管乐演奏与声乐的相似性与差异性分析
管乐演奏与声乐的相似性与差异性分析
管乐演奏与声乐的相似性与差异性分析【摘要】在学习多年的管乐之后，发现与我主修的声乐有着一些或多或少的联系。
这些联系可以在两个学科中共用，那些方法可以在两个学科之间相互补充。
无论在呼吸，共鸣，还是喉咙技巧和作品的表现上，都有着密切的相似性。
但在声音的振动位置，形成的方式，声音位置的集中，和艺术呈现方式方面，二者又存在着一些差别。
可以说，二者的联系是即相似，又有差异。
我们应该敢于学习不同学科的特点，从中找到一些共性，再将它们整合，提取之间的养分，来完善自身的音乐素养。
【关键词】管乐；声乐；相似性；差异性现代的管乐队起源于18世纪后，主要用于战争时军队集合、行进、发冲锋号，我们称之为“军乐队”。
到了十九世纪，由于美国将管乐教育纳入音乐教育之中，从小学连贯到大学、社会，这种发展的模式就形成了国际性的共通音乐团体。
我国早期出现的西洋管乐团是十九世纪七八十年代在上海英租界侨居的外国人创建的“上海公共管乐队”。
随着西洋管乐团这种艺术形式被开明人士所接受，它慢慢地出现在清末时期的一新式学堂中。
如今，随着人们精神物质生活的不断提高、对艺术修养的追求与日俱增，管乐团走进了众多大学艺术院校。
（1）声乐就是歌唱的意思，用科学的方法发出优美嘹亮的歌声，通过歌声，表达歌曲艺术性的语言，再通过艺术性的语言，生动地塑造乐曲中的人物形象，描绘其意境，表达其思想感情的音乐艺术。
经过多年的管乐学习之后，发现它与我主修的声乐有着一些或多或少的联系，声乐的歌唱方法与管乐的演奏技巧二者在很多的方面有着相通的地方。
一、相似性（一）呼吸方面呼吸方法对声乐起着决定性的作用，横膈膜具有十分特殊的作用，他由扁平肌肉组成，向上凸起呈拱顶型，把胸腔与腹部分开。
在深吸气时，其扁平肌肉纤维急速收缩，横膈膜很快下垂，胸廓亦随即大为扩张。
人的呼吸是一种自然地，正常的，无意识的反射活动，声乐对呼吸是有一定要求的，绝不放任自流。
他既要服从生理上的规律，又要满足演奏上的需要；既要自然，又要有所控制。
古典音乐中的器乐演奏和声乐演唱的比较
古典音乐中的器乐演奏和声乐演唱的比较在古典音乐中，器乐演奏和声乐演唱一直是两个备受瞩目的方面。
虽然这两者都是音乐的基本元素，但它们的表现方式却截然不同。
器乐演奏依靠乐器来传达音乐信息，而声乐演唱则需要歌唱者利用喉咙、呼吸和表情等因素来表现音乐感觉。
虽然这两种表现方式各有优点，但它们也有一些差异，让人们在欣赏古典音乐时会有不同的感受和体验。
首先需要明确的一点是，器乐演奏和声乐演唱在古典音乐中的作用是不同的。
器乐演奏往往被用于表达旋律、和声和节奏等音乐元素，而声乐演唱则通常被用于表达歌词和情感。
因此，这两种表达方式需要针对不同的音乐要素进行处理。
在器乐演奏中，各种乐器的音色和声音质感通常是人们最为关注的方面。
不同的乐器在演奏时产生的音色是独特的，这也是器乐演奏的魅力所在。
例如，在小提琴演奏时，它表现出的优美而又高亢的音色，可以令人心神荡漾，陶醉其中；在古典吉他演奏时，平衡而和谐的音感和清晰的旋律，使人感受到一种民间和抒情的气息。
乐器的音色和音质往往会左右人们对作品的感受，这也是器乐演奏在表达音乐要素方面不可替代的重要作用。
然而，在声乐演唱中，歌唱者的表现能力和演绎技巧更为关键。
在古典音乐中，歌唱者不仅需要具备极高的音乐素养，还需要有较强的表演能力，把歌曲中的情感娓娓道来。
歌唱者的呼吸、喉咙的韵律以及面部表情等方面的掌控，甚至能直接影响到作品的感染力和表现效果。
这也是为何有时候两位歌唱家唱同一首歌的效果截然不同。
例如，玛丽亚·卡拉斯和莎拉·布莱曼，她们的演唱风格各有所长，但在表现情感和细节方面都是极为出色的。
虽然器乐演奏和声乐演唱各有特点，但它们也有一些共同点。
例如，在同时表现旋律和和声的时候，器乐演奏和声乐演唱都需要注意到这两个要素的处理。
在器乐演奏中，需要在不失去旋律美感的前提下，掌握好乐器间的和声关系。
与此类似，在声乐演唱中，也需要在处理歌词和情感的同时，把握好旋律和和声的关系，使得整个作品能够更自然地呈现。
浅析铜管气息与声乐气息的相同点和不同点
音 体 美
浅析铜管与息与声 乐号息硇相 同点和不同点
江 西师 范大 学音 乐 学院 刘 晋 朱振 雷
一
、
前 言
我研究的课题是 “ 浅析铜管气息与声乐气息的相同点和不同点” 。 对于学 习管乐和声乐的朋友们来说 ，一看就知道这是一个 呼吸方 法的 异 同问题 ， 时间确定下 了我很快就到 图书馆 、 网络查阅 了相关的书籍 和 资料 ， 其中对“ 铜管气息 、 乐气 息” 声 的看法有数百种 ， 对我论 文有用 的 有几十余种 ， 就气息问题我 主要从沈湘主编 的《 沈湘声乐教学艺术》 菲 ， 立普 ・ 法卡斯 主编 的《 演奏乐 器铜 管艺术》 ＢＡ吉科 夫主编的《 ，． 铜管 乐 器呼吸字样等作为参考。当然我 的课题主要是“ 气息” 很显然是要研究 ， 铜管和声乐气息的异同， 而我 的课题是个气息异 同的研究 。因此我主要 查阅的是有关 中西方著的有关 书籍 ，这些书籍给我的论文写作给予了 很大的帮助。 纵观 已出版的几本著作 ， 可谓各有千秋 。其 中以 ２０ ０ ５年陶纪 泉撰 写 的《 浅析呼吸技巧在小号演奏中的运用》 ２ ０ 年赵梅伯编著的《 ；０ １ 歌唱 的艺术》 ２ ０ 年李维 渤译编 著的《 ；０ ０ 歌唱一机理与技巧》 １９ 年沈湘 主 ；９ ８ 编 的《 沈湘声乐教学艺术》 ２ ０ 年张继春主编 的《 ；０ ２ 浅谈 管乐器吹奏 的 呼吸方法 及其应用》 当然还有余笃 刚的《 ； 声乐艺术美学》 ２ ０ 年 由 和 ００ 人 民音乐 出版社出版的《 阿尔班小号一短号教程》 等著作给我留下 了很 深刻的印象 ， 也给我写作该论文提供 了有价值的线索。
础。
当今 ，世界上对声乐气息和铜管气息研究的人越来越多 ，如菲立 普・ 法卡斯主编的《 演奏乐器铜管艺术》 中说到 ： 呼吸分为吸气 和吹气两 部分 。 下面我来详 细地说 明一下 首先是吸气 ， 因为吹奏铜管乐器和声 乐演唱是需要很多气去进行支撑 的，简 而言之就好像 汽油对于汽车的 重要性 ， 因此我们每一次吸气都必须吸到最多的气， 但就是这一看起来 比较简单的道理 ， 在实用过程 中却并不那么尽如人意 ， 很多朋 友的吸气 都过于随意 ， 吸的很浅很少 ， 造成演奏过程中的一系列 问题。 然后把注意力集 中在吹气上 ，认为是 自己在气 息的使用上 出了问 题 ， 而没有根本地解决问题 ， 从 阻碍 了 自身的进步 ， 那么这个 问题如何 解决 ， 首先就是要做好第一步 ， 自然地 深吸气 ， 分地 吸饱 、 充 吸满 。如何 做 到 自然 ， 首先要有一个 良好 的吸气状态 ， 口腔要充分地打开 ， 以此来 保证气息的顺畅通过 ， 然后吸气时要尽量做到匀速 ， 如果过快很容易造 成抬肩膀 ， 也就是纯胸式呼吸法。如何做到以上的要求 ， 有一个 比较好 的方法 ， 就是模仿“ 打哈欠” 人体吸最多气的“ ， 自然状态” 是打哈欠， 所 以我们每次吸气都应该像打哈欠一般 ， 打哈欠人人都会， 而且是最 自然 最有效 率的办法 ， 只是在练 习过程 中要更 加刻意些 ， 并勤加练 习， 相信 对于 出现的问题会有所改善 。吹气就稍微复杂了一点， 是也很 简单 。 但 铜 管长短则六七 十公分， 则五六公尺 ， 长 要如何把气 吹到五 六公尺远 呢？ 案是 “ 答 吹热气 ” 法 国人说吹 出去的气要无方向性， 国人说气 。 美 要往前 吹， 这都是同一件事， 中国人 的说法 就是深吸缓吐， 用 像是练气 功一般， 很多人都肚子用力憋着气撅着嘴拼命用力吹， 这是很 多管乐 队 的学 生 最 常犯 的 毛 病 ， 是 这 只 是 浪 费 时 间 罢 了。 吹 气 像 是 吹 口 哨一 但 样， 轻轻吹有声音， 太用力反而气柱产生不了共 鸣。吹气轻之后， 嘴型也 放 松 了 ， 色也 自然 了， 谓 一 举 多 得 。 深 深 吸 气 ， 音 可 轻松 吐气 ， 量 吹 出 尽 自然而不勉强的声音是吹铜管的不二法门， 记得 吹出的气要均匀 ， 连贯 不断 。 长音 的音色 自然就稳 定了， 以后再慢 慢拓展 自己的界限， 让音 量， 音域往两边界限发展， 很快 （ 约半年， 则一年）就 有一定程度 的进 慢 步。 在薛 良的《 唱的方 法》 歌 中讲到 ： 唱者悦耳 的声音 是建立在 良好 歌 的气息运用基础 上， 声带应受到气息的激动而发出声音 ， 听的声音必 动 须依靠正常而适度 的气息作为原动力。一切声音表现技巧都 与呼吸有 着不可 分离的关系 ， 因为有气才有声 ， 有声 必有气 ， 如果把歌 唱者 的发 声 比做工厂的产品生产 ， 则呼吸系统好 比是动力车间 ， 喉头部 分好 比是 成 型车间 ， 共鸣器官好 比是加工精制车间。也就是说 ， 发声 活动开始 于 歌 唱者从肺里吐出气息 冲击声带而发声 ， 因此 ， 呼吸活动应 是歌唱者声 音训练诸 问题中首先要引起足够注意的事情 。又如杰出男 高音歌唱家 雷兹克所讲 ：正确的歌唱决定于有节制的运用气息。应该 体会到在很 “ 好 的发音时 ， 就像是用 口在哈气 ， 用气哈暖一件东西。” 克拉克在 《 呼 论 吸》 中主张 ： 歌唱者第一件事情就是学习适当地呼吸。他必须 把足够 的 气 息吸进肺里 ， 然后或快或慢 ， 或柔和或强烈地把气吐 出来 ， 以适应所
声乐和器乐技巧的不同之处
声乐和器乐技巧的不同之处一、音乐是一种表现艺术音乐作品(这里泛指器乐作品)是通过演奏展现其轮廓的。
当我们对音乐表演作出评价时，常常可以看到这样的字眼：“基本功扎实”、“技巧娴熟”、“表现力丰富”以及“对作品的理解准确、深刻”等等。
首先，让我们研究一下基本功、技巧、表现力以及对作品的理解四个方面的相互关系。
我们是否可以说基本功、技巧是驾驭音符并使之成“形”的手段，对作品的正确理解则是挖掘作品之“神”并使之传神的前提。
换言之，音乐作品是否形神兼备与音乐表现是息息相关的。
音乐表现即演奏者对音乐形象的即兴塑造能力，与演奏者的年龄、气质、情绪、素养等有密切联系。
它千变万化，绝少雷同。
它不仅因人而异而且即使在同一人身上也往往因时、因地而异本文仅从常见的民族器乐的演奏入手，试探音乐表现的一般规律。
二、音乐表现什么?音乐表现情感、表现人们细微而复杂的内在情感。
这一点或许是世所公认的。
诸如爱与恨、喜与悲……，一句话：喜、怒、哀、乐无所不包。
民族器乐的表现能力来源于如下几个因素，即：唱——歌唱性，或称抒情性;说——叙述性;写景——描绘性。
这里，歌唱性，叙述性是对人的描摹，描绘性是对物的描摹，二者相得益彰。
歌唱性即器乐演奏形同歌唱，它是民族器乐表现的常用手法之一。
歌唱性的段落在人们信手拈来的乐谱中几乎垂手可得，随之可见。
我们在二胡曲《阳关三叠》中听到的是饱含着依依惜别之情的情意绵绵的歌唱;笛子曲《牧民新歌》则传送了豪迈的歌颂之情。
“大漠弧烟直，长河落日园”二胡曲《拉骆驼》表现了荒凉而孤寂的歌唱;烩炙人口的《三门峡畅想曲》则以近乎于朗诵的音调叙说了建设者的赞美的心声。
如果说二胡曲《春诗》散发着犹如“春风得意马蹄疾”那样畅快的歌唱;那末二胡曲《秦腔主题随想曲》时而高昂时而低回的歌唱似乎抒发了西北人民委婉的感情……乐手们普遍地钟情于歌唱性的手法并非偶然，其中自然制约的影响也许大有关系，首先，奇妙的人体结构使口耳配合默契：口发出信号，耳接受信号，耳朵对人声的感受永远是最深的。
声乐论文：试论声乐与管乐间的相通性原理
声乐论文：试论声乐与管乐间的相通性原理内容摘要：一些声乐教育家认为吹管乐（文中以西洋木管乐器中的簧管乐器为例）会影响声乐的学习，从而导致学生学习过程中，在管乐与声乐之间只能二选一，一定程度上局限了学生学习的积极性。
声乐与管乐这二者并不相互矛盾，只有在长期的艺术实践中，才能充分体现二者是相辅相成、互助互利的。
关键词：声乐管乐呼吸相通性研究表明，人类最早的乐器是嗓子，这说明声乐的历史远远早于管乐。
很多人误认为声乐和管乐是互相排斥的，认为学声乐的同时吹管乐对嗓子有所损害。
笔者认为，只有在长期的实践中，才会发现管乐与声乐不管是外在还是内在，都是可以相互借鉴且相通的。
一、声乐与管乐发声原理的一致性1.发声振动原理的相通性西洋管乐分为木管乐器和铜管乐器（又称唇管乐），木管乐器中又分为边棱音乐器（如长笛）和簧管乐器（如黑管、萨克斯等）。
簧管乐器的振动以簧片的振动作为发声的来源，即在簧管乐器中把簧片比作声带；而歌唱是把声带的振动作为发声来源，这说明管乐发声的原理是根据声带发声的原理产生的。
簧管乐器是依靠簧片的振动而产生音源，在发声时属于拍打式振动。
当吹奏低音区时，簧片的振动面积较大，吹奏高音时，簧片是小面积的振动，簧片张度和劲度的变化是它的特点。
从这点来看，发声时声带的振动也是如此。
在低声区时，声带拉长，振动的频率就低，发出的声音也就低；在高声区中，声带缩短，振动频率高，发出的音也就高。
正因如此，管乐和声乐发声时振动的方式及规律都有着同一性。
2.共鸣腔（管）的相通性在演唱（奏）中会发现，共鸣腔（管）随着音高的变化而变化，而且是有规律的变化。
管乐和声乐在实践中都是遵循这一原则的。
由于管乐器有高、中、低各调的乐器，声乐中也有男女声的高、中、低之分，那么在演唱（奏）时，每个人对共鸣的长短位置都会有不同的感受和理解，所以共鸣腔（管）长短的变化规律只是相对而言的。
当演唱（奏）的音是由低向高变化时，共鸣腔（管）是由长而逐渐缩短的。
音乐欣赏中的声乐音乐和管弦乐音乐
音乐欣赏中的声乐音乐和管弦乐音乐音乐是人类创造的一种艺术形式，它通过声音的组合和表达来传达情感和思想。
在音乐欣赏中，我们可以欣赏到各种不同类型的音乐，其中包括声乐音乐和管弦乐音乐。
这两种音乐形式各具特点，给人们带来不同的感受和体验。
声乐音乐是以人的声音为主要表现手段的音乐形式。
它通过歌唱来表达情感和思想。
声乐音乐可以分为古典声乐和流行声乐两种类型。
古典声乐通常采用古典音乐作品作为演唱的素材，其曲调优美、旋律流畅，给人以高雅和庄重的感觉。
而流行声乐则更加注重个性和时尚，通常以流行音乐作品为演唱的对象，其曲调欢快、节奏明快，给人以轻松和愉悦的感觉。
在声乐音乐中，歌唱是最重要的表现手段。
歌唱可以通过声音的高低、音色的变化和情感的表达来传达歌曲中的情感和意义。
在古典声乐中，歌唱通常要求歌唱者具备较高的音乐素养和技巧，以达到对作品的准确演绎。
而在流行声乐中，歌唱更加注重个人风格和表达能力，歌唱者可以根据自己的特点和情感来演绎歌曲，使其更具个性和感染力。
与声乐音乐相比，管弦乐音乐更加注重乐器的演奏和合奏。
管弦乐音乐是通过乐器的演奏来表达情感和思想。
它通常由弦乐器、管乐器、木管乐器和打击乐器等组成，通过不同乐器的和声和对位来创造出丰富的音乐效果。
管弦乐音乐可以分为交响乐、协奏曲和室内乐等不同类型。
交响乐通常由大型交响乐团演奏，气势宏大、声音浩大，给人以壮观和庄严的感觉。
协奏曲则是以独奏乐器和乐团的合奏为主，独奏乐器通过与乐团的互动来展示自己的技巧和表现力。
室内乐则是由小型乐团演奏，音乐更加细腻、温暖，给人以亲切和舒适的感觉。
在管弦乐音乐中，乐器的演奏是最重要的表现手段。
乐器的演奏可以通过音色的变化、技巧的运用和情感的表达来传达音乐作品中的情感和意义。
不同的乐器有不同的音色和特点，它们通过合奏和对位来创造出丰富的音乐效果。
在演奏中，乐手们需要具备较高的技巧和协作能力，以达到对作品的准确演绎。
同时，乐手们也可以根据自己的特点和情感来演奏，使音乐更加个性化和有感染力。
单簧管与声乐伴奏：演奏与歌唱的完美协调
单簧管与声乐伴奏：演奏与歌唱的完美协调在音乐表演中，单簧管作为一种优美的木管乐器，常常与声乐伴奏相结合，演奏出令人心醉神迷的音乐作品。
单簧管与声乐伴奏相互协调，不仅能够展现出演奏者和歌唱者的卓越技艺，还能够为音乐作品增添无穷的魅力和动人的情感。
单簧管作为一种富有表现力的乐器，能够表达出丰富的音色和情感。
它的音域宽广，能够演奏出高亢激昂、深情厚重或是轻快欢快的音乐。
与声乐伴奏相结合，单簧管能够为歌唱者提供一个和谐的音乐背景，使得歌唱更加饱满动听。
通过单簧管的演奏，音乐作品能够更好地表达出作曲家所要传达的情感，深入人心。
在单簧管与声乐伴奏的演奏过程中，协调是至关重要的。
首先，单簧管与歌唱者要达到音高的统一。
演奏者和歌唱者需要通过反复练习，以确保在演奏过程中音高的准确性。
只有当单簧管与声乐伴奏的音高完美无缺地匹配时，演奏才能显现出其真正的魅力。
其次，节奏的一致性也是单簧管与声乐伴奏之间的重要协调因素。
在音乐表演中，节奏掌握的准确与否直接影响整个演奏的效果。
单簧管演奏者和歌唱者需要紧密配合，共同遵循节奏要求，确保演奏流畅而有节奏感。
只有通过精确的节奏配合，单簧管和声乐伴奏才能相得益彰，呈现出令人震撼的音乐力量。
此外，情感的传达也是单簧管与声乐伴奏协调的重要环节。
音乐是情感的艺术，情感的传达使得音乐具备了灵魂。
单簧管演奏者和歌唱者需要具备良好的情感表达能力，通过婉转动人的音乐表达，将内心的情感与观众产生共鸣。
只有在情感的共振中，单簧管与声乐伴奏协同演奏的力量才能得以展现。
在单簧管与声乐伴奏的演奏过程中，演奏者和歌唱者还需要相互倾听，共同创造出美妙的音乐。
单簧管演奏者需要细心地聆听歌唱者的演唱，以便根据歌唱的节奏、音色和动态作出相应的调整。
歌唱者则需要与单簧管演奏者保持良好的沟通，共同协商演奏细节，以获得最佳的协作效果。
只有在相互倾听和合作的基础上，单簧管与声乐伴奏的演奏才能达到完美的协调。
最后，单簧管与声乐伴奏的协调演奏不仅要求演奏者和歌唱者各自具备出色的技巧，还需要他们以一种相互尊重和欣赏的心态来合作。
小议声乐与器乐的个性差异与融合性
小议声乐与器乐的个性差异与融合性【摘要】在音乐表演和创作中，器乐和声乐是必不可少的两大门类，在进行音乐教育的时候这也是不能缺少的两个重要学科。
器乐和声乐在教学理念以及教学方法方面不但有一些共通之处，还有着非常明显的差异。
怎样更好的保证这两种技能的协调发展，是很多学校在进行音乐教育的时候都面临的重要问题。
本篇文章对二者之间存在的差异进行了探讨和比较，发现了声乐和器乐之间的联系和转化，希望能够更好的帮助学生实现器乐和声乐的协调发展，将其更好的融合在一起。
【关键词】高校音乐教育；器乐；声乐；差异性；融合性现在高校进行音乐教育的时候，很多学生都存在声音或者器乐严重偏科的情况，这对学生将来的全面发展是非常不利的。
声乐和器乐在很多方面都存在比较严重的差异性，学习的时候也很难真正的做到均衡。
所以在进行教学的时候，老师必须努力根据二者的教学规律找到其融合点和共通之处，帮助学生实现声音和器乐的协调均衡发展。
一、声乐和器乐二者存在的差异性在音乐中器乐和声乐是不同的分支，差异性比较明显，主要体现在以下几点：1. 声乐和器乐的发生媒介存在明显的不同。
声乐在进行发音的时候，人体是其声音源，是利用神经系统来对呼吸器官、共鸣器官、吐字器官以及发声器官进行控制，从而完成歌唱，而器乐则是利用乐器本身的物理特性来进行声音的发出，从而进行音乐表演。
声乐发声媒介本身变式内置的、隐性的，并且其不稳定性也非常的强，而器乐的发声媒介则是外置的、显性的，并且其稳定性非常的强。
也正是因为发声媒介存在明显的不同，很多人都普遍的认为声音要比器乐更加的难学，并且掌控起来也更加的困难。
器乐的乐器本身便是一种商品，其声音是非常的稳定的，并且人们可以根据自己的需要进行选择。
但是由于声乐是人体发出的，所以其出现要远远的早于器乐，但是由于生理方面存在一定的限制，这也导致了音域、速度、因素以及力度等方面的变化性都要比器乐差很多，这也限制了其发展性，而器乐的出现，在一定程度上对音乐进行了完善，拓宽了其表现的空间。
分析声乐与器乐的相互关系
分析声乐与器乐的相互关系声乐与器乐演奏同作为表演艺术,具有一定的共通性。
通常,我们把学习发声方法的过程称之为“塑造歌唱的乐器”,通过多种有效的训练手段,建立好的气息、稳定的口咽腔,使人体这件“乐器”能够演奏出漂亮的音色。
同样,在学习乐器的时候,老师在课堂中经常会提醒学生,“如歌唱般地演奏”。
可见,声乐与器乐有着密切的联系。
笔者通过多年的学习和教学发现,在声乐课堂中,将声乐与器乐有机地结合起来,可以把抽象的声乐学习过程变得更加具体而形象,从而引导学生更快地找到正确的歌唱状态。
一、声乐与二胡在歌唱中,呼吸的训练至关重要,这也是教学中的难点。
学生往往在演唱过程中容易出现提气的情况,尤其在初学者身上体现得极为明显,教师经常会提醒学生,“把气放下来、把声音放下来”,但是怎么放下来却着实成了一个难题。
在最初学习声乐的时候我也经常被这个问题困扰,直到有一天声乐课上,我的老师王翼亭教授跟我说了这样一段话:“不管唱高音还是低音,声音一定要…坐在气息上‟,就像拉二胡一样,不管音区如何变化,琴弓始终是紧贴琴筒的,假如把弓子拿起来放到琴弦的上部去演奏,声音就会是干涩、刺耳的了;只有弓子贴紧琴筒演奏,音色才好听,音量才有保证。
”这样一个很简单的比喻,让我茅塞顿开,马上明白了气息安放的重要性。
下课后,我又专门去看了二胡专业的同学练琴,并实践体会了琴弓离开了琴筒,就无法产生好的共鸣,就很难发出响亮悦耳的声音。
在演唱过程中,气息的支点保持在横膈膜周围,这极像二胡的琴筒。
通过这个比喻能让学生更直观、更形象地理解并记住演唱时一定要把气息放好、放平。
二、声乐与小提琴1.力量的使用。
在学习声乐的过程中,大部分学生都会经常听到老师这样的提醒:放松地去歌唱。
于是便出现一种情况,学生为了追求放松的状态,大量运用假声,以致使中低声区唱出来的声音虚而空。
其实在歌唱中放松与紧张是并存的,要辩证地去看待这一问题。
“歌唱家的嘴在咽部”,咽喉部的肌肉在演唱过程中是积极参与的,比如,通过喉内肌可以调整声带,通过喉外肌可以调整共鸣管的使用。
管乐吹奏与声乐歌唱的呼吸方法异同之探究
管乐吹奏与声乐歌唱的呼吸方法异同之探究管乐吹奏与声乐歌唱的呼吸方法异同之探究r管乐吹奏与声乐歌唱的呼吸方法异同之探究内容摘要：师范类的音乐教育中，管乐专业的学生在修声乐课时和声乐专业的学生在修管乐课时会遇到的一个呼吸方法的异同问题，这也是师范类音乐教育中教学的特殊问题。
作者通过在教学实践中的研究、总结，发现了这个问题的根源所在。
通过对这个问题的详细分析和解释，不但会有利于管乐专业的师生和声乐专业的师生能更准确有效地提升各自专业的教学质量，同时也能避免因呼吸方法的错用而发生的教学方法的错误。
在师范类音乐教育专业的教学中不可避免地要遇到一个问题，那就是：管乐专业的学生除了要主修自己的管乐课以外还必须要副修声乐课，另外，很多师范类声乐专业的学生因为考虑到毕业出路而选修学习管乐吹奏。
这是师范类音乐教育专业的教学中的一种特别现象，不过如何相得益彰地处理好二者技巧学习上的冲突，特别是呼吸使用的问题成为高师教学中的一个不易察觉又急需解决的课题。
呼吸——师范教学中一个不易觉察而易失误的问题在师范类音乐教育专业的教学中，有些声乐教师很可能会自觉不自觉地忽视管乐吹奏和声乐歌唱在呼吸方法上的不同之处，从而在对管乐专业的学生实行声乐教学时，常常会在想当然地指导“呼吸”这个环节上发生一系列始料未及的错误。
管乐吹奏专业的学生气息比较充足，人们难免会不假思索地对他们产生一种能高昂嘹亮地歌唱的错觉。
有些在这方面缺乏经验的声乐教师也会误以为管乐专业的学生只要将喉头放松、稳定喉结位置即可达到歌唱发声要求。
其实不然，管乐吹奏的气息位置和呼吸方法与声乐歌唱的气息位置和呼吸方法在本质上是有严格区别的。
因为用于吹响管乐器所需的气息强度、速度、流量比歌唱发声所需的气息强度、速度、流量要强大得多。
再者，因为管乐吹奏和声乐歌唱在发声结构上有所区别，所以管乐吹奏时的发声状态与声乐歌唱时的发声状态也是截然不同的。
比如：管乐吹奏的发声结构是气息要通过摩擦嘴、号嘴、笛头、哨嘴才能发声并通过喇叭口或发音孔将声音扩大，从而产生演奏所需的各种高低、强弱、长短不一的音响。
论萨克斯管演奏与声乐演唱的器声同质
（ 淮北师范大学 音 乐学院， 安徽 淮北 ２ ５０ ） ３００
摘 要： 人声是世界上最 美妙的声音 ， 萨克斯 管能逼真地模仿人声 ， 具有很强 的歌唱性 ， 是任何 一种 带机械装 置的 乐器都
无 法与之 匹敌 的乐器。萨克斯 管演奏与 声乐演唱在很 多方 面都具有相 通性 ， 文从 呼吸 方法一致 、 注重舌 头的作 用、 本 都 均强调想象的发挥等方 面论述 了两者的器声同质 ， 以期 更好地 了解 两者的特点 ， 并从 中寻求 出共性， 再充分利 用共性 ， 形
胸腹式呼吸法之所 以被广为采用， 是因为它较之
唱性 ’ 乐器 。而且其作 为一种 ‘ 歌唱性 ’ 的乐器 ， 任何
一
种带机械装 置的乐器都无法 与之匹敌。 它之所 ”
胸式呼吸法和腹式呼吸法更为科学、 更为合理也更为 有效。胸式呼吸法能够快速地补充人体 内氧气 的需 要， 但是 ， 这种呼吸法 缺乏深度 ， 它主要靠胸腔 的扩张 收缩产生力量 ， 扩张主要集中在肺的上半部 ， 这种呼吸 法不能使胸腔共 鸣跟横膈膜 以及小腹 的力量联系起
一
效的呼吸方法——胸腹式联合呼吸法。在管乐界， 我 国著名的萨克斯管演奏家 于锡彬先 生曾经说过 ： 胸 “ 腹式呼吸法是吹奏乐器必须掌握的唯一正确的科学方
法， 只有掌握了真正的胸腹式呼吸， 你所从事的吹奏专 业 才可能 取得 长足 的 发展 ”， ｌ 可见 ， 论 是声 乐 演 唱 ２ 不
同质 。
一
尚且可以， 但是演唱旋律跨度较大的戏剧性的作 品时，
呼 吸方 法一致
、
相 对就会 比较 困难 。应 用 在 管乐 中也 是一 样 ， 由于 胸
所 “ 无论是声乐演唱还是萨克斯管演奏 ， 它们都是用 式呼吸法不能与横膈膜相连接 ， 以在演奏 中， 呼 ” 吸” 会直接影响到演奏的力度。 气做动力 的， 气流是形成声音 的原动力 ， 因此 ， 掌握正 和“ 相对较弱 ， 腹式呼吸法 ， 一般吸得 比较深 ， 同时横膈膜下降 ， 确的呼吸方法 ， 是演唱者或演奏者首先应该解决 的最
浅析古典萨克斯管演奏与声乐演唱的器声异同
萨克斯管无论是从音色还是发声训练上都与人声有着许多共性，将从气息运用、咽喉形态、腔体共鸣、技巧运用等方面入手，探讨声乐演唱与萨克斯管演奏的异同。
阐述两者的表现形式，从中寻求共性,再充分利用共性，形成优势互补，以期更好地了解两者的特点，促进声乐演唱与萨克斯管演奏的科学性。
同时，两者在演奏与演唱技巧等方面都需进行合理的控制，以达到想要的演出效果和演唱目的。
本文以声乐演唱与萨克斯管演奏的异同为出发点，分析研究两个不同专业方向的表现形式，以期在表演技巧上相互借鉴、求同存异，更好地展现声乐与管乐的艺术魅力。
一、萨克斯管与声乐的起源与发展（一）萨克斯的由来与发展萨克斯，是由比利时人阿道夫·安东尼·萨克斯（Adolphe Antoine Sax ）于1840年发明。
据记者了解，阿道夫·萨克斯为了能够给德国管弦乐队量身设计一种低音萨克乐器，把演奏低音萨克单簧管的小号笛头与低音奥非克莱德的小号相连接，并且对此加以不断改进，如此便成就有了低音萨克斯管的前身。
（二）美声唱法的发展在人类音乐历史的发展中，声乐艺术一直贯穿其中。
美声唱法一词起源于意大利，其原文为：Bel Canto，翻译成中文为精美的美声之意。
其产生和发展对世界音乐有着非常重要的影响。
Bel Canto 自产生以来，经历了几百年的发展，已经成为一种比较成熟、完善的歌唱方法。
圣咏是欧洲早期音乐美声唱法的一个重要萌芽和形成的新阶段，美声的唱法萌芽及其产生与当时的人类经济社会现状和当时人类社会历史上的社会形态结构密切有关。
13世纪的欧洲主要是由罗马三个教会所负责主导和统治的，其中由时任教会会长的荷马所负责主导创作的《荷马史诗》《伊利亚特》《奥德赛》等圣咏音乐作品大都被认为是处于音乐唱法萌芽初期的早期声乐艺术作品，其中的圣咏音乐大多以单纯和非美声部分的典型音乐艺术形式创作为主，公元590年，罗马教皇进行重新修正、改编了当时的《唱经本》，即著名的格里高利圣咏。
古典音乐中的器乐演奏和声乐演唱的比较
古典音乐中的器乐演奏和声乐演唱的比较在古典音乐的广袤世界里，器乐演奏和声乐演唱犹如两颗璀璨的明珠，各自散发着独特而迷人的光芒。
它们既是音乐表达的重要方式，又承载着丰富的情感和深刻的内涵。
首先，让我们来谈谈器乐演奏。
器乐演奏是通过乐器来展现音乐的魅力，乐器种类繁多，每一种都有其独特的音色和表现力。
例如，钢琴以其宽广的音域和丰富的和声能力，能够演奏出复杂而华丽的乐章；小提琴则以其优美的旋律线条和细腻的情感表达，常常成为音乐会中的焦点；而管乐器如长笛、单簧管等，能够为音乐增添灵动和活泼的色彩。
器乐演奏的一大特点是对技巧的高度要求。
演奏者需要经过长时间的刻苦练习，掌握乐器的演奏技巧，包括指法、弓法、气息控制等。
例如，钢琴演奏者要具备灵活的手指和准确的节奏感，才能在琴键上自如地弹奏出快速而复杂的音符；小提琴演奏者则需要通过不断调整运弓的力度和速度，来表现出音乐的强弱和情感变化。
这种技巧的磨练不仅需要耐心和毅力，更需要对音乐的深刻理解和感悟。
从表现力方面来看，器乐演奏具有很强的独立性和自主性。
演奏者可以凭借自己对音乐的理解和诠释，自由地发挥，为听众展现出独特的音乐画面。
比如，在贝多芬的《命运交响曲》中，管弦乐队通过强烈的节奏和激昂的旋律，展现出命运的冲击和抗争；而在巴赫的《哥德堡变奏曲》中，钢琴以其精致的和声和细腻的变化，营造出宁静而深邃的氛围。
接下来，我们再聊聊声乐演唱。
声乐演唱是用人声作为“乐器”来传达音乐的情感和故事。
人声作为最自然、最直接的音乐表达方式，具有独特的感染力和亲和力。
与器乐演奏不同，声乐演唱对演唱者的嗓音条件有着较高的要求。
不同的嗓音类型，如女高音、女中音、男高音、男低音等，各自具有独特的音域和音色特点。
演唱者需要根据自己的嗓音特点，选择适合自己的曲目，并通过科学的发声方法和技巧，充分发挥嗓音的优势。
在表现力上，声乐演唱更加注重情感的直接传递。
演唱者通过歌词的表达和声音的变化，能够更加直观地与听众产生情感上的共鸣。
声乐与器乐作曲技术的异同与融合
声乐与器乐作曲技术的异同与融合音乐作曲是一门艺术，而声乐与器乐作曲则是其中两个重要的分支。
声乐作曲是以人的声音为主要表现手段，而器乐作曲则是以乐器为主要表现手段。
虽然两者在表现形式上有所不同，但它们之间也存在着一些相似之处。
同时，随着音乐的发展，声乐与器乐作曲技术也逐渐融合，创造出了更加丰富多样的音乐作品。
首先，声乐作曲与器乐作曲在表现手段上存在明显的差异。
声乐作曲通过歌唱来表达情感和思想，人的声音可以直接传达出内心的感受。
而器乐作曲则通过乐器的演奏来表达，乐器的音色和演奏技巧对作品的表现力起到至关重要的作用。
声乐作曲更注重歌词的表达和声音的变化，而器乐作曲则更注重音乐的旋律和和声的构建。
其次，声乐作曲与器乐作曲在音乐结构上也有所不同。
声乐作曲通常以歌曲形式为主，包括前奏、副歌、间奏和尾声等部分，通过歌词的重复和变化来展现音乐的结构。
而器乐作曲则更注重主题的发展和变化，通过乐曲的主题、副主题、过渡和回旋等部分来构建音乐的结构。
然而，声乐与器乐作曲技术在某些方面也存在着融合的可能性。
首先，在声乐作曲中可以加入器乐的伴奏，以增加音乐的层次感和丰富度。
例如，流行音乐中常常使用吉他、钢琴等乐器来伴奏歌曲，使歌曲更加生动活泼。
同时，在器乐作曲中也可以加入声乐的演唱，以增加音乐的表现力和感染力。
例如，交响音乐中常常使用合唱团来演唱，使音乐更加庄重肃穆。
其次，声乐与器乐作曲技术在创作方法上也可以相互借鉴。
声乐作曲可以借鉴器乐作曲的和声和曲式结构，以丰富歌曲的音乐性和艺术性。
器乐作曲可以借鉴声乐作曲的歌词表达和情感传递，以使乐曲更具有故事性和感染力。
通过相互借鉴，声乐与器乐作曲技术可以相互促进，创造出更加多样化和丰富的音乐作品。
总之，声乐与器乐作曲技术在表现手段、音乐结构和创作方法上存在着一些差异。
然而，随着音乐的发展，声乐与器乐作曲技术也逐渐融合，创造出了更加丰富多样的音乐作品。
通过声乐与器乐的结合，音乐作品可以更好地表达情感和思想，同时也可以更好地展现音乐的艺术性和创造力。
单簧管音色的控制与吹奏技巧对古典与现代音乐的表达与演绎的特色与区别
单簧管音色的控制与吹奏技巧对古典与现代音乐的表达与演绎的特色与区别音乐是一门表达情感和思想的语言，而单簧管作为一种重要的管乐器，具有独特的音色和演奏技巧。
本文将探讨单簧管音色的控制与吹奏技巧在古典与现代音乐中的表达与演绎的特色与区别。
一、单簧管音色的控制单簧管音色是由吹奏者通过不同的音孔组合和口腔技巧控制的。
在古典音乐中，单簧管通常被用作独奏乐器或者与其他管乐器或弦乐器共同演奏。
而现代音乐中，单簧管音色更加多样化，常常用于独奏、独奏与合奏混合以及和电子音乐的结合。
1. 古典音乐中的单簧管音色控制在古典音乐中，单簧管音色的控制更加注重音量和音质的变化。
通过改变吹奏力度、音域的使用以及音色的调节，单簧管演奏出丰富的音乐表达。
例如，在巴洛克时期的音乐中，单簧管被用来表达节奏感强烈、明快活泼的音乐主题，吹奏者需要通过快速的指法和灵活的吹奏技巧来实现。
2. 现代音乐中的单簧管音色控制现代音乐中，单簧管的音色控制更加注重创新与多样化。
吹奏者利用现代技术和音效处理器来改变音色，创造出丰富多彩的音乐效果。
同时，现代单簧管演奏还注重对音色的实时控制，吹奏者通过嘴唇、舌头的运动以及呼吸控制来实现音色的变化。
二、单簧管吹奏技巧单簧管的吹奏技巧包括正确的吹气方式、灵活的指法以及对音调和音高的掌控。
不同的吹奏技巧会直接影响音色的表现和音乐的表达。
1. 古典音乐中的单簧管吹奏技巧在古典音乐中，单簧管演奏者通常需要具备准确的音调控制和精确的指法。
吹奏时，要注意气息的稳定和连贯，以确保音色的平稳过渡。
此外，单簧管的技巧要求还包括清晰的音节和准确的音高。
2. 现代音乐中的单簧管吹奏技巧现代音乐对单簧管的吹奏技巧要求更加灵活多变。
除了需要掌握古典音乐中的基本技巧外，现代单簧管演奏者还需要掌握特殊效果的运用，如多音演奏、颤音、吹气音等。
这些技巧的运用可以使音乐更富有感染力和表现力。
三、古典与现代音乐中的表达与演绎特色与区别单簧管音色和吹奏技巧对古典与现代音乐的表达与演绎有着独特的特色和区别。
管乐演奏与声乐的联系
管乐演奏与声乐的联系
袁洪江
【期刊名称】《中国科教创新导刊》
【年(卷),期】2009(000)007
【摘要】管乐演奏中的气息与唱歌中的气息的关系.
【总页数】1页(P193-193)
【作者】袁洪江
【作者单位】哈尔滨科学技术职业学院音乐系,哈尔滨,150301
【正文语种】中文
【中图分类】J616
【相关文献】
1.管乐演奏与声乐演唱的对比分析及相互影响 [J], 李艳艳
2.高职学前教育专业音乐教学中视唱练耳与声乐演唱的内在联系 [J], 何晓静
3.职工群众声乐舞台表演与高校声乐舞台技术的联系 [J], 温涛
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5.关于高职学前教育专业音乐教学中视唱练耳与声乐演唱内在联系的研究 [J], 刘淙雨
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论管乐吹奏与声乐歌唱的呼吸方法异同之探究
论管乐吹奏与声乐歌唱的呼吸方法异同之探究在师范类音乐教育专业的教学中，有些声乐教师很可能会自觉不自觉地忽视管乐吹奏和声乐歌唱在呼吸方法上的不同之处，从而在对管乐专业的学生进行声乐教学时，常常会在想当然地指导“呼吸”这个环节上发生一系列始料未及的错误。
管乐吹奏专业的学生气息比较充足，人们难免会不假思索地对他们产生一种能高昂嘹亮地歌唱的错觉。
有些在这方面缺乏经验的声乐教师也会误认为管乐专业的学生只要喉头放松，稳定喉结位置即可达到歌唱发声要求。
其实不然，管乐吹奏的气息位置和呼吸方法与声乐歌唱的气息位置和呼吸方法在本质上是有严格区别的。
因为用于吹响管乐器所需的气息、强度、速度、流量比歌唱发声所需的气息强度、速度、流量要强大得多。
再者，由于管乐和歌唱时的发声状态也是截然不同的。
由于管乐和吹奏时所需的呼吸强度对腹部、胸部、喉部所形成的肌肉紧张度要远远超出声乐歌唱时的这些部分肌肉的紧张度，所以用管乐吹奏的呼吸方法歌唱就会造到喉头紧张，声音僵硬的结果，这也是管乐呼吸的方法，恰恰是严重阻碍管乐专业学生学习声乐歌唱的主要原因之一。
而声乐歌唱的发声结构是：气息通过摩擦声带发声，然后通过头腔、口腔将声音扩大而形成演唱所需的高低、强弱、长短、和变化的音乐组合。
因此健康正常的声带只要用轻微的气流就可使其自然震动发声，而用同样轻微的气流去吹奏管乐就会难以发生。
所以，管乐专业的学生如果要是用了声乐歌唱的呼吸方法来吹奏的话，那么必将产生软弱无力的吹奏效果。
在师范类音乐教育的专业教学中，无论是管乐教师还是声乐教师，都必须充分了解深入探究吹奏和声乐歌唱时呼吸方法对各自专业的作用，进而在教学实践中认真区别、正确运用有效的呼吸方法来指导学生科学地进行吹奏和歌唱训练，这样，才能保证他们在这方面都能达到音乐教育专业所应有的水平。
首先，我们认同，管乐吹奏与声乐歌唱都与呼吸有关，这两者的发声都离不开气息的作用：管乐吹奏靠气流与嘴的配合振动发出声音，然后将声音送出发音孔；同样，声乐歌唱也是靠气流摩擦声带振动发声并把声音送出口腔。
声乐演唱与管乐吹奏呼吸方法之异同
作者： 梁丽
作者机构： 太原大学外语师范学院音乐系
出版物刊名： 北方音乐
页码： 60-61页
年卷期： 2012年 第12期
主题词： 音乐教学 声乐呼吸 管乐呼吸
摘要：在师范音乐教学中，声乐专业的学生辅修管乐和管乐专业的学生辅修声乐时往往会遇到二者呼吸方法的异同问题，如何能很好的解决这一问题，不管是对声乐教学还是管乐教学都是很有帮助的。
笔者通过在多年教学实践中的分析研究，总结出了二者的异同，这不仅有利于教学，提高专业教学质量，同时也可以避免因呼吸方法的不同用而导致的教学方法的错误。
西洋管乐的不同之处
1 管乐演奏与声乐演唱的相似性1.1 姿势俗话说；“站如松，坐如钟，行如风，卧如弓。
”意思就是站着要象松树那样挺拔，坐着要象座钟那样端正，行走要象风那样快而有力，睡觉要像弓弩那样弯曲侧卧。
这是对人在生活中四种状态和姿势的要求，这样的状态不仅有利于人得健康，而且给人很精神的感觉。
同样声乐演奏时对演唱者也有着类似的要求，声乐演奏者在演唱时应该力求端庄、大方、朴素、自如，全身放松、自然、直立、挺拔，身体略微的保持积极的兴奋的状态，头眼平视，上胸敞开，双肩略向后，但不紧张。
小腹微收的姿势更利于呼吸和气息的运用，使共鸣腔体更好的打开，才能发出优美的声音。
管乐演奏者站立演奏的姿势也是如此，站立演奏时两腿要同肩宽，坐着演奏时两腿并拢，不可以翘腿。
无论站着或坐着演奏，头、两肩和上体要自然、大方、端正，身体挺拔、全身放松、背、胸、腹、腰不可弯曲。
一方面，自然、端正、挺拔的形象舞台能给观众带来美的享受；另一方面，乐曲演唱中正确的演奏姿势有利于身体为管身提供更充足的气息量。
1.2 呼吸呼吸为声乐的演唱和管乐的演奏提供了源源不断的动力，可见呼吸学习是演唱者或演奏者学习本专业初期的关键。
在管乐界，我国著名的萨克斯管演奏家于锡彬先生曾经说过：“胸腹式呼吸法吹奏乐器必须掌握的唯一正确的科学方法，只有掌握了真正的胸腹式呼吸，你所从事的吹奏专业才可能取得长足的发展。
1”可见，不论是声乐演唱还是萨克斯管演奏，所采取的呼吸方法都是一致的，那就是均运用胸腹式联合呼吸法。
1.3位置喉头位置的状态及其在歌唱中的活动的正确与否，直接关系到声音的位置高低、音色、音位及其演唱水平。
正确的喉头位置，应相对稳定、放松、自如，处在打开喉咙深吸气的状态，就像平时的打哈欠，鼻腔开放，积极提起软口盖，舌头平放于口中，放松、自如，使整个腔体充分打开，形成一个发声共鸣的通道，让声音扩大，美化。
管乐演奏时，喉头位置也亦是如此，演奏管乐时打开喉头，提起笑肌，抬起上颚，可以使下巴、脖子、舌头、得到放松。
音乐演奏和声乐表演
音乐演奏和声乐表演音乐演奏与声乐表演，是两种不同的艺术形式，但是它们都是带给观众音乐享受的方式之一。
音乐是人类的宝藏，因为它能够沟通世界上不同的文化和语言，让人们在共同的旋律中建立情感的联系。
音乐演奏是一种基于乐器的表演方式，而声乐表演是一种基于人类声音的表演方式。
音乐演奏音乐演奏可以包含各种不同类型的乐器，例如弦乐器（如小提琴），木管乐器（如长笛，单簧管），铜管乐器（如小号），键盘乐器（如钢琴），打击乐器（如鼓），以及其他类型的乐器（如口琴）。
每个乐器都有其独特的音色和演奏风格，因此音乐演奏家需要通过反复练习来掌握它们的技巧和表现能力。
音乐演奏需要高度的技术和艺术性，因为演奏家需要通过他们的技能和表现力来呈现音乐的美感。
演奏家需要精确地掌握乐谱，包括乐曲的旋律、和声、节奏和速度等要素。
演奏家还需要在演奏时表现出情感和表达力，以吸引观众的注意力并带给他们情感体验。
音乐演奏家可以在各种场合演出，例如音乐会厅、音乐学院、电影院和博物馆等。
他们可以在个人演出中表演独奏，也可以与其他乐手一起合作演奏室内乐或大型交响乐。
音乐演奏是一种传统的艺术形式，应该得到尊重和保护。
声乐表演声乐表演是利用歌唱技巧和声音来表现音乐。
歌唱是一种艺术形式，通过声音表达情感和意义。
声乐表演可以包括多种不同类型的歌唱方式，例如古典歌曲、摇滚乐、流行歌曲等。
声乐表演需要高度的技术和表达力，因为演唱家需要正确地掌握唱法技巧，包括喉头、口腔和呼吸的控制。
演唱家还需要表现出音乐的情感和意义，以便吸引观众的注意力和带给他们情感体验。
声乐表演可以单独进行，也可以与其他表演形式结合运用。
声乐表演家可以在各种场合演出，例如音乐会厅、戏剧、电影和电视等。
他们可以在歌剧中表演，也可以演唱独唱和重唱。
声乐表演是一种充满活力和多样化的艺术形式，应该得到我们的重视和尊重。
综上所述，音乐演奏和声乐表演都是令人振奋的艺术形式，它们可以带给观众独特的音乐体验。
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管乐演奏与声乐的相似性与差异性分析【摘要】在学习多年的管乐之后，发现与我主修的声乐有着一些或多或少的联系。
这些联系可以在两个学科中共用，那些方法可以在两个学科之间相互补充。
无论在呼吸，共鸣，还是喉咙技巧和作品的表现上，都有着密切的相似性。
但在声音的振动位置，形成的方式，声音位置的集中，和艺术呈现方式方面，二者又存在着一些差别。
可以说，二者的联系是即相似，又有差异。
我们应该敢于学习不同学科的特点，从中找到一些共性，再将它们整合，提取之间的养分，来完善自身的音乐素养。
【关键词】管乐；声乐；相似性；差异性现代的管乐队起源于18世纪后，主要用于战争时军队集合、行进、发冲锋号，我们称之为“军乐队”。
到了十九世纪，由于美国将管乐教育纳入音乐教育之中，从小学连贯到大学、社会，这种发展的模式就形成了国际性的共通音乐团体。
我国早期出现的西洋管乐团是十九世纪七八十年代在上海英租界侨居的外国人创建的“上海公共管乐队”。
随着西洋管乐团这种艺术形式被开明人士所接受，它慢慢地出现在清末时期的一新式学堂中。
如今，随着人们精神物质生活的不断提高、对艺术修养的追求与日俱增，管乐团走进了众多大学艺术院校。
（1）声乐就是歌唱的意思，用科学的方法发出优美嘹亮的歌声，通过歌声，表达歌曲艺术性的语言，再通过艺术性的语言，生动地塑造乐曲中的人物形象，描绘其意境，表达其思想感情的音乐艺术。
经过多年的管乐学习之后，发现它与我主修的声乐有着一些或多或少的联系，声乐的歌唱方法与管乐的演奏技巧二者在很多的方面有着相通的地方。
一、相似性（一）呼吸方面呼吸方法对声乐起着决定性的作用，横膈膜具有十分特殊的作用，他由扁平肌肉组成，向上凸起呈拱顶型，把胸腔与腹部分开。
在深吸气时，其扁平肌肉纤维急速收缩，横膈膜很快下垂，胸廓亦随即大为扩张。
人的呼吸是一种自然地，正常的，无意识的反射活动，声乐对呼吸是有一定要求的，绝不放任自流。
他既要服从生理上的规律，又要满足演奏上的需要；既要自然，又要有所控制。
声乐演唱为了要获得一种优美的歌唱效果，分别进行了多种呼吸方法的测试：胸式呼吸、腹式呼吸和胸腹式呼吸方法，从长期的实践和经验中总结出一种最适合歌唱呼吸的方法——胸腹式联合呼吸法，并得到了广大的认同，被现在的声乐界所采纳，沿用至今。
同声乐的呼吸训练相一致，管乐演奏中对呼吸的要求也是胸腹式联合呼吸。
获得这种科学的呼吸是非常重要的，对于一个管乐吹奏者来说，除了满足身体的气体交换需要外，还是管乐器发声的动力，它可以使声音饱满舒服，自由驾驭，我们可以采用声乐中的闻花香式的呼吸，狗喘气式的呼吸，“抽泣”式呼吸以及深吸长呼的呼吸方式加以练习。
好的音色是每一个管乐演奏者追求的，期望达到的重要标准，而管乐的呼吸方法与它所产生的声音上又存在着一定的关系，所以尽管学习者的身体条件有所差异，但只要掌握了正确的呼吸方法，他们就能在管乐的吹奏方面取得明显进步。
从而来弥补身体条件带来的不足。
（二）身体共鸣人体自身就是歌唱的共鸣体，声带发出的基音是弱小的，它必须通过身体的其他腔体的震动才能得以扩大产生共鸣。
随着管乐器的普及，管乐的演奏水平也在不断提高，越来越更多的要求人们来注意各种因素对演奏效果的影响，根据个人的吹奏体会，同时借鉴声乐演唱方法，参考有关声学资料，我认为影响音色的不仅仅是气息，口型，更有身体有关部分的共鸣。
声乐演唱或管乐演奏时，气体由肺、气管、侯腔、口腔向外排出，声带的震动得到充分地舒展伸张，紧接着闭合完全，这样才能得到很好的声源，也才能使其他腔体得到很好的共振。
这时周围的咽，喉等器官必须十分松畅，既不能松垮，又不能挤压，同时气息要十分通畅。
无论演唱或吹奏管乐器，无不受着身体的有关部位的影响。
这种影响称之为演唱或演奏的“身体共鸣”。
管乐器发音主要由唇、哨片振动产生，笛头、号嘴、管身起共鸣作用。
在管乐器的“身体共鸣”中，各管乐器本身同唇、哨片的共鸣一样，影响着演奏的音质与音色。
人在发音时，体内不同的腔体会使人体的共鸣效果增强，管乐演奏者也在利用这些身体内的共鸣腔体，使其吹出的每个音产生更好的共鸣，这种共鸣当然也包括振动体，乐器本身。
人体内受压的气柱到达口腔后，在振动发生处（哨片、吹嘴、唇和号嘴）开始引起振动，振动的效果就会受到包括头部共鸣在内的多种因素影响。
（三）喉头位置喉头，又称为喉结，喉器。
是声带的附着器和固定器。
喉头作为震动器官之一，是声源的一个有机部分。
歌唱时，喉头位置状态及活动的正确与否，直接关系到其他发声器官的正常运动，从而影响到声音的音质，大小，色彩和持久性，以及歌唱技能技巧的正常发挥，直至声音的发展前途。
打开喉咙最充分、最自然、最适度的方法就是练习“半打哈欠”，这个状态下的哈欠使得鼻腔呈开放状态，软口盖积极向上方牵提，舌松软平放，使得舌根呵咽壁距离拉开而形成一个拱型空间。
打开喉咙的优越性在于扩张可调节的共鸣器官（口腔、喉腔、咽腔），主要是扩张咽腔部份，使喉、咽、鼻整个咽腔部分形成一个适合于发声共鸣需要的通道，气息和声音的畅通无阻地通过，声音从而得到扩大和美化。
因此，将“美声唱法”打开喉咙的技巧借鉴运用于管乐演奏中，可达到很好的效果。
首先，在吹奏管乐时打开喉咙，使得脖部、下巴、喉咙部得到了放松；其次，打开喉咙使得口咽腔部分积极扩张，呼吸通道更加通畅；最后，打开喉咙的优势为管乐演奏获得美妙、舒展、轻松的音色和音质营造了一个可行的物质条件。
两者都是扩张了咽腔，使喉、咽、鼻整个咽腔部分形成一个适合于发声共鸣需要的通道，气息和声音的畅通无阻地通过，声音从而得到扩大和美化。
（2）（四）作品的表现方面无论是有效的听觉，还是掌握气息的方法等要素，都是为更好的表现音乐的作品来服务的，都是表现音乐的手段而已。
管乐作品的音乐表现其乐器性能，有其特有的技巧性，声乐作品由于人的音域的原因，各有其特点。
正如声乐的演唱形式，管乐一样可通过各种演奏形式来表现作品。
在声乐的合唱演奏形式中，大概分为女高、女中、男高、男低四个声部。
管乐队基本上是由铜管、木管、打击乐三大声部组成。
打击乐主要充当的是节奏引领，木管乐、铜管乐则充当着乐团中的多个声部。
在合奏中，如同合唱，讲究的是整体性、融合性。
不暴露个别音色，尤其是音准，每次合唱或是合奏，都要进行校音。
二、差异性管乐的演奏和声乐演唱，二者有着相同、相似的地方。
同时又有着细小的差别。
（一）声音的振动位置上有人认为，学习声乐的学生是不能同时吹奏管乐的，这样会影响声乐嗓子的形状，甚至会磨损伤害到发音器官，二者是相冲突的，不可兼得的。
在我看来，其实这恰恰相反。
大家都知道，声音是靠物体的震动而发出的，声音的大小又是由频率决定的，频率越大，声音就越高；频率越小，声音就越低。
声带是人声的发音器官，人的发音主要就是靠声带的震动而发出的。
管乐，它的发音同样是由于震动产生的，但它的震动则不是依靠我们的声带，而是气流先通过口腔，再用这些气流带动嘴唇的震动或是号嘴、吹嘴和哨片的震动，最终带动整个乐器的共震而发出的。
从这里我们可以看出，管乐的吹奏和声乐的演唱，二者的震动位置是不一样的。
相反，管乐的练习还能从另一方面增强声乐演唱时的气息，给声乐的气息训练提供了又一方法。
（二）管乐有固定吹奏乐器，而声乐是人自身腔体形成的乐器管乐器主要分为铜管乐器和木管乐器两大类，当然有时还会加入打击乐器。
铜管乐器主要有小号，上低音号，次中音号，圆号，长号，大号等；木管主要包括萨克斯，英国管也叫黑管，长笛，短笛等。
当中的乐器又可根据不同的调号来细致划分。
为何如此之多，说到底原因就只有一个，那就是管乐它是固定的吹奏乐器，每一件乐器它只能演奏在它音域之内的音符，它是固定的，不可改变的。
声乐是人自身腔体形成的乐器，他可以根据不同的艺术要求来演绎，并且是靠自身的训练加上腔体的控制来发出声响的。
并且管乐器没有语言，它通过声音表达演奏者要表达的思想感情。
但是声乐则是通过音乐和语言两种方式来表达演奏者的思想感情，用声乐来表达自己的感情是更加直接的。
说以管乐有它自身固定的“腔体”，而声乐是人自身的腔体形成的。
（三）管乐与声乐的集中位置有所差别声乐演唱时要想得到好的音响，要求演唱者找到声音集中所在的点，中音演唱者需要有很好的胸腔共鸣，那他音响所集中地点就在胸腔部；高音演唱者要能发挥高音所特有的魅力，那他就得把音响集中点放在眉宇之间。
每一位演唱者在演唱时，都需要根据自身的生理状况，找到适合于自己的音域，将声乐的集中位置放在该放的地方。
管乐不一样，无论管乐音的高低，还是不同乐器所发出的声响，它的音响集中位置永远只有一个，就是乐器发出声音的地方。
如：号嘴、唇、吹嘴和哨片，由他们发出的震动带动乐器的发声。
（四）管乐与声乐的艺术呈现方式不同管乐的演奏可以有坐式演奏，站立式演奏，还可以行进式演奏，三种不同状态的演奏都有各自的特点。
前者大都用于排练或是协奏演出，这种难度很小，比较轻松，站立式与行进式则是用于各种文艺或是社会活动，当然难度也比前者要大得多，特别是行进式，在内外的体力消耗下还要保持音色的稳定和呼吸的流畅，要有很大的演奏功底才可以。
声乐大多为站立式演唱，无论是独唱，重唱或是大合唱，都要求演唱者保持站立的姿势，这与管乐有很大的差异。
结语通过两种学科的相互联系发现，声乐与管乐之间有着视唱练耳、呼吸、喉头位置、声音的集中、练习方法、表现形式等方法上的类似，但在声音的振动位置，形成的方式，声音位置的集中，和艺术呈现方式等方面，二者又存在着一些差别。
这些相似和区别又可以使两个学科共用，可以在两个学科之间相互补充。
所以我们应该敢于学习不同学科的特点，从中找到一些共性，再将它们整合，提取之间的养分，用来完善自身的音乐素养。
注释：(1)张彤. 《浅谈管乐团的训练》.西安音乐学院教学指向标刊物,第50页。
(2)袁洪江.《管乐演奏与声乐的联系》.中国科教创新导刊,2009年.第193页。
参考文献：[1]彭晓玲.《声乐理论基础》.西南师范大学出版社,2000年.[2]陈建华.《管乐器》.上海音乐出版社,1999年.[3]袁洪江.《管乐演奏与声乐的联系》.中国科教创新导刊,2009年.[4][苏]吉科夫.柴培湘译.《管乐器吹奏呼吸法》.人民音乐出版社.[5]威廉•文纳著,李维渤译.《歌唱机理与技巧》.世界图书出版社.[6]董德君张红.《管乐音色的最佳演奏机理》.乐府新声(沈阳音乐学院报).2002年第3期[7]郑虎.《管乐演奏中的呼吸方法与训练》.星海音乐学院学报.第二期.2006年6月出师表两汉：诸葛亮先帝创业未半而中道崩殂，今天下三分，益州疲弊，此诚危急存亡之秋也。
然侍卫之臣不懈于内，忠志之士忘身于外者，盖追先帝之殊遇，欲报之于陛下也。
诚宜开张圣听，以光先帝遗德，恢弘志士之气，不宜妄自菲薄，引喻失义，以塞忠谏之路也。