西方艺术欣赏期末论文
外国美术史与名作鉴赏-期末论文
重庆大学外国美术史与名作鉴赏论文学生：胡睿学号：********指导教师：***专业：建筑环境与能源利用工程2013年10月摘要艺术是时代的镜子。
艺术品能反映出时代的思想、潮流和生活形态的改变，因而每一个时代的艺术品都与其他时代有所不同。
重大的历史变动往往意味着重大的潮流改变。
艺术囊括了物质世界和精神世界的各个方面，在这篇论文里将概述西方美术史，并对古代的宏伟建筑以及近现代的美术稍作分析。
关键词：西方美术史，印象派，后印象主义，表现主义。
目录1 古代的灿烂文明 (3)1.1始祖之壁 (3)1.1.1旧石器时代——阿尔塔米拉岩画 (3)1.1.2新石器时代——巨石阵 (3)1.2文明之火 (3)1.2.1古埃及 (3)1.2.2近东——美索不达米亚 (3)1.2.3爱琴海——希腊艺术 (4)1.3罗马之盛 (4)1.4宗教之源 (4)2文艺复兴的荣光 (5)2.1人性之醒 (5)2.2皇权之光 (5)2.3浪漫之风 (5)3科学的浮光掠影 (6)3.1科学之种 (6)3.1.1写实主义 (6)3.1.2印象派 (7)3.1.3后印象主义 (9)3.1.4象征主义 (9)3.1.5表现主义 (10)3.2现实之外 (11)参考文献 (11)1 古代的灿烂文明400万年前，人类站了起来。
而在那之后200万年，人类才有工具遗留。
这个人类开始把石块变成适当的形状作不同用途的旧石器时代。
1.1始祖之壁1.1.1旧石器时代——阿尔塔米拉岩画1869年一次意外的探险，一个想摆脱名利的侯爵和他四岁的女儿共同发现了旧石器时代克鲁马农人留下来的岩画。
阿尔塔米拉岩洞有超过150幅壁画，多数是简单的风景图和动物画。
颜料主要以矿物质、炭灰、动物血和土壤为主，掺有动物油脂。
颜色以红、黑、紫为主，色彩十分浓重。
这些岩画大约是为祭祀用。
这些画家兼职猎人，他们所绘动物与他们息息相关，比如许许多多牛的图案。
他们可能是觉得把动物的灵活与力量反映在墙上，可以夺取动物的灵魂或是力量，易于部落捕猎的行动。
大学生艺术欣赏期末论文1
大学生艺术欣赏期末论文论文题目：古典主义绘画奠基人—尼古拉斯·普桑院系：专业：班级：姓名:学号：任课教师：古典主义绘画奠基人—尼古拉斯·普桑目录关键词摘要一、人物生平（一）普桑幼年的绘画道路（二）普桑绘画的孕育时期（三）普桑绘画的旺盛时期（四）普桑绘画的探索时期二、古典主义绘画及画派（一）古典主义绘画（二）古典主义画派三、重要代表作（一）阿卡迪亚的牧人（二）台阶上的圣母四、普桑的艺术生涯评价参考文献关键词：古典主义绘画、古典主义画派、阿卡迪亚的牧人、台阶上的圣母摘要：尼古拉斯·普桑（1594－1665)是17世纪法国巴洛克时期重要画家，也是17世纪法国古典主义绘画的奠基人。
他崇尚文艺复兴大师拉斐尔、提香，醉心于希腊、罗马文化遗产的研究。
普桑的作品大多取材于神话、历史和宗教故事。
画幅虽然不大，但是精雕细琢，力求严格的素描和完美的构图，人物造型庄重典雅，富于雕塑感；作品构思严肃而富于哲理性，具有稳定静穆和崇高的艺术特色，他的画冷峻中含有深情，可以窥视到画家冷静的思考。
普桑可谓“法兰西绘画之父”。
《阿卡迪亚的牧人》为其重要代表作。
一、人物生平（一）普桑幼年的绘画道路尼古拉·普桑出生于法国诺曼底省靠塞纳河畔的一个名叫安德利镇，父亲出身贵族，并参过军。
尽管普桑从小喜爱艺术，但父亲仍让他攻读拉丁文，以备将来当一名法官。
一位旅居安德利的法国画家康坦·瓦兰发现了普桑的艺术秉赋，鼓励他坚持学绘画，终使他如愿以偿，走上了艺术的道路。
最初他从一位鲁昂画家学了一段时期，不久来到了巴黎这个艺术家荟萃的中心。
到巴黎之后，他首先结识了负责保管国王艺术珍品的亚历山大·库图瓦。
此人给普桑提供了饱览许多世界艺术品的机会，尤其是拉斐尔的绘画，几乎使他钦佩得五体投地，这是他日后成为坚定的古典主义艺术家的重要启迪。
普桑性格沉静，为人耿直，不苟言笑，也不事权贵，当他初次受到屈辱时，愤然离开了巴黎，又回到父母身边。
西方经典美术作品赏析论文
西方经典美术作品赏析论文我深信，只有高度的文化建设，才能造成现代强盛的民族和国家，对美和艺术的理解，是文化修养的一个重要部分，而“美育”的最有效的方法便是多接触艺术，包括了解一些艺术史，经验证明：人们对于美的鉴赏和理解力，是要靠学习才能获得的————是知识之所赐。
西方艺术往往让人觉得驳杂繁芜,高深莫测,让人不明就里,不知所措。
对西方数千年艺术发展概况的解读，体验到西方艺术的源远流长，博大精深，领略到西方艺术典雅精致的风格和浓浓的人文情怀，有身临其境的感受，深入艺术的现场，感悟艺术之趣、历史之真，知性之美。
从这本书中，学有所获，常有所思，偶有所悟，其乐融融。
西方美术发展的精神基点，始于与自身的认识上。
“美术”一词，在西方指非功利主义的礼堂艺术，或主要指为纯审美而创作出的有形艺术。
艺术是人们把握现实，表达思想感情和审美理想的特殊方式。
纵观整个西方美术的发展历程和存在状态，由于不同的民族历史传统和相异的社会文化因素的影响，使之呈现出丰富而又相对复杂的艺术景观。
西方美术的真正起点在希腊。
尽览西方美术发展的线索，有过三次高峰时期。
第一，古希腊古罗马时期；第二次，文艺复兴时期；第三次，19世纪。
对于文艺复兴，在我学这门课以前的记忆里，留下足迹的仅仅是文学作品，远远不知道美术作品的丰富、无限和逼真。
到此刻才了解到艺术的无垠天地。
历史的继承性是艺术发展的普遍规律，革新是艺术发展的必然规律。
中世纪是基督教统治西方的一千年，人们的思想，生活都受到基督教义的全面渗透和压抑。
这个时期的人们缺乏创造力，缺乏自主思想，只为了上天国而活着，而文艺复兴唤醒了西方人的创造力。
文艺复兴为世界文化史的新阶段奠定了基础，恩格斯说：“这是人类前所未有的最伟大的进步的革命。
”就文艺复兴在发展文化艺术方面所具有的意义而言，只有古希腊罗马文明的繁荣时代可以和它相提并论。
文艺复兴的艺术文化，是人类无与伦比的不朽的珍品。
而近代先进的艺术文化，是在文艺复兴艺术文化的基础上诞生，成长起来的。
西方美术鉴赏论文
论述印象派与后印象派在绘画形态与创作理念上的差异印象派是19世纪后半期诞生于法国的绘画流派，其代表人物有莫奈、马奈、毕沙罗、雷诺阿、西斯莱、德加、莫里索等人。
而后印象派则是继印象派之后产生的以塞尚、梵高和高更等人为代表的本质不同于印象派的另一艺术流派。
那么接下来我们就二者在绘画形态与创作理念上的差异问题进行论述.在创作理念方面，印象派强调画家对客观事物的感觉和印象，主张艺术上的革新，受现代科学，尤其是光学的启发,认为一切色彩皆产生于光，因此他们主张他们根据太阳光谱所呈现的赤橙黄绿青蓝紫七种颜色来调配颜色从而去反映自然界的瞬间印象.他们认为，只有捕捉瞬息间光的照耀，才能揭示大自然的奥秘。
因此在绘画中注重对外光的研究和表现，主张走出画室，在阳光下依据眼睛的观察和现场的直感作画，表现物象在光的照射下，色彩的微妙变化。
印象主义画家多描绘现实中的人物和自然风景，他们的绘画生长在写实主义的土壤之中，但他们的主要兴趣在于准确而客观地描绘个人面对世界时的视觉感受。
印象派画家对瞬间视觉感受,对色彩、氛围、笔触的关注,甚至超越了对社会历史、宗教、伦理的关注。
而后印象派则不满足于印象派的“客观主义”表现和片面追求外光与色彩,转而强调抒发作者的自我感受和情绪。
其根本观点是反对真实的表现自然界的光与色，而主张在艺术形式和技巧上大胆尝试和探索，重视自我的表现，用大脑去思考艺术真实表现的方法和手段，通过理性的组合和安排使所看的一切在有意味的秩序形式之中得到表现，使画家的情感得到充分的表达。
在绘画形态方面，印象主义绘画在阴影的处理上，不再像传统绘画的黑色和灰色，而是改用有亮度的青、紫等色。
并且不再使用轮廓线,物体的外形因而模糊，这使得印象派绘画变成了光影、气氛和色彩融合之作。
印象派绘画用点取代了传统绘画简单的线与面,从而达到传统绘画所无法达到的对光的描绘。
具体的说，从近处观察印象派绘画作品时，我们看到的是许多不同的色彩凌乱的点，但是当我们从远处观察时，这些点就会像七色光一样汇聚起来,给人光的感觉，达到异想不到的效果。
西方美术鉴赏论文
《西方美术鉴赏结课论文》赏析弗洛伊德理论对西方美术的影响西方美术鉴赏课马上就要结束了，通过对这门课的学习，我收获了许多东西。
通过学习这门课，我了解到西方美术和我们中国美术一样也有悠久的历史，也有辉煌的成就，也有令人叹为观止的优秀在作品。
西方文化是一种外向型文化，始终在努力地表现着人性。
虽经历了中世纪神学的束缚，但因文艺复兴人文主义的兴起，人之本欲又得到张扬，一直到近现代西方美术仍然以表现人性为主。
这其中诞生了像拉斐尔、达•芬奇、米开朗基罗、毕加索等伟大的画家，也产生了像达芬奇的《蒙娜丽莎》、凡高的《自画像》、德拉克罗瓦的《自由引导人民》、戈雅的《五月三日枪杀》等优秀作品。
西方美术之博大精深与中国美术一样，无法用三言两语就能说的清楚的。
因此本文仅从弗洛伊德理论对西方美术影响进行分析。
1.弗洛伊德及其理论1.1弗洛伊德简介西格蒙德·弗洛伊德（1856.5.6－1939.9.23），犹太人，奥地利精神病医生及精神分析学家。
精神分析学派的创始人。
弗洛伊德出生在一个犹太大家庭中，他上面还有两个同父异母的哥哥，下面有两个同胞弟弟和五个妹妹。
弗洛伊德自小天资聪颖，学习成绩优异，且胸怀大志，坚信自己会成为一个伟大的科学家。
西格蒙德·弗洛伊德1856年5月6日出生于摩拉维亚，4岁时举家迁居维也纳。
他在中学时代就显示出非凡的智力，成绩一直名列前茅，17岁考入维也纳大学医学院，1876年到1881年在著名生理学家艾内斯特·布吕克的指导下进行研究工作。
并在1881年开始私人开业，担任临床神经专科医生。
1881年开始私人开业，担任临床神经专科医生。
1886年与马莎·伯莱斯结婚，育有三男三女，女儿安娜·弗洛伊德后来也成为著名的心理学家。
1938年因遭纳粹迫害迁居伦敦，于1939年9月23日因口腔癌在伦敦逝世。
弗洛伊德对精神分析的兴趣是在1884年与J·布洛伊尔合作期间产生的，他们合作治疗一名叫安娜·欧的21岁癔症患者，他先从布洛伊尔那里学了宣泄疗法，后又师从J·沙可学习催眠术，继而他提出了自由联想疗法，1897年创立了自我分析法。
西方美术鉴赏期末论文
西方美术鉴赏期末论文：艺术中的残缺美在美学领域里，有一种“大成若缺、大巧若拙”的美，说的就是残缺美。
何谓残缺美?我没有能力，也不愿用一个条条框框的定义把它束缚住，既然它是美，必定动人。
虽然，我不知道怎么定义它，诉说它。
只知道，当我接近她、聆听她，感受她，我的心灵也随之澎湃，有时壮阔，有时低吟，却无时无刻不惊心动魄。
我只能以自己对西方美术短浅的认识，来讲述这博大的残缺艺术，却已经不知如何挑选例子。
因为，这样的美，太多太多。
残缺的美，是岁月和历史的倾诉；残缺的美，是人类思维的飞翔；残缺的美因为遗憾更加灿烂。
在西方艺术的长河里，美妙的杰作无处不在，那是祖先、前人给我们留下的宝贵的财富。
那些建筑、雕刻、绘画艺术都各自以她们独特的姿态，伫立在这条历史的河流中，有时静谧，有时磅礴。
残缺的美，是岁月和历史的倾诉。
就说说这建筑之美吧。
说到建筑，不得不提的是古罗马的建筑群。
经历了岁月的洗礼，在罗马这片土地上，这里巍峨雄伟的建筑经历了无数的战争，接受着自然的洗礼，人为的破坏……但罗马却并没有因为这些，失去罗马斗兽场、君士坦丁凯旋门、庞培城、万神庙这些传奇……当时的世俗建筑已经相当成熟，建筑艺术成就很高。
大型建筑物风格雄浑凝重，构图和谐统一，形式多样。
罗马人开拓了新的建筑艺术领域，丰富了建筑艺术手法。
斗兽场在建筑史上堪称典范的杰作和奇迹，以庞大、雄伟、壮观著称于世。
现在虽只剩下大半个骨架，但其雄伟之气魄、磅礴之气势犹存。
意大利的古罗马斗兽场平面呈椭圆形，占地约2万平方米，共四层。
外部全由大理石包裹，下面3层分别有80个圆拱，其柱形极具特色，按照多立克式、爱奥尼式和科林斯式的标准顺序排列，第4层则以小窗和壁柱装饰。
场中间为角斗台，仍为椭圆形，相当于一个足球场那么大。
整个斗兽场就这么矗立在意大利的市中心，从那些残存的建筑体里磅礴之气喷泄而出。
如今的斗兽场只有半个残荷般的躯壳，帕特农神庙也只剩下一堆柱子。
而就是这些看似破旧不堪的建筑群，映射了整个罗马文明的发展，她随着罗马而生而亡，即使残破也永远以骄傲的姿态伫立着。
西方美术欣赏鉴赏相关论文
西方美术欣赏鉴赏相关论文西方美术欣赏是高校美术专业的重要课程，对于提高学生的综合素质发展创造力有着重要的意义。
下面是店铺为大家整理的西方美术欣赏相关论文，供大家参考。
西方美术欣赏相关论文篇一：《试论中西方美术的融合与当代工艺美术》工艺美术的创作初衷是对艺术的感悟，基本点在于美，这一点与传统艺术(包括绘画)的出发点是一样的。
无论什么形态的美，它必定是包括着人们美好的愿望。
形态的多样性使工艺品更具广泛的市场与发展空间，艺术的创造来源于生活的各个角落，任何东西都有可能成为一件艺术品。
用艺术的眼光来创造工艺品，是人们物质生活和精神生活提高的表现，也是人们喜爱艺术的愿望，艺术对于社会、对于人的成长起着非常重要的作用，体现了人们的精神面貌。
在西方美术中，注重绘画材料与工具的多样性及绘画材料与写实观念的紧密结合，体现了它的科学性。
强调对客观事物的真实再现，描绘自然界中一切事物的真实情况。
严谨的比例，光线的变化，空间以及色彩的表现。
通过绘画的过程找寻事物的特征并逐步进行科学的研究，形成完整的，科学的绘画语言，创造真实的“理想之美”。
“艺术的使命在于用感性的艺术形象的形式去真实”(黑格尔《美学》)。
中国美术早期则深受儒家、道家文化的影响。
“礼之用，和为贵。
先王之道，斯为美;小大由之。
有所不行，知和而和，不以礼节之，亦不可行也”(《论语·学而》)，“淡然无极而众美从之”(《庄子·养生主》)，强调抒发主观意志，以主观的思想来控制情感，从美好的一方面来净化内心世界。
塑造理想的人格，从而达到人与社会，人与自然的和谐之美。
通过所要描绘的具体对象表达自己内心感受，以咏物来寓志，借景抒情，形成中国美术特有的“意境”。
讲求“气韵生动”，不求形似但求“传神”，(明·徐渭)“须得书意，转深点画之间皆有意”(东晋·王羲之)，把主观的情感和客观的景物相融合，通过画面上的“物”与“意”即“书”成为一个整体，形成“诗、书、画”一体的特有表现形式。
西方艺术赏析论文
文艺复兴时期艺术思潮及代表性的艺术流派和艺术家（学号：09290010211 姓名：马武林班级：城建土木二班）文艺复兴时期（14-16世纪）始于十三世纪末期的意大利，粗略指涉欧洲从中世纪到近代之间所经历的这四百多年时间。
文艺复兴一词意指重生或复活，它是一个朦胧的概念，没有清楚的开始或结束日期，但通常可以涵括欧洲由野蛮的黑暗时代演进到一个在各个领域都有新发展的时代，而这些领域的成就均超越了伟大的古文明。
文艺复兴是一场资产阶级文化运动，它的核心是人文主义精神，人文主义精神的核心是以人为本，文艺复兴产生的根本原因是生产力的发展，资本主义萌芽的出现，其本质是正在形成中的资产阶级在复兴希腊罗马古典文化的名义下发起的弘扬资产阶级思想和文化的运动。
文艺复兴时期的艺术（一）佛罗伦萨画派佛罗伦萨画派形成于13世纪末，鼎盛于１５世纪至１６世纪３０年代，以乔托为奠基人，初期以乔托·迪·邦多纳（1267-1337）、马萨乔（Masaccio，1401-1428）、桑德罗·波提切利（1445-1510）等画家为代表，盛期以达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等画家为代表，是当时意大利成就最大的艺术流派。
最终，生硬模仿前人技法的样式主义的流行宣布了佛罗伦萨画派的结束。
佛罗伦萨画派主要以宗教神话故事为题材。
画家们遵循人文主义原则，用世俗化手法描绘至高无上的抽象的神，将神画成生活中的人的形象，并加以理想化，开一代人物画新风。
作品表现的是神话故事和宗教人物，实际上反映的是人的思想、感情和力量。
佛罗伦萨画派以油画和湿壁画成就较大，后者主要服务于教会、宫廷和资产阶级上层人物，在形式和内容上都有别于欧洲中世纪绘画。
从技法上来看，该派用科学方法探索人体的造型规律，吸取古代希腊、罗马的雕刻手法应用在绘画上，把中世纪的平面装饰风格改变为用集中透视，有明暗效果，表现三度空间的画法。
它也影响了温布里亚画派和帕多瓦画派。
西方美术鉴赏 结课论文
燃烧吧，太阳————记《麦田上的群鸦》（一）高中时期，看梵·高的画，总觉得表现力过分夸大了现实。
现在，看梵•高的画，越发真实，恍然明白于人的心灵世界中存在的和现实一样真实。
梵•高画过很多关于麦田的作品，唯其此幅最具抽象的感染力。
金黄色的麦田，吞没了面前的三条路，没有一条能到达地平线。
麦秆如钢刀一般坚硬，条条扎在土地上。
目光随着道路延伸，却只能迎来深蓝色能滴下眼泪的天空，寻不见太阳，甚至寻不见希望，最后连路也消失了。
透过画面，我仿佛听到群鸦扑扑楞楞拍打翅膀的声音和风吹起麦浪的呼呼声。
群鸦从很远很远的地方飞来，速速飞过深蓝色的压抑，他们缓缓地试探性地擦过麦的肩膀，终又匆匆飞去另个未知的远方。
后来，一声枪响刺破了司空见惯的骚乱与狂乱，诗人倒下，温热的血液染红了麦田。
啊，诗人，为何你的面容如此安详，为何你的嘴角还挂着笑意？啊，黑鸦，你黑黒的样子啊，人们都认为你冷的像冰一样。
后来的后来，只剩下风的悲泣，不是挽歌。
在我看来，梵•高是诗人，他的画作就是一部部无字长诗。
黑鸦，是魂灵，是远方孤独的、怪癖的、被隔离的浪人。
诗人啊，我知道摆在你面前的何止三条路，明明路有很多，却为何寻不到一个出口？麦地，燃烧的是你的激情，是你对世界每个生灵的热爱。
而恰是这种爱成为了你痛苦的源泉，像刀子割伤你的心。
深蓝的天空，含着泪，泪水比深蓝的海水咸涩。
爱比死冷？37岁，你做了最后的也是最有力的抗争，你留下遗言：The sadness will last forever.然后，永远地闭上那湛蓝而忧郁的双眼，此时的你，安静的像睡熟的孩子。
（二）当我将视角由外在转向内心时，发现梵•高的画真实得如同我戴上眼镜看到的实物。
他的画毫不留情地抛出了人内心深处的孤独和沧桑，并非单薄的感伤，而是一种浓重的忧郁。
宁愿清醒地苦痛，也不要麻木地欢乐。
他把生命的沉重晾在画布上，撕开展现在大家眼前，成为一种美，而不再需要伪装，来藏起悲伤。
这反倒让我感觉舒服了很多，原来痛也能嚼出滋味，或者成为另一种快乐。
西方美术鉴赏论文
米开朗基罗的绘画艺术特色及艺术影响系别：软件工程系班级：*****姓名：**学号*******摘要：米开朗基罗1475年生于佛罗伦斯卡普莱斯镇，雕塑家、建筑师、画家和诗人。
他与列奥纳多·达芬奇和拉斐尔并称「文艺复兴三杰」，以人物“健美”著称，即使女性的身体也描画的肌肉健壮。
美第奇墓前的“昼”、“夜”、“晨”、“昏”四座雕像构思新奇，此外著名的雕塑作品还有“摩西像”、“大奴隶”等。
他最著名的绘画作品是梵蒂冈西斯廷礼拜堂的《创世记》天顶画和壁画《最后的审判》。
他还设计和初步建造了罗马圣伯多禄大殿，设计建造了教皇尤利乌斯二世的陵墓。
米开朗琪罗脾气暴躁，不合群，和达·芬奇与拉斐尔都合不来，经常和他的恩主顶撞，但他一生追求艺术的完美，坚持自己的艺术思路。
他于1564年在罗马去世，他的风格影响了几乎三个世纪的艺术家。
人生之所以美好，不仅由于造化，还因为有艺术，艺术作为人们认识世界、把握世界的一种独特的方式。
主要是借助美的力量诉诸人的情感，使人在领略美的同时并为之陶醉，灵肉和谐，心地纯净，犹如从尘世飞升、而艺术家，正是发掘，表现和传播美的使者。
本文通过对艺术大师米开朗基罗部分作品的分析，试图走进大师的精神世界，领悟米氏艺术中所隐含的精神意义。
关键词：人文主义，人体美，力量，基督精神一、画家生平1475年3月6日生于佛罗伦萨附近的卡普莱斯（卡波热斯），他父亲是卡普莱斯市的自治市长。
母亲在米开朗琪罗六岁的时候就去世了。
米开朗琪罗13岁时进入了佛罗伦萨著名画家多梅尼科·吉兰达伊奥（Ghirlandaio）的工作室，在那里他最初接触终生所从事的神圣事业，并以神奇的速度掌握了绘画技巧。
后又跟随多纳太罗的学生贝托多学习了一年雕塑，之后他又进了佛罗伦萨统治者罗伦佐·美第奇开办的“自由美术学校（美第奇学院）”，由于他的超群才华倍受罗伦佐的重视和爱护，宫廷中大量的艺术品成了他学习、研究的对象，经常出入于宫中的人文主义诗人和学者给了他极大影响。
西方美术鉴赏论文
东西方美术鉴赏美术鉴赏课马上就要结束了，通过对这门课的学习，我收获了许多东西。
通过学习这门课，我了解到西方美术和我们中国美术一样也有悠久的历史，也有辉煌的成就，也有令人叹为观止的优秀在作品。
西方文化是一种外向型文化，始终在努力地表现着人性。
虽经历了中世纪神学的束缚，但因文艺复兴人文主义的兴起，人之本欲又得到张扬，一直到近现代西方美术仍然以表现人性为主。
这其中诞生了像拉斐尔、达•芬奇、米开朗基罗、毕加索等伟大的画家，也产生了像达芬奇的《蒙娜丽莎》、凡高的《自画像》西方古典艺术在文艺复兴时期当数达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔的成就最高。
他们的艺术成就达到了西方造型艺术继古希腊之后的第二次高峰，仅绘画而言，则达到了欧洲的第一次高峰。
其中尤以达·芬奇最为突出，恩格斯称他是巨人中的巨人。
在艺术创作方面，达·芬奇解决了造型艺术三个领域——建筑、雕刻、绘画中的重大课题：1、解决了纪念性中央圆屋顶建筑物设计和理想城市的规划问题；2、完成了15世纪以来雕刻家深感棘手的骑马纪念碑雕像的课题；3、解决了当时绘画中两个重要领域——纪念性壁画和祭坛画的问题。
达·芬奇的艺术作品不仅象镜子似的反映事物，而且还以思考指导创作，从自然界中观察和选择美的部分加以表现。
壁画《最后的晚餐》、祭坛画《岩间圣母》和肖像画《蒙娜丽莎》是他一生的三大杰作。
这三幅作品是达·芬奇为世界艺术宝库留下的珍品中的珍品，是欧洲艺术的拱顶之石。
达芬奇最为世人所熟悉的就是他绝高的绘画艺术，其最著名的作品有：《蒙娜丽莎》《最后的晚餐等。
《蒙娜丽莎》的绘制前后历时四年。
据说模特是佛罗伦萨人，刚刚丧婴，为解除她的痛苦并露出自然的微笑，莱奥纳多便请人来为她奏乐。
她的微笑是人们津津乐道的话题，有时似乎是很严肃有时又象很温柔；有时略含忧伤有时又显讥讽。
蒙娜丽莎的右手更被称为“美术史上最美的一只手”。
《最后的晚餐》绘制在格拉齐教堂圣餐厅的墙壁上。
西方现代艺术论文,西方现代美学论文
西方现代艺术论文,西方现代美学论文篇一：当代西方美学论文《当代西方美学》课程作业所反映的美学思想摘要关键字一、萨特的存在主义美学观点A段话反映了存在主义美学的思想。
这段话提到的“海鸥”有三种：分别是现实中的海鸥、记忆中的海鸥和想象中的海鸥也就是书中描写的海鸥。
萨特将存在分为两种：自在的存在和自为的存在。
自在的存在是一个物体同其本身等同的存在，也就是“现实中的海鸥”。
自为的存在同意识一起扩展，而意识的实质就在于它永远是自身，也就是“记忆中的海鸥”。
萨特认为，存在先于本质。
“是否见到海鸥对我来说无关紧要。
当时对我来说重要的只是存在于头脑里的海鸥”“海鸥已经起了变化，同时变得更真实了，因为现在是想象中的海鸥了。
”反映了萨特的想象论。
在美学上，萨特用想象代替了哲学中的意识，注重用现象学方法对审美经验和审美心理加以描述和分析，冲破了心理主义的先验设定原则，赋予了想象以特殊的地位。
在萨特那里，想象具有意识的虚无化能力，其本质是自由的，因而，美是人们在想象世界中的自由创造，“我现在见到的海鸥同我书中正在描写的海鸥只有一些模模糊糊的关系”即说明了想象中的海鸥与现实中海鸥的不同。
它不存在于现实世界中，只存在于想象的世界中。
艺术作品就是自由想象的产物，它揭示了人的真实存在，反映了人的现实命运。
没有想象的参与，美的欣赏和创作是不可能的。
通过想象，我们实现了对现实的否定和超越，实现了对虚无的把握，因此，想象是走向自由的唯一途径和方法。
萨特通过自由想象把自在的存在与自为的存在统一起来，营造出一个艺术和美的世界。
由此可见，萨特的想象已不仅仅是一种思维方式，更是一种积极的介入行动，是争取自由，超越现实的一种手段、工具。
二、克莱夫贝尔的“有意味的形式”和艾布拉姆斯的文学四要素B段话讲了这样一个观点：小说的结构方式有其本身的意义，有必要与现实中的发展顺序保持差异，原因在于“书不是就一件与书无关的简单的趣事乱讲一通，而且还是故事敷演本身。
西方美术鉴赏论文西方美术鉴赏课论文
西方美术鉴赏论文西方美术鉴赏课论文导读：就爱阅读网友为您分享以下“西方美术鉴赏课论文”资讯，希望对您有所帮助，感谢您对的支持! 我眼中的艺术与科学的关系（以达芬奇为例）众所周知，列奥纳多·达·芬奇是意大利的文艺复兴三杰之一，也是整个欧洲文艺复兴时期最完美的代表。
在这里，我将以达·芬奇为例谈一下我眼中的艺术与科学的关系。
在我看来，艺术与科学从来就不是两个独立存在的毫无关系的学科，而是以一种相辅相成、互相促进的形式存在的。
这一点在达·芬奇身上有很明显的体现。
达·芬奇认为自然界中最美的研究对象是人体，人体是大自然的最奇妙的作品，画家应以人作为绘画对象的核心。
他说绘画是自然（指万物）的唯一模仿者，绘画包罗自然的一切形态在内，它能够将自然界中转瞬即逝的美生动的保存下来。
绘画能够比语言文字更真实更准确的将自然万象表现给我们，并可以永久保存，经得起岁月的磨蚀。
有人说铜匠作品更经得起岁月的磨蚀，但是他们的作品却缺乏想象。
我觉得艺术是科学的一种感性体现。
艺术作品是通过一种被艺术家们加工过的形式来向人们展示自然科学的魅力所在。
它可以使科学变的更容易被人们所接受，就像通常情况下，相比较看晦涩难懂的文字，人们更愿意通过图画的形式来了解一件事物。
绘画作品有两个作用：第一是传播知识的作用；第二是让人们欣赏到美。
这毫无疑问比文字作品更让人赏心悦目。
艺术和文学被分为两个不同的学科就是因为它们是以两种不同的学科在像我们展示科学的魅力所在，同时也像我们传达作者个人的感情。
只是，艺术作品在这一方面却显得更为直观，它并不需要你有多么深厚的自身修养才能看懂作者想要表达的意思，而文学在这一方面就有很硬性的要求了。
另一方面，科学也以它独有的形式在影响着艺术的发展。
正如达·芬奇所说，绘画是一门科学。
绘画并不是说我们简简单单随便画几笔就可以被称为艺术了。
我相信每个伟大的画家肯定都曾研究过以怎样的手法才能将他自己想要表达的意思表达出来。
西方美术鉴赏课论文——阿波罗和达芙妮
《西方美术鉴赏》期末论文今天，我想要鉴赏的是巴洛克艺术中的经典之作《阿波罗和达芙妮》之所以选择这个作品，是因为当我第一次在西方美术鉴赏课上看到它时就被它独特而完美如舞姿的造型所吸引，在听过老师讲述了那个凄美的希腊神话故事后，更是对它感触良多。
这则作品的作者是意大利雕塑家、建筑家贝尔尼尼，他是巴洛克艺术的主要代表人物之一，也是巴洛克艺术的创始者。
贝尔尼尼可谓是多才多艺。
颇具文艺复兴时代的遗风。
对于贝尔尼尼，当时人们这样写道：“上演了一出大众戏，其中布景是他画的，雕像是他雕的，机械是他发明的，音乐是他谱曲的，喜剧的剧本是他写的，就连剧院也是他建造的。
”这样的全才我想大概只有达芬奇才能与之媲美吧《阿波罗和达芙妮》贝尔尼尼创作的大理石雕像，取材于希腊神话，描绘的是太阳神阿波罗向河神女儿达芙妮求爱的故事。
目空一切的阿波罗瞧不起小爱神丘比特的箭法，而丘比特为了向阿波罗复仇，将一支使人陷入爱情的金箭射向了他，使阿波罗疯狂地爱上了达芙妮，同时，又将一支使人拒绝爱情的铅箭射向达芙妮，使达芙妮对阿波罗不理不睬。
因此，阿波罗一看到达芙妮就深深爱上了她，他对她的爱就像疾病一样无法控制。
有一天当达芙妮兴高采烈地在林中游玩时，阿波罗在树林里看到就走过去想向她表白，可是因为丘比特箭的作用，达芙妮害怕得飞跑起来,但情绪激昂的阿波罗紧追不放。
她越过旷野，穿过人迹罕至的树林，但追赶的脚步声愈加逼近。
奔逃的的达芙妮根本顾及不上这些。
她甚至没朝身后瞥了一眼，她不停的逃开他~达芙妮越跑越惊慌，就在他快要追到的时候，他们都被一条大河拦住了，最终达芙妮气喘吁吁地向她的父亲（河神）求救:"爸爸你请你张开大口把我吞下去吧."河神向来疼爱这个美丽的女儿，不忍心那样做，于是他施展魔法将她变成一株月桂树.阿波罗看到了变成月桂树的达芙妮，感到懊悔万分，他轻拥着月桂树向她道歉，并且表示他对她的爱慕永远不变.阿波罗为了表示他对仙女永不磨灭的爱情，于是将月桂树作为他最喜爱的的树种，用她的花朵装饰他的弓箭，让她青春永驻，并决定将它作为一种对荣誉与威望的奖励，把它授予那些永恒的诗人和流芳百世的诗。
西方美术鉴赏结课论文
毕加索——我最喜欢的超现实主义画家在《西方美术鉴赏》老师给我们讲解了许多画派的画家以及许多不同风格的作品，整个课程走下来，让我印象最深的是毕加索。
之所以对毕加索印象深刻是因为我不真正懂得他的画却欣赏他的生活，他的作品给人一种朦胧的感觉，似懂非懂，有所感悟却又无法言语。
巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso，1881年～1973年）出生在西班牙马拉加（Malaga），是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家之一，立体画派创始人，他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。
毕加索是位多产画家。
据统计，他的作品总计近37000 件，包括：油画1885 幅，素描7089 幅，版画20000 幅，平版画6121幅。
跟一生穷困潦倒的文森特·梵高不同，毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个活着亲眼看着自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。
在1999年12月法国的一家报社进行的民意调查中，他以40%的高票当选为20世纪最伟大的画家之首。
问起他创作的秘诀时，毕加索说：“我的每一副画中都装有我的血，这就是我的画的含义。
”全世界前10名最高拍卖价的画作里面，毕加索的作品就占据4幅。
多数画家在创造了一种适合于自己的画派风格后，就不再改变，特别是当他们的作品受到人们的欣赏的时就更是这样。
随着艺术家的年岁的增长，他们的艺术风格也会变化，但这些变化不是很大。
但是毕加索却像是以为终生未找到他的特殊艺术风格的画家，一生都在寻求完美的手法来表达他那颗不平静的心。
毕加索一生中画法和风格几经变化。
也许是对人世无常的敏感与早熟，加上家境不佳，毕加索早期的作品风格充满了早熟的忧郁，早期画近似表现派的主题。
在求学期间，毕加索努力地研习学院派的技巧和传统的主题，而产生了象《第一次圣餐式》这样以宗教题材为描绘对象的作品。
德加的柔和的色调，与罗特列克所追逐的上流社会的题材，也是毕加索早年学习的对象。
在《嘉列特磨坊》、《喝苦艾酒的女人》等画作中，总看到用罗特列克手法经营着浮动的声光魅影，暧昧地流动着款款哀伤。
西方美术鉴赏论文外国美术鉴赏论文
M A S T E R041三、现代体育中需要融入更多艺术特色当体育摆脱了仅仅为了强身健体的局限意识后，人们就越来越讲究体育运动的艺术表现力，甚至将某些体育运动人为地艺术化，从而创造出新的体育运动项目，使之具备了更加强烈的观赏效果和艺术感染力。
值得注意的是，虽然将艺术融入了体育运动中，使体育锻炼的作用减弱了，但是却使体育获得了更强的艺术性。
然而，艺术的融入并不能改变体育的本质属性，无论体育怎样地艺术化，仍然还是体育运动。
以艺术体操为例，艺术体操需要在音乐的伴奏下表演，同时，运动员的表演道具都非常的精美，具有较高的审美价值，甚至与艺术一样可以视为审美意识集中的物化形态，具有与艺术同样的魅力，但它本身却不能变成纯粹的艺术门类。
所以，运动员表演的主要目的就是通过自己的表演展示高超的运动技巧，从而获得尽可能高的比赛分数。
我们发展这一运动的目的，主要的目的就是为了让更多的人通过不同的方式加入到体育运动中来。
体育与艺术，他们都能展示美，但在体育运动中所表现出来的美是短暂的、分散的、模糊的，而艺术所展示的美是稳定的、集中的、强烈的。
因此，增强体育中的艺术感，可以使体育运动具有更多的观赏性与艺术的魅力。
四、体育中的艺术表现形式伴随着人类物质文明和精神文明的发展和提高，人们对于体育的要求不仅仅局限于锻炼身体、增强体质这一狭义的效果，而是成为了人们娱乐休闲和艺术欣赏中的重要组成部分。
在各类运动会上的艺术表演活动、体育场馆周围的艺术装饰、创新的具备艺术表演形式的体育项目，都充分地展示了体育的艺术价值。
体育中的艺术表现形式，主要包括人体的形态的艺术性、运动的形式的艺术性、运动环境的艺术性等各种因素。
体育运动以人的身体为媒介，通过身体的不同部位的动作组合达到锻炼身体的目的，是人类从事生产劳动实践中所得出来的人体的最佳运动方式，揭示了人体运动的规律，概括了人体的运动能力和范围。
体育运动以人为主体，人同时又是艺术表现的主题，没有人的参与，一切事物都不具备审美的价值。
(参考)大学生艺术欣赏期末论文
大学生艺术欣赏期末论文论文题目：欧洲文艺复兴时期最完美的代表——达·芬奇院系：专业：班级：姓名：学号：任课教师：欧洲文艺复兴时期最完美的代表——达·芬奇摘要：列奥纳多·达·芬奇（1452—1519），意大利文艺复兴三杰之一，也是整个欧洲文艺复兴时期最完美的代表。
他是一位思想深邃，学识渊博、多才多艺的画家、寓言家、雕塑家、发明家、哲学家、音乐家、医学家、生物学家、地理学家、建筑工程师和军事工程师。
他是一位天才，他一面热心于艺术创作和理论研究，研究如何用线条与立体造型去表现形体的各种问题；另一方面他也同时研究自然科学，为了真实感人的艺术形象，他广泛地研究与绘画有关的光学、数学、地质学、生物学等多种学科。
他的艺术实践和科学探索精神对后代产生了重大而深远的影响。
关键字：文艺复兴三杰；画家；文化的象征正文：里奥纳多·达·芬奇，是艺术家，又是科学家【即理论科学家（社会科学家和自然科学家）和应用科学家（包含发明家）】，这位奇才对各个领域的知识几乎是无师自通，是人类历史上绝无仅有的全才。
他最大的成就是绘画，他的杰作《蒙娜丽莎》、《抱银鼠的女子》、《卢克雷齐亚·克里韦利》和《最后的晚餐》，体现了他精湛的艺术造诣；他还擅长雕刻、音乐，通晓数学、生理、物理、天文、地质等科，既多才多艺，又勤奋多产，保存下来的手稿大约有6000页。
达芬奇认为自然中最美的研究对象是人体，人体是大自然的奇妙之作品，画家应以人为绘画对象的核心。
世界上什么东西最难画那就是人，而他却是人类历史上唯一一位人物肖像画作和照相机拍的照片几乎一样的画家。
他的人物肖像画画的和真人最为接近。
他说，“绘画是自然（这里的自然是指万物）的唯一模仿者，绘画包罗自然的一切形态在内，它能够将自然界中转瞬即逝的美生动地保存下来” 绘画能比语言文字更真实更准确地将自然万象表现给我们的知觉。
多奇妙的科学呵!你生动地保存了人们昙花一现的美，使它比那些随时光而变易，并且终于老朽的自然创造物还要经久，这样的科学和神圣的自然的关系，犹如它的作品与自然作品的关系，因此受人钟爱。
经典美术作品赏析期末论文
中西方绘画作品中的美美术鉴赏主要是通过对美术作品的感受、认识、挖掘作品的内涵，来完善自己的品格,树立正确的人生观和科学的世界观并且开发智力、潜能，提高艺术修养和陶冶思想情操。
从中西方经典绘画作品中，我们能对美有不同的感受。
首先谈一下西方绘画中的经典的作品：以"光为画面主角"的印象派最伟大的大师莫奈曾经画过二幅《撑阳伞的女人》，一幅作于1875年，一幅画于1886年。
印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。
这幅画采用仰视的角度来表现画面的人物，女人半侧着身子，衣褶因为她的转动也在旋转，动态的呈现着这一微妙的动作，而平衡女子动作的是她手持的阳伞。
阳伞的灰绿色调与天空融合在一起，把人物既与画面结合又跳出背景澄明的天空。
画面中的远处的小男孩儿又拉深了画面的层次感，不仅突出了撑阳伞的女人也把远处的天空显得更加高远。
在印象派中"光才是画面真正的主角"。
在这幅画中，为了表现物体的动态变化和光色的斑斓绚丽、光怪陆离，画家采用小笔触和色调并列方法，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。
所以印象派的胜利在于它不仅仅是开拓了一条奇路使人们耳目一新更在于它可以把画家自身的感受记录下来传递给他人。
这种心灵上的震撼是其他流派所无法比拟的。
蒙娜丽莎，自问世至今，将近五百年，后人不知做过多少品评和揣测，留下越来越多的迷局。
当今，世上有研究《蒙娜丽莎》的专著数百部，而有近百名学者将此画作为终身课题。
人们过分地喜爱她无止境地探讨她那难以觉察的、转瞬即逝然而亘古不变的微笑，那洞察一切而又包容一切的眼神，那端庄沉稳的姿态，高贵而朴素的装束，以及无懈可击的完美构图。
人们惊叹列奥纳多，上帝一样的智慧，采集那么多美的元素，将众多美好合为一个完美。
于是，美、智慧、永恒，三位一体，极致的搭配，再无超越的可能。
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文艺复兴时期的艺术发展
在西方艺术式的发展过程中，出现了各种各样的艺术流派，几乎每个流派对以后艺术的发展都产生了深远的影响，我这学期在艺术欣赏课上对此略有了解。
下面我就说一下文艺复兴时期的吧。
意大利盛期文艺复兴
达·芬奇出生在芬奇镇，或许人类有史以来，还不曾有过达?芬奇这样全面发展的人。
他涉猎的领域之广、取得的成就之大，真是令人难以置信。
美术只不过是他渴求理解世界的方式之一，并没有占据他的全部时间和精力，但他在这一领域内却获得了惊人成就。
把自然科学知识引人美术，是15世纪意大利人的重大贡献，达?芬奇继承了这种传统并大大完善了它。
代表作品：著名的《最后的晚餐》完美的构图、和谐的形与空间、丰富的心理刻划、深刻的人性，昭示着古典美。
《蒙娜?丽莎》达芬奇历时数年绘制的这幅半身像，他把这位商人妻子处理成两手自然交搭，身躯和头部不同程度侧转的方式，既克服了单调又显得从容。
蒙娜?丽莎富于实体感的血肉之躯及神秘的微笑，与宛如中国山水一般的淡远背景结合在一起，给人留下无限遐想的余地，使后人可以进行不同的阐释。
这种像现实生活一样复杂丰富、让人一言难尽的感觉，恰是最伟大的文艺作品特有的品质，为后人确立了一种半身肖像画模式。
西方最伟大的雕刻家米开朗琪罗。
在致力于领悟古人成就时，也致力于解剖人体，研究人体的结构和运动，这使他成为量充分发挥人体．表现力的美术家之一。
不同于充满深遂智慧之美的达芬奇的艺术，米开朗琪罗的作品以力量和气势见长，具有一种雄浑壮伟的英雄精神。
或许，他是一位最接近贝多芬境界的美术家。
在他的雕塑上，在他的绘画中，一个个巨人般的宏伟形象挺立起来，就连他塑造的女性形象，也都具有刚勇的气概，仿佛是神话中的阿玛宗女子。
代表作品：雕像《大卫》，是美术史中最为人们熟悉的不朽杰作，也是最鲜明展示盛期文艺复兴意大利美术特点的作品。
在用一块久被弃置的名贵石材雕刻大卫形象时，他真正实现了把生命从石头中释放出来的理想，以精湛的技巧、强烈的信心，雕凿出这尊完美的英雄巨像。
拉斐尔的作品一直被人们视为古典美术精神最完美的体现。
安格尔称他是绘画之神。
拉斐尔是西方美术史上最擅长塑造圣母形象的大师。
他那一系列圣母像，把感性美与精神美和谐无间地统一起来，从而传达出人类的美好愿望和永恒感情。
平易近人、亲切自然是拉斐尔作品的最大特色。
在他笔下，深刻的知识和精心的推敲全溶在用流利线条构成的轻松自如的艺术世界中，一切都仿佛是天性的自然流露，是一派天籁之声。
纯真优美、庄重自然、明快清晰、和谐简洁，这些古典美术最推重的品质，在拉斐尔身上获得了最鲜明的体现。
因而，那些推崇古典风尚的美术家，都把他当成理想的楷模，恰如雷诺兹说的:他本人成为所有后代画家的样板。
代表作品：《美丽的女园丁，拉斐尔以圆润流畅的线条把圣母、耶稣和圣约翰的优美形象和谐地组合起来，创造出充满人间气息的、亲切的神的世界。
这一世界远离了中世纪的精神，它那纯洁、明朗、单纯、自然的情韵更接近希腊的精神。
术风格带到法兰西外，同时也接受流行于法国的意大利美术风格的影响。
百年战争之后，勃良第首府迁入佛兰德斯境内，尼德兰文艺复兴美术开始在改造和发展晚期哥特式艺术的过程中发展起来。
佛兰德斯是14世纪尼德兰美术家主要的活动区域。
在那里他们曾用绘画、雕刻来装饰教堂、宫廷和市政建筑，但这些作品大多遭到破坏，遗存极少。
14世纪末，尼德兰出现了著名的雕刻家斯吕特。
有关他的生平和早期的美术活动已无从考查，然而他为第戎修道院所作的精美雕刻《摩西井》，以出色的写实技巧一直为后世所称道。
《摩西井》作于1395--1403年间，原是一个巨大的十字架的基座，呈六边形，每边装饰有比真人还大的先知雕像。
其中有手执诫律的摩西，魁伟庄严的大卫以及秃顶的以赛亚等人。
这些人物雕像个性鲜明，艺术手法简洁写实。
饱满健壮的形体，流畅飘逸的线条，使其成为尼德兰雕刻艺术中的上乘之作，并给绘画艺术以有力的影响。
尼德兰文艺复兴美术最初的奠基人是凡?埃克兄弟。
他们绘制的《根特祭坛画》(1415--1433)是尼德兰早期文艺复兴美术中著名的杰作。
德国文艺复兴美术德国文艺复兴美术发端于15世纪，滞后于同时期的意大利与尼德兰美术。
这主要是因为德国当时依然处于封建割据状态，微弱的王权不能给这些极分散的城市以有力的保护，哥特式美术依然占居主要地位。
1420年至1540年间，德国出现了文艺复兴，一些经济发达的城市成为诸地方美术流派的中心。
德国文艺复兴初期的绘画与雕刻受晚期哥特式美术中某些因素的影响，宗教祭坛画较为发达。
画在木板上的单幅或多联的祭坛画被安置在肃穆的教堂中，以增加庄严的气氛。
15世纪中叶开始，德国美术家表现出对人的生活环境的关注，喜欢描绘自然环境，人物造型则强调真实感。
画家维茨即是这方面的代表。
他的《基督踏海》(又名《捕鱼的奇迹》)描绘了博登湖的真实景色，虽为传统的宗教题材，画面却十分生动自然。
这时期有名的美术家还有施恩告尔等，他们可称为德国文艺复兴美术的先驱者。
德国文艺复兴美术应该说以版画成就最为突出，对整个欧洲的美术都产生过积极的影响。
在早期名画家中，施恩告尔的铜版画居于领导潮流的地位。
他的后继者，德国文艺复兴大师丢勒则使铜版画得到进一步的发展和完善。
德国文艺复兴第二代最杰出的画家是小荷尔拜因。
他早年随父学艺，与人文主义学者有着广泛的交往。
荷尔拜因的艺术风格以冷静、客观著称，他大量的肖像画，准确地记录了16世纪各种人物的外貌及心理特征。
现藏罗浮宫的《伊拉斯漠像》是他的肖像画精品。
作者精心处理画面的明暗关系，着力描绘画中人物的面部、双手与文稿，一位容智的人文主义学者的风采显露无遗。
荷尔拜因的素描作品也极为出色，线条简约完美，虽然几乎不涂明暗，但却能充分表现体积和质感。
1532年以后画家定居伦敦，成为英国国王亨利八世的宫廷画家，为英国绘画的发展作出了贡献。
法国文艺复兴美术百年战争以后，法国收复了被英国占据的领土，形成了统一的局面，为民族文化的发展创造了条件。
卢瓦尔河谷地是法国宫廷建筑的诞生地。
法王查理八世、路易十二和法朗索瓦一世等都曾在那里兴建了大量的贵族府邸、猎场。
其中著名的有舍农索府、尚博尔宫等。
这些豪华建筑是新的风格和古老的传统相结合的产物。
自从16世纪30年代开始，意大利艺术家来到法国参加枫丹白露的建筑工程，使得法国文艺复兴建筑进入了新的发展阶段。
1530年，意大利样式主义画
家罗素来到枫丹白露从事装饰工作。
罗索为了适应法国宫廷趣味，画风有所变化，人体除了仍被拉长外，画面显得格外精致优美。
当地的雕刻家和画家在他及其它意大利样式主义画家的领导下进行枫丹白露宫的装饰，逐渐形成了枫丹白露派。
这个流派创造了灰泥高浮雕与绘画相结合的新的装饰效果，追求优雅、抚媚。
以著名的法朗索瓦一世长廊为例，绘画周围的高浮雕人物仿佛要从墙壁上跳出来。
另外，缠绕在画框边上的如皮革般卷曲折叠的装饰母题也是由他们始创的，后来在整个欧洲都十分流行。
法国文艺复兴绘画及雕刻则起步较晚。
15世纪驰名法国的大画家是富凯，他是法国早期绘画的骄傲，后来的法国艺术的发展颇具影响。
富凯在艺术上是一位多面手，他留下的作品有油画、细密面、珐琅制品和一些素描。
墨伦双联面中的《圣母子》是他的重要作品。
16世纪的法国肖像画占有突出的地位，有名的画家是克卢埃父子。
让克卢埃是法朗索瓦一世的宫廷画师和侍臣，他描绘了不少当时的显贵名流。
《法朗索瓦一世像》是他的成功之作。
他的儿子法朗索瓦?克卢埃也是一位颇受宫廷欢迎的肖像画家，《奥地利的伊莉沙白像》是他最优秀的一件作品。
从克卢埃父子的作品中可以看出他们娴熟的绘画技法和善于捕捉人物神态、善于表现个性的能力，这也是法国肖像画家的长处。
雕刻方面的主要代表是古戎和皮隆。
古戎的杰作足他为巴黎贞洁泉所作的六块浮雕《山林水泽女神》。
作品取材干古希腊神话故事，古戎以精湛的技巧刻划了女神们的轻盈的姿态。
人物造型充满活力，虽然构图的空间狭小，但无任何局促之感。
雕刻家对衣纹的处理十分自然流畅，将女性的韵味展现得无比完美，整个浮雕洋溢着清新的古典气息。
西班牙文艺复兴美术西班牙文艺复兴美术最早出现在加泰罗尼亚和巴伦西亚。
15世纪，这两个地区资本主义萌芽较早出现，在艺术上与意大利、尼德兰交流密切。
但真正代表西班牙文艺复兴美术最高峰的是16世纪下半叶著名画家埃尔?格列柯(1541--1614)。
有名的如《圣家族》、《基督诞生》等。
格列何是一位有争议的画家，他以色彩和光线为主要表现手段，拉长的人物体态带有神经质的不安情绪，反映了没落贵族的忧郁的心灵。
他的伟大之处还在于揭示了社会的矛盾，以哲学家一般犀利眼光洞察到了西班牙的危机。
格列柯的艺术很长时期以来未被美术史家们肯定，直到本世纪初，人们又重新开始研究这位大师，日益发现他那独特画风的动人魅力，把他视为样式主义的最伟大的代表作
艺术的无止境的，以上所述只是西方艺术史中的一部分，以后我们要更好的丰富自己的内涵，了解更多的西方艺术，并且关注它的发展。