在巴黎装饰艺术博物馆回归90年代

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世界现代设计史[第四章“装饰艺术”运动]山东大学期末考试知识点复习

第四章“装饰艺术”运动“装饰艺术”运动是一场国际性设计运动，不少欧美国家都卷入其中，尤以法国、英国和美国的设计成果较具代表性。

它同时还影响到许多欧洲国家，从大约1910年前后开始，一直发展到1935年前后为止，是20世纪延续时间比较长的一个设计运动。

“装饰艺术"运动在20世纪20年代兴起，到30年代成为一个国际性的流行设计风格，影响到建筑设计、室内设计、家具设计、工业产品设计、平面设计、纺织品设计和服装设计等等几乎设计的各个方面，是20世纪非常重要的一次设计运动。

虽然主要的发展国家只是法国、美国和英国，但是这种风格却成为世界流行风格。

相比之下，“新艺术”运动虽然也遍及欧美，但是从影响的范围来看，地区性非常强，并且在很大程度上只是设计界的探索，很难成为一个比较统一的流行风格。

一、时间概念的掌握1．“装饰艺术”运动的名称出自1925年在巴黎举办的一个大型展览——“装饰艺术”展览。

2．“装饰艺术”运动从大约1910年前后开始，一直发展到1935年前后为止，是20世纪延续时间比较长的一个设计运动。

3．如果从时间上来看，“装饰艺术”运动发展的时期，也正是现代主义运动开始在俄国、荷兰、德国等国发展的时期。

4．法国是“装饰艺术”风格的发源地，巴黎是这场运动的中心。

1925年的“装饰艺术”展览是法国这场运动成果集大成的展示，因此影响到世界各国。

这场运动于20年代和30年代在法国达到登峰造极的地步，第二次世界大战爆发前，这场运动开始衰落，然后逐渐消亡。

二、几组重点概念的掌握1．“装饰艺术”运动与“新艺术”运动的相同点和不同点。

2．“装饰艺术”运动与现代主义运动的联系与区别。

三、难点分析1．“装饰艺术”运动形式上的影响因素。

“装饰艺术”运动风格在形式上是受到以下几个非常特别的因素影响而形成：(1)埃及等古代装饰风格的实用性借鉴；(2)原始艺术的影响；(3)简单的几何外型；(4)舞台艺术的影响；(5)汽车的影响；(6)形成自己独特的色彩系列。

现代设计史试题及答案

43．_________是西班牙“新艺术”运动最杰出的代表。

( B) A．穆卡B．安东尼·高蒂C．毕加索D．享利·凡德·威尔德41．“少即是多”_______是提出的.（A ）A米斯B柯布西埃C蒙德里安D康定斯基42．_________是欧美新艺术运动的发源地。

(B ) A．比利时B．法国C．英国D．意大利37．新艺术的发源地是（D ）A、美国B、日本C、中国D、法国32．_________是西班牙“新艺术”运动最杰出的代表。

(B ) A．穆卡B．安东尼·高蒂C．毕加索D．享利·凡德·威尔德33．20世纪前后，英国最重要的建筑设计师和产品设计师是苏格兰的_________。

(C ) A．赫伯特·马克奈B．穆卡C．马金托斯D．麦当娜28．1851年的伦敦国际博览会是工业化设计存在问题和________泛滥的集中体现。

( D) A．装饰风格B．古典复兴主义风格C．新哥德主义风格D．维多利亚矫揉造作风格22．集体主义的工作方式是是_______工业设计的一个最大的特点。

(B ) A．德国B．美国C．日本D．法国23．美术是非常个人化的东西，是艺术家个人的表现，设计则是_________的活动。

(B ) A．上层服务B．为他人服务C．贵族服务D．贫民服务24．工程设计是解决人造物中物与物的关系问题，设计则是解决人造物与________之间的关系问题。

( A) A．人B．人造物C．非人造物D．自然物25．设计教育与其它任何学科的教育最大的不同之处是它没有一个_________的模式。

( C) A．国家统一B．民族统一C．世界统一D．地区统一26．现代主义设计与传统设计的最大的不同之处在于_________的分工。

(D ) A．制作与艺术B．制作与设计C．制作与艺术D．制作与设计27．“工艺美术”运动是起源于_________19世纪下半叶的一场设计运动。

菲利普·斯达克

中国最具世界艺术品位的顶级会所,整体实现了感性与理性的和谐统一，设计风格尊贵、奢华，具有世界级水准的硬件设施和艺术氛围。
餐厅和雪茄厅都极尽奢华之能事。
Philippe Starck 双面系列
Philippe Starck 图书馆系
现代社会节奏紧张，注重实用；吸纳新事物、扬弃旧传统意味着不必再停留于呆板僵化。设计大师菲利普•斯达克（Philippe Starck）已将这种新生活方式引入创新厨房设计，其设计在情感和功能方面明显脱离了我们知道的“组合厨房”采用的传统墙到墙结构设计。菲利普•斯达克将其理念美称为 “民主设计”，这是因为其多样化独立元素以及采用不同方式将它们融合一体的能力，提供了适于各种人群、生活方式和空间的解决方案。
90年代斯塔克主要从事电脑和交通工具的设计，试图为现代技术更加入个性化，斯塔克承认八九十年代的大部分设计，包括他自己的许多作品在内，都缺乏持久的魅力，因为它们都是受时尚和新奇品味左右的自我陶醉式的“过度设计”。他希望新的世纪中他能创造出更经久耐用的产品来。斯塔克认为经久耐用的产品又成为今天设计的中心话题，只有在主观上真心去追求时，才能取得经典性的成果。他认为现代设计大师的作用就是用最少的材料创造更多的“快乐”。
他的目的并不是要做一个综合一些文化符号的随波逐流者而是要成为新符号新象征的创造者他的能见所不见帮助他站立在潮流的前90年代斯塔克主要从事电脑和交通工具的设计试图为现代技术更加入个性化斯塔克承认八九十年代的大部分设计包括他自己的许多作品在内都缺乏持久的魅力因为它们都是受时尚和新奇品味左右的自我陶醉式的过度设计
这是位于法国巴黎的知名酒店——莱佛士皇家蒙索酒店（Royal Monceau Hotel），毗邻香榭丽舍大道上

法国巴黎卢浮宫世界最大的艺术博物馆

法国巴黎卢浮宫世界最大的艺术博物馆法国巴黎卢浮宫是世界上最大的艺术博物馆，也是法国最重要的文化遗产之一。

它位于巴黎市中心的塞纳河畔，每年吸引着数百万游客前来观赏其丰富多样的艺术珍品和壮丽建筑。

卢浮宫最早是作为古代法国君主的宫殿而建造的。

在16世纪，法国国王弗朗索瓦一世决定将其改建为一个艺术博物馆，并成为国家的重要文化场所。

卢浮宫占地面积达到21万平方米，展出的艺术品超过30万件，涵盖了从古埃及时期到19世纪后半期的各种艺术形式，包括绘画、雕塑、陶瓷、家具等。

卢浮宫的建筑风格独特，融合了文艺复兴、巴洛克和古典主义等多种风格。

它的建筑群由主楼、北翼、南翼和图书馆四部分组成，其中主楼是最古老的部分，由12世纪开始修建，经过几个世纪的扩建和改造，变得更加宏伟。

卢浮宫的建筑外观大气磅礴，充满雄伟的气势，给人一种强烈的历史感和艺术氛围。

进入卢浮宫，游客首先会被大厅的壮丽氛围所吸引。

这个大厅叫做“大三角形”，是卢浮宫的中心区域，高达21米，被精美的壁画和雕塑所装饰。

从大厅出发，游客可以沿着不同的路线参观各个展厅，欣赏到来自世界各地的艺术品。

卢浮宫收藏了无数闻名世界的艺术品，其中最著名的包括列奥纳多·达·芬奇的《蒙娜丽莎》、米开朗基罗的《大卫》、梵高的《向日葵》等。

这些作品代表了不同时期和风格的艺术成就，展示了人类艺术的多样性和创造力。

除了永久收藏的艺术品外，卢浮宫还定期举办特别展览和活动，吸引更多的游客。

特别展览通常会聚焦于某个主题或某个艺术家，为观众提供了更多的学习和欣赏机会。

此外，卢浮宫还设有教育中心和图书馆，提供艺术教育和研究资源，为艺术爱好者和学者们提供了一个重要的学习场所。

卢浮宫的参观流程通常需要花费几个小时，因为它实在太大了，而且艺术品的数量也非常庞大。

因此，游客在参观之前最好做好计划，并预留足够的时间。

此外，卢浮宫的门票需要提前购买，可以在线预订或者到当地的旅游信息中心购买。

麦金托什

麦金托什麦金托什是世纪之交英国最重要的建筑设计帅和产品计师。

他发掘他称之为“旧的精神”而设计出具有新风格的独特的建筑、室内和产品，麦金托什的风格不是突然产生的，他是英国设计运动和欧洲大陆设计运动的发展成果之一。

他是工艺美术时期与现代主义时期的一个重要的环节式的人物，在设计史上具有承上启下的作用和意义作品：他设计的格拉斯哥艺术学院，是他的设计风格特征的集中体现，其中包括了新艺术运动的风格，也包含了现代主义特点，同时更具有他自己的特征，是20世纪设计的经典之作。

设计特点：他是新艺术运动产生的全面设计师的典型代表。

他的平面设计具有鲜明的特征，特别是他的几何形态和有机形态的混合采用，简单而具有高度装饰味道的特征。

他的设计风格很大程度是受到日本的浮世绘的影响。

麦金托什早期的建筑设计一方面依然受到传统的英国建筑影响，另—方面则具有追求简单纵横直线的形式的倾向。

他的室内设计非常杰出他基本采用直线和简单的几何造型，同时采用白色和黑色为基本色彩，细节稍许采用自然图案。

因此达到既有整体感，又有典雅的细节装饰的目的。

他的著名设计有希尔家族住宅杨柳茶室等。

设计的家具，特别是他出名的高背椅子，完全是黑色的高背造型，非常夸张，是格拉斯哥四人风格的集中体现。

新艺术运动文章来源：湖南大学作者：何人可陈青松更新时间：2004-12-19 4:31:45选自麦克尔·柯林斯著《走向后现代主义——1851年来的设计》（大英博物馆出版社1987年出版，何人可、陈青松译）新艺术运动起源于很多先前的风格。

它可以追溯到强调装饰的英国工艺美术运动，莫里斯（Willianm Morris,1834-1896）的纺织物和壁纸中细密的图案以及马克默多(Arthur Mockmurdo,1863-1942)作品中连续的曲线都对它产生了影响。

1893年《工作室》杂志首次出版发行，这使英国的艺术和设计被传播到了欧洲各国及美国。

这本杂志流传之广，甚至经常光顾咖啡店的年轻的毕加索（Pablo Picasso，1881-1973）在巴塞罗那也可以读到。

法国现代设计文字资料

法国工业设计不同于德国或美国。

法国人擅长设计精致对象、复杂技术产品、以及豪华用品。

在第一次世界大战期间，法国飞机曾是世界上最先进的，法国的装潢艺术和豪华产品被看作是整个欧洲的典范。

古典主义和新古典主义（而不是巴洛克）总是与法国精神密切联系，巴洛克建筑风格实际上只出现在路易十五时代（大约17世纪）。

1907年以后法国又出现了立体主义。

而英德的功能主义设计思想在法国没有多大影响。

法国设计师从不追求造型理论的美学原则。

可以看出法国的现代设计是基于法国悠久的设计传统的，这个传统的设计内容具有强烈的法国资产阶级味道，即设计是为富裕的上层人服务的，设计的内容是繁华、奢侈的产品，设计不应该是民主的、大众的，而应该是权贵的、高尚的[1]。

法国唯一的国立设计学院——法国高等工业创意学院（简称Les Atteliers,位于巴黎）国际设计中心主任里兹.戴维斯（Liz Davis）曾说过：“法国的设计就是豪华的设计，高尚的设计（在法文中，设计被称为是高等文化的，包括豪华的时装、香水和化妆品、首饰和豪华的家具等等）”。

这种情况自然造成法国设计，特别是与百姓生活有关的工业产品设计、普通的平面设计水平曾远落后于其他国家。

法国强烈的民族主义情绪使法国人对于美国式的设计非常厌烦，以至于1983年正式由法国政府下令，禁止使用具有强烈美国色彩的设计（design）这个字眼，而是以式样（Stylique）取代，引起法国设计界的强烈不满和困惑，这种以民族精神取代科学的方法显然是很骇俗愚昧的。

欣喜的是素喜控制的法国政府转变观念促使新的设计思潮出现。

一、法国时代精神的物质化——艺术装潢1919年到1937年可以被看作是法国的现代主义运动时期。

以勒·柯布西耶（Le Corbusier）、金讷瑞特（Pierre Jeanneret）为代表的现代运动引入了新的美学表现方法。

柯布西耶说：“一个伟大的时代已经开始，因为人类活动的一切形式最终都按同样的原则组织起来，建设精神，综合精神，只需精神和有意识的意志力正在被表现出来，并且艺术和文学必不可少，正如对纯科学、实用科学和哲学一样。

新艺术运动

C 直线和平面，装饰上突出表现曲线和有机形态
探索新材料和新技术带来的艺术表现的可能性
E
B 完全放弃传统装饰风格，开创全新的自然装饰风格
装饰上受东方风格影响，尤其
D 是日本江户时期的装饰风格与浮世绘的影响
新艺术运动·主要特点·浮世绘影响
浮世绘特色是它生活化的世俗题材，平面空间和大胆的截取式构图，线条的勾勒和艳丽的平涂色块具有强烈的装饰性特征，这些因素强烈吸引着西方艺术设计家，尤其是不要求色彩的浓淡处理，不追求细腻的质感，单纯平展的色块被清晰、分明、充满律动感的线条所分割，日本浮世绘的线条与西方传统观念中轮廓意义的线条不同，而是具有独立审美性的形式，又有画面的焦点为了装饰效果远离构图的中心甚至移到画的边缘。
新艺术运动·历史起源
01
社会因素
02
文化因素
03
技术因素
04
传播发展
新艺术运动·历史起源·社会因素
自普法战争之后，欧洲得到了一个较长时期的和平，政治和经济形势稳定。不少新近独立或统一的国家力图跻身于世界民族之林，并打入竞争激烈的国际市场，这就需要一种新的、非传统的艺术表现形式。
新艺术运动·历史起源·文化因素
新艺术运动·主要特点·与工艺美术的联系
联系
它们都是对矫饰的维多利亚风格和其它过分装饰风格的反动
它们都是对工业化风格的强烈反映
它们都旨在重新掀起对传统手工艺的重视和热衷
它们都放弃传统装饰风格的参照，转向采用自然中的一些装饰动机，并受到日本装饰风格影响。
新艺术运动·主要特点·与工艺美术的区别
工艺美术运动
新艺术运动·总结
与此同时，它逐渐强调实用的主张，从建筑扩大到瓷器，书画，海报设计等等一系列，“形式服务于功能”的思想在各个领域表现日趋明显，公益美术发展阶段也进入到了造型简洁、装饰单纯的形式，对后来的艺术形式影响甚远。

装饰艺术运动ARTDECO

Art Deco 专题 Art Deco 就是装饰艺术设计，Art Deco 是Decoration Art 的缩写。

Art Deco 是1925~1939年以法国、美国和英国为首的一次设计风格运动，首先在建筑设计、工业造型设计和室内设计领域产生了重大的影响，并影响到视觉艺术领域如：时装设计、绘画、图形设计和电影艺术。

装饰艺术运动 (Art Deco) 是新艺术运动 (Art Nouveau) 的延伸和发展。

装饰艺术 (Art Deco) 被视为优雅、功能性与现代性并重的艺术风格。

装饰艺术运动 (Art Deco) 代表性人物：1925年，法国著名建筑师G. Guevrekian 在巴黎国际装饰艺术展上曾设计了“光与水的园林”，后来在法国南部Hyeres 设计的Noail les 别墅庭院，两者颇具影响，有明显的现代园林的特征。

Guevrekian 曾工作于维也纳分离派建筑师霍夫曼事务所。

30年代美国园林设计师斯蒂里(F. S tee le)的一些景观设计明显地带有装饰艺术运动 (Art Deco) 的曲线特征。

Art Deco 原本指的是依附于某一主体的绘画或雕塑工艺，使被装饰的主体得到合乎其功利要求的美化。

Art Deco 装饰艺术如今与人们的日常生活联系广泛，结合紧密，如环境艺术设计、工业造型设计、家居设计与装饰装修；Art Deco 装饰艺术还被Fashion 时装界大量采用，如时装、首饰、鞋包、插画、商品包装等等，几乎一切艺术设计领域均与Art Deco 装饰艺术有关。

Art Deco 装饰艺术设计在当代的强烈特征是其强烈的欣赏性，造型上有一定幅度的夸张变形，并呈图案化趋向，色彩上多重视平面空间的对比关系，与强调三维空间的透视、光影的性质相左。

由威廉·范阿伦 (William Van Alen) 主持设计的克莱斯勒大厦 (The Chrysler building) 是装饰艺术 (Art Deco) 在建筑设计上的杰出代表。

法国著名服装设计师介绍[1]

• 1973年，刚满35岁的Karl Largerfeld已被公认为巴黎时装界的中坚人物。 • 1983年，Karl Lagerfeld开始了与 Chanel 品牌的长期合作，卡尔至今仍是 Chanel 的设计总监。 • 1984年，Largerfeld建立了自己的品牌 Karl Largerfeld。他艺高胆大，同时为三个品牌设计，称得上是巴黎界的一个奇迹。 • 2004年11月，Karl Lagerfeld开始与瑞典著名快速时尚品牌H&M合作，推出的“Karl Lagerfeld × H&M”限量版时装，2天之后即告售空。
• 1993年推出了第一款女用香水，却反其道而行之地将其命名为“经典”； • 1995年推出了该品牌旗下第一款男用香水 “男性”； • 2003年出任爱马仕创意总监。 • 2004年时，让·保罗·戈帝埃公司已经成为一个拥有二百余名员工的集团，公司大楼面积达6000平方米，俨然是一幢高级成衣大厦。 • 2010年5月26日离职Hermes。
• 1958年，在Jean Patou（让·帕图）的时装公司工作。同年7月，25岁Karl Lagerfeld上演了他的第一个Jean Patou秀，不过卡尔的处女秀遭到很负面的评价。 • 1959年2月，第二次秀场则收到了一些欢呼声。但之后的几季秀场始终没有听到好评。 • 1962年，年辛苦却没有被认可，离开了 Jean Patou。
• 1988年被评选为本年度最佳设计师。 • 1990年，应巴黎的设计师们之邀，加盟花都时装界。 • 1994年10月，隆重推出了'95春季时装系列。整整三周的超典雅作品展示，犹如于无声处一声惊雷，轰动异常。子配衬丝质布料，去营造一个不可改变的身体结构，用一个形式去掩藏突出身体之影响，溶化在一直只讲求观能刺激、反叛的英国时装里，使之创造出新面貌来。 • 从Galliano的设计里，经常看到那螺旋式剪裁所产生的速度感。

世界知名视觉传达设计师简介及作品评析(视觉符号)

原研哉日本中生代国际级平面设计大师、日本设计中心的代表、武藏野美术大学教授，无印良品（）艺术总监。

设计领域泛于长野冬季奥运开、闭幕式节的节目纪念册和2005年爱知县万国博览会的文宣设计中，展现了深植日本文化的设计理念。

在银座松屋百货更新设计中，横跨空间到平面实践整体设计的方向。

在梅田医院指示标志设计画中，则表现出触觉在视觉传达中的可能性。

他以一双无视外部世界飞速发展变化的眼睛面对“日常生活”，以谦虚但同时尖锐的目光寻找其设计被需要的所在，并将自己精确地安置在他的意图能够被赋予生命的地方。

当我们的日常生活正在越来越陷入自身窠臼之时，他敏锐地感知到了设计的征候和迹象，并且自觉自主地挑战其中的未知领域。

他的设计作品显现出来的不落陈规的清新，在于他找到了设计被需求的空间并在其中进行设计。

在这样的态度下，他拓展了设计的视野和范畴，在他所经历之处，崭新的地平线不停地被发现和拓展。

原研哉在做的，是在修正现存的设计概念，将设计推向一个更高的层次。

原研哉的过人之处，是在于他精准的洞察力，他往往能够透彻地消化身边环境带来的讯息，再将这些无形的讯息转化为大众所能明白的、看得见的影像，这一种能力不是一般的设计师所拥有的。

这包装主要目的不在直接的商业功能，而在建立第一高品质的企业理念，向消费者传递这种产品与一般同类产品不同的定位。

两个瓶子的造形都非常精美，以琥珀的素材突显名酒的厚重感，金色招纸营造尊贵的风格，亦可增强礼品市场的吸引力。

承作总监为清野嘉平深泽直人深泽直人（），日本著名产品设计师，家用电器和日用杂物设计品牌“±0”的创始人。

他曾为多家知名公司诸如苹果、爱普生进行过品牌设计，其作品在欧洲和美国赢得过几十余设计大奖。

他的设计主张是：用最少的元素（上下公差为±0）来展示产品的全部功能设计理念——无意识设计深泽直人将自己的设计理念概括为“无意识设计”。

“无意识设计”（）又称为“直觉设计”，是深泽直人首次提出的一种设计理念，即：“将无意识的行动转化为可见之物”。

历年《世界现代设计史》复习试题及答案

世界现代设计史复习试题单项选择题2010 年单选1、威廉·莫里斯被称为---2010A、“现代招贴画的先驱”劳特累克B、“现代设计运动之父”C、“工业设计史上最伟大的设计师”D、“工艺美术运动之父”罗斯金2、西班牙的新艺术风格被称为--2010A、“青年风格”德国B、“格拉斯哥”苏格兰C、“年轻风格”D、“自由美学”风格比利时新艺术运动还有维也纳分离派，法国南希学派3、把俄国构成主义设计传播到西方的核心人物是--2010A、康定斯基B、李西斯基p62C、罗钦科D、马列维奇4、盖里特·里特维德设计的家具在形式上被简化到最基本的元素，其诠释风格派艺术和设计思想的代表作是--2010A、“大草坪”椅B、Joe 沙发C、Blow 椅子D、红蓝椅p645、深受沙利文功能主义美学思想的影响，1908 年维也纳的建筑师阿道夫·卢斯提出的观点是--2010A、“装饰就是罪恶” 《装饰与罪恶》p112B、“形式追随功能”沙利文《建筑中的装饰》C、“形式与功能结合”D、“少就是多”米斯凡德罗6、著名建筑师勒·柯布西耶的代表著作是--2010A、《现代运动的先锋》B、《建筑箴言》C、《走向新建筑》p116D、《建筑中的装饰》7、英国波普文化流行时期著名并具有影响力的时装设计师，“迷你”的伟大发明者是--2010A、玛丽·昆特p163B、安迪·沃霍尔C、芭芭拉·胡拉尼克·碧贝D、菲利普·斯塔克8、20 世纪，美国工业设计史上最伟大的设计师是--2010A、瓦尔特·提格设计波音707 内舱B、亨利·德雷福斯致力于人机工学，出版人体尺寸图C、雷蒙德·罗维p98D、诺曼·盖茨9、美国建筑家、理论家罗伯特·文丘里1966 年出版了一书，堪称反对国际主义风格--2010和现代主义思想的宣言。

美国、英国、法国的装饰艺术运动

美国、英国、法国的装饰艺术运动在20世纪初期，装饰艺术运动（Art Deco）在欧洲和美国大力发展，这一设计风格深受许多人的喜爱。

美国、英国和法国是装饰艺术运动的中心地带，这一风格在这三个国家得到了高度赞誉和广泛的应用。

本文将分别介绍这三个国家的装饰艺术运动。

一、美国20世纪20年代，装饰艺术运动在美国盛行。

在经济繁荣和文化活跃的1920年代，许多建筑、室内设计、工业设计和时尚都采用了装饰艺术运动的设计风格，以此呈现出奢华、时尚和现代感。

在美国，最著名的装饰艺术运动建筑包括纽约的克莱尔蒙特瑞酒店、休斯顿的史密斯大厦和迈阿密的比斯开亚商场等。

二、英国英国的装饰艺术运动起源于19世纪后期的艺术和工艺运动，直至20世纪的初期才真正发展起来。

装饰艺术运动在英国的设计和装饰领域发挥了重要作用，其建筑和家具设计也是其中的亮点。

在英国，著名的装饰艺术运动建筑包括伦敦的萨维尔广场地铁站、曼彻斯特的白城、布莱顿的海鸥旅馆等。

三、法国在法国，装饰艺术运动也被称为“艺术风格”（Style Moderne）。

它是在华丽的贝尔艺术风格和1890年代的精细艺术风格的基础上发展起来的。

在法国，装饰艺术运动被广泛应用于家具、室内设计、绘画、工艺品和建筑领域。

法国著名的装饰艺术运动建筑包括巴黎的拉丁区剧院、尤尔维尔斯城堡和凡尔赛宫中的游泳池等。

结语装饰艺术运动是20世纪早期的一种设计风格，其繁荣的地方包括美国、英国和法国。

这一风格在其所涉及的领域广泛应用，包括建筑、家具、时尚等等。

装饰艺术运动采用几何图案、对称性和异国情调的元素，形成了极具辨识度的特征。

如今，这一设计风格仍在许多领域得到应用，成为设计师们不可忽略的参考。

装饰艺术运动

2．“装饰艺术”运动风格
1.“装饰艺术”运动的概念
是20世纪20、30年代在英法美等国家开展的风格非常特殊的设计运动，是装饰运动在20世纪初的最后一次尝试，它采用手工艺和工业化的双重特点采取设计上的折衷主义立场，设法把豪华、奢侈的手工艺创作和代表未来的工业化特征合二为一，从而产生新的艺术风格。与现代主义运动并行发展。
1935年卡桑德拉为远洋游船“诺曼底”（Normandie）设计的海报。
1913年卡桑德拉为横渡大西洋的海上轮船所设计的海报。
卡桑德拉1929年设计的“比狒体”，是“装饰艺术”风格最典型的字体之一。卡桑德拉1927年设计的铁路海报。
ቤተ መጻሕፍቲ ባይዱ
卡桑德拉1932年设计的法国红酒DUBONNET的海报，他运用电影和连环画的方法强调主题，文字上也采用了与众不同的手法，海报由三个画面组成，是一个不断把一瓶DUBONNET喝完的人，“双份”“不错”和酒的名称，生动有趣。
8、绘画
塔玛拉·德·兰比卡生于波兰的塔玛拉，在1924-1939年之间创作的作品，大都反映了巴黎战后的绚丽风貌。她的肖像画背景是现代环境，大量采用棱角鲜明的色彩面，组成非常具有装饰效果的结构，特别是对于现代生活的渲染，使画面华丽多彩。1927年，她获得波尔多国际博览会的荣誉大奖，风格影响一批画家，形成“波尔多派”。
67cm
夫妇木雕多贡族马里
形体协调、间距匀称的作品，男人左手搂着女人的颈部，女人温和地微歪着头，表示亲密无间。
非洲木雕毕加索《亚维农的少女》蒙克《呐喊》
简单的几何外形常用的几何图案：阳光放射型、闪电型、曲折型、重叠箭头型、星星闪烁型、阿兹台克放射型、埃及金字塔型。康定斯基
4.舞台艺术的影响——震撼的色彩
东方趣味、怪异的。受俄国芭蕾舞台设计影响

1925年巴黎博览会与装饰艺术运动

44摘要：一次博览会、一场艺术运动，是历史的契机将这两者结合在一起，也为设计艺术的璀璨银河中留下了绝无仅有的永恒光辉。

1925年巴黎装饰艺术与现代工业博览会同装饰艺术运动两者之间，历经承载、展示、传播和启迪的历程推动了世界的进步，改变了人们的生活。

我们回顾历史不仅是为了去陈述，而是在历史的积淀中迎接即将到来的2010年上海世博会以及未来设计为中国带来的巨变。

关键词：1925年巴黎装饰艺术与现代工业博览会装饰艺术运动传播与启迪Abstract: Chance brought an exposition and an art movement together,and this encounter led to a brilliant flowering of design that left its enduring radiance in the artistic galaxy.The exposition was the 1925 Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes,and the art movement was Art Deco.As a result of this coincidence,the exhibitions was delegate and exhibite the concepts of Art Deco,Art Deco was also disseminate through the exhibition,their transmission enlightened the world.In addition to describing the significance of Art Deco in the history of design,this paper also provides an overview of the forces that motivated modernism,in eager anticipation of EXPO 2010 Shanghai and the bright possibilities it holds for the future of China.Keywords: 1925 exposition internationale des arts decoratifs industriels et modernes, 1925 the Paris exhibition, art deco, disseminate and enlightenInternet 检索：/1925年巴黎博览会与装饰艺术运动1925 the Paris Exhibition and Art Deco从1851年英国万国工业博览会的隆重召开到2008年西班牙萨拉戈萨世博会的闭幕，每届世博会都为城市带来了新思考、为人类带来了新技术、为生活带来新风格，这些成果和影响离不开设计的力量，而这些设计的传播与发展也得益于世博会的承载。

世界十大最著名建筑师的生平及作品介绍

世界十大最著名建筑师的生平及作品介绍一：创新建筑师代表：Santiago Calatrava (卡拉特拉瓦)Santiago Calatrava 是世界上最著名的创新建筑师之一，也是备受争议的建筑师。

Santiago Calatrava以桥梁结构设计与艺术建筑闻名于世，他设计了威尼斯、都柏林、曼彻斯特以及巴塞罗那的桥梁，也设计了里昂、里斯本、苏黎世的火车站。

最近的作品就是著名的2004年雅典奥运会主场馆。

由于Calatrava 拥有建筑师和工程师的双重身份，他对结构和建筑美学之间的互动有着准绳的掌握。

他认为美态能够由力学的工程设计表达出来，而大自然之中，林木虫鸟的形态美观，同时亦有着惊人的力学效率。

所以，他常常以大自然作为他设计时启发灵感的泉源。

他设计的桥梁以纯粹结构形成的优雅动态而举世闻名，展现出技术理性所能呈现的逻辑的美，而又仿佛超越了地心引力和结构法则的束缚。

有的时候，他的设计难免会让人想起外星来客，极其突兀的技术美似乎全然出乎地球人的常规预料。

这当然是得益于他在结构工程专业上的特长。

早自20世纪初以来，桥梁的设计一直被托付给了路桥结构工程师，建筑师退避三舍好像已成习惯。

由于有了卡拉特拉瓦，全世界的建筑师们才忽然发现了新的课题，在90年代前后爆发了对桥梁进行建筑设计的热潮，从一个新的角度重新开始塑造城市中的这类元素，进而影响到城市的面貌。

2001年，卡拉特拉瓦在美国的第一个作品建成，是威斯康星州密尔沃基的美术博物馆扩建工程。

此地原有一个旧馆，是在1957年由当地的建筑师事务所设计的，这一次卡拉特拉瓦加建的Quadracci展厅，名号不大，其实却造成了绝对喧宾夺主的局面。

作品－巴伦西亚科学城里斯本车站密尔沃基美术馆雅典奥运会主场馆二追求内外协调统一：贝聿铭贝聿铭，美籍华人，世界著名的建筑设计师，他为我国设计了北京香山饭店、中国银行总部大厦，香港的中国银行大厦等。

与中国建筑科学研究院合作，为中国培养、培训建筑设计师，为推进中国建筑现代化作出重要贡献。

巴黎卢浮宫世界上最著名的艺术博物馆之一

巴黎卢浮宫世界上最著名的艺术博物馆之一巴黎卢浮宫（Louvre Museum）位于法国巴黎市中心的第一区，是世界上最著名的艺术博物馆之一。

作为法国最重要的历史地标之一，卢浮宫拥有丰富的艺术藏品和悠久的历史文化底蕴。

它不仅仅是一个展示艺术作品的场所，更是一个让人们感受到艺术与历史交汇的圣地。

卢浮宫的建筑气势宏伟，迷人的外观令人叹为观止。

宫殿的建筑风格融合了古典和文艺复兴风格，巧妙地展现出法国历史的独特魅力。

充满历史底蕴的卢浮宫建于12世纪，最初是一座要塞，后来逐渐转变为宫殿，成为法王的居所。

直到现在，卢浮宫仍然是法国总统接待外国元首的场所。

卢浮宫每年吸引着数百万游客，世界各地的艺术爱好者都慕名而来。

它的收藏品丰富多样，涵盖了从古埃及时期到19世纪的各个时期和艺术流派。

游客们可以在这里欣赏到许多世界闻名的艺术品，如达·芬奇的《蒙娜丽莎》、米开朗基罗的《大卫像》以及雅克-路易·大卫的《奥拉西奥尼带着马走过阿尔卑斯山》等。

除了欣赏世界级的艺术品，游客还可以通过卢浮宫的展览和活动了解到更多关于艺术的知识。

博物馆定期举办特殊主题的展览，以及专门为儿童准备的教育活动，让人们对艺术产生更深入的理解和欣赏。

此外，卢浮宫还有一个研究中心和图书馆，为学者和研究人员提供了一个研究艺术的专业环境。

尽管卢浮宫以其丰富的艺术品而著名，但它的魅力远不止于此。

博物馆所在的建筑本身就是一个艺术品，漫步在它的大厅和庭院间，仿佛穿越到了一个古老的世界。

此外，卢浮宫所在的位置也是一个旅游热点，附近有许多其他著名的景点，如埃菲尔铁塔、巴黎圣母院等。

巴黎卢浮宫是艺术和文化的宝库，它不仅为世界各地的游客提供了一个欣赏艺术的机会，也为人们提供了一个了解历史和文化的窗口。

这里不仅收藏了许多世界顶级的艺术品，而且还是一个思想的交汇点和创造的灵感之地。

无论是艺术爱好者还是普通游客，来到巴黎卢浮宫，都能够被它的魅力所吸引，感受到艺术的力量和魔力。

浅谈艺术设计史

浅谈艺术设计史从人类艺术的诞生开始，就一直没有离开过“设计”这个名词。

在艺术设计的起源、萌芽的产生过程中，以及到后来的高级发展阶段，人类的劳动起着决定性的作用。

由于人类可以从事有意识、有目的劳动，所以这种生产的目的性，正是设计最重要的一个特征。

人类最初只会使用天然的石块或棍棒作为工具，后来逐渐学会了拣选石块、打制石器，作为敲、砸、刮、割的工具，这种石器便是人类最早的设计产品。

这一时期的石器一般是打制成型的，较为粗糙。

设计的起源便是从这一时期开始，再到后来的人类设计概念的产生和逐步成熟演化过程。

事实上，从这一时期开始，整个人类的设计文明就伴随着这一时期，已在这里萌发了。

随着人类历史的向前发展，等到人类进入文明时期，由于审美水平的提高，进而在工具上进行装饰，这些早期的设计活动是人类进入文明以来就有的活动。

将实用和美观结合起来，赋予物品物质和精神功能的双重作用，是人类设计活动的一个基本特点。

人类早期的设计形态作为有意识的物化形态，体现了功能性与形式感的统一。

尽管各种设计因素还处于幼稚的萌芽阶段，但对后期的设计发展产生了巨大的影响。

人类对于线和形体的审美感在一开始并不是自觉的，而是在物质生产的基础上，经过漫长历史阶段的升华，才成为自觉的追求，这是人类设计文明的一个飞跃。

时至今日，从传统到现代，艺术设计的发展，传承着装饰的脉络，它是一种有意味的形式。

它不但是审美的形式，而且有更深层次的含义。

它包含着特定的社会情感和文化意识。

它不仅是“装饰性”的，从秩序、线条、形式、色彩等方面带给人们以审美愉悦，而且是“文化性”的，从文化、理想、象征、历史等方面满足人们更深层次的需要。

沃林格在《抽象与移情》中说到：装饰艺术的本质特征在于：一个民族的艺术意志在装饰艺术中得到了最纯真的表现……。

装饰艺术必然构成了所有对艺术进行美学研究的出发点和基础。

装饰对于现代设计同样具有十分重要的研究意义。

从装饰的角度出发，可以清晰的看到现代设计的发展脉络。

日本时尚品牌大全

与欧美设计师相比,日本设计师更遵从内心,用夸张(de)视觉效果来表达独特(de)设计哲学.以时装设计为例,1981年,山本耀司、川久保玲以黑色、奔放、宽松(de)形象强调时装本身个性亮相巴黎时装周时,时装只是一个零件,不论裁剪工艺还是色彩运用,都为打造女性优雅气质服务.他们(de)设计遭到当时时装评论界(de)批评和不解,被认为既不性感,也不高雅,线条松垮,色彩暗淡,完全不搭调,川久保玲着名(de)“乞丐装”更为称为时装界(de)灾难.登上巴黎时装周5年后,人们才开始理解赞扬他们(de)设计风格,抗拒主流文化(de)时髦人士,迅速爱上这些蕴涵哲学思想和小众色彩(d e)设计.日本设计(de)执着精神,是日本设计师(de)共性,也是日本设计取得世界设计体系认可(de)重要原因.面对时装评论界(de)批评与不解,三宅一生若是没有执着于“一块布”(de)设计理念,对西方经典剪裁方式进行挑战,高田贤三若是没有执着于以自然与人(de)和谐配色方式,反省着自工业时代以来无限强调人本位(de)思潮,川久保玲若是没有执着于对服装功能性结构(de)破坏与再创造,颠覆了西方对时装最基本(de)定义,山西耀司(de)Y-3品牌破产后,若是没有执着地坚持自己与潮流逆向而行(d e)独特设计理念,那么,日本设计将黯然寡味.东方传统设计与现代设计(de)交叉演绎是对日本设计(de)最好概括,也是日本设计师(de)共同特性.日本设计既可以静、虚、空灵,也可能繁复多变,既可以严肃又可以怪诞,既有楚楚动人抽象(de)一面,又具有现实主义精神实用(de)一面.西方(de)着装观念往往是用紧身(de)衣裙来体现女性优美(de)曲线,而以山本耀司、小筱顺子为代表(de)日本设计师,没有否定东方传统文化(de)价值,而是以和服为基础,从传统日本服饰中吸取美(de)灵感,传统裁剪工艺在时装中(de)应用是日本对和服文化(de)肯定与再创作,带有东方文化韵味(de)现代设计,令日本设计独具一格.日本设计师越来越多地走向世界舞台,其中顶级设计师们是谁他们(de)品牌又有什么特色者也网与您一起走近日本十大顶级设计师,感受他们(de)设计世界.日本顶级设计师K e n z o高田贤三——时装界(d e)雷诺阿高田贤三（1939年2月27日－）,生于日本兵库县姫路市,日本时尚设计师,着名时尚品牌Kenzo（包括香水,化妆品及时装）(de)创始人.这位法国籍(de)日本时装设计师用自己(de)名”贤三”命名(de)KENZO品牌,已经不仅仅是时装业(de)精品,在化妆品、香水领域也是大名鼎鼎.高田贤三K e n z o高田贤三时装设计四大风格自由空间：首要设计原则是“自然流畅、活动自如”,他是第一位采用传统和服式直身剪裁技巧,不需打折不用硬身质料,又能保持衣服挺直外型(de)时装设计师.异域风情：灵感来源于南美印地安人、蒙古公主、中国传统图案字样、土耳其宫女甚至西班牙骑士,对东方神秘色彩(de)偏爱使他能将不同民族特色融合在一起.彩虹色调：他把四季都想象成夏天,在颜色上变换着扣人心弦(de)戏法.具民族特色(d e)深葡萄酒红、艳紫、案茄子、卡基和油蓝是他经常使用(d e).快乐花朵：KENZO(de)图案倾心于花,包括自然花、中国唐装与日本和服(de)传统花样.他使用包括祖传手制印花蜡染在内(de)上千种染色及组合方式表达花朵.时装界(d e)雷阿诺世界时装舞台,长久以来一直为鼻挺目深(de)欧美人所垄断,来自东方岛国(de)成衣设计师高田贤三(TAKADA KENZO)却令人惊叹地站到了这个舞台(de)中央.他带着一脸灿烂微笑,留着浓密(de)娃娃式长发,这位谦逊而幽默(de)艺术家在通往巴黎(d e)成功途中也历经了暗淡而艰难(d e)日子.K e n z o高田贤三热情风格时装设计高田贤三(de)作品却始终没有丝毫(de)忧伤,就像雷诺阿(de)画一样,只有快乐(de)色彩和浪漫(de)想象.他因而被称作“时装界(de)雷诺阿”.KENZO时装不是标新立异(de)拔高,它有一点点传统,有许多热情(de)颜色,有活生生(de)图案,还有几分狂野.K e n z o高田贤三狂野风格时装设计高田贤三充分利用东方民族服装平面构成和直线裁剪(de)组合,不使用塑造立体曲线(de)省,从而把人体从既成(de)禁锢中解放出来,形成了宽松、舒适、无束缚感(de)崭新风格.他设计出(de)像万花筒般变幻(de)色彩和图案更是令人叫绝,因而还被人称作“色彩魔术师”.高田贤三时装作品高田贤三色彩变幻(d e)时装设计K e n z o高田贤三(d e)品牌及特色KENZO旗下(de)服装分KENZO PARIS 、KENZO JUNGLE、 KENZO JEANS三个路线.高田贤三是一个”可视化”(de)设计大师,对于颜色(de)重视胜于一切,并认为“每一个色彩都拥有其独特(de)味道”,幽默有趣亦是KENZO创作中(de)另一特色.鲜艳(de)花案在Kenzo(de)设计中始终保持着一定(de)出现频率,但大写(de)粗体(de)“KENZO”或是高田贤三先生(de)亲手签名也是辨别品牌(de)方式之一.K E N Z O l o g o如果说服装是KENZO王国里(de)建筑主体,那么香水该是他(de)后花园.在时装世界尽情挥洒(de)同时,KENZO这位以“给女人创造梦想”着称(de)时尚设计师,也没有忘记借助于香水这一充满时尚气息(de)载体,向人们传播爱人和自然等具有鲜明人性色彩(d e)内心情结.1980年代,带着花香和果香味道(de)NO．1香水问世；1991年,带着清新(de)海洋气味(de)竹+海（KENZO POUR HOMME）香水问世； 1992年,散发着夏日青草香气(de)绿叶+阳光（PARFUM D’ETE）香水问世；1996年,清澈如水(de)L’EAU PAR KENZO 问世；1998年,以“丛林”为名(d e)香水问世.1999年, KENZO先生荣获“TIME FOR PEACE”奖,成为获此殊荣(de)第一位时尚大师.==============================================日本顶级设计师Issey Miyake三宅一生——无结构模式(de)“百料魔术师”早在80年代初,Issey Miyake（三宅一生）就以三宅褶皱 (Pleats Please) 为主题推出系列时装,并以此跻身于巴黎时装舞台.Issey Miyake (三宅一生) 似乎一直独立于欧美(de)高级时装之外,他(de)创新思想几乎可以与整个西方服装设计界相抗衡.I s s e y M i y a k e（三宅一生）欧洲服装设计(de)传统向来强调感官刺激,追求夸张(de)人体线条,丰胸束腰凸臀,不注重服装(de)功能性,而三宅一生则另辟蹊径,重新寻找时装生命力(de)源头,从东方服饰文化与哲学观照中探求全新(de)服装功能、装饰与形式之美.并设计出了前所未有(de)新观念服装,即蔑视传统、舒畅飘逸、尊重穿着者(de)个性、使身体得到了最大自由(de)服装.他(de)独创性已远远超出了时代(de)和时装(de)界限,显示了他对时代不同凡响(de)理解.以至于巴黎装饰艺术博物馆馆长戴斯德兰呈斯称誉其为“我们这个时代中最伟大(d e)服装创造家”.I s s e y M i y a k e（三宅一生）同名品牌特色Issey Miyake（三宅一生）(de)时装一直以无结构模式进行设计,摆脱了西方传统(de)造型模式,掰开、揉碎,再组合,形成惊人奇突(de)构造,同时又具有宽泛、雍容(de)内涵,所以他(de)作品看似无形,却疏而不散.在服装材料(de)运用上,三宅一生也改变了高级时装及成衣一向平整光洁(de)定式,以各种各样(de)材料,如日本宣纸、白棉布、针织棉布、亚麻等,创造出各种肌理效果,被称为“百料魔术师”.I s s e y M i y a k e（三宅一生）L O G O 对于Issey Miyake（三宅一生）来说,没有任何服装上(de)禁忌. 每在设计与制作之前,他总是与布料寸步不离,把它裹在、披挂在自己身上,感觉它、理解它,他说：“我总是闭上眼,等织物告诉我应去做什么.”他是一位服装(de)冒险家,敢用任何可能与不可能(de)材料来织造布料,不断完善着自己前卫、大胆(de)设计形象.Issey Miyake（三宅一生）喜欢用大色块(de)拼接面料来改变造型效果,格外加强了作为穿着者个人(d e)整体性,使他(d e)设计醒目而与众不同.大色块(d e)拼接面料来改变造型效果,突出穿着者个性============================================== 日本顶级设计师Rei Kawakubo川久保玲——钟爱黑色夸张怪异(de)“玲师太”川久保玲（かわくぼれい；英文：Rei Kawakubo；1942年10月11日－）是一位日本(de)服装设计师,出生于东京,毕业于庆应义塾大学.1980年代前期,她以不对称、曲面状(de)前卫服饰闻名全球,受到许多时尚界人士(de)喜爱.此外,日本(de)知名服装设计师当中,川久保玲是少数几个未曾到国外留学,而且未曾主修过服装设计(d e)特殊设计师.川久保玲川久保玲,业界人士称其为另类设计师,人送称号“玲师太”、“玲姐”.作品多以夸张怪异为主,黑色是川久(de)代表颜色,这点从其惯有(de)自身打扮就可猜出一二：一身黑色服饰,一头不对称(de)齐肩黑发.她(de)言语间也时常透漏出对黑色(d e)钟爱之情.“黑色是舒服(d e)、力量(d e)和富于表情(d e)”. “我致力于黑色(d e)三个影子”.而面对着自己朱红色服装(de)作品,她这样解释到：“黑色是红(de)”.川久这种对黑色近乎痴迷投入与奉献,使得人们对这位前卫设计师产生了悲观或不详(de)印象.而这种猜测也不无道理.在川久(de)多次发布会上,经常可见“死亡”、“幻灭”、“预示灾难”、“乞丐装”、“破坏”等消极元素,这不仅引起各方争议,甚至引来批评.但对于川久来说,whatever,“艺术为现实挖了个洞”,这就是她对自己设计(d e)解释.Rei Kawakubo川久保玲品牌：Comme des Garcons（简称CdG）,创立与1969年,寓意“像小男孩那样”.旗下有12个支线品牌,其中当属PLAY系列最受全球喜爱.特别是桃心LOGO,其他潮流品牌只要是与PLAY联名设计,贴上经典(de)爱心LOGO,那它(d e)价格就翻了几番,这或许就是C d G P L A Y(d e)价值魅力吧L O G O R e i K a w a k u b o川久保玲经典设计回顾：2012年3月14,美国有着“时尚界(de)奥斯卡大奖”之称(de)CFDA时尚大奖,于纽约公布川久保玲获得了年度最佳国际设计师大奖.以下作为对川久经典作品(de)回顾.2005-2012经典回顾高田贤三KENZO logoIssey Miyake（三宅一生）大色块(de)拼接面料来改变造型效果,突出穿着者个性=======================Rei Kawakubo川久保玲品牌：Comme des Garcons（简称CdG）,创立与1969年,寓意“像小男孩那样”.旗下有12个支线品牌,其中当属PLAY系列最受全球喜爱.特别是桃心LOGO,其他潮流品牌只要是与PLAY联名设计,贴上经典(de)爱心LOGO,那它(de)价格就翻了几番,这或许就是CdG PLAY(de)价值魅力吧Comme des Garcons（简称CdG）,日本高端潮牌,寓意“像小男孩一样”.由“另类设计师”、日本(de)“时尚教母”川久保玲于1969年所创立.经典(de)爱心LOGO 风靡盛下,被无数潮人乃至明星追捧.PLAY LOGO川久保玲(川久保是姓)1981年,川久保玲第一次在巴黎时装展举行发布会；此时她开始受到全球时装界(de)注目,隔年,她(de)服饰有了一个简单(de)昵称,称为「乞丐装」；并造成1980年初期宽松、刻意(de)立体化、破碎、不对称、不显露身材(de)服装设计潮流.这一场发表会(de)设计灵感据知来自于日本美学中(de)不规则和缺陷文化.此次发布会打破了时装表演(de)一贯模式,她用一曲狩猎哀歌取代流行音乐,用古怪(de)化妆和不整洁(de)头发,将模特丑化.她(de)创作概念和特色引起了不少时尚评论家(de)争议,也带动了後进设计师(de)服饰设计.2012秋冬时装：CdG——PLAY系列：CdG目前已发展12个支线品牌.PLAY作为最受欢迎(de)系列品牌.2002年,川久保玲创立了全新(de)支线品牌PLAY,创立后不久便占据了潮流界一线品牌(de)地位,受到年轻人(de)喜爱.堪称经典(de)红心设计出自纽约艺术家Flip Pagowski之手,后来这颗小红心被赋予了更多种色彩,更多款式(de)演变,几乎每次新款发售,都能为潮流界带来一次不小(de)震撼.PLAY作为年轻尖端潮牌,为众多潮人乃至明星喜爱,其中不乏与一些大牌联合之作,比如三月份推出(de)CdG PLAY x BAPE,是PLAY与日本龙头品牌BAPE合作之款.而有趣(de)是在未发售之前,网络曾出现过各种网友DIY版本,引起各路粉丝纷纷猜测,孰是孰非难辨真假.此次(de)合作系列全部采用CdG PLAY(de)底衣制作,友情提示,在尺码选择上要根据PLAY(de)SIZE,而非BAPE.设计上,不难看出,都融入了PLAY与BAPE(de)传统风格.倘若小编推荐(de)话,FULL PRINT版本(de)合作款最为值得收藏,无论是CdG样式(de)全印花还是BAPE迷彩(de)全印花都是其中最为亮眼(de)单品.个人挺喜欢(de),就是贵,买不起.日本顶级设计师Yohji Yamamoto山本耀司——世界时装日本浪潮设计师和新掌门人山本耀司,日文名Yohji Yamamoto,1943年出生于日本横浜,是世界时装日本浪潮(de)设计师和新掌门人.他是八十年代闯入巴黎时装舞台(de)先锋派人物之一,与三宅一生、川久保玲一起把西方式(de)建筑风格设计与日本服饰传统结合起来,使服装不仅作为躯体覆盖物,更成为着装者、身体与设计师精神意韵三者交流(de)纽带.西方(de)着装观念往往是用紧身(de)衣裙来体现女性优美(de)曲线,山本则以和服为基础,借以层叠、悬垂、包缠等手段形成一种非固定结构(de)着装概念.山本喜欢从传统日本服饰中吸取美(de)灵感,通过色彩与质材(de)丰富组合来传达时尚理念.山本耀司非固定结构(de)时装设计山本耀司时装设计(de)层叠山本把麻织物与粘胶面料运用得出神入化,形成了别具一格(de)沉稳与褶裥(de)效果,擅长于新面料(de)使用也是众多日本设计师共同(de)特点.山本耀司品牌(de)服装以黑色居多,这是沿袭了日本文化(de)风格.山本耀司时装设计善用黑色1990年代初,世界时装舞台上来自日本(de)“新浪潮”已成强之末.当时尚(de)接力棒转到以MartinMargiela为首(de)比利时反结构学派手中,三宅一生、山本耀司和川久保铃等人(de)东方文化传教使命似乎已经结束.然而1990年代末,山本耀司推出了以1950年代法国服装风格为主题(de)服装系列,令时装界再次对这些日本人刮目相看.山本耀司法国服装风格系列与此同时,他(de)老朋友川久保玲东山再起,三宅一生(de)褶裥成衣系列再次风行一时.时装界(de)许多着名设计师如CalvinKlein、JilSander、HusseinChalayan、HelmutLang,也开始热衷于将日本式剪裁法——尤其是山本耀司和川久保玲(de)层叠和悬垂技术,运用到自己(de)款式之中.悬垂技术在山本耀司设计中(de)应用对于西方人来说,始终与西方主流时尚背道而驰(de)山本耀司是个谜,是个集东方(de)细致沉稳和西方(de)浪漫热烈于一身(de)谜.=============================================================日本顶级设计师Junko Koshino小筱顺子——未来主义风格演绎乌托邦世界小筱顺子出生于大阪,是在日本国内享有与高田贤三、山本耀司同样声誉(de)时装设计师.四方剪裁几何造型是顺子(de)最爱,蚕茧形、螺旋形(de)样式,时尚前卫、动感十足.黑色是顺子常用(de)颜色,因为黑色能平衡造型带来(de)冲击；否则一定就是纯色,因为在流浪(de)心态里融合进希望与和平(de)信仰是她需要达到(de)境界.日本顶级设计师Jun Takahashi高桥盾——超现实、唯美、诡异高桥盾1969年出生于日本(de)群马县,1994年创立了服装品牌Undercover.Undercover早期以街头服饰为主,随后打入巴黎时装圈,其设计(de)产品十分受人注目,始终给人们一种高不可攀(de)感觉.Undercover品牌特色UNDERCOVER(de)设计概念打破常规、大胆反叛,并以超现实主义、诡异(de)风格闻名.高桥盾(de)服装元素里更多融入一种后现代神秘感,从他(de)时装发布会来看,模特走秀时头部富有层次感(de)包裹再加以饰品(de)点缀,就足以见得他独特另类(de)设计灵感和创新思维,总是给人一种神秘感,总可以带给人一种惊喜,这便是Undercover品牌(de)魅力所在.日本顶级设计师Hiroshi Fujiwara藤原浩——里原宿教父藤原浩 (Hiroshi Fujiwara), 生于1964年,日本时装设计师、音乐监制,时尚潮流界封号里原宿教父.品牌：Fragment design、Head Porter、Burton iDiom、GoodEnough日本顶级设计师Kenyahara原研哉——寻回感官(de)记忆原研哉（Kenya Hara,1958年06月11日- ）,日本中生代国际级平面设计大师、日本设计中心(de)代表、武藏野美术大学教授,无印良品（MUJI）艺术总监.设计领域泛于长野冬季奥运开、闭幕式节(de)节目纪念册和2005年爱知县万国博览会(de)文宣设计中,展现了深植日本文化(de)设计理念.原研哉自称自己是不会设计(de)设计师,他现在做(de)就是在现有(de)设计概念上进行修正,从而将设计推向一个更高(de)层次.“RE-DESIGN”正是其工作(de)核心,即“重新设计”.“很多设计并不是去超越过去人们(de)智慧,而是人们在企图超越过去时(de)一些新发现.它可以是一支铅笔、一个电灯,可以渗透到很简单(de)日常生活中去.”这是他在2002年发起“RE-DESIGN”日常生活再设计展览时对设计表达(de)想法.原研哉与MUJI无印良品2001年,原研哉接受田中一光(de)邀请,接手MUJI品牌.他从MUJI一词出发,综合考虑后提出“MUJI并不是追求最便宜(de)价格,而是最适当(de)价格”(de)发展路线.现在(de)MUJI,不只是一个成功(de)商品品牌,还成为一种日常生活审美(de)代表.在对MUJI设计中,原研哉多次强调“感官”(de)重要性,他认为设计师在设计产品之前,不是立马拿起笔来画草稿,而是先从“感官”出发,换位思考客户(de)使用“感受”.他表示：“现代科技俞便利后,感官就愈退化.现在(de)我们可能已经不太会写字,不会计算,不会削苹果,连封信也写不出来……我希望设计能帮助人寻回感官(de)记忆.”==============================================日本顶级设计师HIDEHIKO YAMANE山根英彦——古典牛仔裤元素融合时髦街头风格山根英彦是一名牛仔裤鉴赏家,他全心全意地去搜罗来自世界各地最好(de)进口好牛仔裤.在一次,在美国乡村旅行,山根英彦发现了一部50年代织造40米布边(de)织布机,鉴赏无数牛仔裤(de)他有一个想法,可不可以做一个优质(de)牛仔裤让人鉴赏呢山根英彦开始自己生产牛仔裤.1991年,人气街头牛仔品牌EVISU诞生了.在日语(de)发音跟EBISU（惠比寿）一样,意思即为七福神中(de)财神相约,他经常带着鱼杆与鱼云游四方.山根英彦（HIDEHIKO YAMANE）一直强调,他自己有五大喜好,钱、钓鱼、啤酒、女人及高尔夫球,因此选择Evisu来为服装命名.Evisu最初(de)生产线,每天只出品十四条牛仔裤.山根英彦先生在每一条裤子上亲手绘制今天已经鼎鼎大名(de)海鸥商标.尽管一开始,Evisu与其说是投资倒不如说是个人爱好更为恰当,但山根英彦先生独到(de)眼光仍然紧紧抓住了众多迷恋服装细节(de)时尚人群(de)想象力,令得旧款粗斜纹棉布再度风行,而今这股热潮已经波及到全世界.随着Evisu(de)畅销,开始供不应求,慢慢开始有规模(de)量产化.日本本地以及海外市场（特别是欧洲市场）(de)畅销,令到Evisu(de)知名度踏上高峰,被称为“后Levi’s时代”,山根英彦也有“日本牛王”(de)美誉.Evisu“M”型logo标志Evisu,又名Evisu Genes,是日本顶级牛仔裤品牌.Evisu采用传统(de)手工工艺打造优质牛仔服饰,与街头味浓厚(de)Neighborhood洗水牛仔裤或者与Undercover等(de)时装牛仔裤不同,Evisu更加专注于原色牛(de)领域.Evisu原汁原味(de)古典牛仔裤元素和时髦(de)街头风格相结合,在欧洲时尚界受到瞩目.古典牛仔裤元素和时髦(de)街头风格相结合EVISUEvisu(de)产品共分至,其中以系列(de)用料最优质,而新近推出(de)系列则标榜大众化价钱.Evisu(de)原产地分别为日本及欧洲,日本版普遍用料较佳,而欧洲版则较多款式,早年于D-Mop发售(de)剪牌Evisu正是欧洲版.日本版是手工牛仔裤,每条制(de)工时都耗费极大,他(de)裤型式采取传统式,本身并没有很大(de)变化,主要(de)分别是在於单宁布(de)不同.坚持手工制作(de)EVISU,在日本一直是讲究高品质牛仔裤收藏者眼中(de)爱牌.==============================================日本顶级设计师Murakami Takashi村上隆——“幼稚”(de)诱惑村上隆是上世纪60年代以后出生(de)日本艺术家中极具影响力(de)一位,在日本不仅是一位受到广泛(de)喜爱(de)艺术家,也是日本新一代年轻人(de)偶像.他强烈意识到——西方(de)当代艺术与日本(de)艺术创作是截然不同(de),重要(de)是如何不依靠任何固有(de)文化体系而创造出最本质(de)东西.村上隆是后现代艺术风格超扁平（Superflat）运动(de)创始人,被称为“世界最熟悉(de)日本潮流艺术家”、“日本(de)杰夫昆斯”.2008年时代杂志评选出(de)最有影响力(de)100位人物中,村上隆是唯一(de)视觉艺术家.他(de)作品灵感大多来自日本传统漫画,创作材质珍贵,色彩艳丽,并且常常有性和暴力(de)展示.村上隆与他(de)公仔系列村上隆是世人眼里(de)鬼才.我们中(de)许多人成为他(de)爱戴者,他使日本流行文化名正言顺走进了西方时尚.而无论是2000年春夏,他(de)“眼睛”出现在三宅一生(de)男装上,还是2003春夏,他(de)“熊猫”、“樱花”登上了法国主流老牌Louis Vuitton最经典(de)皮包上,每个对潮流敏感(de)人都或多或少地体会到,在村上隆(de)世界里,一直都存在“幼稚”(de)诱惑力.村上隆公仔工艺品,充满“幼稚”(de)诱惑力.村上隆不但创造出了在西方人眼中怪异有趣(de)形象,还创立了他自己称为“超平(Superflat）”(de)风格和理论,并用同样名为Superflat(de)展览和画册展示着他这一独特风格(de)各个方面——包括卡通绘画、半精简式(de)雕塑、巨大且可充气(de)气球、手表T恤等产品设计、装置艺术和动画.。

20196794_美术的诞生：从太阳王到拿破仑

86美术的诞生文艺复兴运动于十四世纪始于意大利。

当时的人们对古希腊罗马文化重燃兴趣，一改中世纪时的风貌，人文主义思想盛行。

法国于15世纪末也开始受到影响，受古典文化启发的作品开始大量出现。

巴黎国立高等美术学院校园中的一处建筑外立面，至今仍保留着关于法兰西艺术起源的线索：“法国雕塑加上意大利的灵感”，“从古至今的建筑元素汇集在同一个空间内进行对话”。

此次展览入口处的拱券与柱头经过了精心设计，便是为了向展览所关注的“美术的诞生”给予致敬。

1540年左右，由于对古典文化的领会吸收，受古代和意大利文艺复兴全盛期风格启发的作品大量涌现。

此外，宗教战争（1562-1592）之后，寻求政权稳定的亨利四世继续推动文艺复兴运动。

服务于宫廷的艺术家们创建了皇家绘画与雕塑学院，并于1648年获得国王的认可。

成立以来，皇家绘画与雕塑学院一直是一个思辨与教育的场所，艺术家经由学院的洗礼后更为独立，从而声名鹊起。

1635年，法兰西学院为规范法语而建立，自中世纪以来一直受到行业协会辖制的画家和雕塑家们，亦联合起来争取创作的自由。

他们极力摆脱匠人身份，期望将绘画与雕塑归属为“自由艺术”，而获取王室支持的代价则是全力效忠于国家。

这时，被称为“太阳王”的路易十四听从柯尔贝尔和画家夏尔·勒布伦的建议，将学院建成为一个为君主专制歌功颂德的机构。

学院享有国家对艺术种类和艺术家的全部财政支持。

学院优先录取院士之子的制度，导谈到世界艺术史，法国历来是不可绕过的存在。

它是古典主义与浪漫主义的发源地，更是19世纪西方美术的中心。

不仅如此，它还对中国近代美术史产生了十分深远的影响。

上海博物馆在2019年11月5日至2020年2月9日推出的“美术的诞生：从太阳王到拿破仑——法国巴黎国立高等美术学院珍藏展”，让我们得以借巴黎国立高美的慧眼，窥见法国从路易十四到拿破仑时期波澜壮阔的艺术历程，也使我们得以追溯法国美术和巴黎国立高等美术学院的起源。