景兴奋不已，认为是祥云伴着仙禽前来帝都告瑞，国运兴盛之预兆，于是欣然命笔，将目睹情景绘于绢素之上，并题诗一首以纪其实。
但“祥瑞之兆”却难以挽回衰败的国运，此后第十五年，即公元1127年，金兵攻陷都城汴梁。
宋朝军民纷纷起来抗击金兵，金人自知无力吞下这个腐朽然而却十分庞大的仅仅通过一幅画，我们就了解到这么多的历史文化知识，我们的文化底蕴、艺术和文化素养得到极大提高。
美术鉴赏论文2000字
美术鉴赏论文2000字喜欢的艺术品以及其背后的文化意义艺术是人类思想情感的表达，是文化的载体，每一件艺术作品都有其独特的魅力和内涵。
在我个人来说，我最喜欢的艺术品是梵高的《星夜》。
这幅画作是梵高创作于1889年的一幅油画，目前收藏在纽约现代艺术博物馆。
《星夜》以深蓝色为主色调，展现了一个寂静而宁静的夜晚景象。
梵高在《星夜》中运用了浓烈的笔触和强烈的对比，给人一种既静谧又动感的感觉。
画中的星空被细密的笔触描绘出来，星星闪烁，给人以无尽的遐想和憧憬。
天空中的月亮像一只神圣的灯笼，照亮了整个夜晚。
而画面中的村庄和教堂则被暗色的轮廓勾勒出来，给人一种安祥的感觉。
画中的一棵高大而苍劲的柏树也给人带来一种生命力的感觉。
这幅画作以其独特的色彩和形式表达了梵高内心世界的情感和体验。
梵高是一位独具才华的画家，他在晚年经历了精神困扰和孤独的日子，但他通过绘画来表达自己的情感和内心的呐喊。
《星夜》可以被视为梵高内心情感的一种宣泄，他把对自然界和生命的热爱和向往溶于画作之中。
除了艺术本身的美感之外，艺术作品还具有丰富的文化意义。
《星夜》是法国后印象派的代表作品之一，它代表了19世纪末法国艺术家在绘画中对自然界的独特表达方式。
后印象派画家追求生活的本真和感知的瞬间，他们将视觉体验与情感相结合，创造出了独特的艺术风格。
《星夜》还是梵高艺术创作风格的典型代表。
梵高的画作以其浓烈的色彩和独特的笔触著称，他用丰富的油画技法表达自己对自然和人类情感的感悟。
他用独特的形式和艳丽的色彩描绘出自己对自然和生命的热爱，表达了他对生活的独特见解。
我喜欢的艺术品《星夜》以其独特的美感和丰富的文化意义给我留下了深刻的印象。
这幅作品展示了梵高强烈的表达欲望和对自然界和生命的热爱，也代表了法国后印象派和梵高独特的艺术风格。
通过欣赏这幅画作，我深深地感受到了艺术的力量以及艺术家对生活和情感的独特见解。
关于艺术的论文4篇
关于艺术的论文4篇艺术体现和物化着人的一定审美观念、审美趣味与审美理想。
下面给大家带来关于艺术的论文，欢迎大家阅读。
篇1：关于艺术的论文艺术观念与艺术表现摘要：在现代主义之后，艺术不再是拥有高超的绘画技能的代名词，西方教育界普遍将其定义成“视觉艺术”，使艺术外延到一切可使用的艺术手段和材料，艺术家充当思想家和科学家的角色得到延续。
自从1964年4月安迪沃霍尔在纽约首次举办的雕塑展上展出了他的著名作品“布里洛包装盒”后，在美国著名艺术评论家阿瑟丹托的内心产生巨大的震动，在他的笔下，“布里洛包装盒”跨越时间、历史、地域的界限，成为推动艺术发展史进程的象征物，并发出“艺术终结了”的呼喊。
这种观念不断引发人们对艺术的定义及其本质的重新思考，如何平衡艺术品中的观念与技术成为艺术家们开始探索的新课题。
关键词：观念;艺术表现;时代语境;同一性促使我写这篇论文的原因有两个：一个是笔者发现，在学习油画的过程中学生提问最多的问题就是油画的技法是什么？二是大多数人在看过越来越多的现当代艺术品后都会质疑，看似没有任何技术含量的艺术作品何以有如此成就？带着这些问题我开始查阅资料，从出现在现当代艺术转折点上的艺术品开始研究这个问题。
在过去7年的学院式教育环境成长过程中，我们更多接触到的是19世纪以前，更确切地说是梵高以前的艺术，对于梵高之后知之甚少，学院教育索性很少提及这段历史，学艺术的学生敏感一些的或多或少都能感受到这种空白感。
为了在艺术这条路上更好、更稳地走下去，我们不能跨越任何空白，这个空白或许会成为艺术道路上的阻碍。
因为20世纪的艺术完全打破了旧有的绘画模式，观念艺术的范围除了绘画还延伸到雕塑、摄影、装置艺术、环境艺术、大地艺术、行为艺术等等。
笔者希望可以通过对20世纪部分艺术的研究，解答艺术家是如何平衡艺术品的观念与技术，并达到一定艺术高度的问题。
整个20世纪发生了两次轰动全球的世界大战，一战造成了欧洲势力的衰弱和分裂，美日随之兴起，世界格局发生了巨大的改变，艺术也随之发生变化。
有关插花艺术赏析论文
有关插花艺术赏析论文插花艺术也同样受到自然条件,历史文化,社会活动,个人修养等多方面的影响。
由于受多方面因素的影响,插花艺术才形成不同风格的具有民族特点的插花艺术流派。
下面是今日首发小编为大家整理的插花艺术赏析论文，供大家参考。
插花艺术赏析论文范文一：艺术插花及环境布置艺术插花是指将剪切下来的植物的根、茎、叶、花、果作为素材，经过一定的技术(修剪、整枝、弯曲)和艺术(构思、造型、设色)加工，重新配置成一件精致美丽、富有诗情画意，能再现大自然美和人工美的花卉艺术品。
插花看似简单容易，但要真正插成一件好的作品却并非易事。
因它不是单纯的各种花材的组合，也不是简单的造型，是溶生活情趣、文化知识、艺术修养为一体的一种艺术创作活动。
插花界的朋友都认为：插花是用心来创作花型，用花型来表达心态的一门造型艺术。
一、艺术插花的种类和特点插花种类从形式上可分瓶插、盆插、悬挂式插花、异型花器插花、花篮插花、花架插花、人造花插花等。
从风格上可分东方式插花、西方式插花、现代自由式插花。
(一)东方式插花：是以中国和日本为代表的一种插花形式。
由于受东方各国传统文化和习俗影响，它和东方园林一样特别崇尚自然，师法自然而高于自然，善于利用花材的自然美来感人。
讲究借物寓意，以形传神。
东方式插花选材讲究简练，以少而精的花材有机组合取胜，造型注重自然，以流畅线条勾勒为主，形体小巧玲珑，色彩朴素淡雅，意境含蓄深远，主题突出，耐人寻味。
因而东方式插花以形式美和意境美著称于世。
日本插花：插花在日本称为花道，公元六世纪至七世纪初，日本飞鸟时代圣德太子派小野妹子来中国(隋朝)建立邦交，作为遣隋使节的他，在潜心研究佛学之时，兼学佛教插花，回到日本后，将日本当时的佛前供花发展起来，形成池坊花道。
它是日本插花史上最为悠久的插花流派。
中国插花进入日本后，经几代插花艺术家的不懈努力，已形成目前3000多个流派，其中的池坊流、草月流、宏道流、小原流，为日本著名四大插花流派。
3000字艺术鉴赏论文
3000字艺术鉴赏论文篇一：蒙娜丽莎鉴赏论文3000字摘要：蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题。
于美、智慧、永恒，三位一体，极致的搭配，再无超越的可能。
就这样，蒙娜丽莎带给人们无限美好的遐想，也给人们无限沉重的压力。
自问世至今，将近五百年，后人不知做过多少品评和揣测，留下越来越多的迷局。
关键词：蒙娜丽莎、达．芬奇、卢浮宫、疑问、猜测正文：当今，世上有研究《蒙娜丽莎》的专著数百部，而有近百名学者将此画作为终身课题。
时间的推移不会使疑团得到解决，只会随着研究的深入，将更多的疑惑留给后人。
人们过分地喜爱她。
无止境地探讨她那难以觉察的、转瞬即逝然而亘古不变的微笑，那洞察一切而又包容一切的眼神，那端庄沉稳的姿态，高贵而朴素的装束，以及无懈可击的完美构图。
人们既愿意栖身她的庇荫，吸取滋润的营养；又渴望走出她的阴影，呼吸自由的空气。
多少年了，无数醉心绘事的人，都为这一重矛盾所困扰。
蒙娜丽莎的微笑》创作于16世纪初文艺复兴盛期，当时的社会基本价值观在一定程度上摆脱了中世纪教会和宗教思想的控制，强调人本主义的思想。
达芬奇在人文主义思想影响下，着力表现人的感情。
在构图上，达芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图，透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜·丽莎就显得更加端庄、稳重。
画中的主人公是当时的新贵乔孔多的年轻的妻子蒙娜·丽莎，这幅画历时4年完成。
那时，蒙娜丽莎的幼子刚刚夭折，她一直处于哀痛之中，闷闷不乐。
为了让女主人高兴起来，达芬奇在作画时请来音乐家和喜剧演员，想尽办法让蒙娜丽莎高兴起来。
这幅画完成后，端庄美丽的蒙娜丽莎脸上那神秘的微笑使无数人为之倾倒。
而随后人们即以“蒙娜丽莎的微笑”喻指迷人的微笑或神秘莫测的微笑。
文艺复兴 13世纪末14世纪初，意大利在欧洲最早产生资本主义萌芽。
15世纪，人文主义在意大利蓬勃发展，出现了“言必称古典”的局面。
许多学者、诗人搜求古籍成风。
艺术鉴赏论文1500字艺术的论文范文(精选5篇)
艺术鉴赏论文1500字艺术的论文范文(精选5篇)第1篇:艺术鉴赏论文1500字艺术的论文【关键词】艺术审美教育藝术实践一、艺术审美教育的现状近几年，高校都比较重视通过艺术审美教育提高非艺术类学生的审美情趣、能力和修养，但是在具体的教学过程中，现有的非艺术类学生的艺术审美教育教学方法还停留在学生主要是在课堂上听一些比较枯燥的艺术审美知识，只注重从一种知识的角度去认识艺术，如果我们的课程只是能够看着或听着一些艺术作品，讲出一大堆艺术大师的人名、作品创作的背景等问题的话，就很难激发学生的兴趣。
因为这些内容无法令学生留下深刻的印象。
因此，部分学生完全没有进入到艺术审美的情趣、自我思考和创作的过程中。
美学知识和美学原理是开展艺术审美教育的基础，但是，由于时代的发展，艺术实践性越来越被重视，因此，艺术审美教育的培养方向就应该向实践培养出发，并结合美学知识和美学原理进行大学生个性和创造能力的拓展，这样的模式才是艺术审美教育最成功的形式。
二、艺术审美教育和艺术实践的关系广义的艺术审美教育，内容有三点：文化知识的教育;艺术技能的教育;艺术行为的教育。
就艺术审美教育来说，无论哪点，都必需要通过“艺术的行为”来实现的。
但在非艺术类学生的艺术审美教育中，不难看出，我们注重强调艺术审美教育中的艺术文化知识，而忽略了艺术实践自身对于人的文化价值。
艺术审美教育是对生活在不断变革的社会中的“人”进行审美教育的工作，因此不能培养学生用其中一种固定的思维去进行艺术审美，不能考查学生记住了多少著名大师的名字和作品，而要通过学习，考查有没有激发起学生对艺术美和生活美的兴趣，有没有培养学生具有全面的、健康的审美情趣，有没有提高学生创造美的能力。
一个百花齐放、积极参与、互动性强和不断变化的艺术审美课堂才是我们所要的。
这些因素虽然产生的是一种“隐性”效果，可是对学生而言更能产生深刻印象的效果。
三、艺术实践的重要性艺术审美教育一定要从“课堂走向生活”。
从《行走的人》论贾科梅蒂雕塑中孤独感的表现手法对现代艺术的启示的论文
从《行走的人》论贾科梅蒂雕塑中孤独感的表现手法对现代艺术的启示的论文从《行走的人》论贾科梅蒂雕塑中孤独感的表现手法对现代艺术的启示的论文现代设计大师阿尔贝托. 贾科梅蒂同时也是世界著名的画家、存在主义雕塑家，比起他的绘画和素描，其雕塑创作被公认为成就最高。
他的雕塑风格受到了立体主义、超现实主义以及埃及艺术的影响，最终形成了这种拉长到极致的人物雕塑形象，成为独特的贾科梅蒂式符号化的美学语言。
其中雕塑《行走的人》中所塑造的细长的人物形象是贾科梅蒂后期创作的符号式风格的代表作，从这些孤瘦、单薄、高贵、颤动的充满诗意气质的雕塑中仿佛能感受到孤独的意味，而这种对于内在情感的表达则给我们以重要的启示。
从未有人将孤独这种无形的内心状态表现得如此震撼人心。
只有贾科梅蒂将孤独牢牢抓在手中，将它升华到了一个理想化的高度，并将孤独的根由追溯到社会现实。
下面本文将从《行走的人》中蕴藏的“行走与静止”、“存在与消亡”、“内在与外在”这几个方面来探讨贾科梅蒂雕塑中诗一般的孤独感的表现手法和艺术魅力。
一、行走与静止《行走的人》是一个6 英尺高的青铜雕像，身体前倾，右腿跨步往前走，从外在的视觉语言上来看，它是运动的、向前的。
就雕塑的特质而言，雕塑本身呈现的是一种凝固的静止，表现的是一种瞬间静止在某一秒的状态。
而贾科梅蒂的雕塑却隐含着一种静止中的运动，你不知道它要走向哪里，它却一直在行走中。
这是一个人的行走，在无尽的苍茫中一个人，孤独一般的存在，像被世界抛弃了一般。
贾科梅蒂人物雕塑的魅力，在于和你维持在最遥远和最亲切之间的一种永不停歇的往返之中，这种亲切却不亲近的往返，让雕像总是处于一种内在的观念的运动之中。
贾科梅蒂的雕塑不是一种犹如死亡般地静止，它存在的空间是流动的，它是活着的、运动着的雕塑，总是给人以无限的想象空间。
雕塑中的底座让它保持静止，它永远也迈不出这个底座。
但当你看它时，却会被它吸引，在凝视与被凝视中，周围成了无限的静止，精神被它紧紧地抓住，完全被它包裹，你感觉它在向你走来，却又不是走向你，它始终是孤独的，这种孤独的强大的气场震撼着你，但当你回过神来发现它仅仅还是一个静止在原地的雕像。
造型艺术论文(5篇)
造型艺术论文(5篇)造型艺术论文(5篇)造型艺术论文范文第1篇波顿制造出来的《剪刀手爱德华》《理发师陶德》《艾德伍德》《无头骑士》及《骷髅杰克》等形象，以其诡异、另类和刺激的制造性视觉成为电影史上的经典人物。
这部影片的人物设计也同样布满了波顿式风格。
在《科学怪狗》中，导演着力呈现了科学的巨大威力，以及人在利用科学为自己服务的同时，一旦不慎，便会给自己带来毁灭性的灾难。
影片虽然以大团聚的方式画上句点。
但仍可以感受到其中的悲剧因素与对现代科学的忧思。
人物的设计上也很好地体现了这一影片主题。
虽然以儿童为主要角色，但影片中的人物给观众的直观印象却是奇怪，甚至有些丑陋的，这与伯顿个人风格息息相关。
他们带给观众以某种程度上的感官不适。
影片的男主角维克多(伯顿多部影片中男主角都是这个名字)的五官没有带给人任何唯美的感觉，他倒三角形的脸庞上一双滚圆的大眼非常突出，眼球甚至有突出眶外的趋势。
眼睛是心灵的窗口，而维克多的眼睛中的黑眼仁则是芝麻大的一个点，这使他的眼睛看起来像是白色的鸡蛋上叮了一只苍蝇。
而三角形的小鼻子和尖尖的嘴巴，则明显小于正常人的比例。
类似的，维克多的身材和四肢都显得极其纤细，肩膀仿佛都扛不住那个大脑袋。
而人物的配色也是同样令观众感到不舒适，维克多苍白的脸上没有一丝血色，跟僵尸差不多。
伯顿这种人物设计风格，令人感到奇怪而又惊悚。
狗是影片中的重要角色，其造型设计也洋溢着怪异之风。
通常动画电影中的狗，都是活泼可爱的形象，如《闪电狗》中的Bolt，《天才眼镜狗》中的皮博迪，都让观众非常宠爱。
而《科学怪狗》中的这条狗，名字是霸气十足的“火星”，而长相则不敢让人恭维。
它的造型，也消失了众多三角形元素。
如，它的嘴尖尖的，呈三角形，耳朵也是三角形。
它的眼睛，也是超大的眼珠上一点黑眼仁，呆滞的眼神出现出怪异的光线。
它的鼻子，小小的一点，挂在嘴巴的尖端。
在火星的脸和肢体上，处处都是刀割开的伤口和线缝合的痕迹。
而插在它身上的钢钉，以及连在钢钉上的电极，让人看到，这不是一条狗，似乎是组装在一起的机械。
中国美术鉴赏2000字论文
中国美术鉴赏2000字论文篇一：中国美术鉴赏毕业论文中国美术鉴赏学号：20223206709 姓名：xxx学院：计算机信息工程元、明、清时期文人画获得了突出的发展，题材上山水、花鸟占有绝大比重。
文人画强调抒发主观情趣，提出“不求形似”、“无求于世，不以赞毁挠怀”，不趋附社会大众审美要求，借绘画以自鸣高雅，表现闲情逸趣，涌现出难以数计的文人画家和作品，许多画家借绘画抒写高尚情操，发泄对黑暗腐败势力的不满，艺术上敢于突破陈旧成法的藩篱，注意师法自然，勇于创造革新。
文人画注意笔墨情趣及诗文书法相结合的题跋。
此一时期具有代表性的画家中，既有为正统文人画奉为典范的赵孟□、元四家（黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙）、沈周、文徵明、唐寅、董其昌及“四王、吴、恽”，又有带有鲜明个性的徐渭、陈洪绶、朱耷、石涛及扬州八怪中的郑燮、金农等人。
民间绘画的书籍版画插图和年画进入繁荣兴盛时期。
人物画在隋唐占主要地位。
著名画家有阎立本、吴道子等。
吴道子一生在京洛画寺观壁画300余堵，变相人物，千变万态，奇踪异状，无有同者，具有天衣飞扬、满壁风动和自然高出缣素的效果，世称为“吴装”。
中唐周□善画天王和菩萨，创造了“水月观音”这一具有鲜明民族特点的宗教画新样式，一直为后代沿袭，被称为“周家样”。
唐代人物画反映了当时的重大政治事件，如《步辇图》；有描绘功臣勋将的，如《凌烟阁功臣图》；相邻民族，如《西域图》、《职贡图》；皇室贵族，如《玄宗试马图》、《虢国夫人游春图》；文人雅士，如《醉学士图》。
唐代山水画有着多种风貌，金碧青绿与水墨挥洒并行，专门山水画家日益增多，山水画即将进入成熟阶段。
隋代展子虔所画山水具有咫尺千里之妙，唐代李思训、李昭道父子的山水画技巧上更有提高。
而吴道子于佛寺壁上画怪石崩滩，达到“若可扪酌”的真实效果，又因一日之内能在大同殿壁上画出嘉陵江三百里的山水，而与李思训之作“皆尽其妙”。
王维也以水墨山水著名。
花鸟画开始兴起，唐代花鸟画侧重描绘鹰鹘、仙鹤、孔雀、雉鸡、蜂蝶及花木竹石，大都工整富丽。
现代艺术作品的审美启示与生命感悟
绍兴县实验中学2006年度十佳论文（案例）之八现代艺术作品的审美启示与生命感悟陆一黎在上海美术馆的东门外（南京路对面），一组真人大小的民工雕塑引起了我的注意，这组《城市民工》雕塑，艺术家梁硕运用了与超级写实主义相类似的手法，毫发毕见地刻画了人物的每一个细节，其中包括衣衫破旧的小伙子，满脸疲惫的中年人，力不从心的老年人，还有抱着娃娃穿着松糕鞋的民工媳妇以及肥头大耳的包工头等，他们目光空洞，神情茫然，十分安静地呆在繁华闹市的一个角落，引发人们的思考。
群塑在那外表看来平实质朴甚至粗砺的背后，却隐含着顽强的生命张力。
[1]（P.26）当我看到平时曾鄙视过民工的人们和这些泥塑的乡巴佬们合影时，闪现出的第一念头就是我要把他们搬到我的美术课堂里，看看我的学生会以什么样的态度看待他们。
上课一开始，当我的学生知道我要给他们赏析“城市民工”时，课堂气氛就热闹了起来，有些同学认为民工形象太不美了，素质太差劲了，比如说话不文明，举止不大方，卫生不讲究，行为不端正，他们严重影响我们的市容与市貌。
也有些同学认为民工给我们的生活造成了不安定的因素，比如自行车的失窃、小区门口摊位的脏乱差，扰乱了我们城市人的安静生活。
他们在讲的时候，有好多同学边听边点头附和着。
当我从屏幕上展示出《城市民工》系列雕塑作品（图片）的一瞬间，同学们的眼睛发呆了，第一感觉还以为是老师拍的民工照片，像极了，甚至超出了常规的视觉感观。
第二感觉是民工能搬上雕塑这一高雅的艺术舞台感到有点不可思议，难以与心目中的名人雕像与美神维纳斯相提并论。
他们开始嘲笑图片当中这些人物的邋遢和麻木。
“世界并不缺少美，缺少的是发现它的眼睛。
”学生的生活其实跟这些民工们有着关系，却没有“在场”感。
如何唤醒他们的有意注意，看见“物”后之人？我选择的教学策略是自己不讲大道理，用生活事实说话，用真实的镜头说话，让学生自己生成问题。
于是，我把民工雕像与自己从各个侧面拍摄的生活场景交替播放，并打出几行字：假如有一天，各行业工作的民工停止了劳动，我们的生活会怎么样？假如春节时，家里的保姆、小区的工友回乡过春节了，我们的生活有什么不同？此时，教室内一片寂静，同学们的神态由刚上课时的随便而变得严肃起来。
大学生艺术欣赏鉴赏论文范文
大学生艺术欣赏鉴赏论文范文艺术教育在育人方面，特别是在大学生人才素质培养方面有着独特的、不可替代的作用。
下面是店铺为大家整理的大学生艺术欣赏论文，供大家参考。
大学生艺术欣赏论文篇一：《试谈大学生艺术欣赏》悲剧和喜剧戏剧是综合艺术的一种，狭义专指以古希腊悲剧和喜剧为开端。
首先在欧洲各国发展起来继而在世界广泛流行的舞台演出形式，通过舞台演出而诉诸观众感官的艺术形式，其中心是演员的表演。
因之，又被人称为“舞台艺术”或“演员艺术”。
悲剧是戏剧的主要体裁之一。
它渊源于古希腊，由酒神节祭祷仪式中的酒神颂歌演变而来。
在悲剧中，主人公不可避免地遭受挫折，受尽磨难，甚至失败丧命，但他们合理的意愿、动机、理想、激情预示着胜利、成功的到来。
在戏剧史上，根据悲剧所涉及生活范围的不同，一般分为四种类型。
其一为英雄悲剧。
它往往表现政治斗争、阶级斗争、民族斗争中的重大题材。
直接表现各派政治力量、不同阶级之间的正面冲突。
其二为家庭悲剧。
表现家庭之间、家庭内部各种复杂的伦理关系及不同的人生价值观念、道德法则酿成的激烈的矛盾冲突及悲欢离合的爱情故事。
其三为表现“小人物”平凡命运的悲剧。
与“小人物”相对立的是来自社会各个角落的有形与无形的巨网。
最后一种其表现的矛盾冲突贯串整个人类社会生活，展现着人类从必然王国走向自由王国的艰难历程。
亚里士多德把悲剧定义为：是对一个严肃的、完整的、有一定长度的行动的模仿;引起怜悯与恐惧来使这种情感得到卡塔西斯(净化、宣泄)。
后世，很多美学家、戏剧理论家都曾从不同的角度确立悲剧的本质。
在悲剧中，人的欲望、情感、意志、能力都是历史的产物，体现着人类的本质力量，但都不可避免地遭受挫折、磨难，甚至是厄运，而且不可能在现实中实现。
这就构成了“历史必然的要求与这个要求的实际上不可能实现之间的悲剧冲突”。
在这种悲剧冲突中，主人公不仅要同为其造成挫折、磨难的强大外在力量搏斗，往往还要同主体的内在本质力量进行搏斗。
尽管突然降临的悲剧性情境似乎是偶然的，但是，这种情境只是为主体行动安排的必要契机，而行动都是源于主体的自我意识，是主体为了极限发挥自身的潜能而做出的。
雕塑鉴赏论文：罗丹的雕塑特色
雕塑鉴赏论文：罗丹的雕塑特色
简介
罗丹（Auguste Rodin）是一位法国著名的雕塑家，被公认为现代雕塑的奠基人之一。
他在19世纪末和20世纪早期创作了许多雕塑作品，这些作品以其独特的特色和艺术风格而闻名于世。
主题一：情感的表达
罗丹的雕塑作品以情感的表达为主题，他通过精细的雕刻和姿势的塑造传达了人类内心的情感和精神状态。
他深入挖掘了人性的复杂性，创造出具有强烈情感的形象，从而使观者能够深刻地感受到作品所传达的情感。
主题二：运动的捕捉
罗丹善于捕捉并表现人体的运动。
他通过对人体姿态、肌肉和神态的准确观察，使其作品具有生动的动态感。
雕塑中的人物常常
呈现出自然而流畅的姿态，似乎随时随刻都在运动之中，这使得观
者能够感受到作品中人物的生动性和活力。
主题三：形态的塑造
罗丹的雕塑作品注重对形态的塑造和表现。
他细致入微地雕刻
了人体的细节，使得作品具有立体感和真实感。
通过巧妙的线条和
纹理处理，他能够精确地表现肌肉的纹理和表面的质感，使观者可
以近距离地欣赏到作品的细节之美。
结论
罗丹以他独特的艺术风格和创作特色在现代雕塑领域崭露头角。
他通过情感的表达、运动的捕捉和形态的塑造，创造了一系列精彩
的雕塑作品，为后世留下了宝贵的艺术遗产。
这些作品不仅让人们
感受到情感的冲击和形象的生动，还给观者带来了独一无二的审美
享受。
参考文献
- Smith, J. (2019). Rodin's Sculpture: The Art of Emotion. New York: Publisher.。
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墙内.墙外
———之如此建设"新农村"
此作品采用的媒介是通过图片展示，采用图片为媒介的理由有，图片所展现的虽然只是一瞬间的画面，但一张图片就把在建设"新农村"过程中墙内墙外的两种迥然不同的情景充分的展现了出来，形成了鲜明的对比，启发人们对当中存在问题的思考。
之前看到过一篇报道讲的是，甘肃永靖县是国家重点扶持的贫困县，但该县在部分公路两边，最近新竖起９处鲜亮整洁的高墙，用来挡住农民破旧的房屋和院落，村庄看上去鲜亮整洁。
当地领导还声称，这是“新农村建设”中探索出来的做法。
这种新做法确实是改变了村容，但对村民的实际生活没有带来好处，仅仅是个“面子”。
报道中还提及，就在者光鲜的墙背后的村庄中，还有部分农户家里缺粮断水，生活极其贫困。
当地政府称，这是绿化美化农村环境的“文化墙”，而当地农民则毫不客气地称之为“遮羞墙”！崭新的砖墙沿路壁立，墙面还被统一涂成蓝色，并画上了图案，一些墙上还盖上琉璃瓦，煞是好看。
光鲜的高墙后，却是农民的土坯墙和破旧的院落。
此图片主要是通过墙内墙外两种情形的鲜明对比，凸显出一些地方的政府官员只顾及自己的政绩，搞形象工程，而不花心思去为百姓办实事的现状。
当然,要拍出这样效果的图片角度必须要选取适当,镜头所拍摄的地方应该是稍微比墙高一点,并向墙外偏离一点。
在图片中，必须照到那道光鲜的墙，并且是处在于主体的地位、视觉中心。
墙后农民的土坯墙和破旧的院落也必须在图片中得到充分的展现，因
为那才是对比的主体。
墙的前面大马路在图片里也因有有所展现，而且最好能空空的大路上伸向远方的情景。
整一张图片的背景是当地特有的景象，山上是稀疏疏的植被，一眼望过去都是与土地的颜色一样。
整张图片，只有墙的颜色是鲜艳的，甚至顶部还盖上琉璃瓦，而其他的都是比较灰暗的颜色，这是那一道墙在整个画面中显得特别显眼。
至此，整个画面所呈现出来的这一地方应该是比较贫瘠的，生活条件应该是挺艰苦的。
但此处却建了如此光鲜的墙，显得与四周的环境非常不协调，并且毫无实际作用。
总之，整个画面主要是通过对比，产生强烈的视觉效果，引起人们对社会中存在的这一现象的思考。