高中美术鉴赏《第7课是什么使美术作品如此的千姿百态》教案

（一）教学目标
本课的教学目的主要是为了打破学生美术神秘的观念，使学生认识到，任何艺术家的创作都不是任意的，而是表达了艺术家的某种意图，这种意图可能是针对现实的，也可能是针对艺术的，而且无论是针对什么，它们都与艺术家所生存的社会和文化情境有着密切的关系。

我们从对艺术家的生存和成长环境中就可以找到艺术家创作美术作品的意图，进而帮助我们理解美术作品。

（二）教学内容
第一部分讲述的是法国雕塑家罗丹创作他的著名作品《巴尔扎克》的故事，试图以此说明美术作品的产生不是任意的，而是体现了艺术家的某种创作意图。

对艺术家创作意图的认识，是理解美术作品的重要一环。

第二部分“艺术家的创作意图来自哪里？”主要是为了让学生打破艺术神秘的观念。

这是一般人在没有或很少接触艺术之前常常有的一种想法，打破艺术神秘的观念将有助于学生与艺术产生亲密的接触。

所以这里说，“艺术家和我们一样都是一个普通的劳动者，只不过他们的产品是艺术，他们使用的手段是视觉语言。

……他们是以艺术的或视觉的眼光来看待世界的。

”并举了毕加索用生活中常见的自行车把和车座创作了《牛头》的例子。

第三部分“影响艺术家创作意图的因素有哪些？”主要是从现实和艺术两个方面来说的，也就是说，任何艺术家的创作都必然是在受到现实和艺术两个方面因素的触动后有感而发的，这也就是艺术创作的针对性。

在现实方面，这种针对性表明艺术家试图对某些具体问题阐述自己的观点，而在艺术方面则可能是为了阐明自己的独特主张。

这两方面的意图都有可能使艺术家创作出丰富多彩的艺术品。

但要注意的是，这两方面的意图既有可能是分离的——存在于不同的作品之中，也有可能是重合的——同时存在于一件作品之中，或者是在同一件作品中有不同的侧重。

接着说明的是影响艺术家创作意图的因素，它也包括两个方面：特定社会和文化环境。

第四部分“艺术家的意图是如何体现的？”主要是从美术作品的三大分类——具象艺术、意象艺术和抽象艺术的角度分别讲述艺术家意图的不同呈现方式。

具象艺术举的是董希文的《开国大典》的例子。

这个例子说明，具象艺术体现意图在过程上必须首先收集形象，创造出典型的艺术形象，然后构成一个完整的故事情节，并营造出故事展开的典型环境；在方式上，则通过具体人物、道具、环境等的塑造，使故事情节更具真实性和可读性。

意象艺术举的是汉画像石《荆轲刺秦王》和法国印象派画家莫奈的《卢昂大教堂》的例子。

前者说明，意象艺术尽管也可以有一个故事情节，但不是通过具体可辨的真实形象，而只通过整体气氛的渲染就可以传达出艺术家的创作意图；而后者则说明，意象艺术还可以通过对艺术家感觉的表现来传达他的某种意图。

抽象艺术由于前面有很多例子，所以这里举的是俄国艺术家塔特林的建筑构成作品《第三国际纪念碑》的例子。

它表明，抽象艺术体现艺术家创作意图的方式主要是借助美术的形式语言本身及其构成关系。

由于观念艺术在当代越来越重要，所以这里还特别对观念艺术表达艺术家意图的方式给予了简单说明。

这里举的是法国艺术家杜尚的《L.H.O.O.Q》的例子，它说明了艺术手段对观念艺术实现意图的重要性。

中国艺术家徐冰的《析世鉴》在这里仅作为理解观念艺术实现意图的参照。

（三）教学的重点与难点
本课教学的重点是要让学生认识并理解艺术家的创作并不神秘，而是都表现了艺术家
的某种创作意图，而这种意图又都具有其现实的依据。

同时，不同的美术类型表现意图的方式也是不同的。

本课教学难点，主要是要分清艺术家的创作意图与美术品的内容和形式之间的关系。

这里所说的“意图”并非专门指美术作品的内容方面，还包括了它的艺术方面。

也就是说，艺术家选择什么样的题材和内容表明了艺术家创作的意图，但同时艺术家选择什么样的表现形式也表明了艺术家创作的意图，这就是艺术家在创作上的针对性。

另一方面，艺术家选择什么样的题材（内容）和形式（语言）又是具有现实和文化上的依据的，它涉及到艺术家的生存和成长环境等方面。

不同的艺术家由于其生存和成长环境的不同，其创作意图也就会有很大差异，这一切就构成了艺术家创作意图的复杂性。

要讲清并让学生理解这几个方面的关系会有一定的困难。

课文中对这几个方面的关系有所陈述，教师还需有更清晰的理解才能讲好本课。

二、教学内容资料
（一）作品分析
巴尔扎克（雕塑，300厘米×120厘米×120厘米，1898年，日本神奈川县雕刻美术馆藏）罗丹（法国）
这尊《巴尔扎克》铜像是罗丹受法国文学协会的委托创作的。

罗丹通过阅读大量巴尔扎克的作品，研究有关这位作家的个性和举止容貌的资料，做了七个姿态各异的草稿，但都不能令他满意。

经过长时间的琢磨和思考，他终于找到了表现这位大文豪的灵感，最后选择了巴尔扎克在深夜写作的间隙时间独自踱步时的情景与神态。

米开朗基罗（1475—1564）是文艺复兴时期意大利最杰出的雕刻家、画家、建筑师。

雕刻方面的著名代表作有《大卫》、《摩西》等，绘画方面的重要代表作有《西斯廷教堂天顶画》、《西斯廷教堂祭坛画》等，建筑方面的代表作有圣罗伦佐教堂图书馆、罗马圣彼得大教堂的圆顶等。

其中《西斯廷教堂天顶画》是米开朗基罗在绘画创作方面的杰作。

它分布在该教堂整个长方形大厅的屋顶。

整个屋顶长36.54米，宽13.14米,平面达480平方米，但由于屋顶是券拱形结构，画面略呈曲形，实际面积达500平方米，乃是美术史上最大的壁画之一。

提出由米开朗基罗来完成西斯廷教堂天顶画的任务，原来是出于心怀嫉妒的建筑师布拉曼特（1444—1514）的主意，他企图以此使缺乏绘画创作经验的米开朗基罗当众出丑，达到贬低米开朗基罗的目的。

所以，当教皇执意要米开朗基罗担当这一创作任务时，他确实感到很为难，但意志坚强的米开朗基罗还是勇敢地接受了这一挑战性的创作任务。

他将最初的无比悲愤的心情很快转化为创作的激情，谢绝助手协作，独自一人站在18米高的脚手架上作画，经过四年的极其艰苦的劳动，终于出色地完成了这一宏大的创作任务。

最初，米开朗基罗对这一壁画的设计是比较简单的，只是在屋顶四周画些基督教的先知和圣徒，中央则以图案作装饰。

后来经过反复考虑，才决定以这一教堂宏伟的建筑结构作框边，把整个长方形大厅的屋顶划成中央和周围两大部分，并以中央为主，全部绘以基督教的宗教故事和人物形象。

其中宗教故事取材于基督教的“创世纪”之说，即所谓上帝创造世界的故事，故西斯廷教堂天顶画也称为《创世纪》壁画。

按照基督教“创世纪”的传说，上帝创造世界是在6天完成的:第1天是分开宇宙中的光暗;第2天是把水分成了天上的水和地下的水;第3天创造了陆地和各种植物；第4天创造了日、月和星辰；第5天创造鸟类与鱼类；第6天创造各种兽类以及男人和女人。

米开朗基罗创作的天顶画则在这基础上增加了“亚当、夏娃被逐出乐园”、“洪水”等情节。

根据整个屋顶的平面划分，分别绘制了名为《神分光暗》、《创造日月草木》、《神分水陆》、《创造亚当》、《创造夏娃》、《诱惑与逐出乐园》、《诺亚献祭》、《洪水》、《诺亚醉酒》等9幅大型宗教故事画。

周围建筑框边的拱间壁面画了12位男女先知，四角画摩西、大卫等故事，在建筑构件上面和间隙处还画有各种青少年形象。

整个壁画
中形体鲜明的人物形象共有343个之多，大部分比真人还大，可谓规模宏大、气象万千。

壁画公开展出后举世公认为空前绝后之作。

由于米开朗基罗长达四年之久的高空仰面作画，他的颈项僵直，以至看书看信均须置头顶仰视，其劳动之艰苦可想而知。

壁画中的许多人物虽多系宗教人物，但他们都不是基督教所宣扬的逆来顺受的奴仆和罪人，而是体态健康，具有强烈的意志与力量，显示了米开朗基罗是用人文主义思想来表现这些宗教人物的，寄托了他一贯追求的对英雄人物的崇敬和理想。

所以，这一作品与其说是表现虚幻的上帝创造世界的传说，倒不如说是米开朗基罗对宗教传说的再创造。

牛头（雕塑，高41厘米，1943年，巴黎路易·雷里美术馆藏）毕加索（西班牙）除了绘画外，毕加索还从事多种艺术活动。

约从1940年起，他在波伊斯盖鲁普时期产生了新的灵感。

他从捡到的骨头、石子等物上获得艺术启发。

他利用这些废物作了些小型雕刻，或在上面刻出古典式侧面像。

雕塑《牛头》就是那时期的代表作品。

《牛头》用的材料全是现成物品，即一个自行车座和一个车把。

这些现成品到了他的手里便激发了他的想像力，他巧妙地构思了这一尊“公牛”。

他的朋友迈克尔·累利斯看后不无玩笑地对他说：“那还不够，应该能够拿起一块大木头就发现它是一只鸟儿。

”并为这件新作向他道贺。

这就是后来具有广泛影响的“ready make”（现成品）雕塑，毕加索是这种艺术的先驱者。

生日（油画，81厘米×100厘米，1915年，圣彼得堡俄罗斯博物馆藏）夏加尔（俄国）
马尔克·夏加尔（1887—1985），西方现代派著名代表人物，出生在白俄罗斯维捷布斯克的一个贫困的犹太人家庭，父亲既是农民又是手艺人。

夏加尔很早就不顾父母的反对，立志要当画家。

最初在维捷布斯克美术学校学习，后又进入当时俄国新艺术中心的贝德尔斯洛格美术学校。

但是，徒有其表的学校教育使他失望。

当他了解到当时法国的现代主义绘画后，就于1910年第一次来到了巴黎。

这对他的艺术具有决定性的影响。

第一次世界大战爆发后，他回到了祖国。

十月革命后，苏联政府曾一度让他担任政府的主管艺术的职务，但由于他不能适应当时的创作环境，1922年又来到了巴黎，从此一直生活在这里并加入了法国籍，最终成为西方现代派美术中富有独特艺术个性的著名画家。

他的绘画作品早期受立体主义影响，以后喜欢表现幻想，富有想像力，具有梦幻的特点。

《生日》是他最典型的作品。

画上描绘他在结婚前一次与他的女友贝拉相会的印象。

那天夏加尔生日，贝拉拿着鲜花，步履轻盈地走进画室，他便立即跃起，飞到半空中，转过头来吻她。

人物飘飘欲仙，构思颇具幽默感，表达了画家愉快的心情和对美好爱情的赞美。

愚公移山（中国画，1940年）徐悲鸿
1940年，正是抗日战争进入最艰苦的阶段。

这时徐悲鸿正在印度访问，在印度大文豪泰戈尔的引荐下，徐悲鸿拜访了印度圣雄甘地，并在印度的圣蒂尼克坦和加尔各答先后举办画展。

画展由泰戈尔撰写序言，取得了很大的成功。

4月，徐悲鸿喜闻国内传来鄂北大捷，非常高兴，他感到只有团结起来，共同奋斗，积小胜为大胜，才能最后打败日本帝国主义，取得抗日战争的最后胜利。

为此，他以中国传统故事“愚公移山”为素材，重新创作了一件作品，以表达他的这种思想，就是这幅《愚公移山》。

这个故事说，古代有个叫愚公的人，他家门前有两座大山——王屋和太行挡住了去路，为了方便，愚公就准备把这两座山挖掉。

可有个叫智叟的人却说，这样两座大山，你一辈子也挖不掉，算了吧。

但愚公并不气馁，他说，我挖不掉不要紧，还有我的儿子，儿子之后还有孙子，子子孙孙挖下去，一定能够成功。

从这个众所周知的故事就可以明确看出徐悲鸿创作此作品的用意了。

离婚诉（版画，1943年）古元
古元（1919—），广东中山县人。

1938年去延安，先入陕北公学，课余参加校美术组的活动，结业后被派往鲁迅艺术学院美术系学习，创作了《开荒》、《播种》、《秋收》、《骆驼队》等作品。

1940年夏毕业后到延安县川口区碾庄乡担任文书，生活在解放区的农民中间，
与农民群众打成一片，以黑白木刻积极反映当地农民的生活。

这段时间的锻炼对他以后艺术的发展具有重要影响，除锻炼了他面对生活的创作能力外，更重要的是培养了他质朴的艺术作风和对民族、民间艺术的热爱和理解。

就是在这个时期古元创作出了他的一批重要作品，如《运草》、《羊群》、《冬学》、《选民登记》等。

这些作品奠定了古元基本艺术风格，即朴实、自然，在单纯、平易之中包含着很高的艺术技巧。

因此，当徐悲鸿1942年10月15日在重庆“全国双十木刻展览会”上看到古元的作品的时候，立刻称赞他是“卓绝之天才”、“中国共产党之大艺术家”，是“延安画派”和解放区版画的杰出代表。

新中国成立后，他除了继续从事版画创作和美术教育以外，还创作水彩画，并一直担任中国美术界的领导职务，是中国现代最著名的版画家之一。

丛竹图（中国画）郑燮（清）
郑燮（1693—1765）字克柔，号板桥，江苏兴化人。

曾做过山东范县、潍县的小县令，因主动为人民申请赈济救灾而被罢官，以后定居扬州，卖画为生。

他能诗善画，一生喜欢画兰花和竹子，尤以画竹著名，是富有革新精神的“扬州画派”（俗称“扬州八怪”）的杰出代表。

这幅《丛竹图》是他的代表作之一。

此画写一丛墨竹，老干新篁，浓淡相间，重叠错落，疏密有致，劲拔挺秀，老嫩分明。

又自作长题于竹枝之间，别有一番情趣。

从这自题中知道此画作于乾隆二十八年（1763年），此时画家已71岁，是他逝世前两年的力作。

怒吼吧，中国（版画，1935年）李桦
李桦（1907—1994）广东番禺人，1926年由广州市立美术学校毕业后留校任教。

1930年赴日留学，“九·一八”事变后，愤而返国。

1934年与学生赖少其等一起在广州创办“现代版画会”，是中国新兴版画运动的老战士、杰出的版画家和卓越的美术教育家。

李桦早年木刻探索风格具有多样性。

最早吸收了宋元山水画特色、用水印手拓法创作的《春郊小景集》受到鲁迅的高度赞扬，认为具有“东方的美”、“的确很好”、“足够与日本现代有名的木刻家争先”。

后来李桦在鲁迅影响下开始吸收德国画风，其中最具代表性的就是《怒吼吧，中国》。

这幅包孕着民族魂的力作，概括了中华民族在帝国主义的欺凌和压迫下挣扎、觉醒并起而反抗的精神力量：被缚的巨人，铁骨铮铮，正欲拿起匕首，斩断绳索；他大声怒吼，要挣脱束缚，站立起来，投入战斗。

这幅小小的木刻有似战鼓，唤起了千百万劳苦大众，在当时具有广泛的影响力和号召力。

李桦为中国美术事业的发展和繁荣，做出了重要贡献。

开国大典（油画，230厘米×405厘米，1952—1953，中国国家博物馆藏）董希文董希文（1914—1973），浙江绍兴人。

先后就读于苏州美专、国立杭州艺专等校。

1943年任国立敦煌艺术研究所副研究员，1946年任教于国立北平艺专。

新中国成立后，任中央美术学院教授，是我国当代著名的油画家和美术教育家。

油画《开国大典》，是他著名的代表作。

他曾亲身参加过1949年10月1日的开国大典，他把自己的切身感受倾注于作品之中。

作品的可贵之处，在于它并不是照相式地复原当时的情景，而是根据自己的深切感受，对真实的情景作了必要的强调和删减，特别是大胆地把国家领导人集中在画面的左侧，同时衬以一排顶天立地的大红柱子。

画面的右侧集中表现宏大的游行队伍和辽阔的天空，从而突出了开国大典的盛况和宏伟的气势。

此外，画家为了适应这一特定题材的需要，借鉴了我国传统民间艺术和中国传统的工笔重彩画法，强调色调的单纯与强烈的对比，从而增强了这一具有历史意义的节日气氛。

红地毯、红灯笼、红柱子、红旗与蓝天、绿树相呼应；黄色的菊花与金灿灿的灯穗相呼应，使人感到既富丽堂皇又热烈亲切。

应当指出的是，由于历史的原因，此画曾被修改过三次，直到党的十一届三中全会后，才恢复了原貌，但此时董希文已逝世，由他的学生、著名油画家靳尚谊等完成了复原任务。

荆轲刺秦王（画像石，山东嘉祥县武梁祠，184厘米×140厘米，东汉，山东嘉祥县文物保管所藏）
这是山东嘉祥县武梁祠名为《西王母历史故事车骑画像石》中的一小部分。

这块画像石
的画面共有五层，第一层（即顶部）刻画神坛上的西王母；第二层自右至左依次刻画伏羲、女娲、祝诵、神农、黄帝、颛顼、帝尧、帝舜、夏禹及夏桀等帝王图像；第三层自右至左刻画曾母投杼、闵子骞御车等历史故事；第四层自右起刻画曹子劫桓、荆轲刺秦王等故事；第五层刻画行驶的一列车骑。

课文图版中的一段即描绘“荆轲刺秦王”的情节。

荆轲是战国末年齐国人，因受燕国太子丹的赏识而被奉为上宾。

太子丹为解救燕国被秦灭亡的危险，派荆轲出使秦国，借贡献燕国督亢地区的地图和送上秦国叛将樊於期的首级之名，行刺秦王。

画像石上描绘的就是这一事件最动人心魄的场面：当秦王接见荆轲时，荆轲献上地图，在藏于地图中的匕首即将显露之际，一把抓住秦王的袖子，将匕首刺向秦王。

但未刺中，秦王急忙躲闪，慌乱中连自己身上所佩的长剑也来不及拔出来，而秦王左右的官员也因秦王明令任何人不得带兵器上殿，只得以衣袖扑打刺客。

在这危急之际，御医夏无且急中生智以药囊掷中荆轲，使秦王有机会拔出长剑砍断荆轲左腿。

这时荆轲只得拼命将匕首向秦王掷去，结果只击中了殿中的铜柱。

从殿外赶来的卫兵最后将荆轲和他的随从当场杀死。

画面上荆轲与秦王两个主要人物（左侧为荆轲，右侧为秦王）的形象都十分传神，匕首穿透铜柱的细节描写，显然是一种艺术夸张，既渲染了荆轲掷出匕首时所迸发出的力量，又突出了这一场生死搏斗的激烈紧张气氛。

卢昂大教堂（油画，107厘米×73厘米，1894年，巴黎印象派美术馆藏）莫奈（法国）
莫奈（Claude Monet，1840—1926）生于巴黎，但他父亲与人在海边小城阿弗尔开设了一家杂货店，所以莫奈在那里度过了他的青少年时代。

莫奈自小就厌恶学校，于是他常以各种人物的漫画像来打发时光。

到他15岁时，这些随意的漫画像已誉满小城了。

这引起了当地一个叫布丹的画家的注意，虽然少年莫奈傲气十足，但布丹还是主动告诫他要学习“用油画和素描来画风景”，表现自然的本来面目。

布丹是一个受巴比松画家影响的优秀的风景画家，布丹的告诫和他用笔潇洒的作品给莫奈以深刻影响。

当他1859年来到巴黎时，才真正认识到自己的无知，但布丹“研究自然”的告诫又使他拒绝了进学院学习，而是流连于青年画家、博物馆和自然之间，偶尔去某个私人学校画些人体。

1862年在父亲的压迫下才进了格莱尔的画室，在此结识了巴齐依、雷诺阿和西斯莱，他们在莫奈的影响下也开始走出画室。

在室外明媚的光线下，他们的调色板开始明亮起来，但是莫奈很快发现其实这些色彩也不是恒定不变的，它仍在光和空气密度的作用下发生各种变化，甚至形体也是如此。

莫奈在他著名的《印象·日出》一画中开始表现出了这种研究的结果：一切形体与色彩都被笼罩于早晨朦胧的大气之中而失去了它们明确的特性。

但是这还不能使莫奈满意，他要画出光的具体的变化，而且要使色彩变得明亮起来，于是他开始研究水、研究水的反光，他把这些反光画得坚实而凝重，于是我们第一次看到，反光在绘画作品中开始发挥作用。

因为在莫奈的作品中，反光已不再是像以往那样用以表现形体，而是成了与受光同样重要的整体构成的一部分。

这一点十分重要，因为对反光的强调打乱了传统绘画的秩序感，相互平等的色彩并列要求观者用自己的眼睛在一定的距离上主动去调合画面，对形体进行新的组合，这使观众成了绘画创作中的一个积极因素。

因此，对画面形的破坏使得艺术本身的问题变得纯粹而突出起来，而观众的参与又为画面增加了新的维度。

正是有了莫奈（或印象派）的探索才使西方绘画走向了20世纪的野兽派和立体派，它成为我们理解野兽派和立体派的桥梁。

但我们同时又必须认识到，莫奈和印象派的这种发展仍是基于库尔贝的现实主义的真实观，只不过印象主义的真实观已发生了变化，在某种程度上它更接近于自然的真实。

正是对这种新的真实观的不懈追求和探索，使他越来越迷恋于对空气和光的研究，他企图以自己的画笔在同一地点的同一题材上捕捉空气与光的不同变化，以达到真实再现自然的目的，这就产生了他的《圣拉扎尔火车站》、《草垛》、《卢昂大教堂》和《睡莲》等著名的系列作品。

《卢昂大教堂》更体现了莫奈企图真实地捕捉现实的愿望。

他在同一地点同时展开
数张画布，每块画布只在同一时间画上10到15分钟，每天同一时刻在相同的光线下工作，直到完成，这样每一组画像一个完整的乐章一样构成一个整体。

《卢昂大教堂》在1893年共画了20幅。

这些作品完全成了色彩的交响——物体的结构都消失在这种交响之中。

值得注意的是，由于强调了色彩近乎纯色的同时并置，已使画面变成了色点之间的闪烁，不过只有到了新印象主义时，纯色点的并置才更纯粹起来。

析世鉴（装置，局部）徐冰
徐冰是中国当代著名艺术家，毕业于中央美术学院版画系。

1988年曾在北京中国美术馆举办了首次个人展览，立刻引起了轰动，受到美术界和批评界的广泛关注。

特别是他的大型作品《析世鉴》更是众说纷纭，在美术界引起了一场争论，褒贬不一，被称为“徐冰现象”。

在这件作品中，他以版画刻制的语言方式进行印刷，以此追求和返回到版画最初的本质，但同时又把这些“印刷品”置于空间和环境之中，营造出一个多维的艺术空间，从而使作品进入观念的综合表达而非语言的单一表现——这里既有版画的语言，也与雕塑和建筑相关，但更表达了作者对“版画”的本质和概念拓展问题的关注，以及传统文化与当代文化、传统艺术与当代艺术的关系。

L.H.O.O.Q（纸上铅笔，19厘米×12.7厘米，1919年，纽约私人收藏）杜尚（法国）杜尚（1887—1968）的早期作品受立体派和未来派的影响，创作出了这类风格的最著名的作品《走下楼梯的裸女》。

在取得意料不到的巨大成功之后，杜尚又开始了向其他领域的探索。

在杜尚看来，现代艺术已和传统艺术完全不同，艺术品不再是什么特殊的事物，而就是一件物品而已，其理由就像他所说的那样，“因为艺术家使用的一管管颜料都是机器制造出来的，都是现成的产品，所以我们必须断定，世界上所有的绘画作品都是‘现成物的辅助品’。

”所以，“我想揭示艺术和‘现成物的辅助品’之间的矛盾，便想象了一种‘互惠的现成品’：可以把一幅伦勃朗的画拿来当烫衣板！”正是这样的思想使他在1913年就创作了一件把自行车轮倒过来的可以旋转的作品。

他认为艺术创作的关键就在于“发现”，在于从日常人们习惯了的但又不在意的事物中“发现”艺术的存在。

这种观念十分重要，它对以后的观念艺术、波普艺术、装置艺术、行为艺术、活动艺术、废品艺术等都有不同程度的影响。

这里的《L.H.O.O.Q》（又称《有胡须的蒙娜丽莎》）是杜尚现成品艺术的又一重要代表作。

在此之前，他于1917年曾把一个小便池直接拿到展览会上，并题上“R.MUTT”，以《泉》为名展出。

这次他采用了同样的手法，但这次他使用的是一个平面的印刷品，他在世界闻名的达·芬奇的《蒙娜丽莎》印刷品上画上胡须，并命名为“L.H.O.O.Q”而成为他自己的作品。

其意图是多方面的：既是对人们普遍审美观的嘲讽，又是对传统艺术的反叛；既是颠覆了传统的艺术观，又重新解释了艺术与现实的关系。

（二）名词解释
创作意图
即艺术家想要在作品中表达的主题、内容和思想。

应该说每一件美术作品都有其创作意图，只不过可能有的意图明显，而有的则不明显，即意图是隐藏在作品的形象或情节、形式之中。

艺术家的创作意图来自两个方面——他所生存的社会和文化情境，其意图针对的也是这两个方面。

也就是说，其创作意图不可能是无缘无故的、任意的，必定有其相应的方面，任何艺术家和艺术品都不能例外。

对艺术家创作意图的理解可以通过作品本身，也可以通过艺术家所生存的社会和文化情境来认识。

认识艺术家的创作意图是理解作品的关键，但不是惟一的因素，因为还有一个观众在美术鉴赏过程中的再创造问题。

社会和文化情境
所谓“情境”（context）即一种上下、前后关系，就是某种事物在整体中的位置。

艺术家总是在一个特定的社会和文化情境下进行艺术创作的，他所生存的那个社会包括一般社会和艺术社会（艺术界、艺术体制、艺术市场等）两个方面，他所生存的那个文化也包括一般。