美术课中平面设计能力的培养
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美术课中平面设计能力Байду номын сангаас培养
色彩是中职美术设计专业的基础课程,其教学目的和要求注重平面图形构成能力的培养。色彩课要超越虚拟状物的表象,还原绘画的本质,展现画面形与色丰富的层次感,培养学生造型能力中抽象能力,让学生从惯常的状物思维里破茧而出,“看”到真正属于绘画的图形之美,发掘出对自然更敏感、更多元的感受力,获得从整体把握画面的能力,从而为今后步入视觉艺术的殿堂打下更全面的基础,领略绘画艺术的真谛。在中职美术设计专业色彩课的教学中,教师可以通过以下几方面来探究图形元素,培养学生的平面抽象能力。一、认识绘画的平面性自古以来虽然画家写实绘画的技艺曾经登峰造极,历代大师创作出了令人身临其境的视觉物象,但是这改变不了绘画本质上是平面物这一基本事实,改变不了作画是画家在一个有着特定边界的平面内运用特定的工具、材质、图形、色彩按某种特定的方式构筑成一种组合的过程这一基本事实,改变不了画中物是观看者调动了自我的视觉经验虚拟现实的幻象这一基本事实。教师在学生开始学画的第一天就要让他们建立起一个绘画“场”的概念:如果在一块岩壁上作画,那么这块岩壁就是一个有着心理边界的场;如果在一个陶罐的表面作画,那么这个曲面就是一个周而复始的场;如果在一组屏风上作画,那么这些屏风就是遥相呼应着的场;如果在画架上作画,那么这块绷在画框上的油画布就是一个方形的场;简而言之,所谓的绘画的场,就是图形得以展开的二维场地,意象得以延伸的物质基础,教师不能让学生一开始就无视这个场的存在,无视这个基本的原点。二、感受图形的趣味性有了舞台,当然要有演员,绘画的演员就是图形,所谓图形并不是几何数理概念上的抽象形,而是一个有着具体外部轮廓的形状,比如宣纸上的一滴墨、一根线条、一抹色块,它们是图像的基本单元,绘画的基本元素是一台戏里的众多角色。这些形从轮廓特征来看可分为点状、线状和面状,从轮廓的明晰程度来看可分为实边形和虚边形,从和场的关系来看可分为正形和负形。每个图形都是具体的,有其大小比例、空间位置、方向动势、明暗深浅、颜色质地等个性特征。教师在教学中可以设计一些课题让学生学习形的提炼和归纳,比如对一幅经典名作进行解读,或者对一组自然物象进行研究,这种练习中很重要的一点是要强调学生有意识地排除物象的实用意义去面对形状的趣味,玩味形状的意趣,能够超越具体的物象属性和使用功能来品味形状的美感。因为这是对一个人惯常的观看方式的彻底颠覆,而且对图形感受力的培养也不是一蹴而就的,所以,在这个练习中,教师需要足够的耐心,要循序渐进。同时,教师还要让学生认识到“看”的多重性,即基本形并不是绝对的,固定不变的。如果说对基本形的归纳其实是在一个平面里对图形区域的划分,那么当我们以不同的视角去观察,以不同的特性去划分画面时,画面上就会衍生出不同的基本形。例如同一幅画面,按色彩的明度所分割出来的色块与按色彩的冷暖所分割出来的色块就可能截然不同,这个现象与其说是一个困扰,还不如说是绘画的魅力所在,因为多样的认识方式带来了更多的可能性,有了不同的观看方式,才能有绘画语言的新发现。语意的多重性,形式的陌生感,不就是美的品质吗?三、寻找画面的构成性我们知道基本形都有各自的形状、比例、方位、颜色、材质、能量等特性,当一个对象由两个以上的基本形组成时,它们彼此就排列成一种组合,我们也称之为画面结构(即使是单个图形,它也与画面的边缘产生着结构关系),也就是说,一幅完整的画面正是由各具形态的基本图形有机地组合而成的,是不可分割的一个整体。我们观赏一幅画,所感受到的信息是由这一集合体传达出来的综合信息,每个局部都不是孤立的存在,而是共处在一种关系之内。正因为如此,教师在教学中必须设法引导学生逐步理解整体地看待画面的意义,提高整体把握画面的意识和能力。一幅画就是一个自足的生命体,有内在的生命系统,画家需要懂得什么是一件作品的结构,怎样去创造这个结构。大结构里蕴涵小结构,小秩序要服从大秩序,教师不但要让学生懂得整体,还要让学生学会整体,学会如何处理好画面里众多图形区域间的层次感,使一幅作品趋向和谐完整。当然,画面内的大层次和小层次也是相对的,流变的,这也造成了画面整体效果的多元开放性。随着我们着眼点的不同,物象的细节可以被不断省略,不断地整合,直至高度提炼,也可以被不断区分出细节,直至十分丰富,一切取决于画面节奏感的平衡和意象表达的需要。四、培养作画的主动性绘画是人的主动行为,是人根据自己的表达需要进行选择的结果,即我们不必点滴不漏地获取对象的所有细节,而只需摘取符合主题需要的元素。有了这样的指导思想,我们观察物象时就有了很强的主动性,就能将自然物象转换为绘画的形,在组织绘画的图形元素时,语言意识将得到提升,逐步进入到艺术表现的认知中来。掌握了基本形状的概括与构成能力,就等于获得了用自己的意图去把握自然的能力。我们常说,“被动地画”和“主动地画”,这两种做法得出的结果会大不一样。被动地画指的是不加选择,所有细节都不放过,就如德拉克洛瓦曾说过的一句话:“初学者总是什么都想展示出来”;而主动地画正好相反,是去捕捉、去寻找、去改造、去强化感受,大胆地、有选择地舍弃次要的局部细节,去展示应该展示出来的部分。写生中教师有必要引导学生在认识上理顺自然和绘画之间的关系,自然物象和画面意象之间的关系是一种矿藏和与提炼的关系、花粉与蜂蜜的关系,而不是照搬全收、被动复制的过程,绘画的难度与价值也在于此。现代艺术和现代设计要求艺术家和设计师对抽象语言具备高度的敏感性和很强的驾驭力,色彩和材质本身的丰富性、独立性使得我们在色彩课的教学中能够让学生把注意力放在绘画语言的本体上作探究,通过以上四个层面的认识,培养学生从平面空间的基点上塑造深度空间的思维,培养学生从具象形里看到抽象形的视觉习惯,培养学生对图式结构的想象力和创造力,培养学生主动作画的艺术表现能力,为他们最终确立现代艺术观奠定坚实的基础,从而成长为真正适应时代要求的艺术创意人才。
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色彩是中职美术设计专业的基础课程,其教学目的和要求注重平面图形构成能力的培养。色彩课要超越虚拟状物的表象,还原绘画的本质,展现画面形与色丰富的层次感,培养学生造型能力中抽象能力,让学生从惯常的状物思维里破茧而出,“看”到真正属于绘画的图形之美,发掘出对自然更敏感、更多元的感受力,获得从整体把握画面的能力,从而为今后步入视觉艺术的殿堂打下更全面的基础,领略绘画艺术的真谛。在中职美术设计专业色彩课的教学中,教师可以通过以下几方面来探究图形元素,培养学生的平面抽象能力。一、认识绘画的平面性自古以来虽然画家写实绘画的技艺曾经登峰造极,历代大师创作出了令人身临其境的视觉物象,但是这改变不了绘画本质上是平面物这一基本事实,改变不了作画是画家在一个有着特定边界的平面内运用特定的工具、材质、图形、色彩按某种特定的方式构筑成一种组合的过程这一基本事实,改变不了画中物是观看者调动了自我的视觉经验虚拟现实的幻象这一基本事实。教师在学生开始学画的第一天就要让他们建立起一个绘画“场”的概念:如果在一块岩壁上作画,那么这块岩壁就是一个有着心理边界的场;如果在一个陶罐的表面作画,那么这个曲面就是一个周而复始的场;如果在一组屏风上作画,那么这些屏风就是遥相呼应着的场;如果在画架上作画,那么这块绷在画框上的油画布就是一个方形的场;简而言之,所谓的绘画的场,就是图形得以展开的二维场地,意象得以延伸的物质基础,教师不能让学生一开始就无视这个场的存在,无视这个基本的原点。二、感受图形的趣味性有了舞台,当然要有演员,绘画的演员就是图形,所谓图形并不是几何数理概念上的抽象形,而是一个有着具体外部轮廓的形状,比如宣纸上的一滴墨、一根线条、一抹色块,它们是图像的基本单元,绘画的基本元素是一台戏里的众多角色。这些形从轮廓特征来看可分为点状、线状和面状,从轮廓的明晰程度来看可分为实边形和虚边形,从和场的关系来看可分为正形和负形。每个图形都是具体的,有其大小比例、空间位置、方向动势、明暗深浅、颜色质地等个性特征。教师在教学中可以设计一些课题让学生学习形的提炼和归纳,比如对一幅经典名作进行解读,或者对一组自然物象进行研究,这种练习中很重要的一点是要强调学生有意识地排除物象的实用意义去面对形状的趣味,玩味形状的意趣,能够超越具体的物象属性和使用功能来品味形状的美感。因为这是对一个人惯常的观看方式的彻底颠覆,而且对图形感受力的培养也不是一蹴而就的,所以,在这个练习中,教师需要足够的耐心,要循序渐进。同时,教师还要让学生认识到“看”的多重性,即基本形并不是绝对的,固定不变的。如果说对基本形的归纳其实是在一个平面里对图形区域的划分,那么当我们以不同的视角去观察,以不同的特性去划分画面时,画面上就会衍生出不同的基本形。例如同一幅画面,按色彩的明度所分割出来的色块与按色彩的冷暖所分割出来的色块就可能截然不同,这个现象与其说是一个困扰,还不如说是绘画的魅力所在,因为多样的认识方式带来了更多的可能性,有了不同的观看方式,才能有绘画语言的新发现。语意的多重性,形式的陌生感,不就是美的品质吗?三、寻找画面的构成性我们知道基本形都有各自的形状、比例、方位、颜色、材质、能量等特性,当一个对象由两个以上的基本形组成时,它们彼此就排列成一种组合,我们也称之为画面结构(即使是单个图形,它也与画面的边缘产生着结构关系),也就是说,一幅完整的画面正是由各具形态的基本图形有机地组合而成的,是不可分割的一个整体。我们观赏一幅画,所感受到的信息是由这一集合体传达出来的综合信息,每个局部都不是孤立的存在,而是共处在一种关系之内。正因为如此,教师在教学中必须设法引导学生逐步理解整体地看待画面的意义,提高整体把握画面的意识和能力。一幅画就是一个自足的生命体,有内在的生命系统,画家需要懂得什么是一件作品的结构,怎样去创造这个结构。大结构里蕴涵小结构,小秩序要服从大秩序,教师不但要让学生懂得整体,还要让学生学会整体,学会如何处理好画面里众多图形区域间的层次感,使一幅作品趋向和谐完整。当然,画面内的大层次和小层次也是相对的,流变的,这也造成了画面整体效果的多元开放性。随着我们着眼点的不同,物象的细节可以被不断省略,不断地整合,直至高度提炼,也可以被不断区分出细节,直至十分丰富,一切取决于画面节奏感的平衡和意象表达的需要。四、培养作画的主动性绘画是人的主动行为,是人根据自己的表达需要进行选择的结果,即我们不必点滴不漏地获取对象的所有细节,而只需摘取符合主题需要的元素。有了这样的指导思想,我们观察物象时就有了很强的主动性,就能将自然物象转换为绘画的形,在组织绘画的图形元素时,语言意识将得到提升,逐步进入到艺术表现的认知中来。掌握了基本形状的概括与构成能力,就等于获得了用自己的意图去把握自然的能力。我们常说,“被动地画”和“主动地画”,这两种做法得出的结果会大不一样。被动地画指的是不加选择,所有细节都不放过,就如德拉克洛瓦曾说过的一句话:“初学者总是什么都想展示出来”;而主动地画正好相反,是去捕捉、去寻找、去改造、去强化感受,大胆地、有选择地舍弃次要的局部细节,去展示应该展示出来的部分。写生中教师有必要引导学生在认识上理顺自然和绘画之间的关系,自然物象和画面意象之间的关系是一种矿藏和与提炼的关系、花粉与蜂蜜的关系,而不是照搬全收、被动复制的过程,绘画的难度与价值也在于此。现代艺术和现代设计要求艺术家和设计师对抽象语言具备高度的敏感性和很强的驾驭力,色彩和材质本身的丰富性、独立性使得我们在色彩课的教学中能够让学生把注意力放在绘画语言的本体上作探究,通过以上四个层面的认识,培养学生从平面空间的基点上塑造深度空间的思维,培养学生从具象形里看到抽象形的视觉习惯,培养学生对图式结构的想象力和创造力,培养学生主动作画的艺术表现能力,为他们最终确立现代艺术观奠定坚实的基础,从而成长为真正适应时代要求的艺术创意人才。
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