谈音乐内涵的三个维度
浅析音乐的三层美感与音乐情感表达方式
浅析音乐的三层美感与音乐情感表达方式一、声音美在音乐中，声音美是最为直接的体现，它是音乐的基础，也是最容易被人体验到的美感。
声音美既包括音色美，也包括音高、音长、音量和音质等方面的美。
音色是音乐中最为鲜明的特色之一，不同的乐器具有不同的音色，它们相互搭配和谐统一，才能够产生出丰富多彩的声音美。
交响乐中的木管乐器、铜管乐器和弦乐器各自具有独特的音色，它们在音乐中的运用能够丰富音乐的层次和情感表达。
音高、音长、音量和音质等也是影响声音美的重要因素，它们在音乐表达中的合理运用，能够使音乐更加丰富多彩，让人们产生更深的情感共鸣。
二、结构美结构美是音乐美感中的重要组成部分，它主要体现在音乐的组织结构和发展流程中。
音乐的结构美主要包括旋律、节奏、和声、对位和韵律等方面的美感。
旋律是音乐中最为基本的组成元素，它具有一定的情感表达功能，能够给人以美感享受。
音乐中的节奏、和声、对位和韵律等元素也是体现结构美的重要因素，它们在音乐中的合理运用能够使音乐更加丰富多彩，给人以美感享受。
音乐的结构美还体现在其整体结构的合理性和发展的连贯性上。
一个好的音乐作品，其旋律、节奏、和声、对位和韵律等元素应能够相互配合、相互呼应，形成一个完整和谐的整体，使人们在聆听时产生愉悦和赏心悦目的感受。
三、情感美情感美是音乐最为重要的美感之一，它是音乐的灵魂所在，也是音乐最为深刻的表达方式。
音乐通过旋律、节奏、和声、对位和韵律等元素的合理运用，能够更好地表达情感和情绪。
快速的节奏、高亢的音高和强烈的音量能够传达出愉悦和热情的情感，而缓慢的节奏、低沉的音色和柔和的音量则能够传达出沉郁和忧伤的情感。
音乐中的音乐语言、音调及曲式等形式，也是表达情感美的重要手段。
音乐中的音调能够直接传达出音乐的情感，使人们在聆听时能够产生共鸣和情感上的感受。
音乐的曲式也是表达情感美的重要手段，例如交响乐、协奏曲、奏鸣曲等不同的曲式，都能够通过其独特的结构和发展方式来表达出不同的情感。
谈音乐内涵的三个维度
谈音乐内涵的三个维度作为音乐的三位一体现象，它与美国逻辑学家皮尔斯(Charles Peirce)被广泛了解与接受的图像、指索、象征符号三分法直接相关：音乐的情感性相当于图像符号，音乐的描绘性相当于指索符号，而音乐的象征性自然相当于象征符号。
自巴洛克时期音乐语汇规则的确立开始，17 世纪到20 世纪的近代与现代文化中音乐内涵的三个重大方面定型为这种音乐意义上的三位一体。
音乐内涵这三个维度并不平等：音乐的情感性是必然的，而描绘性与象征性是可能的，却不是必然的。
音乐艺术有时会离开后两个方向，却又总是重新返回，在里面发现令人精神振奋的、富有表现力的“营养”。
因此音乐内涵三个维度相互之间的关系在欧洲(或者世界)严肃音乐历史的不同时期具有很大的区别。
我们将17—20 世纪的音乐历史分为四个基本阶段，即巴洛克、古典主义、浪漫主义与20 世纪，以此对音乐内涵的三个维度进行比较，同时展示这四个时期不同的音乐语汇规则。
一、巴洛克时期巴洛克时期(17 世纪初到18 世纪中期)音乐的特点是音乐内涵的三个维度全都处于最高水平，这也是其语汇规则的主要特征。
情感性作为鲜明与深刻的体验，是这一时期划时代的成就。
“情感性”这个词本身便是17 世纪法国哲学家勒内·笛卡尔提出的。
当时卡契尼在音乐中使用术语“cantare con affetto”(1601)，蒙特威尔第使用术语“stile concitato”(1638)，多尼(GiovanniBattista Doni，意大利人文学家、音乐理论家，1595—1647) 使用术语“stile espressivo”(1640)，而阿特纳斯·柯雪(AthanasiusKircher，德国全能型学者，1602—1680)使用术语“musica pathetica”(1650)。
“单一情绪论”促进了情感性的兴盛。
为了造成强烈的情感印象，充满一个完整曲式结构的某种情绪需要长时间延续，且其间没有对比情绪的替换。
对音乐的三元理解
对音乐的三元理解作者：方璀来源：《神州》2012年第20期摘要：在所有的艺术类型中，比较而言，音乐是最抽象的艺术。
音乐是一种符号，声音符号，表达人的所思所想。
笔者则借鉴音乐美学的观点，从音乐创作、音乐表演和音乐欣赏这三个角度，对“音乐”的本质、意义进行了分析和阐释。
旨在从较为立体的维度中去理解“音乐”的具体内涵。
关键词：音乐；创作；表演；欣赏在我们日常的生活学习和工作中，“音乐”这个词是高频出现的。
由此，究竟什么是音乐？其本质何为？包涵了几种层面上的含义？诸此问题，皆是我们这些音乐艺术的学习者和研究者，经常面临且又不可回避的问题。
笔者则从音乐创作、音乐表演和音乐欣赏这三个角度，对“音乐”进行抛砖引玉式的理解和阐释。
一、音乐创作的灵魂音乐是一种抽象无形的艺术，它的产生离不开音乐的创作者。
笔者认为，音乐是由创作者通过对音色、节奏、音高、速度和力度等元素的把握和有机结合，而产生的一种具有一定规模和结构的艺术形式，我们可以称其为“音乐作品”。
这个音乐作品的形式是多种多样的，可以是一首歌曲、一首器乐曲或是一部歌剧等。
这是对音乐作品本质的物理分析。
美国当代著名作曲家乔治·克拉姆曾说：“我相信音乐反映人类灵魂最深处的能力甚至超过了语言”，“对我来说……似乎任何时期、任何风格的优秀音乐，都呈现出了灵魂和思想的完美平衡”。
①我们可以这样理解：生活或诸多事物对创作者产生了灵魂上的激发，这种感悟无法用语言来描述、无法用肢体动作来表达、无法用色彩和视觉画面来比绘，只能通过音高、时值来体现，用时间的艺术来记载和再现内心深处的感触。
例如：莫扎特的歌剧《魔笛》，反映了他追求启蒙主义和对“共济会”的自由、平等、博爱的理想；贝多芬的《第九交响曲》是其创作的思想境界、革命热情和艺术理想的集中体现；肖邦则通过《革命练习曲》、《b小调谐谑曲》、《第一叙事曲》和《bA大调波兰舞曲》来渲泄内心的思乡情亡国恨……还有我国著名的作曲家聂耳、冼星海等，都是在一定的时代背景下，激发他们灵魂深处的音乐。
音乐三维目标是哪三个
音乐三维目标是哪三个音乐三维目标是指音乐所追求的三个方面的目标，包括音乐作品的表达力、技术水平以及艺术源泉。
下面分别对这三个目标进行详细介绍。
首先是音乐作品的表达力。
音乐作为一种艺术形式，主要是通过声音来传达情感和思想。
作为作曲家或演奏者，他们希望通过音乐作品能够表达出自己的独特的感受和思考，让听众能够感同身受。
表达力是衡量一首音乐作品质量的重要指标之一，它需要作曲家和演奏者有深入的情感理解和技巧的支持。
只有通过准确的演奏和恰到好处的音乐编排，才能够使作品中所包含的情感得到最真实最完美的表达。
其次是音乐作品的技术水平。
音乐创作和演奏都需要一定的技术基础和技巧支持。
作为作曲家，需要具备一定的音乐理论知识和作曲技巧，才能够将自己的创作想法转化为实际的音乐作品。
同样，作为演奏者，需要掌握一定的演奏技巧和乐器技术，才能够将作品中包含的情感和意境通过演奏完美地展现出来。
技术水平的提高需要持续的学习和练习，只有不断地提升自己的技术水平，才能够更好地表达自己的音乐理念。
最后是音乐作品的艺术源泉。
音乐作为一种艺术形式，需要有灵感和创造力的支持。
艺术源泉是音乐创作的生命力所在，它包括作曲家内心的情感和对生活的理解，也包括作曲家对音乐语言和结构的创新和探索。
好的音乐作品往往能够触动人的心灵，给人以启发和思考，这些都是艺术源泉的表现。
作曲家在创作音乐时需要敏锐地捕捉灵感，同时也需要不断地扩展视野，开拓创作思路，才能够创作出更加优秀的音乐作品。
综上所述，音乐三维目标包括音乐作品的表达力、技术水平以及艺术源泉。
这三个目标互为补充，缺一不可。
只有在表达力、技术水平和艺术源泉三个方面都得到充分的发展和提升，才能够创作出真正优秀的音乐作品，给人们带来真正的艺术享受。
因此，作为音乐从业者，我们应该不断地追求音乐的较高水平，不断地提升自己在表达力、技术水平和艺术源泉方面的能力。
只有这样，才能够更好地用音乐感动人心，丰富人们的生活。
浅析音乐的三层美感与音乐情感表达方式
浅析音乐的三层美感与音乐情感表达方式音乐是一种高度抽象的艺术表达形式，在不同的文化和时代中，都有着不同的音乐美学观点和音乐情感表现方式。
音乐美感的体现有其内在的美和外在美，而音乐情感的表达方式则可以分为三个层次，即音乐语言、音乐形式和音乐气氛。
下面将对音乐的三层美感与音乐情感表达方式进行浅析。
一、音乐的三层美感音乐是一种心理感受的艺术，它可以让人们感知到律动、节奏、和谐、调性、色彩等方面的感受。
从音乐的美感角度出发，我们可以将音乐的美感分为内在美和外在美。
1、内在美内在美是指音乐所具有的本质美，主要包括律动美和和谐美。
律动美是指音乐中所包含的规则性的节奏和韵律，它能够激发人们的内在感觉和情感，引起听者共鸣。
而和谐美则是指音乐制作中所运用到的元素，如声部合奏、和声技巧、繁复的音符运用等，这些元素的运用能够创造出一种和谐美感，使人们感受到一种平衡和谐的感觉。
2、外在美外在美是指音乐的外部形式美，主要包括音乐节目的结构、演奏方式、音效处理等方面。
外在美的体现往往需要借助专业的演奏技巧和音响设备才能真正呈现。
比如，通过对音响设备的运用，可以创造出类似厅堂的音效，使人们感受到一种高雅的氛围。
二、音乐情感表达方式1、音乐语言音乐语言是指音乐中所使用的乐音符号和乐理知识，乐曲的调性、节奏、音色等都可以在音乐语言中表达出来。
往往乐曲中的各种元素都是有规律可循的，因此也能很好地表达出人们的情感需求。
2、音乐形式音乐形式是指乐曲的组成形式，也是音乐的基本结构。
不同的音乐形式可以表达不同的情感需求。
比如，一首慢板与一首快板的节奏和调性都会不同，它们所传达的情感也会有所不同。
同样，合唱曲和独唱曲的形式所表达的情感也有所不同。
3、音乐气氛音乐气氛是指乐曲所创造出的一种情境和情感状态，它与音乐形式和音响效果密不可分。
音乐气氛能够影响听者的情感状态和心理感受。
因此，在音乐创作和演奏中，除了要运用优秀的音响设备，还要注重音乐气氛的创造，以便更好地表达音乐的情感。
挖掘音乐文化内涵的三条途径
挖掘音乐文化内涵的三条途径第一条途径是历史文化的探究。
音乐作为文化的一种表现形式，与当时的历史和社会背景有着密不可分的联系。
我们可以通过研究不同年代、不同文化背景下的音乐作品，了解当时人们的文化观念、生活方式和价值观念。
例如，古代中国的古乐，既是一种音乐形式，也是一种文化形态。
它反映了当时的礼仪、文化和美学观念。
如果我们仔细研究古乐的曲调和演奏方式，就可以进一步了解古代中国的社会和文化。
第二条途径是文学和诗歌的解读。
音乐作为艺术形式，经常与文学和诗歌结合在一起。
很多音乐作品都是基于某些文学或诗歌作品而创作的。
通过对这些作品的解读，我们可以更深入地理解音乐的文化内涵。
例如，贝多芬的《第九交响曲》中加入了舒伯特的《欧阳山下》，这首诗歌中提到了爱与美的主题，贝多芬通过音乐来表达了对这些价值观的探求和赞美。
同样，孟庭苇的《月亮代表我的心》中，借鉴的是南宋诗人秦观的诗句，表达了对爱情和生命的颂扬。
第三条途径是跨文化比较。
不同文化背景下的音乐作品反映了不同的文化观念和价值观念。
通过对不同文化背景下的音乐作品的比较，我们可以更全面地认识音乐文化内涵。
例如，古希腊的音乐与现代西方音乐有很大的不同，古希腊的音乐注重旋律和节奏的协调，强调合唱的效果，而现代西方音乐则更加强调个体的表现和情感的表达。
通过对这些不同的音乐文化进行比较，我们可以建立起更加宽广的音乐认知和审美观。
总之，挖掘音乐文化内涵是一个复杂而有趣的过程，需要我们在不同的途径中进行探索和解析。
只有从多个角度来理解音乐作品，才能更好地理解音乐的文化内涵，从而进一步提升我们的审美能力和文化素养。
浅析音乐的三层美感与音乐情感表达方式
浅析音乐的三层美感与音乐情感表达方式音乐是一种极具魔力的艺术形式，它能够唤起人们内心深处的情感，引发身体和心灵的共鸣。
而音乐的美感和情感表达是音乐艺术中非常重要的两个方面。
在本文中，我们将浅析音乐的三层美感与音乐情感表达方式。
一、音乐的三层美感音乐的美感是指音乐所具有的观赏价值和审美感受，它包括音乐的听觉美感、结构美感和情感美感三个层面。
这三层美感共同构成了音乐的魅力和吸引力。
首先是音乐的听觉美感。
音乐是通过声音传达的艺术形式，因此它所具有的听觉美感是最为直接和重要的。
音乐的听觉美感涉及到音乐的声音质地、音色、音高和音量等方面。
不同的声音质地可以带来不同的感受，比如柔和的声音会给人一种温暖和安静的感觉，而尖锐的声音则会让人感到紧张和焦躁。
音乐的音色也是其听觉美感的重要组成部分，不同的乐器和演奏方式会造就不同的音色，从而影响到人们的美感体验。
音乐的音高和音量也会直接影响到人们的感受，高音和大音量的音乐通常会让人兴奋和激动，而低音和小音量的音乐则更容易引发内心的平静和放松。
其次是音乐的结构美感。
音乐是通过一定的节奏和和声规律组成的，这种结构美感是音乐的基本特征之一。
音乐的节奏可以让人感受到一种有序和融洽的美感，音乐的和声规律则可以给人带来一种和谐和统一的感受。
在作曲家和演奏者的巧妙设计下，音乐的结构美感会让人们产生一种美妙的审美感受，从而使人陶醉其中。
最后是音乐的情感美感。
音乐能够传达并唤起人们内心深处的情感，这种情感美感是音乐的最重要的美感之一。
音乐能够表达各种情感，比如欢乐、悲伤、愤怒、爱情等等，而这种情感的表达通常是通过音乐的旋律、节奏和和声等方面来实现的。
作曲家和演奏者可以通过一些技巧和手法来使音乐更富有情感，比如运用不同的音色和音高来表达情感的变化，加强节奏和加强音量来增加情感的张力等等。
这样一来，音乐就成为了一种可传达情感的语言，能够深深地触动人们的内心，引发共鸣。
二、音乐的情感表达方式音乐的情感表达是音乐艺术中最为重要的方面之一，它使得音乐成为了人类情感外露的有效途径。
浅谈音乐美学中音乐存在“三要素”
浅谈音乐美学中音乐存在“三要素”音乐美学是研究音乐艺术的美的规律和特点的学科，其中音乐的三个要素是指音乐的声音、时间和空间。
这三个要素是构成音乐的基本单位，通过它们的相互作用和结合，创造出丰富多样的音乐作品。
音乐的声音是构成音乐的基本要素之一。
声音是音乐的载体，通过声音的发出和传播，才能使音乐作品被听众感知和欣赏。
声音的特点包括音高、音色、音量、音节等，不同的声音组合和排列方式形成了音乐的旋律、和声和节奏。
声音能够直接触动人的感官，给人以美的享受，是音乐表现力和情感传递的重要手段。
音乐的时间是音乐存在的基本条件之一。
音乐通过时间的流逝来展现其发展和变化过程，时间的划分使得音乐的结构和形态得以体现。
时间决定了音乐的节奏和节拍，使各个声音和声乐表现在不同的时间点上。
音乐的发展和变化过程也是通过时间来体现的，包括音乐的起承转合、高潮和结束等。
时间的运用使音乐得以有机地展开，给人以动态和连贯的感觉。
音乐的空间是音乐存在的另一个重要要素。
音乐通过声音的传播和扩散在空间中形成一定的位置和分布，这样才能被听众感知和接受。
音乐空间的特点包括音乐的声场、音响效果和谐波分析等，通过空间的运用，音乐能够更好地表现出音响的立体感和深度感，给人以身临其境的感觉。
这三个要素是互相关联和相互作用的，缺一不可。
声音是音乐的基础和核心，时间是音乐的流动和发展的基础，空间是音乐的载体和传播的基础。
它们相互促进和制约，共同构成了音乐的世界。
在实际的音乐创作和欣赏中，对于这三个要素的处理和运用是至关重要的。
优秀的音乐作品往往是在声音、时间和空间的综合运用下取得的。
音乐创作者需要通过对声音的选择、时间的节拍和空间的安排来创作出富有表现力和感染力的音乐作品。
而音乐欣赏者则需要通过对声音的感知、时间的感受和空间的理解来领略音乐所传递的美和情感。
浅谈音乐美学中音乐存在“三要素”
浅谈音乐美学中音乐存在“三要素”音乐美学是研究音乐艺术的美学理论，其主要关注音乐的美学特点和美的表现方式。
在音乐美学中，音乐存在着三个基本要素，即声音、结构和情感。
这三个要素共同构成了音乐的本质，也是音乐艺术得以表达和传达的基本手段。
声音是音乐的基本要素之一。
音乐是通过声音的产生和传播来表达和展示的艺术形式。
声音在音乐中扮演着重要的角色，通过音符的组合和演奏，创造出和谐的旋律和节奏。
声音可以是乐器的演奏声，也可以是人声的歌唱声，通过不同的音色和音高，表达出不同的情感和意境。
音乐家通过对声音的处理和运用，创造出丰富多样的音乐作品，使人们能够通过听觉感受到音乐的美妙。
结构是音乐的重要组成部分。
音乐的结构是指音乐作品的组织形式和内部关系。
音乐结构主要包括乐曲的主题、节段、过渡和整体的布局等方面。
乐曲的结构决定了音乐的形式和发展，使得音乐作品具有内在的逻辑性和连贯性。
音乐家通过对乐曲结构的构思和设计，使音乐作品具有富有感染力的发展和变化，引导听众进入音乐的世界，体验其中的美妙和情感。
情感是音乐美学中不可或缺的要素之一。
音乐是表达情感和情绪的艺术形式，通过声音和结构的组合来传达音乐家的情感和思想。
音乐可以产生激情、欢乐、悲哀等不同的情绪，也可以表达对生活、自然、爱情等各种主题的思考和感受。
音乐家通过对音乐的演绎和表达，使听众能够感受到音乐中所蕴含的情感和美感，引发共鸣和情感共振。
声音、结构和情感是音乐美学中音乐存在的三个基本要素。
这三个要素相互依存、相互作用，共同构成了音乐作品的艺术性和美感。
只有在这三个要素的有机结合下，音乐作品才能够达到完美的艺术效果，使人们能够从中获得美的享受和情感的共鸣。
浅谈音乐美学中音乐存在“三要素”
浅谈音乐美学中音乐存在“三要素”首先要讨论的是音乐美学中的旋律。
旋律是音乐中最基本的要素之一，它是音乐中最容易被记忆和识别的部分。
旋律是由音高、音程和音符长度等因素组成，通过这些因素的组合和变化，形成了各种风格和类型的旋律。
旋律是音乐作品的灵魂，它能够直接传达作曲家的情感和思想，也能够激发听众的情感共鸣。
一个优秀的旋律，往往具有易记性、曲调优美、情感丰富等特点，能够在听众心中留下深刻的印象。
接下来是音乐美学中的节奏。
节奏是音乐中另一个重要的要素，它是由音符的时值和强弱构成的。
节奏是音乐中的“骨架”，它决定了音乐的基本脉络和节奏感。
在音乐作品中，节奏的变化和运用能够给作品带来动感和节奏感，从而使整个作品更加生动有趣。
节奏也是音乐中的重要表现手段，它可以通过不同的变化和组合来表现出作曲家的构思和想法，同时也能够引导听众的情感和注意力，使音乐更加富有表现力和个性。
最后是音乐美学中的和声。
和声是音乐中的第三个要素，它是由音符的组合和排列所形成的声音的和谐。
和声是音乐中的“色彩”，它能够为音乐作品增添丰富的声音质感和层次感。
在音乐作品中，和声的运用能够产生不同的音乐效果，例如和声的和谐与不和谐、和声的清晰与模糊、和声的紧张与松弛等等。
通过和声的运用，作曲家可以创造出丰富多彩的音乐世界，也能够引导听众的情感和意识，使音乐更加具有吸引力和感染力。
音乐美学中的音乐存在着“三要素”，即旋律、节奏和和声。
这三个要素分别代表了音乐的基本组成部分，也是音乐艺术的重要表现形式。
通过对这三个要素的认识和理解，我们能够更加深入地理解音乐，也能够更加全面地欣赏音乐，从而提升我们对音乐艺术的理解和鉴赏水平。
希望通过本文的介绍，能够对音乐美学中的“三要素”有一个基本的了解，也能够更加深入地探讨和研究音乐艺术的奥秘。
音乐内涵的三个维度
《荣耀经》（‰），天使向空中飞去。而在
赋格主题的结构中显然描绘了牧人们鞠躬
的形象。
作为音乐内涵的维度之一，象征性的 高度成熟与巴洛克时期那些最伟大的作曲 家息息相关：蒙特威尔第、亨德尔，尤其 是约・塞・巴赫。这从不同的角度展现出 来——从词义上、从音乐修辞音型体系上、 从数字符号上。音乐修辞音型在蒙特威尔第 的歌剧与牧歌中（《波佩阿的加冕》《俄尔 浦斯》《阿丽亚娜的哀歌》）、亨德尔的清唱 剧中（《以色列人在埃及》《参孙》《弥赛亚》） 万方数据
在霍洛波娃与钱亦平两位教授的帮助
下，翻译初稿于２０１５年完成，名为《音乐 内涵的三个方面》。为保证翻译质量，译者
关于音乐内涵三个维度能
万方数据
音乐内涵的三个维度
Ｉ
８９
作为音乐的三位一体现象，它与美国
逻辑学家皮尔斯（ｃｈａｒｌｅｓ Ｐｅｉｒｃｅ）被广泛了 解与接受的图像、指索、象征符号三分法
Ｋｉｒｃｈｅｒ，德国全能！
用术语“ｓｔｉｌｅ ｃｏｎｃｉｔａｔｏ”（１６３８），多尼（Ｇｉｏｖａｎｎｉ
Ｂａｔｔｉｓｔａ
⑤为便于准确理解 界研究与了解较少的音ｊ
Ｄｏｎｉ，意大利人文学家、音乐理论家，
ｅｓｐｒｅｓｓｉｖｏ”
下同：——译者注
逼）ｒ＿７ＩＨＨＫａ Ｍ．Ｍ．石
Ｈ丑ｅｐＰ玎抒ｃ蜀ａ．Ｔ．１．Ｍｏ・
１５９５—１６４７）④使用术语“ｓｔｉｌｅ
３．勇敢（ａｕｄａ（
４．暴怒（ｆｕｍｒ ５．适中（ｔｅｍｐ＿
一、巴洛克时期⑧
巴洛克时期（１７世纪初到１８世纪中期）
６．愤慨（ｉｎｄ蛔
７．庄严（舯ｖｉｌ
８．虔诚（ｒｅｌ嘶
音乐的特点是音乐内涵的三个维度全都处于 最高水平，这也是其语汇规则的主要特征。 情感性作为鲜明与深刻的体验，是这 一时期划时代的成就。④“情感性”这个
论音乐三要素中“意识存在”的音乐创作
论音乐三要素中“意识存在”的音乐创作音乐三要素包括：旋律、节奏和和声。
这三个元素是任何音乐作品都必须具备的。
但是，仅仅有这些元素是不够的，因为音乐本身需要一定的内在意义和情感表达。
这就需要“意识存在”的音乐创作。
“意识存在”是指创作者在音乐创作过程中融入自己的思想、情感以及艺术经验等等，让其作品不仅仅是音乐结构和形式，同时包含了作者的内心感受和思考。
这种音乐不仅仅是简单的传达信息，而是可以激发听众深层的感情共鸣。
在创建音乐时，创作者应该考虑三个要素如何相互作用，创造出有意义的音乐。
首先是旋律。
创造意识存在的音乐时，旋律是最重要的组成部分。
它是音乐中最易于表达情感的部分。
旋律应该是优美动听的，同时能够表达作者的内在情感。
其次是节奏。
节奏是音乐的动力源泉，能够为音乐添加节奏感。
以这种方式创造的音乐使听众不仅能够感受到节奏的变化，还能够感受到创作者的感情、情感和思考。
最后是和声。
和声应该是整个作品的核心。
它通过单个音符的变化和谐地把一个音符连接到下一个。
作曲家和音乐家在创造音乐时，应该从自己的内心出发，寻找对自己有共鸣的事物，如感情、情感、观念和意识形态。
他们应该努力通过自己的音乐技巧，创造出能够传达自己内心感受的音乐。
这种音乐可以唤醒听众的感觉，帮助他们与创作者建立稳固的情感联系，并在其心灵深处留下灵魂的印记。
总之，“意识存在”的音乐创作是一种通过音乐传递内心感受、情感和思考的方式。
它通过创作者的心灵和音乐技巧，创造出一种更加深刻和有意义的音乐体验，帮助听众在感性和理性方面获得更加丰富的收获。
音乐三维目标
音乐三维目标
音乐三维目标是指音乐教育的全面发展，提供多方面的学习内容和培养音乐素养的能力。
音乐的第一个维度是音乐知识的学习和积累。
学生应该学习音乐的基本概念，包括乐理、音乐史、作曲技巧等方面的知识。
他们需要了解不同的音乐风格和流派，学习音乐的基本元素，并能够分析和解读音乐作品。
此外，学生还应该了解不同乐器的特点和演奏方法，掌握音乐的基本技巧。
音乐的第二个维度是音乐表达的能力培养。
音乐是一种表达情感和思想的艺术形式，学生需要通过音乐表达自己的情感和思考。
音乐教育应该培养学生的音乐表演能力，让他们学会演奏乐器或唱歌，并能够在不同场合下进行表演。
此外，学生还应该学会创作自己的音乐作品，通过音乐表达自己的创造力和想法。
音乐的第三个维度是音乐欣赏和批评的能力提升。
音乐是一种艺术形式，需要通过欣赏来体验和理解。
音乐教育应该培养学生对音乐作品的欣赏能力，让他们学会辨别音乐作品的特点和风格，理解音乐作品的表达意义。
此外，学生还应该学会批评音乐作品，通过分析和评价来提高自己的审美能力。
综上所述，音乐的三维目标是音乐知识的学习和积累、音乐表达的能力培养、音乐欣赏和批评的能力提升。
通过培养学生在这三个维度上的能力，音乐教育可以帮助学生全面发展，培养他们的音乐素养和审美能力。
同时，音乐三维目标也为学生提
供了多种途径去理解和欣赏音乐，使他们能够在音乐中找到情感的宣泄和思想的表达。
音乐之美的多重维度
音乐之美的多重维度音乐是一种跨越语言和文化的艺术形式，它通过声音的组合和节奏的变化，传达出丰富的情感和思想。
音乐的美不仅仅体现在听觉上，它还涉及到许多其他维度，如情感、认知和社交等。
本文将从多个角度探讨音乐之美的多重维度。
一、情感维度音乐具有独特的情感表达能力，它可以唤起人们内心深处的情感。
不同的音乐风格和曲调会引发不同的情绪反应。
例如，快节奏的音乐往往会使人兴奋和愉悦，而慢节奏的音乐则更容易引发内省和沉思。
音乐能够通过情感的共鸣，帮助人们表达和宣泄情感，从而达到情绪调节和情感释放的效果。
二、认知维度音乐对人的认知能力有着积极的影响。
研究表明，音乐训练可以提高人的注意力、记忆力和创造力。
音乐的节奏和韵律可以帮助人们集中注意力，提高学习效果。
此外，音乐还可以激发人们的想象力和创造力，促进思维的灵活性和创新能力的发展。
因此，音乐在教育和认知发展中起着重要的作用。
三、社交维度音乐是一种社交活动，它可以促进人与人之间的交流和互动。
音乐常常成为人们共同的语言，无论是在音乐会上还是在家庭聚会中，音乐都能够拉近人与人之间的距离。
通过合奏和合唱，人们可以共同创造出美妙的声音，增强彼此的情感联系。
此外，音乐还可以作为一种社交媒介，帮助人们建立社交网络，扩大社交圈子。
四、身体维度音乐对人的身体健康有着积极的影响。
研究表明，音乐可以降低人的心率和血压，缓解压力和焦虑。
此外，音乐还可以促进运动和协调能力的发展。
例如，舞蹈音乐可以让人们通过舞蹈的动作来锻炼身体，提高灵活性和协调性。
因此，音乐在身体健康和康复中也有着重要的作用。
五、文化维度音乐是不同文化的重要组成部分，它反映了不同文化的价值观和思维方式。
不同地区和民族的音乐风格各具特色，通过音乐可以了解和体验不同文化的魅力。
音乐可以打破文化的隔阂，促进不同文化之间的交流和理解。
因此，音乐在跨文化交流和文化传承中起着重要的作用。
六、审美维度音乐是一种艺术形式，它具有独特的审美价值。
浅谈音乐美学中音乐存在“三要素”
浅谈音乐美学中音乐存在“三要素”在音乐美学中，音乐是由三个要素组成：旋律、节奏和和声。
这三个要素共同构成了音乐的结构，是音乐能够被感知和表达的基本元素。
首先是旋律，旋律是音乐中最明显也是最重要的要素之一。
它是由一系列音符组成的，是听众能够识别和记住的。
旋律具有各种各样的风格和特征，如高低起伏、节奏感、动态变化等等。
旋律也可以表达情感和思想，比如愉快、悲伤、思考、放松等等。
因此，旋律在音乐中具有很大的作用，不仅可以引导听众的情感体验，而且可以表达作者的情感和思想。
其次是节奏，节奏指的是音乐中时间的分配和掌握。
它是由一系列的强弱起伏、滚动和停顿等元素组成的。
节奏相当于音乐中的节拍，它可以产生动感和节奏感，从而使音乐更加活跃和有趣。
节奏可以影响旋律和和声的表现，使它们更加协调和统一，在音乐中起到加强表达和构建音乐结构的作用。
最后是和声，和声指的是音乐中的和弦和音色的组合。
和声掌握了音乐中声音的高低和音色的丰富性，可以使音乐更加多样化和复杂化。
和声的作用也体现在对旋律的衬托和支持上，使音乐更加丰富和深刻，也能够表达更加复杂和抽象的情感和思想。
综上所述，音乐存在的三要素——旋律、节奏和和声，在音乐美学中具有非常重要的作用和意义。
旋律是音乐的灵魂，它可以引导听众的情感和思想。
节奏是音乐的节拍，它可以产生动感和节奏感，使音乐更加活跃和有趣。
和声则是音乐的衬托和支持，它可以丰富和加深音乐的情感和思想。
这三个要素往往是相互依存和相互作用的，它们的平衡和正确地运用也是音乐创造和欣赏中的关键。
对音乐基本素养内涵的理解
对音乐基本素养内涵的理解新课标指出学校在实施音乐教育的过程，即是学生音乐素养形成的过程。
学生学习并掌握必要的音乐基础知识和基本技能，拓展文化视野，发展音乐听觉与欣赏能力，表现能力和创造能力，形成基本的音乐素养培养学生具有高尚的情操和博大的胸怀，十分必要。
一，音乐欣赏能力，一般分三个层次：1.感官的欣赏；2.情感层面的；3.理智的欣赏。
所谓感官的就是愉悦，就是一个建立在最初的一个音乐欣赏能力上的能力。
融进情感因素，变成一种情感的欣赏，它能够通过音响的聆听，然后引起他内心的共鸣。
内心的一些情感反应，是共鸣还是排斥，这就是第二层次的。
难度稍微大一点的层次，就是理智的欣赏，它不仅是能够有了愉悦，有了情感层面的活动，同时还能有一个理智的判断，能够鉴别，能够评价。
一个音乐，学生聆听到了，他只能说这个音乐，不管什么样都是好听，那就缺乏一种更高层次的欣赏能力。
音乐是听觉艺术。
音乐听觉能力，应该是学生学习音乐的一个总的基础，这也是根据我们这个学科特点所决定的，比如说学生在初次欣赏音乐的时候，说这个音乐很好听，喜欢听，给人一种愉悦感。
培养学生对音乐的持久兴趣，发展音乐听觉与鉴赏能力，表现能力和创造能力，应该是第一位的。
对于一个学生，应该具备一般的唱歌能力、演奏能力、识谱能力、表演能力和简单的音乐创造能力。
二，在新课程下,作为一名音乐教师，在教学中不仅要教给学生音乐知识,帮助学生去发现、获取和运用知识，而且要引导学生逐步建立正确的世界观、人生观和价值观。
同时，要帮助学生学会自己进行思考和学习。
1、音乐教师要具备科学世界观、价值观和思维方式作为一名新世纪的中学音乐教师要以科学的世界观、价值观和思维方式来指导和实践音乐教学，充分尊重艺术规律和教育规律，要用发展的眼光看待中学音乐教学在国民基础教育中的地位，认识其价值取向，培养学生积极向上的情操，热爱生命的品质和全面发展的个性，教育学生立足现在、放眼未来，特别要增强未来意识，绝不能把知识层次仪在总结过去的人类经验和满足现实生活对人的基本要求上，要不断发展、充实自己。
＂论先秦古琴音乐内涵的三个维度
管子学刊2017年第1期古今论坛论先秦古琴音乐内涵的三个维度王秀琴(山东理工大学音乐学院，山东淄博255000)摘要：音乐内涵的三维度即音乐的描绘性、情感性与象征性三位一体理论，是本世纪初莫斯科音乐家瓦莲金娜对音乐内涵理论的最 新研究成果，亦是这一领域的突破性进展，为各国音乐同仁所关注。
早在先秦时期，古琴音乐就已具备了音乐内涵的三维度特性，并且 互为补充，在描绘性、情感性的同时，更以象征性见长，窥一见全，从另一侧面展现了先秦时期音乐文化之卓著。
关键词：音乐内涵；三维度；古琴音乐中图分类号：J648.31 文献标志码：A文章编号=1002 - 3828(2017)01 - 0089 - 03国际数字对象唯一标识符 DOI:10.19321/ki.gzxk.issnl002-3828.2017.01.016本世纪初，莫斯科音乐家瓦莲金娜对音乐内 涵提出三个维度理论，引起世人关注，即音乐内涵 的描绘性、情感性与象征性，三位一体，其中情感 性为必然，描绘性与象征性是为可能。
这一成果 为俄罗斯音乐内涵理论极具概括性的理论，并被 翻译成英、德及中文等多国语言。
当今音乐具备 三维度已不足为奇，然而早在先秦时期，我国的古 琴音乐内涵就兼具了这一特性，并时有侧重，时有 渗透，三者密切相连，相互融合，其中描绘性是前 提，情感性是其过程，无穷的寓意和意境才是其最 终的追求，音止意不止，无声胜有声，展示了先秦 古琴音乐发展的高度。
一、先秦古琴概述古琴是中国古老的弹拨乐器之一，亦称七弦 琴，迄今约有三千余年。
据《世本•作篇》载：“神农作琴。
神农古琴长为三尺六寸六分，上为宫、商、角、徵、羽五弦。
”可见“早在太昊时，东夷人就 已发明了琴瑟”[1]。
“龙山文化时期，东夷地区又 出现了一位具有非凡音乐艺术才华的领袖人物虞 舜，他不仅会弹琴，还会创作乐曲，相传著名的乐 舞《韶》和优美的琴曲《南风歌》和《思亲操》都是舜 所作。
从先秦资料来看，古琴最早出现于我国 的诗歌总集《诗经》中，录有古琴相关诗歌八首。
挖掘音乐文化内涵的三条途径
挖掘音乐文化内涵的三条途径一、从历史文化角度挖掘音乐内涵历史文化是音乐文化内涵的重要组成部分。
音乐和历史文化紧密相连，音乐往往会伴随着历史事件的发生而产生不同的风格和变化。
比如，在爵士音乐的发展历程中，它反映了美国黑人社会舞蹈和歌曲创作的变化，也表达了黑人在白人支配社会下的不满和抗议。
芭蕾舞音乐则代表了欧洲文化的精髓。
因此，我们可以通过研究不同年代和地域的音乐作品，了解其历史和文化的背景，以及它们所承载的信息和内涵。
比如，通过研究古代中国的音乐，我们可以了解到当时的社会风貌、生活习俗、思想文化等方面。
音乐不仅是一种艺术形式，也是一种与观众互动的艺术形式。
音乐常在演唱会、音乐剧、歌曲朗诵等场合演出。
因此，演出的方式和艺术设施同样是发挥音乐内涵的重要因素。
艺术设施对音乐的影响主要是通过声学效果和视觉感受来体现。
合理的艺术设施能够使音乐的效果更为出色，比如说音响设备的音质和场馆的声学效果，会影响音乐声音的层次感和质感。
而演出的方式则能够带给观众愉悦的视听体验，比如说表演者的身体语言和演技，能够带给观众更为深刻的体验。
因此，我们可以通过到音乐院、音乐厅，或是参加音乐演唱会，去感悟音乐的现场氛围和艺术设施所带来的观感以及表演者的艺术技巧和表现形式。
音乐的文化比较是指将不同国家、地域、时代的音乐作品进行比较和研究，深入挖掘音乐的文化内涵。
因为不同文化之间，音乐的元素和哲学思想也存在不同。
若想更加深度地挖掘音乐的文化内涵，可以通过对于不同音乐风格和文化背景的比较，研究不同音乐之间的联系和相同点，才能发现其中的文化价值和哲学内涵。
比如，在西方音乐中，古典音乐是一种以欧洲音乐历史和文化背景为基础的艺术形式。
而在印度音乐中，印度古典音乐则是一种跨越千年文化历史的音乐形式。
他们两者在音乐文化方面往往都有我们认为的优缺点。
如果将这两者进行比较，可以发现其中的异同点，使得我们对于音乐的文化内涵能够有更加深层次的诠释和反思。
挖掘音乐文化内涵的三条途径
挖掘音乐文化内涵的三条途径
音乐是人类文化中不可或缺的一部分。
探索音乐的内涵和意义的途径有很多种。
在这里，我们将介绍三个重要的途径，可以帮助我们挖掘音乐文化内涵。
第一条途径是历史。
音乐是一种历史性的艺术形式，它随着时间的推移而不断变化和
演变。
通过探索不同历史时期的音乐，我们可以了解不同时期的文化背景、社会环境以及
艺术风格。
例如，在欧洲中世纪，教堂音乐是主要的音乐形式，反映了这个时期的宗教信
仰和社会结构。
在19世纪晚期，爵士乐和蓝调音乐从非洲裔美国人社区中兴起，反映了种族、阶级和文化之间的复杂关系。
第二条途径是地域。
不同地区的音乐风格和文化有很大的差异。
例如，在亚洲，中国
的古典音乐强调和谐、平衡和恬静，而印度的古典音乐则强调情感表达。
在非洲，音乐与
社交、宗教和身份认同密切相关。
在拉丁美洲，音乐与文化、历史和政治有着复杂的关系，如马里亚奇音乐反映了墨西哥革命时期的精神。
第三条途径是个人体验。
音乐是一种个人、情感和体验的艺术形式。
每个人对音乐的
感受和解读不同。
通过聆听和感受音乐的体验，我们可以了解一个人的情感和精神状态。
例如，某些歌曲可能唤起童年的回忆或引发强烈的情感反应。
通过探索个人的音乐体验，
我们可以深入了解文化对个人的影响。
在这三种途径中，每种都有其独特的价值和挑战。
通过结合这三种途径，我们可以深
入挖掘音乐的文化内涵和艺术价值。
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谈音乐内涵的三个维度作为音乐的三位一体现象，它与美国逻辑学家皮尔斯(Charles Peirce)被广泛了解与接受的图像、指索、象征符号三分法直接相关：音乐的情感性相当于图像符号，音乐的描绘性相当于指索符号，而音乐的象征性自然相当于象征符号。
自巴洛克时期音乐语汇规则的确立开始，17 世纪到20 世纪的近代与现代文化中音乐内涵的三个重大方面定型为这种音乐意义上的三位一体。
音乐内涵这三个维度并不平等：音乐的情感性是必然的，而描绘性与象征性是可能的，却不是必然的。
音乐艺术有时会离开后两个方向，却又总是重新返回，在里面发现令人精神振奋的、富有表现力的“营养”。
因此音乐内涵三个维度相互之间的关系在欧洲(或者世界)严肃音乐历史的不同时期具有很大的区别。
我们将17—20 世纪的音乐历史分为四个基本阶段，即巴洛克、古典主义、浪漫主义与20 世纪，以此对音乐内涵的三个维度进行比较，同时展示这四个时期不同的音乐语汇规则。
一、巴洛克时期巴洛克时期(17 世纪初到18 世纪中期)音乐的特点是音乐内涵的三个维度全都处于最高水平，这也是其语汇规则的主要特征。
情感性作为鲜明与深刻的体验，是这一时期划时代的成就。
“情感性”这个词本身便是17 世纪法国哲学家勒内·笛卡尔提出的。
当时卡契尼在音乐中使用术语“cantare con affetto”(1601)，蒙特威尔第使用术语“stile concitato”(1638)，多尼(GiovanniBattista Doni，意大利人文学家、音乐理论家，1595—1647) 使用术语“stile espressivo”(1640)，而阿特纳斯·柯雪(AthanasiusKircher，德国全能型学者，1602—1680)使用术语“musica pathetica”(1650)。
“单一情绪论”促进了情感性的兴盛。
为了造成强烈的情感印象，充满一个完整曲式结构的某种情绪需要长时间延续，且其间没有对比情绪的替换。
这种观念长时间存在，格林卡也曾写到：“它(指凄凉的合唱——霍洛波娃注)必须延续足够的时间，以使忧伤的感觉留在听众的心头。
”与文艺复兴时期相比，巴洛克时期对词的态度发生了变化：音乐并不是去反映每一个具有表现力的词语(像在牧歌中那样)，而是为整个曲式的单一情绪音响选择一个关键词。
巴洛克时期出现了音乐情绪的分类法。
记录在阿特纳斯·柯雪《音乐总论》(Musurgia universalis ，1650)一书中的分类法将音乐的情绪分为以下八种：1. 爱(amor)2. 忧伤(tristitia)3. 勇敢(audacia)4. 暴怒(furor)5. 适中(temperantio)6. 愤慨(indignatio)7. 庄严(gravitas)8. 虔诚(religio)在柯雪的其他分类中还出现了“喜悦”与“惊恐”，而在音乐的实践中还有“玩笑”(或者“音乐的谐谑”——蒙特威尔第的术语)。
巴洛克时期的俄罗斯理论家与作曲家季列茨基在著作《音乐的语法》中揭示了音乐的三种属性——愉悦的、凄苦的与混合的。
在意大利歌剧中形成了咏叹调的情绪类型：英雄的、愤怒的、悲伤的、雄壮的、喜剧的，等等。
巴赫的音乐达到了巴洛克音乐情绪状态的顶峰。
比如说，我们可以比较一下他音乐中的“忧伤”“爱”与“痛苦”。
“忧伤”对于巴赫来说是“温和的痛苦”。
以音乐语言来说：带有一些半音化的小调式、慢速的运动、“叹息”(suspiratio)与“下行”(katabasis)的音乐修辞音型，等等。
“爱”(对神的爱)是“温和的忧伤”，与“心”(Herz)、“爱”(Liebe)等词汇相关联，音乐语言上可能是小调式，也可能是大调式，使用“叹息”(suspiratio)音型与“下行”(katabasis)音型，比如巴赫的康塔塔《我们的上帝是坚固的堡垒》(No.80)第四曲女高音咏叹调《进入我的心房》。
“痛苦”是强烈的情绪，与耶稣在十字架上受难的词汇相关。
可能是带有大量半音化、不协和音响与延留音的慢速运动，使用“激情迸发”(patophoia)、“坚硬进行”(passus duriusculus ，也译为“沉重步伐”)、“坚硬跳进”(saltus duriusculus)和“叹息”(suspiratio)音型。
《平均律钢琴曲集》第I 部中的f 小调、升f 小调、降b小调赋格是典型的例子。
“勇敢”表现在与“同敌人战斗”“胜利决心”有关的歌词中，而在音乐语言上使用快的速度、自然调式、三和弦的重复与移动。
例如，巴赫的康塔塔《我们的上帝是坚固的堡垒》(No.80)第二曲二重唱咏叹调、《平均律钢琴曲集》第II 部中的D 大调前奏曲。
“喜悦”存在于耶稣诞生的事件，歌颂神的力量与教会的繁荣，以音乐语言来看主要是大调式、三和弦的使用，快速运动，没有切分、三拍子，而在乐队中是小号、长号、圆号。
比如使用D 大调的巴赫清唱剧《尊主颂》(Magnificat )第一曲与最后一曲。
巴洛克乐队协奏曲《天堂值得喜悦》(佚名)和《金管道》(В. 季托夫)是俄罗斯音乐史上少见的具有明显喜悦情绪的作品。
从巴洛克器乐作品的动力性方面来说，高潮尤其是高潮点并不典型，但也不是“寂静的高潮”(指19 世纪音乐中的一种高潮形式，可见下文——译者)，而是具有动力性的高原、“梯田式”的音量变化。
巴洛克音乐内涵中描绘性的维度由多个源头支撑：文艺复兴趋势的延续(对自然与世俗生活的关注)、具有观赏性的歌剧的出现、新教教旨的实现(在德国音乐中)。
在意大利，文艺复兴观念继续延续，比如在维瓦尔第的标题性小提琴协奏套曲《四季》中。
在法国，从16 世纪的香颂转向诸如拉莫的《鸟鸣》《母鸡》这类小曲。
而拉莫的《独眼巨人》《野人》等羽管键琴作品与歌剧和芭蕾有关，他还写到自己打算在《旋风》中展现“强风吹动粉尘的旋转”。
库普兰将曲名的标题性体系化，在他数百首羽管键琴小曲中有整部描绘鸟类形象的作品(《恋爱中的夜莺》《布谷鸟与鸣叫》)、描绘植物与花的作品(《罂粟》《花开的花园》)、描绘江海形象的作品(《浪》《提洛贡多拉》)以及描绘战争场面(《号角》)、日常生活(《闹钟》)、人物角色(《织工》《老领主》)的作品。
巴洛克时期大量运用音乐修辞音型进行描绘的体裁是清唱剧。
比如在《弥赛亚》中“我震动天地”(No.4)、《以色列人在埃及》中“到处都是青蛙”(No.5)、“无数苍蝇飞来”(No.6)、“钢水像墙一样”(No.20)等歌词都使用这种音型。
约翰·塞巴斯蒂安·巴赫所具有的极为成熟的描绘性不仅是近代人文主义的表达，同时也是新教教旨的彰显。
在施威策尔(A.Scchweizer)关于巴赫的著作中列举了数十个例子：自由的风的游戏，河水(约旦河)、大海(波罗的海)与大洋波浪的运动，脚步(坚定的、犹豫的)、钟声、蛇的动作、飞向高处、驱散绵羊、颤抖、惊吓，等等。
一些没有歌词的器乐作品通过描绘性的片段似乎被理解为某种音乐的图画。
比如说在(《平均律钢琴曲集》——译者)第I 部的降B 大调前奏曲中，飞翔的天使、天兵天将(很多天使)的鲜明形象突然从天空出现，合唱的赞颂《荣耀经》(Gloria)，天使向空中飞去。
而在赋格主题的结构中显然描绘了牧人们鞠躬的形象。
作为音乐内涵的维度之一，象征性的高度成熟与巴洛克时期那些最伟大的作曲家息息相关：蒙特威尔第、亨德尔，尤其是约·塞·巴赫。
这从不同的角度展现出来——从词义上、从音乐修辞音型体系上、从数字符号上。
音乐修辞音型在蒙特威尔第的歌剧与牧歌中(《波佩阿的加冕》《俄尔浦斯》《阿丽亚娜的哀歌》)、亨德尔的清唱剧中(《以色列人在埃及》《参孙》《弥赛亚》)与巴赫的康塔塔、受难乐、圣咏、《平均律钢琴曲集》、管风琴作品与室内乐中比比皆是。
比如说蒙特威尔第的《波佩阿的加冕》第一幕大量使用音型来象征有某种情绪的词汇：使用“快速装饰”音型象征“在轻盈的翅膀上”“在快速的飞行中”，使用“减五度进行”(parrhesia)音型象征“不幸的”，使用“下行”(katabasis)音型象征“颗粒无收”，用“快速装饰”音型象征“神”，使用“减四度进行”(parrhesia)音型象征“你被遗忘了”，用一些“倚音走句”音型象征“闪电、闪电”，用“呼喊”(exclamatio)音型象征“哦”，等等。
音型同时也具有音乐的描绘性，其中包括亨德尔清唱剧中被提到过的例子，用“快速装饰”音型描绘“我震动天地”，用“模仿”(mimesis)音型描绘“笑了”“到处都是青蛙”“无数苍蝇飞来”。
对巴洛克来说，数字符号是教会确立的历史传统的产物，首先与宗教方向的音乐相符合。
这促使我们重新思考巴赫。
尽管他在音乐中并不是数字的崇拜者，但象征性对他来说无疑是存在的。
3——宗教三位一体的象征;7——象征创世纪的天数;12——十二使徒;33——耶稣被钉上十字架的年龄;14 与41 的象征意义——这刚好是Bach 与J. S. Bach 在德文字母表中的数字总和⑧：在巴赫的《平均律钢琴曲集》第I部第一首C 大调赋格的主题中使用了14 个音符，在巴赫整理的圣咏《我从此来到你的宝座前》(Vor deinen Thron tret ich hiermit )中第一句使用了14 个音符，而整体旋律的音符数是41。
二、古典主义时期与巴洛克相比，在古典音乐时期(维也纳古典时期的海顿、莫扎特、贝多芬)的音乐中内涵的三个维度又是另外一种情况：情感性维度囊括一切，而描绘性与象征性退居次要位置。
音乐情感性领域中的基本概念已经不是“情绪”，而是积极活跃的人性“感受”。
令俄罗斯音乐学家基丽琳娜以这样一个命题来描述古典主义者的感受所达到的高度：“在启蒙时代，‘感受’成为音乐美学的核心范畴。
”18 世纪上半叶杰出的理论家马特松(Johann Mattheson，德国人，也是作曲家、批评家，1681—1764)关于感受(仍被称作“情绪”)的见解大量预示了该世纪后半叶的音乐思想：“没有相应情绪的音乐毫无价值、毫无意义、不会带来任何影响。
”⑩我们见到的作曲家本人关于音乐感受的描写可以作为例证，其中包括贝多芬第六交响曲“田园”的文字纲要。
作者在里面两次使用了“感受”：第I 乐章——“到达乡村的愉悦感受”(Empfindungen);第V 乐章——“暴风雨后喜悦与感激的感受”(Gefühle)。
整体上，古典主义情感世界的意义与巴洛克不同。
原则上喜悦的情感占据优势，这与大调式的调性占有统治地位有关。
其他的新现象包括音乐史上前所未有的激烈情感的出现及与此相反的前浪漫主义沉思状态的开启，还有主题与段落间情感对比的形成、以到达高潮点为目的的高潮型发展过程。
维也纳古典主义音乐中喜悦情感的层级特别多：积极类、精神类、英勇类、田园类、优美类、谐谑类。