谈线在艺术中的运用——以保罗克利和本沙恩的绘画为例
浅谈中西方艺术作品中的“线”
浅谈中西方艺术作品中的“线”【摘要】西方绘画中的“线”始终是在为着造型的目的服务，在写实的绘画手段中属于次要位置。
中国画中“线”的独立性、审美趣味性和表现风格必然会给当代西方艺术的发展以深刻的影响。
反之，西方绘画艺术中对“线”的一些认识观念和现代的表现手段也值得当代中国画家借鉴。
【关键词】线中西方融通差异关于线的艺术作品可以追溯到西方最早的岩洞壁画——西班牙的雅尔塔米拉山洞《受伤的野牛》，中国最早的仰韶时代的彩陶纹样对线的应用。
虽然迄今已有几于年，但其艺术作品中线的造型作用和审美价值表现却始终是在承传和阐扬。
1 中国绘画作品中线的西用中国绘画作品中线的西用主要体现在中国近代画家吴作人与徐悲鸿身上，我们看到的是中国与西方风格的交替出现，不是融合。
他们的油画是写实的，水墨是中国的，两者结合有限。
而在将两种绘画，两种传统，两种风格的结合上，吴冠中比他们前进了许多。
我们可以看到，在一些国画近作中，吴冠中最得意之处是成功地运用了一些油画里不可能的技法。
这正是他最为人欣赏的个人风格。
古柏，石林或长城蜿蜒伸展，流动，全看那支中国毛笔向无尽处挥洒。
中国画家很久以前便开始运用水墨画手段勾勒线条构图的形象。
即使在古代风格的线——彩——墨技法被线墨不再明显分割的风格取代之后，即出现了讲究多种用笔形式之后，某些画家仍使用线勾勒形象。
这些画家的线描轮廓一般认为曲折，简练，而实则十分细致丰富。
吴冠中在这两类线条中找到出路，他自如的运用到了这两种传统，在他的默写老树作品中正是用交替重叠的毛笔线条构成形象。
他手握饱蘸墨汁的毛笔挥洒，或说不以他的意志为转移，毛笔在纸上的运动却为现代西方艺术观念所引导。
这里，我们再次看到吴冠中在两种相反文化之中求协调的苦心经营。
可以说，吴冠中对线条形式美的探索，把中国绘画艺术的“线”推进了一个新的发展时期。
2 西方艺术作品中线的中用文艺复兴时期绘画大师荷尔·拜因（德国，1497～1543）用冷静、理性的心态观察物象，绘画中抛弃了明暗阴影的约束，以洗练、简约的线条来表现任务肖像中的服饰、外貌和心理特征。
浅谈插画艺术中线的应用
浅谈插画艺术中线的应用在绘画艺术实现的过程中，线条是十分重要的构成要素，尤其是在进行插画创作的过程中，线条成为插画创作最基本的构成要素。
通过线条的展现，能够促使画面富有生命感，富有故事情节。
在知名的艺术家比亚兹莱的插画创作中，就十分擅长借助线条来进行画面的设计。
由此可见，线条对于插画艺术效果的呈现具有重要的意义，在进行绘画艺术设计的过程中，线条的应用十分重要。
在插画艺术中应用线条，不仅可以更好地将插画艺术形态呈现，同时也能够更好地将绘画者的艺术情感通过线条的表现进行呈现。
所以，在进行插画艺术设计的过程中，巧妙通过不同线条就能够巧妙地、更好地呈现插画的艺术情境。
一、插画概述插画与图案有着密切的关系，从图案产生开始，就为插画艺术提供了创作的依据。
插画具有一定的审美性，能起到沟通和交流的作用。
现代艺术家将一些生活现实以插画的形式进行展现，从而将插画的装饰作用发挥出来。
( 一) 插画的概念所谓插画艺术，按照学术界的观点，就是附在书刊中的图画形式，是一种独特的艺术形式，属于艺术设计的范畴。
从目前的画面创作来说，插画有的是用插页的形式穿插在书本中间，也有的直接是以插画的形式穿插在文字中间，借助插画艺术，可以更好地呈现故事情节，起到丰富故事情节的作用。
( 二) 插画的特点一般说来，插画往往是被应用在书籍或者漫画中，用于解说故事情节的内容。
因此，插画具有以下两个主要的特点。
1. 具有阐述故事情节的功能插画是借助画面表现的方式进行相关内容的阐述，所以，插画艺术本身必须具有一定的画面感。
在插画设计过程中，其目的是为了更好地进行故事情节的阐述。
在进行插画画面创作的过程中，故事情节展现是插画创作的主要特点，借助故事情节的融入，能够更好地实现插画艺术创作的目的。
2. 具有一定的思想表现和感染力插画艺术发展到今天，不仅仅是文字的陪衬，同时也是一种思想的表达，一种艺术感染力的呈现。
插画也成为一种多元化的艺术发展形式，被广泛应用于多种不同的行业和领域，通过插画能够更好地进行视觉艺术的表达。
线的艺术——浅析中西方绘画艺术中线的历史表现及异同
具有一定的格式化和强烈的节奏感。
欧洲文艺复兴时期(13一1 世纪)， 6 提倡
人康定斯基(俄国，866一1944)和蒙德里安 ， (荷兰1872一1944 十分注重绘画中线的构 )
成和精神的表达， 使线的本身意义发挥到了 一种极致， 线已经从西方传统的造型功能中 彻底的解放出来， 它既是一种表现形式 ， 同 时也就是表现的内容。 线条本身已成为一种 纯粹的视觉审美语言。 二、 中国绘画艺术中“ 的历史表现 线” 作为东方绘画艺术的代表。 中国绘画艺 术中的线不仅有“ 应物象形” 的功能意义， 更 具有对物象内在的本质表现， 并赋予了 “ 线” 在质感， 力度、 律韵方面其独特的审美价值。 中国画的线最早可 以追溯到仰韶时代 的彩陶纹样， 在其彩陶作品中， 多用鲜明、 生 动、 简洁有力的线条去描绘旋涡以及人形， 鱼虫， 鸟兽等形象， 表现了原始绘画艺术的 朴素， 雅拙的线条美。 出土于湖南长沙南部的陈家大山战国 墓中的帛画 人物夔凤图》以中国画“ 《 ， 白描” 勾线的手法， 线条简洁细腻， 表现了人物的 神态情感。 秦汉时期， 其墓室帛画和壁画中， 物象 仍以线描勾勒为先， 后再染色， 线条随笔而 流畅， 《 如 漆面罩彩绘鸟兽云气图冷 。 东汉 时期的画像石和画像砖虽人物多为点面表 现， 但其中的树草， 田禾， 水溪用线却精细而 又概括。吠盐并画像砖九 女 魏晋南北朝时期， 受其佛教的影响画面 色彩鲜明， 但人物服饰线条描绘有飘逸秀神 之感。 这个时期涌现了我国第一批确有历史 记载而具有很高绘画才能的著名画家。
毕加索(西班牙， 1881一1973)， 作为立
体主义的代表人物 ， 其绘画中的线简法有 力， 通过线对形的平面概括处理， 传递出丰
富 思 涵。 斯(法国， 的 想内 马蒂 1869一1954)，
线条在绘画艺术中的魅力
线条，是最简单的审美符号，也是绘画艺术最基本的原素，勾勒着多彩的世界，蕴含着丰富的生命情感。
西方画坛泰斗毕加索曾对中国画赞誉有加：“中国画真是神奇。
齐白石先生画水中的鱼，没有一点颜色，用一根线画水，却使人看到了江河，嗅到了水的清香，真是了不起的奇迹！有些画看上去一无所有，其实却包含着一切。
”本文从绘画中线条的源起、线条美的表现及线条在绘画中所体现审美意味几个角度，展示线条艺术的魅力和线条美的最高形式——有意味的形式。
一、线条的内涵中国艺术很早就创造性地运用线条来造型。
从原始彩陶到夏商周青铜器、汉代石刻、敦煌壁画、宋元水墨画、书法、建筑和园林艺术等，无不昭示着中国人对线条天生的领悟力和把握力。
唐代张彦远说“无线者非画也”。
唐代画家吴道子曾请斐将军为他舞剑，启发了他以线造型的灵感与丰富的想象力。
人们赞扬吴道子的人物画，用“吴带当风”来形容。
唐以来所推崇的画风“曹衣出水”、“吴带当风”的说法，以及所谓的“铁线描”、“兰叶描”是对线条所造成的绘画的雕塑感和飘逸洒脱的动态美生动的概括。
西方艺术重视线条也甚于色彩。
以康德为代表的西方美学传统一直贬低色彩，重视线条。
康德在《判断力批判》中说“渲染着轮廓的色彩是属于刺激的，它们固然能使对象本身给感觉以活泼的印象，却不能使它值得观照和美。
”而“素描是十分重要的，在素描里对于鉴赏重要的不是感觉的快感，而是单纯经由它的形式给人的愉快”。
因此，他有几分否定色彩，将它仅仅看成是提高了线条的可见度和价值的视觉刺激。
由上可以看出，中西方对线条的感知力和重视程度都在色彩之上。
人类对线条和色彩的审美感受有共同性，即色彩偏重于感觉，偏重于生理；线条偏重于精神，偏重于心理。
二、线条在绘画中运用的历程线条在绘画中的使用，最早可上溯到仰韶文化中的彩陶。
彩陶纹样最初为写实的，生动形象而多种多样的鱼纹（半坡）和鸟纹（庙底沟）蛙纹（马家窑）等，后来就逐渐演化成图案化、风格化、规范化的漩涡纹，大圆圈纹，拟目纹等。
“线”在美术作品中的重要作用
“线”在美术作品中的重要作用“线”是美术作品中最基本的语言单位和视觉艺术形态。
画面的组织离不开点、线、面。
线条是美术最基本的造型要素，是构成视觉艺术形象的一种基本符号，无论平面的还是立体的；不论是写实的，还是装饰的；不论是抽象的，还是具象的……在长期的美术发展过程中，“线”作为美术家创造形象和表达思想感情的艺术语言，不但处于十分重要的地位，而且越来越多的表现出丰富的表现力及艺术美感。
在美术作品中，线有极强烈的直觉暗示力量，如李可染曾说齐白石的草虫“那两根敏锐的触须，真有一处即动的感觉”。
马蒂斯说过，他的素描只存在于一鼓作气的线条对比所作的空间分割和由此表现的情感在观众中唤起的共鸣中。
这又说出了线在构筑空间和表达情感时，运用起来表现力是十分丰富的。
古瓷上的龟裂纹，是线的自然构成，那分割出的疏密参差、变幻不定的小区域的几何形象，却有着十足的神秘韵趣。
明式家具以简练的线体切割了空间，显得大度、豪壮、洗练、富有生机，体现着人的尊贵。
线的符号性成为画家的重要标志，线的面貌也就反映了艺术家的面貌。
我们可以看到李苦禅的线与潘天寿的线之韵味分割相差甚远。
线是画家们之间绝不会混淆的个性显示。
安格尔曾说“线条就是素描，就是一切”。
德加喜欢纤细连贯而清晰的线条，认为这种线条是高雅风格的保证，是实现他所欣慕的那种美的唯一方法，线条成了他的欲望。
毕加索、马蒂斯都用线创作了大量动人的佳作。
艺术家们喜欢线，是因为线把世界和生命最辉煌最美好的瞬间记录下来，是那样快捷，那样概括，那样灵便，那样富有意味地凝结在自己面前，会得到无可比拟的创造的畅快与喜悦。
再则画面线的组合全靠“气韵”的统摄作用。
所谓“气韵”者，是指画幅线条形状和谐，大致要在两个方面实现：一是气贯，解决线在使用时可能出现的“单兵作战”的孤立感，组织好各种线的复合变化，注意线的走向，不杂乱，似以气脉贯通，有线处气脉相连，无线处也要意气相承，虚实相生。
气不足、不周，神韵乃去。
“线”在美术作品中的应用
“线”在美术作品中的应用作者：赵威来源：《大观》2014年第09期摘要：一直以来，无论是中国的美术作品还是西方的美术作品，“线”为最基本的要素，是美术中不可缺少的一部分，“线”的艺术之美是每一个艺术家都孜孜以求的。
关于“线”的观点，在美术界有着不同的观点，笔者从实际工作出发，在参考大量文献的基础上对东西方美术作品中“线”的作用进行了阐述，进而对“线”在美术作品中的具体应用进行了分析探讨。
关键词：线；美术作品；应用“线”可以说是美术创作中最基本的造型手段，在中西方的美术作品中都得到了广泛的应用，其具有其它艺术形态要素所没有的艺术美感。
著名的画家张彦远先生曾说过：“一幅画作如果没有线，那根本不能算在美术的范畴内。
”早在远古的岩画时期我们的祖先就已经利用“线”来表现绘画艺术了，而各国的文字也可以说是在“线”的基础之上产生的，由此可见“线”在美术作品中的巨大作用，因此对“线”在美术作品中的应用进行分析和探讨对于了解美术的形式、风格、表现力以及感受美术家的思维观念有着重要作用。
一、美术作品中“线”的作用（一）无穷的变化张力从本质来说，线其实就是点和面一种过渡，起着一种桥梁式的作用，但在美术作品中它却有着无穷的变化张力。
在中国的传统山水画之中，画家们通过毛笔将自己心中的情景表现出来，在这个过程之中无论是最基本的顺、拉、逆、提等绘画动作还是浓淡干湿的笔墨都充分体现出了线条的无限变化的张力之美，其直观强烈的丰富美感直入人心。
而在西方绘画之中无论是后现代艺术还是抽象艺术都在通过线的无穷变化张力来改变世界美术艺术。
（二）炫彩的意趣空间线条本身的表现是简单朴实的，但是其视觉形式也是多变的，不同的线条组合可以抽象情景，而这些情景所产生的意趣是丰富多彩的，能够给人们带来不同程度的影响。
一般来说，流畅的线条能够让人们产生一种愉悦之感，与其相反的曲线则会使欣赏者感到压抑；斜线是体现运动感的一种极佳方式，但是如果一幅作品中各种长短线条充斥其中，那么会让人们有一种紧张之感。
211102423_保罗·克利：颜料是我的琴弦
保罗•克利出身于瑞士，父亲是一名音乐老师，母亲是一位歌手。
因为从小就受到音乐氛围的熏陶，克利自幼就是一个天才小提琴手。
21岁时，克利在德国慕尼黑学习美术，当时的他还在犹豫未来的艺术生涯是选择音乐还是美术。
最终，克利选择了美术，理由是音乐已经走向完美，而绘画还有很多路可以走。
克利的绘画与音乐分不开，他的生活习惯是每天早上创作之前，都要拉一曲巴赫的作品，就像为美术创作而热身。
多年的音乐熏陶使克利的画作充满了音乐的痕迹。
音乐最重要的就是节奏，克利的绘画同样如此。
他总是在寻求画作中的平衡，作品里的色彩体现出张弛有度的和谐，就像富有节奏的音乐律动。
如在画作《节奏的三•四面》中，黑色、白色与灰（蓝）色的正方形和长方形沿水平、垂直方向有序排列，无论欣赏哪个色彩，你总能发现其中有节奏的排列法则。
画作《蛇形路线》中红色线条在棕色、黑白色的衬托下，以蛇的形式在四条有节奏、互相交织的线条中占主导地位。
明显的不同节奏，且对红色线条的强调，体现了音乐的节奏和韵律。
画作《北极解冻》则是克利想象中的北极景观，他在画的上部描绘了涌动的北极光，在画的中部和下部描绘了尖锐的冰山。
克利用的是带有节奏的简单线条，通过三条线交叉表现冰山的节奏，线条的上下浮动类似旋律的上下起伏。
《红色赋格曲》，1921《节奏的三•四面》，1930《蛇形路线》，1934主持：牙牙/责编：韦春艳/4C Copyright ©博看网. All Rights Reserved.《前往帕那苏斯山》，1930《北极解冻》，1920《大路与小径》，1929保罗•克利一些充满童趣的画作1929年，克利在埃及之旅后创作了《大路与小径》，这是他最具有音乐性的代表作之一。
这幅画的几何形式比较松散，让人想起音符，同时也有不完美和变化，表达出克利的理念：构图应该自洽，而不是去遵从什么严格的规则。
之后，克利又把“复调音乐”的概念引入绘画，他画了许多这类作品，《前往帕那苏斯山》就是克利“复调音乐绘画”的巅峰之作。
谈保罗·克利绘画对空间情感表达的借鉴意义
谈保罗•克利绘画对空间情感表达的借鉴意义□付中杰陈忠强摘要:现在的很多空间研究以家具、装饰、材料等作为切入点，探讨人与空间产生的情感交流,但很少涉及人的精神层面。
保罗•克利作为一名画家，在创作一幅作晶时本质上的设计方法与设计师设计空间有共通之处，感性在设计过程中占了大部分比重。
正如保罗•克利每幅作晶都有其个性，设计师在设计具体空间时也不会出现一模一样的拓版，作晶中也常常会出现对空间的描述。
因此，艺术家对空间的描述会对设计师产生借鉴意义。
该文从保罗・克利二维绘画表现空间的作品入手，分析其画面形式和蕴含的情感表达,探讨其对情感化空间的借鉴意义,并通过这些研究对情感化空间的未来趋势作出预测。
关键词:保罗•克利情感设计空间人工智能综观保罗•克利(Paul Klee)的作品，描绘的元素较为多样，风格变化较大，没有苛刻固定的艺术语言，每一幅都蕴含了其内心的情感，需要观者的进一步解读。
“外师造化，中得心源”便如同保罗•克利的创作理念。
空间在他的作品中更多是作为表达情感的媒介，甚至作为一种元素，就如苏珊•朗格所说：“只有表达一定意义的形式才是有意味的形式，它是明确表达情感的符号，并传达难以捉摸却又为人熟悉的感觉。
”8°一、保罗•克利绘画的内涵保罗•克利将自己的旅行经历、对宇宙空间和自然万物的探索同创作相结合，并将艺术化作情感符号表达自己。
他曾说：“在自然的发源地里，在创作的源泉中，在那里完好地保管着打开所有困难和疑惑的机密钥匙。
”他认为艺术家应在自然中寻找适合自已的创作方式。
如苏珊•朗格所说:“艺术家的工作就是创作情感的符号，这种创作需要各种技巧和技艺。
一个艺术家不仅要知道尽人皆知的基本技巧一运笔技法、语言技巧、刮校木条、开凿石块、演唱曲调，还要学会自己的目的所需要的技巧，而他的目的就是创造一个具有表现形式的虚幻的对象。
”叫他对自然的探索没有停留在具象事物的表态上，而是推理至宇宙空间，思考表态背后的动力学、平衡等一些构成规律。
浅谈线在绘画艺术中的应用与发展，以国画为主
知识文库 第18期252浅谈线在绘画艺术中的应用与发展，以国画为主胡 珊线的衍生，最早的艺术形态是以记录形式存在的，随着社会文明的发展，遂有了很多画种，例如中国画，国画里有“以线造型”的绘画语言。
最开始人们用线是用简单的线记录事件，刻画生活中的景和物，例如仰韶文化中的“三鱼纹彩陶盆”和马家窑文化中的“舞蹈纹彩陶盆”，这些线形成一些比较特殊的纹路或者符号，用来表示对于人们自身某种特殊的意义或者是特定的标志。
而中国画里早期出现的线，要追溯到目前为止所知道的最早的绘画作品:于1949年在长沙发觉的帛画《人物龙凤图》。
有研究人员推论画中所绘制的是墓中的主人在虔诚的祷告的肖像，画面生动的描绘出了这个主人公，还添加了传说中的动物。
画中多为以线造型，以线为主要表达方式来绘画形象。
出土的帛画也让我们看到此时线已开始运用到人们的生活绘画中，也成为了最主要的绘画表现方式。
随着社会文明不断发展，人们对艺术的需求和审美也有了一些变化，线的发展更加丰富。
在周代，我国便有人物画像，春秋时期有大量壁画，秦汉时期的绘画作品题材多样化，画面造型生动，用笔简括，以动态传情。
到魏晋南北朝时期，绘画作品的题材更接近人物生活，对于线的运用取得独特造诣的代表性人物有东晋顾恺之，南朝陆探微，南朝张僧繇以及北齐画家曹仲达等。
顾恺之用线紧密有劲，感觉连绵不断，线优美流畅，节奏感强，就像是这么形容:“春蚕吐丝”“春云浮空，流水行也”。
陆探微的用线风格“行笔细紧”，气脉相连，画出的人物给人以传神之感。
在张僧繇这，他发明了线的新的基础表现技法，将书法和线的运用结合起来。
他的作品被人们称作疏体。
对于线的运用，北齐杨子华懂得了取舍，他的画面对线的选择追求简易，以线传神，恰到好处。
进入唐朝后，人们生活安定繁荣，为艺术的发展提供了良好的环境，中国画在这一时期达到一个高度，线的表现方式多种多样，画家们以线的不同表现形式来表现画面的情感体现或描述记载历史事件及生活状态。
基于关键经验的美术语言“线”的思考与实践
基于关键经验的美术语言“线”的思考与实践美术是人类文明的重要组成部分，它是人们表达情感、思想和美感的一种艺术形式。
而美术语言作为美术创作的基础，以其独特的表现形式和表达方式，为艺术家们提供丰富的艺术资源。
线作为美术语言中最简单也最基础的元素之一，对于美术创作具有重要的作用。
本文将从基于关键经验的角度，对美术语言中的线进行思考与实践。
线在美术创作中具有表现形式的作用。
线可以通过不同的形态和属性来表现出各种形式和质感，从而营造出不同的视觉效果。
一根粗糙、曲线蜿蜒的线条可以表现出自然界中的树木，给人以自然、朴实的感觉；而一根细腻、直线笔直的线条则可以表现出建筑物的纹理，给人以规整、凝练的感觉。
通过在不同的线条形式和属性之间进行选择和运用，艺术家能够创造出独特而有力的形象和空间。
线在美术创作中具有表达情感与思想的作用。
线条的形态和属性往往会受到艺术家内心世界的影响，在创作中承载着情感和思想的寄托。
一根弯曲的线条可以表达出柔和、温暖的感情；而一根纠结、交错的线条则可以表达出纷乱、痛苦的情感。
通过在线条的选择和运用中，艺术家能够将自己的情感与思想融入到作品中，使作品更具个性和内涵。
线还可以通过组合和变化来创造出丰富多样的美术效果。
不同类型的线条可以通过交叉、重叠、拉长、压缩等方式进行组合和变化，进而构建出丰富多样的形象和空间。
通过不同线条之间的相互影响和互动，艺术家能够创造出生动而富有层次感的画面。
基于以上思考，我在美术创作中尝试运用线进行实践。
在作品《自然的韵律》中，我运用了流动而曲线的线条，并通过色彩的变化来表现出自然界中的山水景色。
通过线条的起伏、拉长和压缩，我试图表达出大自然的宏伟和蕴含的无穷韵律。
在作品中，我选择了柔和而温暖的色彩，以营造出宁静而和谐的氛围。
通过实践，我认识到线在美术语言中的重要性和多样性。
线作为美术创作中最基础的元素之一，它可以通过形态、属性、组合和变化等方式来表达形式、情感和思想。
论线条在美术教学中的重要作用
论线条在美术教学中的重要作用德国艺术家保罗·克利曾说过：“用一根线条去散步。
”是啊，用一根线条在绘画中散步,不仅道出了线条的本质在于它的情感意味，也道出了丰富的线条留给我们无限想象的空间。
用线条造型是人类最早、最简洁的绘画表现形式。
是我们最初接触绘画就运用的一种语言，也是表达力最强，最富深度的语言，是人类最原始描绘对象的一种手段。
马蒂斯说过，“如果线条是诉诸于心灵，色彩则是诉诸于感觉的。
”所以，线的运用由我们的内心的情感支配，它成为我们心灵与物象美沟通的桥梁。
人类在岩壁或器物上运用简单的线条勾勒物象，然后填以色彩。
西方绘画中的线逐渐被明暗和色彩所取代，而失去了它独立的审美价值。
而在中国的传统绘画中，线一直是绘画的基本表现手段，并发展成为具有哲学理念和审美理想的艺术形式。
绘画是直观性的视觉艺术，它通过用点、线、面的绘画技法来塑造形象。
其中线条技法在儿童绘画中运用得较多。
因而，线描教学在小学美术教学中具有重要的位置。
对孩子们来说，线描画是最富趣味、最为便捷、也是最为有效的绘画。
用线画物体可以不受光线、色彩的限制，更易于表现物体的形体结构，可使儿童更自如地认识世界，表现生活。
好的线描画应像保罗·克利所说的那样“在线条中去散步”，这种散步是率性而放松的，而不是拘谨于某一形式。
重视线描教学将有助于提高儿童的绘画技能和技巧，有助于培养儿童欣赏美、鉴赏美的情感。
因此，在教学中我们要注重引导学生对线美感的认识，让学生了解“线”在绘画形式上的美，以及在绘画过程中特有的艺术表现方式，是美术教学中非常重要的环节。
儿童的线描作品一般表现为以下两种类型：一种是以装饰为主的线描装饰画，另一种是以写生为主的线描写生画。
装饰线描画侧重表现学生的主观想象和感受，学生可以根据自己的想法对图案进行自由重组，使之呈现出黑白的韵律之美，充分体现出儿童丰富的想象力和创造力。
线描写生则是对现实生活中的实物进行描绘，有利于培养和提高儿童的观察能力、记忆能力，是提高学生造型能力的重要手段。
线条符号在绘画创作中的情感表达——以埃贡·席勒为例
2017/02线条符号在绘画创作中的情感表达文/孙莉［安徽师范大学美术学院］【摘要】艺术是情趣的表现，而情趣的根源在于人生。
艺术创作的灵感来源于生活，而线条又是艺术表现符号的方式之一。
本文将以埃贡·席勒为例，来阐述线条符号在绘画创作中的情感表达。
本篇将主要分四个方面介绍：1.埃贡·席勒的艺术经历；2.线条是艺术创作中情感的表现符号；3.席勒对线条符号的情感追求；4.席勒的绘画对当下艺术创作的启示。
【关键词】席勒；线条符号；绘画创作；创作情感——以埃贡·席勒为例一、埃贡·席勒的艺术经历纵观历史长河，古今中外的艺术家都敢于冲破传统的束缚，而善于把握各时期的脉搏，用创作出的作品去感染着人们，使人们不断超越。
埃贡·席勒用他一辈子的时间去实践着不朽的使命。
埃贡·席勒，奥地利的表现主义大画家，维也纳分离派的主要成员。
他从小就有艺术天赋，具备艺术家该有的对事物观察的敏感，及异于他人的情感表达方式。
1906年，席勒16岁时考入了维也纳美术学院，他的画风最开始受到学院派和印象派的影响，为他的造型能力打下坚实的基础。
在与克里姆特和科柯施卡认识以后，他的作品表现手法开始转变，慢慢地带有装饰风格。
20岁的时候便已经达到了其绘画风格的成熟期，作品具有表现主义的特征。
在余生的8年时间中创作了许多惊世骇俗的作品。
在他宝贵的28年生命中创作出3000多幅作品，艺术在他短暂的生命里占有重要地位，他不幸于1918年秋天因流感而过世。
二、线条是艺术创作中情感的表现符号沃尔夫林认为“线描风格是按线条观察的，线描的视觉意味着首先在轮廓上寻找事物的感觉和事物的美，意味着眼睛沿着边界流转并且沿着边缘摸索”。
①线条在绘画中作为一种情感的符号和最基本的造型表现手法之一，可以描绘出创作者所需要表现对事物最基础的认识和了解，是对事物最原始的表达方法。
通过欣赏席勒的绘画作品，可以从画面中的线条组织感受到充满感情、生命力和富有意境的线条。
运用迹象论分析保罗·克利绘画表现特征
运用迹象论分析保罗·克利绘画表现特征作者：蔡淳李根来源：《美与时代·中》2021年第09期摘要：从史前洞穴画到古典时期绘画再到印象主义绘画，艺术绘画中的迹象大部分是以写实为目的进而表达的。
随着时代的发展与艺术的解放，艺术的形式规则有了新的变化，出现了丰富多彩的“迹”与“象”，再后来“象”的形态发生瓦解，“迹”与“象”混同，抽象主义便是如此。
保罗·克利的画作直到今天仍然影响很多的艺术家，对当代的艺术发展有着深远的影响。
结合具体事例对保罗·克利的绘画作品进行分析，分析其作品中的迹象符号，就画中的“X”进行深入解读，并且结合自身创作与学习谈对保罗·克利画作的理解。
关键词：迹象论;保罗·克利;抽象艺术;青骑士一、保罗·克利绘画的主要特征保罗·克利（1879—1940年）是一个浪漫又神秘的艺术家，他的艺术人生灿烂，传世作品竟达到9000多幅，很多画作成为抽象的主流，被人们模仿学习。
他从自然中汲取营养，并消化同时期的绘画艺术养分，甚至对同时期的音乐和诗歌都有着一定的研究，从而创造出由符号构成的艺术语言。
提到保罗·克利，大家一定会想到夸张的绘画语言、强烈的色彩表现力。
保罗·克利的作品画面具有独特的深色背景、占据观众视野的倾斜直线和类似于儿童画的夸张造型。
但是相对于毕加索的立体主义，保罗·克利的作品含蓄了许多，保留了明显的自然主义特征，同时以掩盖、交错、糅合的方式引发观众多方位地思考画面的深意。
如果说达利的作品是奇思妙想的娱乐，那么保罗·克利的作品更像是儿童对这个世界最直接的表达。
二、保罗·克利作品中的迹象符号根据钟孺乾教授在《绘画迹象论》阐述的观点，艺术的本质就是模仿、游戏、情感、巫术以及劳动构成，即：画=迹+象+X。
其中的X就是观念、境界、情感、美以及一切你想或别人以为你想表达的情感。
谈作品中线的韵律——以麦绥莱勒版画为例
谈作品中线的韵律——以麦绥莱勒版画为例文/纪静姣摘要：艺术创作来源于生活，又高于生活。
生活为艺术创作提供素材，激发创作者的灵感;创作者通过抽象性思维对生活进行加工、提炼并重新组合，进而创造出独有的艺术作品。
同样，版画创作也离不开艺术家对生活的观察，并与时俱进。
版画创作的生活性表现在对现实生活的反映与紧跟时代的发展变迁，不断更新创作理念与创作技能。
关键词：浪漫；木刻；独特近期学习版画之余，对版画家麦绥莱勒有了一些了解，并且临摹了其中一幅作品，收货颇丰。
麦绥莱勒是当代最负盛名的版画家，1889年生于比利时勃兰根堡海滨的一个渔村里，青年时代曾在根特美术学校学习，但他的创作生活是从巴黎开始的。
他在法国结识了进步作家罗曼·罗兰、茨威等人，和他们一同参加欧洲的进步文化活动。
麦绥莱勒一生创作了上万幅的木刻作品，涉及的题材范围十分广阔，采取的表现形式、手法也是多种多样。
他对黑白的巧妙处理，更是匠心独运，那种强烈的对比效果，构成了不同的节奏和韵律，能唤起人们的一种特殊的美感，使我们的感情完全为他的黑白节奏感所支配。
《城市》是作者在1925年完成的一套最著名的木刻组画，《城市》组画从各个方面揭露了资本主义社会的深刻矛盾和腐朽本质，“一面是庄严的工作，一面是荒淫与无耻”。
麦绥莱革以他的镒利刻刀，解剖了城市的每一个细部，触及到城市的隐秘之处，拨动了城市的每一根神经末梢，把城市的黑暗和悲惨景象，刻划提淋漓尽致、栩栩欲生。
茨维格把《城市》组画称为“不朽之作，就旬现代大都市、这仆混杂着一切情欲苦难—包含上百万人的命运，人群的洪流、贫困和极端奢华，被剥夺和荒淫生活的悲剧对照—的永恒纪念碑。
”鲁迅先生在序言节选中写到：“麦绥莱勒是反对欧战的一人;据他自己说。
以一八八九年七月三十一日生于弗兰兑伦的勃兰勘培克（现译勃兰根堡），幼小时候是很幸福的，因为玩得多，学得少。
求学时代是在干德，在那里的艺术学院里学小半年;后来就漫游德、英、瑞士、法国去了，而最爱的是巴黎，称之为‘人生的学校’。
基于关键经验的美术语言“线”的思考与实践
基于关键经验的美术语言“线”的思考与实践美术语言中，“线”的重要性不言而喻，线条对于构建画面形成主体、明确形象轮廓、增强画面情感表达等方面的作用至关重要。
而基于关键经验的美术语言“线”则强调线条对于表现主题内涵、强化情感氛围等方面的重要性，这种线条运用方式的出现，为现代美术创作提供了更丰富和更深入的发展空间。
基于关键经验的美术语言“线”是以关键经验为维度构建的，它承载了艺术家所经历的重要的生活经验和情感体验，蕴含着丰富的内涵和情感价值。
艺术家在创作的时候能够通过“线”的运用将关键经验反映到作品中，从而带给观众更丰富的情感体验，这种体验是非常独特和深刻的。
一、线的感性表现。
在基于关键经验的美术语言“线”中，艺术家通常会通过独特的线条运用方式来表现自己的生命感知和情感体验，体现出内在世界和外在世界之间的联系和互动。
例如，马蒂斯的色彩与线条之间的关系就是一种非常典型的基于关键经验的美术语言，他通过用色和线条的交织来表达对自然和生命的独特感知和情感体验。
基于关键经验的美术语言“线”还可以用来表达特定的主题。
在这种情况下，“线”不仅是图像形式上的元素，更强调其在内容上的体现。
例如，草间弥生的作品就强调线的主题性，她通过线的连续性和复杂性来表现人类生命的无限延伸和复杂性。
无论是在线的感性表现还是线的主题化表现，基于关键经验的美术语言“线”都极大地丰富了美术语言的表现方式和创作空间。
总之，基于关键经验的美术语言“线”是以艺术家自身的生命感知和情感体验为基础，通过特定的线条运用方式来表达自己的思想、情感和文化价值的一种美术语言。
这种美术语言对于现代美术创作提供了新的思考和实践方向，其不仅能够丰富影响个人的情感体验，更能够对社会产生深刻的思考和影响，成为现代美术行业非常具有特色和魅力的一个领域。
保罗·克利绘画作品中的符号隐喻——以作品《走钢丝的人》为例
2019年第4期保罗•克利绘画作品中的符号隐喻一一以作品《走钢丝的人》为例★文学艺术★保罗•克利绘画作品中的符号隐喻—以作品《走钢丝的人》为例孙倩男（四川大学四川成都610000)【摘要】符号在保罗•克利的作品中占据着至关重要的地位，本文旨在通过研究相关文献，尝试运用符号学相关理论，对其绘画作品《走钢丝的人》中的符号进行解读。
戏剧、音乐、意大利建筑以及庞贝壁画等，在克利的青年时期都对其 产生了深刻的影响。
这几个相互间看似毫无瓜葛的领域，为克利的艺术创作提供了灵感来源和客体基础。
利用自身聪慧 的理解能力和卓越的绘画技巧，克利将来自戏剧的“在地性”、音乐的节奏感以及来自意大利建筑的“建筑性”等，完 美融合并呈现到画布之上。
而通过这种融合，克利得到了除物理属性之外，对于物体更加深刻的认知——对物体的“人 性化”属性的研究和阐释。
对克利的代表作品之一《走钢丝的人》中符号进行剖析，我们能够探寻克利在创作过程中对 于物体生理化和人性化属性的深刻见解和精妙呈现。
【关键词】保罗•克利符号戏剧空间【中图分类号】【文献标识码】A【文章编号】10〇8-8784 (2〇19 ) 〇4_82_3保罗•克利（PaulKlee)既是一位充满幻想的 诗人，又是一个十分自律、凡事井井有条的资产阶 级画家，这样的自我对立在其艺术创作中成为一股 特殊的力量。
克利于1902年来到意大利旅行，在此,克利开始探索自身，并逐渐意识到这个自我对立面 的重要性。
正是这样的自我认知，使得克利开始体 会并重视存在于艺术中的强烈对立。
其本人则认为 自己是一个更加“诗性”而非“画性”的艺术家。
在意大利旅行的一年，克利欣赏了乔托、波提 切利、达芬奇等许多大师的作品，从中获益良多。
而意大利的建筑也成为克利绘画研究的重点，他意 识到建筑与艺术的关系，并开始从建筑中汲取创作 灵感。
通过对建筑的结构、造型进行深入分析，克 利逐渐在作品中增加了对几何符号的使用。
一、诗性与建筑性、在地性与抽象性之和“现在，我最紧迫也是最高的目标就是把建筑 性的和诗性的绘画融合为一体，或者起码在两者之 间建立起某种和谐的联系。
浅析中西绘画中线的运用比较
浅析中西绘画中线的运用比较
张增明
【期刊名称】《大观周刊》
【年(卷),期】2012(000)051
【摘要】从古至今，“线”是艺术中最熟悉直接的语言——不论是绘画、音乐还是中国的书法。
“线”自身有种内在的张力和节奏，或优美、浪漫或苦涩、压抑，“线”不仅仅是一种艺术形式，而成为情感的符号和载体，从“线”的流变与发展中，可以看出艺术家气质、性情、趣味的流露。
【总页数】1页(P47-47)
【作者】张增明
【作者单位】西安美术学院,陕西西安710065
【正文语种】中文
【中图分类】J2
【相关文献】
1.中西方民俗风景画之比较——浅析弗拉基米尔绘画与金山农民画之异同 [J], 戴芸
2.中西方绘画中线的运用的对比研究 [J], 汪晶晶;张耀珑
3.试论中西方绘画中线条运用的融合与互补 [J], 李澜
4.浅论14、15世纪中西方绘画线条运用的比较——以画家波提切利与唐寅为例[J], 邵天逸
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用隐藏在自然之中的法则绘画——《保罗·克利谈艺录》的思考
用隐藏在自然之中的法则绘画——《保罗·克利谈艺录》的思考内容提要保罗·克利(Paul Klee)于1924年在德国耶拿展览馆的一个展览开幕式上的讲话, 以他准备的一篇关于现代艺术的专题论文为基础。
主要谈自然与绘画创作的关系，从自然世界里到绘画创作中再到欣赏作品，找出隐藏在自然中的法则去欣赏绘画作品和创作绘画作品，来回与反复再反复，涉及到线条、色调值和颜色的元素，通过视觉的平衡和用隐藏在自然之中的法则来绘画，艺术家通过创作再给出一个更深远的空间和一个新的视觉来审视物体的空间，最后直至绘画作品拥有自己的生命力为止。
关键词自然法则艺术自我一、导言海德格尔讲过：“如果现在让我们看保罗·克利在他逝世的那一年创作的两幅画的原件，一幅是水彩画《入牖的圣灵》，一幅是在黄麻布上的胶画《死亡与火焰》，我们可能会长时间地逗留在这两幅画前，并且放弃任何直接理解的要求。
”让读者放弃任何直接理解的要求，当人们读到这句话的时候，能把自己置放在大海中的一个小船上吗？看着平静的海水，并且长时间的看着，也只能长时间的看着那种大海的平静，他肯定会放弃那种对平静理解的要求，这种平静是在陆地上看不到的另外一种“平静”，它下面由太多的汹涌和暗涛组成。
1940年，克利在创作《死亡与火焰》时患有重病，可能他也知道自己的生命即将结束。
画面上笼罩着浓浓地哀愁和无法形容地凄凉，画面的艺术感染力量十分强大，令人压抑并参生恐怖之感。
“火红色的背景有一种死亡的气息，苍白色的人物形象仿佛是坐在血里的病人，整个画面色彩的搭配有一种古墓中壁画的陈腐之气，各种符号语言也有一种神秘的色彩和玄学的味道。
画中粗重的黑色线条隐藏着一种不堪负荷的沉重。
中间有符号语言组成的苍白的人物形象，就像一个骷髅头一样，让人感受到一种死亡的预示。
”其实这幅画的眼睛和嘴巴是由德语“死亡（TOD）”的三个字母组成，画面采用了字母和图画结合的方式，表象手法独特、新颖与抽象。
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美术时空
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本 沙恩会利用相机辅助自己的创作。由于相机只有一个取 景镜框，其拍摄的照片往往比人眼所观察的更为平面化。之后， 本 沙恩再通过观察照片进行艺术创作。本 沙恩时常会抓拍一些 生活中有趣的琐碎画面，这使他十分激动，并认为这样会使作品更 加具有人情味，更能体现当事人的情感。如作品《巴尔托洛梅奥 万泽提和尼古拉 萨科》（图 3），这是本 沙恩最著名的作品之一， 原照片拍摄于 1921年，根据当时著名的万泽提和萨科案进行创 作。本 沙恩将原照片的黑白背景改为褐色，用白色线勾勒出门 框，使其与画面中的人物形成距离感，并用富有张力的线条特写人 物的面部表情，通过不对称的眼睛诉说被告人证明自己清白的奔 波劳累。人物衣服宽松、凌乱，肩膀如同被人削去一般。整幅画使 人感觉肃穆、愤怒、悲伤。看似笨重的线条，却隐约透露出真实的 图 1 情感。这种情感不是清晰的，而是强有力的。
一、保罗 克利与线的艺术
生于 1879年的保罗 克利是一位反清晰的艺术家。他与表 现主义、立体主义、未来主义、超现实主义和抽象主义等都有很 多联系，但是他的画作却难以被归为其中任何一类。保罗 克利 通常会与他的同行保持距离，并以自己的方式诠释新的艺术趋 势。在身为音乐家父母的培育下，保罗 克利自幼年时便具有艺 术家的潜质，深爱思考，通过音乐构架出自己独特的思想价值 观，从而创作出具有深刻内涵的艺术作品。“保罗 克利是一个浪 漫又神秘的艺术家，他把创作绘画的过程，看作一次次在自然界 中不可思议的体验过程，在这个过程中，他把得到的启发以及内
在艺术发展历程中，有许多艺术作品在不知道作者是谁、只 观赏到画面时，人们便已经清楚可能是某位艺术家所创作的。 对于美术史学家而言，这些作品充满了画家的个性化特征。即 使是题材和画面较为相似的作品，观者也能从画面线条的流动 看出不同之处。日本江户时代著名作家夏目漱石在他的长篇小 说《我是猫》中说“十人十色”，意为每个人的思维方式不同，所以 每个人都是独立个体。德国画家阿德里安 路德维格 里克特在 他的回忆录里讲述了一件事情：他和三个伙伴一起画风景，四人 都一丝不苟地参照自然作画。虽然画作主题一样，每个人都严 格按照自己眼中看到的风景描绘，但四人最终完成了四幅完全 不同的风景画。因此，许多艺术家开始把重点从清晰的写实转 向模糊的写意，弱化了形体的画面，使作品更具情绪的渲染力， 也更能体现他们想要表达的内心世界。
谈线在艺术中的运用
——以保罗 克利和本 沙恩的绘画为例
□罗廷伟 陈忠强
摘 要：保罗 克利是一位浪漫、神秘的艺术家，他通过无形、无序、杂乱的线条和颜色创作出具有律动感的艺术作品。他在创作 艺术的过程中，把内心的幻象与对外部世界的体验结合起来。本 沙恩的艺术作品混合了多种风格，他擅长弱化清晰的事物，利用线 条勾绘出具有强烈表现力的视觉语言。因此，人们经常将本 沙恩与同时期的保罗 克利作比较。
关键词：线 艺术 艺术风格来自从原始社会开始，人类就通过朴实的线条刻画自然事物， 如，西班牙阿尔塔米拉洞窟壁画中，以简单的线条刻出俯卧在地 的野牛的清晰轮廓。原始时期，先民用简单的线条绘出眼睛所 见的真实场景，而现代的艺术家也会运用线条、形状和颜色叙述 自己的真实所见。
在巴洛克风格盛行以前，人们对艺术表现的评判往往以“清 晰”为标准。“清晰”即对于所有形体都要求具有既定的外观，画 作被要求以展示出最细致、完整的形体为目标。如梅西斯的《一 场皮奎特游戏》（图 1），画中人物表情刻画细腻复杂，观众的种种 表情栩栩如生，富有质感。当时的人追求艺术的清晰，画面中的 细节一览无余，每个部分都被完全展示，每个形状都被赋予了独 特的含义。之后的巴洛克风格开始避免这类追求极限的清晰， 为观者创造出更大的想象空间。
心的幻象和对外部世界的体验结合起来。”①如，《吱吱叫的机器》 （图 2）的画面并不像传统的艺术作品一般具有完整性、清晰性， 画面中只有用线条勾勒出的小鸟与摇杆把手，其形状令人想起 毕加索的画作《格尔尼卡》。这两幅作品都是通过扭曲的线条构 成 画 面 中 杂 乱 而 又 不 真 实 的 物 体 ，而 杂 乱 中 又 具 有 一 定 的 规 律。在《吱吱叫的机器》中，画面四周像是不经意之间染上了苋 红色，而画面中间是相对的天蓝色，两种色彩的重叠处又变成了 紫色；画面主体是用线条构成的小鸟站在扭曲成波浪状的摇杆 把手延长线上，在摇杆把手延长线尾部通过一根细细的线连接 在底部的茶几上。对于这幅作品，不同人有不同的看法。有的 人认为画面中的鸟是引诱受害者进入陷阱的恶魔噪声机器；有 的人认为图中的鸟与机器是被强行结合的，暗示了保罗 克利对 动物与机器、有机物与机械的兴趣，也是对实验室科学的一种讽 刺。但保罗 克利并没有给画作一个清晰的定义，他这样评价自 己的作品：不是模仿自然，而是制造“第二视觉”。在“第二视觉” 中，保罗 克利为观者展现了一个他所创造的朦胧的世界，在这 个世界中，每位观者都能找到自己对这幅作品的独特诠释。
二、本 沙恩与线的艺术
自 1826年发明摄影术后，在艺术界一直存在着关于其价值 的争论。一部分人认为，摄影会冲击现有的绘画艺术的地位，其 精准度超越了以往人们对艺术画作追求清晰的看法。同时，也 有一些赞同、接受摄影术的艺术家存在，本 沙恩就是其中之一。
本 沙恩的艺术作品混合了多种风格，他擅长弱化清晰的事 物，利用线条勾绘出具有强烈表现力的视觉语言。因此，人们经 常将本 沙恩与同时期的保罗 克利比较。评论家托马斯 黑斯 发现，本 沙恩的线条表现出“描绘庞大笨重的形体，但仍隐含着 微妙的书卷气”，使人联想到保罗 克利的线条。