中国写意画的用笔方法
小学美术中国画基础知识
小学美术中国画基础知识1、称“国画”，它用毛笔、墨和中国画颜料，在特制的宣纸或绢上作画。
2、墨色变化是中国画造型的基本手段之一，用清水和墨汁调出的焦、浓、重、淡、清等不同的墨色，可以适应不同的表现需要，使画面更加生动有趣。
3、中国画的用笔十分丰富。
中锋、侧峰是两种最基本的用笔方法。
4、湿变化是中国画造型的基本手段之一。
笔中含水的多少决定墨的干、湿。
干、湿变化可以更好的表现物象的特点，增强笔墨的表现力，使画面更加生动有趣。
5 、描是中国传统绘画的表现形式之一，它以毛笔为工具，用墨线勾勒对象。
白描中的线条有其丰富的表现力，线条有粗细、长短、变化，感觉上有滑润、流畅、干涩之别，具有生动的艺术效果。
6 、骨法：直接用颜色或墨画出脸、身体、五官和衣纹。
7 、填法：先用墨线勾画人物形象，然后填上相应的颜色。
8 、勒添色法：勾勒添色法是写意花卉的一种技法，先用线条勾勒物象轮廓，然后添色。
用笔放松，线条和色彩要有变化。
9、淡相破：运用宣纸独特的渗化性，在淡漠上加画浓墨或在浓墨上冲以淡漠，均可产生丰富的墨色变化。
控制水分是泼墨的关键。
浓破淡时，要控制好墨色变化和干湿程度。
淡破浓时，淡漠笔含水要多，否则难以冲开浓墨。
1.如何用笔,用墨.墨分五色，即焦，重，淡，浓，清，可用水来调节墨色的浓淡．２、在墨色中加入颜料可成彩墨3、彩墨画法多种多样，在作画过程中可以自由选择运用。
下面介绍两种画法。
4、徐悲鸿（1895年——1953年）是兼采中西艺术之长的现代绘画大师美术教育家。
擅长中国画、油画，尤精素描。
他的画作满含激情，技巧极高。
著名油画有《溪我后》、《田横五百士》；国画有《九方皋》、《愚公移山》、《会师东京》等。
最能反映徐悲鸿个性，表达他思想感情的莫过于他画马的画卷。
他对马的肌肉、骨骼以及神情动态，作过长期的观察研究，画了数以千计的速写。
所以他画的马图笔墨酣畅，奔放处不狂狷，精微处不琐屑，筋强骨壮，气势磅礴，形神俱足。
另有一些人物、狮、猫等题材作品，也是质优量大。
写意花鸟画主要笔墨技法
写意花鸟画主要笔墨技法1．执笔方法食指，中指与拇指相对握住笔杆，无名指也小指相叠与后，以无名指第一关节向外砥住笔杆，整体要求是：指实，掌虚，肩松，壁通。
2．运笔方法主要靠指与腕的配合。
无论动作的大小，都要以腕力为主，用笔才能生动。
3．用笔技法笔法分执笔，用锋，用笔。
用笔方法有提，按，转，折，顿，挫，轻，重，快，慢等。
用锋的主要方法：（1）中锋：适用于勾勒，表现厚重实在的物象。
（2）侧锋：痕迹薄而快，适用于画竹叶，翅膀等。
（3）逆锋：适用于画树干，藤蔓和石头等粗糙的东西。
（4）顺锋：适合画草本，花卉的叶，茎等。
（5）散锋：适合表现蓬松的羽毛，树石等。
用笔技法主要有勾，皴，擦，染，点等，是物体的常用主要表现方法。
（1）点染法：要注意的有：转折顿挫，轻重干湿快慢。
以点的各种形态塑造形象（2）勾染法：分先勾后染，先染后勾是以线表现物体的画法。
除了造型的需要外，要要讲究线条的流畅。
（3）衬托法：在矿物性颜料周围以植物行颜料来衬托突出。
（4）立粉法：用矿物性颜料不沾水而干后突出，主要用于高光。
4．用墨技法墨分六色，焦浓重淡轻，注意“计白当黑用墨技法主要有渗墨法，破墨法，泼墨法，积墨法四种。
（1）渗墨法：笔上含水量较大，落笔后渗化出墨晕的效果。
（2）破墨法：第一次墨未干时复加一次墨，可浓破淡，或淡破浓，产生浓淡互渗的效果。
（3）泼墨法：大面积的墨一次性同时运用与纸上，有畅快淋漓之感。
（4）积墨法：第一次墨干后，在加画第二次墨，可层层加叠，先淡后浓。
中国花鸟画有数千年的历史，早在新石器时期，河南临汝出土彩陶中的花鸟画已简练归纳地表现出独特意境，时期的衍变，花鸟画日见规范，五代、宋元以后已渐渐地形成了一个独立的画种，特别是文人对绘画的介入，“以意为之”配之于诗文、书印，使花鸟更为完善，意境的表达、笔墨的挥写、写意的花鸟画成了一代新风，今天它愈来愈显示出壮大的生命力和艺术的感染力。
写意花鸟画的分类较多，主要有兼工带写、小写意、大写意、水墨写意、没骨写意等，一般在生宣纸上着色落墨，也有在生绢、熟绢、熟纸上纸画。
写意画的基本技法
写意画的基本技法简介写意画是中国画的一种风格，它注重表达画家的情感和意境，追求笔墨的自由和境界的超脱。
本文将介绍写意画的基本技法，包括构图、用墨、运笔等方面的技巧，希望能够帮助读者更好地理解和欣赏写意画作品。
构图技法好的构图是写意画的基石，它能够给人以美感和动感。
下面是几种常用的构图技法：1.对角线构图：将画面分为两条交叉的对角线，将重点元素放在交叉点上，可以产生稳定而富有张力的效果。
2.三分法构图：将画面分为三个部分，将主题放在其中一个部分，可以使画面更加平衡和谐。
3.重心构图：将画面的重点放在画面的一侧，可以使画面更加有活力和张力。
4.点线面构图：通过点、线、面的布局来达到整体美感，其中点表示画面上的小细节，线表示画面上的主线条，面表示整个画面的色块。
用墨技法用墨是写意画中非常重要的一部分，它直接影响着画作的气韵和质感。
下面是几种常用的用墨技法：1.干、湿用墨：利用不同程度的湿度和墨的浓淡来表现不同的效果。
干墨可以产生干练、硬朗的效果，湿墨可以产生柔和、质感丰富的效果。
2.折笔用墨：将毛笔在折笔处断开，再接上用于继续画画。
折笔处往往会出现一道明显的笔触，这种短中带长、中快带慢的变化可以增加画面的变化和层次感。
3.点画用墨：用笔的顶端轻轻点在纸上，可以产生细小的墨点，点点相连形成线条或面，表现出丰富的质感和细腻的效果。
4.毛边用墨：墨在纸上扩散开来，形成毛边，可以营造出渐变和层次感。
运笔技法写意画的运笔是独特的，它追求豪放的音韵和神韵。
下面是几种常用的运笔技法：1.动静相参：通过笔的迅疾与缓慢、轻重、疏密的变化，使画面具有起伏和韵律感。
2.草书笔法：运用快速、爽利、变化多样的笔画，使画面具有强烈的生命力和张力。
3.点画交融：将点画与线条交织在一起，产生变化多样的效果，丰富了画面的表现力。
4.寓意笔法：通过画家笔触的运用，将画作与诗词、寓意相结合，表达深远的哲理和内涵。
总结写意画的基本技法涵盖了构图、用墨和运笔等方面的技巧。
写意画的用笔方法
写意画的用笔方法篇一：写意画是一种以意为主,追求意境深远、意象生动的绘画形式。
在写意画中,用笔是非常重要的一部分,因为它直接反映了画家的艺术风格和表现手法。
下面是一些关于写意画的用笔方法的建议和拓展:1. 写意画需要体现出画家的艺术风格和表现手法,因此用笔要简练、概括、流畅。
在用笔时,应该避免过于细腻和繁琐的线条,而是采用简洁明了的线条,以表达出画家的情感和意境。
2. 写意画的线条应该是流畅的,不应该过于生硬或过于圆滑。
线条的流畅度可以反映出画家对画面的把握程度和对笔墨的运用能力。
3. 写意画的线条应该是自由的,不应该受到约束。
线条的自由可以体现出画家的个性和风格,同时也可以使画面更加生动、富有想象力。
4. 写意画的线条应该是变化的,不应该过于单一。
线条的变化可以反映出画家对画面的理解和感悟,同时也可以使画面更加富有层次感和深度。
5. 写意画的用笔方法可以根据不同的题材和风格进行调整。
例如,对于山水风景,可以采用斧劈笔法,对于人物故事,可以采用拖笔手法,等等。
写意画的用笔方法需要灵活多变,注重线条的简练、概括、流畅和自由变化,同时也需要体现画家的艺术风格和表现手法。
通过不断练习和实践,可以提高自己的写意画技巧和创作水平。
篇二：写意画是中国传统绘画的一种形式,其特点是以简洁、豪放、自然的笔墨表现自然景观和人物形象。
写意画的用笔方法通常需要注意以下几点:1. 自由度高写意画的创作要求画家具备高超的笔墨技巧和表现力,因此用笔方法需要自由度高。
画家可以使用流畅、婉转的线条表现物体的纹理和质感,也可以使用简练、豪放的笔触表现物体的形象和动态。
在表现自然景象时,画家需要根据具体的场景和情境进行灵活调整,使用笔方法与画面完美融合。
2. 注重用笔的变化写意画的创作需要画家对用笔的变化掌握得足够熟练。
在表现物体时,画家可以通过不同线条的交叉、组合和运用,创造出更加丰富的纹理和光影效果。
同时,画家还可以通过不同的用笔方式和力度,表现出物体的纹理、质感和动态。
什么是写意画？看完这些，你就知道了。
什么是写意画？看完这些，你就知道了。
常有喜欢中国画的朋友问:什么是写意画？写意画的特点是以形写神，以神写意、⾻法⽤笔，以书⼊画、追求意境，缘物寄情三个特点，具体如下：以形写神，以神写意：写意画偏重于表现，抒情、⾔志。
西⽅现代绘画注重主观、表现，情感，在强调绘画抒发创作主体的内⼼情感上两者颇有相似之处，在造型上表现出对象的内在本质精神⾯貌和性格特征，才算真正达到绘画的⽬的。
⾻法⽤笔，以书⼊画：“⾻法”是指客观物象的形神结构，“⽤笔”则是⽤笔⽅法，⽤笔技巧和艺术表现。
中国写意画的⽤笔来源于书法，在唐代就形成了书画同源的观点，元代以后中国写意画家更注重以书⼊画。
中国写意画以书⼊画，不仅对于作品本⾝笔精墨妙的形式具有关键作⽤，⽽且可使笔法作为独⽴于物象之外的因素更增加其审美价值。
追求意境，缘物寄情：中国写意画追求画外的意境创造，以诗⼊画的特⾊。
⾃元代尚意以来，由于⽂⼈的介⼊，⼀直把追求意境美放在⾸位，画家笔下的物象、笔墨都成为表达情感的借助物，“缘物寄情”、“托物⾔志”，达到物我交融的境界。
董其昌尊他为'⽂⼈画'之祖。
五代徐熙先⽤墨⾊写花的枝叶蕊萼，然后略施淡彩，开创了徐体'落墨法'。
之后宋代⽂同兴'四君⼦'画风，明代林良开'院体'写意之新格，明代沈周善⽤浓墨浅⾊，陈⽩阳重写实的⽔墨淡彩，徐青藤更是奇肆狂放求⽣韵。
经过长期的艺术实践，写意画代已进⼊全盛时期。
经⼋⼤、⽯涛、吴昌硕、齐⽩⽯等发扬光⼤，如今写意画已是影响最⼤、流传最⼴的画法。
写意画主张神似。
董其昌有论：'画⼭⽔唯写意⽔墨最妙。
何也？形质毕肖，则⽆⽓韵；彩⾊异具，则⽆笔法。
'明代徐渭题画诗也谈到：'不求形似求⽣韵，根据皆吾五指裁。
' 写意画注重⽤墨。
如徐渭画墨牡丹，⼀反勾染烘托的表现⼿法，以拨墨法写之。
元代吴镇论画有云：'墨戏之作，盖⼠⼤夫词翰之余，适⼀时之兴趣，与夫评画者流，⼤有寥廓。
小写意花鸟画用笔和用墨方法
小写意花鸟画用笔和用墨方法一、用笔方法1.勾画：勾画即绘画时的线条勾勒，通过精细而流畅的线条勾画出花鸟的外形和轮廓，使画面具有鲜明的形态感。
勾线主要使用细尖、软性、适合于勾画细节的笔。
2.描纹：描纹是用笔在花鸟的身上描绘纹理，包括描触、研描、毛描、皮描等。
描纹需要用到不同笔尖的粗细和刚柔，通过描绘具体的纹理，丰富画面的层次感，使花鸟栩栩如生。
对于细致的描纹，一般使用细腰尖的笔。
3.铺点：铺点是用笔点画出花鸟的毛躯和细节，用点的方式展示不同的色彩和层次。
铺点需要用具有不同粗细和柔软度的笔，通过不同的笔法和点的大小控制，形成丰富、有层次感的画面效果。
4.画线：画线是用笔勾勒出花鸟画的线条和轮廓，可以通过粗细、长短、浓淡等不同的线条来表现形态和形象。
画线需要用到硬笔和软笔，硬笔用于勾画较粗且直线的线条，软笔用于勾画圆润、柔和的线条。
二、用墨方法1.淡墨：淡墨是指用少量的墨汁勾画出花鸟的纹理或轮廓，以突出主题，使画面显得洗练、简洁。
淡墨需要控制好墨的浓稠度，使线条清晰而不发虚。
2.浓墨：浓墨是指墨汁较浓，笔画较厚重的用墨方式，适用于描绘鸟的羽毛、花的枝干等厚重的部位，使画面具有立体感和韵味。
浓墨可以使用笔尖更粗、墨汁更浓的硬笔。
3.点墨：点墨是按照画面所需要的视觉效果，在画布上点上不同形态大小的墨点，以表现出色彩、光影和纹理等。
点墨需要用到毛笔，通过不同的笔法和墨量控制，形成变化多样的点状效果。
4.渲墨：渲墨是指在描绘的花鸟图上，用笔渲染墨汁，形成柔和、渐变的墨色层次，以达到柔和、丰满的画面效果。
渲墨需要用到水墨的渐变过程和毛笔的扫描、抚摸，通过渐变的墨色和笔触的变化，形成柔和、丰满、温润的画面。
总之，小写意花鸟画的用笔和用墨方法是相互配合、相互影响的，通过不同的笔墨运用，可以营造出不同的画面效果，表现出花鸟的美丽和生动。
艺术家需要根据自己的创作风格和主题选择适合的笔墨方法，创作出独具魅力的小写意花鸟画作品。
教你如何画好写意花鸟画
教你如何画好写意花鸟画讲笔墨，初讲可以说“：线者为笔，染者为墨”，易懂易入手。
进而应当明了“笔中有墨，墨中有笔”：用墨无笔，古人称之为“墨猪”，它有肉无骨；用笔无墨是行笔间缺乏墨色浓淡干湿的变化。
其实“笔”与“墨”分不开，所以叫“笔墨”，它是一种表现美丽的手段过程。
如同地球公转和自转：为表现意象造形的美服务，是“公转”；它也有美的自我表现，是“自转”。
笔墨离开了这个意思，那就是“耍笔墨”，那不是“笔墨”，更不是写意画。
学习国画其实说难也不难，关键要得法，在这种前提下，努力勤奋才能见到成效，否则方向搞错了就会越走越歪。
在学习国画时，首先要记住三个字：读、品、临。
读就是欣赏和分析，从作品的主题立意到构图，气韵，从造型特点到笔墨变化，从色彩的运用到虚实关系等等。
“品”就是脱开技法的层面，品味作品要表达的情。
“临”就是对照范画模效，也叫临摹。
临摹的方式很多，对构图气势好的可以进行“整临”如果画面局部精彩，也可以“节临”，一切因需要而定。
每次临完之后一定要对照原作反复比较，努力寻找差距，不断提出新的更高的要求。
王雪涛：花鸟画的六大要领如何画画?怎么画好?是很多人关心的。
有些人来看我作画，用心临写，以至将如何画花，如何画鸟等等，记成文字，视为定法。
这是否能画好画呢?技法不是一成不变的，如何画?要解决;如何画好?更要刻意探究。
利用这一机会谈一点体会。
——王雪涛一、基本功的锻炼要扎实花鸟画是以描绘花卉、禽鸟来表现自然界的生命力，体现欣欣向荣的生气，从而给人以健康的艺术感染。
它描绘的对象是大自然，因此培养对自然界的生命力，训练观察力的敏锐是主要的。
不少前人也是这样做的。
传说一位画家，为了体验草虫的形态，经常趴在草丛中观察，以至露水打湿了衣裳，可见观察之认真。
我小时生活在农村，对自然界中的一情一景十分偏好，幼时养成的观察和写生习惯，对我一直影响很大。
要认真地了解物象的结构、特点、习性和生活规律，画时才能做到心手相应。
[说明]写意花鸟画创作技法
![[说明]写意花鸟画创作技法](https://img.taocdn.com/s3/m/995e50cda48da0116c175f0e7cd184254b351bd8.png)
写意花鸟画创作技法以写意法画花鸟，可追溯到北宋的文同、苏轼、扬无咎、释仲仁的水墨写意法。
如今在故宫博物院里陈列着的南宋末年画家释法常的《写生杂画卷》，表现花果禽鸟纯用浓淡墨渲染。
同时还有宋人的《百花图卷》，以写意笔法用浓淡墨疏渲花鸟，或兼工带写，开元明以来墨笔花鸟画的先河，对明代林良、吕纪以及后来的水墨花鸟画有很大影响。
马远的《梅石溪凫图》，赵孟的《古柯竹石图》，还有李亨的写意花鸟，皆能以劲挺的笔锋写花鸟，淡渲疏扫，自成一格，从而加速了写意花鸟画的发展。
戴进以粗笔勾线，彩笔晕染，也是南宋院体的发展。
降至明中叶，沈周、文壁、陈淳、陆治，仍以宋人花果一派延续得来。
徐渭画风奔放，所作写意花鸟，随心挥洒，水墨淋漓，不受传统约束，自成泼墨一体。
周之冕又继沈周之钵，远宗宋元各家，创“勾花点叶派”。
从历史的演变来看，写意花卉翎毛自宋以后已经形成了自己的体系，表现出与工笔花鸟不同的风貌。
复经过历代画家们智慧的创造，写意花卉翎毛便更加成熟和风格多样了。
总之，写意花卉翎毛应力求形神兼备，以笔墨写精神。
在表现上是以墨为主，以色为辅；以点染为主，以勾疏为辅；以少胜多，以简胜繁；以刚劲的笔锋、活泼的晕染代替细线勾描，以点垛法的套笔套墨代替浓淡层层的烘托。
在写意花鸟画中禽鸟的表现方法约略可分为：渴勾：以渴笔率勾，与工笔细线铁笔重廓不同。
用笔须顿挫有力，出线苍老涩拙，勾成后涂染淡彩或白粉。
这种勾勒填粉法，多用以画遍身素白或颜色浅淡的鸟，如白鹦鹉、白孔雀、白鹰、白鸡以及鹅、鹭等。
点染：以墨或墨彩混点而成，亦可以重彩与墨相同。
画燕子、麻雀、翠鸟、鹰、雁、鸜鹆、鸳鸯等重色的鸟多用之。
近人任颐、齐璜喜用此法。
点垛：先点淡墨，后套深墨，层层点染。
画时以淡墨先点头、背、胸、腹等部，再以深墨点大翅、背花及尾部，最后以花青、淡赭罩染，又称套墨、套色法。
有时除嘴、眼用淡墨粗勾外，率以浓淡墨套点。
寥寥数笔，意态自得。
明代林良写水墨花鸟纯用点垛法，可参看故宫博物院藏林良的《写生翎毛卷》。
写意人物怎么画（写意人物画法步骤详解）
写意⼈物怎么画（写意⼈物画法步骤详解）⼀、写意⼈物画的墨法解析１、笔墨是中国画最基本的造型⼿段。
墨⽆笔不⽴，笔⽆墨则死，笔主⽓，墨显韵。
２、好的⽤墨要做到“丰、厚、清、活”３、童中焘先⽣把墨在画⾯上所产⽣的痕迹分成清、润、沉、和、洁五法清者，⽤笔⽤墨，笔路清澈，层层相积，⽆浑浊相；润者，滋润，虽渴亦润；沉者，⾻⽓沉厚，沉则厚，不浮涨；和者，不寡，墨⾊有变化，相济相成，浑然和洽；活者；⾃然⼀⽓。
和与活，相近⼜有区别，活更具有⽣命⽓息的意韵。
１、浓墨法⿊⾊较重的墨浓墨法要笔笔清晰可辨,浓⽽不浊。
不能漆⿊⼀块,成为死墨。
⼜浑然⼀体２、淡墨法墨⾊中偏灰⾊调的⼀类淡墨要见笔，⽅能薄中见厚层次，表现⾐饰的质感两种不同⾊度、不同⽔量的墨在未⼲时复加的⽅法先以枯笔皴擦，⼲后再⽤淡墨饱笔浸之，中有笔痕⽽外有墨晕５、焦墨法墨不加⽔便是焦墨，多⽤枯笔，焦墨⾏笔不能⽆笔痕，要笔法清淅，笔要留得住，不能浮滑。
否则墨韵枯槁，⽣趣全⽆，乃为死墨。
以⼲笔焦墨破之，墨彩相互交融，浑然⼀体。
指以⼤笔阔迹画于绢素上，往往整纸墨⾊晕化开来，看似婆墨，实为⽤笔画成。
７、宿墨法是隔夜的⼲墨加⽔形成墨⽔相离，含有渣滓的墨。
画中⼈物及背景皆以宿墨画成，笔迹清晰，反复勾染，⽔⽓淋漓，画⾯空灵⽽不失厚重，苍茫中透着透润之⽓。
是不勾线,直接画较⼤⾯积的⿊块,兼以皴擦,直接表现形体的⽅法。
以⼤笔侧卧出之，笔尖蘸浓墨，笔根变淡，笔迹有⾃然的浓淡变化。
９、冲⽔法是墨线勾好后，将⼲未⼲是以清⽔或淡墨⽔⼤⾯积冲染，使未⼲之墨化开⽽已⼲的墨保留住原来笔形的⼀种⽅法。
１０、积墨法是⽤同⼀种墨⾊或不同墨⾊层层重叠积加之法。
⽤积墨法时，笔法要松灵，要能见笔痕，笔与笔之间要留有空隙，不然⽤感到'腻’有⿊⽓。
⼆、写意⼈物画的笔法解析写意⼈物画⽤笔内容包括起笔、收笔、运锋、转折、提按等⽅⾯，其中体现在写意⼈物画的整体视觉效果有笔⽓、笔⼒、笔速、和笔势。
1.笔⽓笔⽓是⾏笔时表现出来的精神⽓质.⼈与⼈之间的精神⽓质不同,展现出来的笔⽓也有所不同王⼦武⾏笔沉着稳健,每⼀笔都凝神⽓静,且枯笔较多,笔⽓冷峻,画⾯⽓氛肃然任伯年⾏笔如风驰电掣,⽓息贯通,使画⾯产⽣灵动之感齐⽩⽯⽤笔⽓格⾼远饱满,沉稳厚重,画⾯天趣⾃然2.笔⼒笔⼒就是⽤笔的⼒量感.有⼒量感的线条坚硬⽽有韧性,有形式美感。
最新国画写意牡丹的画法步骤
国画写意牡丹的画法步骤,牡丹的花朵叶子枝干画法写意牡丹画法之花冠的画法：一、花冠有圆形，扁形，梯形，不规则形等。
二、花冠分花心，花的中间部分和外围部分。
花心的花瓣较小，色也较浓；外围的花瓣较大，色也较淡；花的中间部分，由于透视关系，多呈鱼鳞状。
三、正面的花瓣较大，侧面的花瓣较窄。
四、花冠从整体来说分亮部和暗部，有的各瓣分的很清楚，有的混为一体，让人数不清，有时留白，出现斑驳之状，有时不显笔触侵润成团。
又是花冠留有大的缺口。
五、画法具体步骤：1、用大羊毫笔清水洗净，笔头含水适当，先蘸白色，轻轻在盘子里平摔转动，目的是将白色由深到浅自然渗透至笔根。
然后蘸曙红或牡丹红，重复以上动作，使其自然渗化。
再蘸少量的胭脂于笔尖，即可落笔，落笔时笔杆略侧，即侧锋摆出花瓣。
2、一般从花心点起，而后再画中部和外部。
待笔上色用完后，在笔根部加入适量的白色和水，笔尖再蘸曙红或牡丹红，后蘸少量胭脂，轻轻揉动后，继续落笔，直到花冠完成。
3、花冠完成后未干之前再蘸浓色点花心部分，并适当提著一些部位，强调明暗关系。
4、待快干时画花蕊。
花蕊分雌蕊，雄蕊，雌蕊由石绿点出，雄蕊由黄色勾点，也可加适当白色。
六、花蕾状如桃，被三片大萼包围，根据生长规律，先是初露红色一点，然后红色渐大瓣渐放呈半开状，三片大萼托在下面。
花蕾往往起到丰富画面的作用。
七、画花冠顺口溜：小笔摆中间，鱼鳞折叠，混合瓣。
大笔推在外缘，大小相间一条线。
花心部分颜色重，更有浓色去提按。
虚实生灵性，冷暖显娇艳。
画层虽然多，三层是关键。
写意牡丹画法之叶子的画法：一、叶的结构式三叉九顶。
姿势有正侧和掩仰向背之分，但这些形状在写意牡丹中，已不计较。
只注重叶的布势和注重与花冠掩映呼应之趣。
还注重浓淡干湿和疏密聚散。
有顺口溜云：三叉九鼎是特点，实际画时应灵便。
正面叶子象山字，侧面叶子像条线。
老叶嫩叶颜色别，远近叶子分浓淡。
布叶不求多，聚散是关键。
二、叶分四式前后掩映式，波浪式，放射式，重复式。
写意画的特点有哪些基本技法
写意画的特点有哪些基本技法写意画的特点有哪些基本技法写意画多画在生宣上，纵笔挥洒，墨彩飞扬，较工笔画更能体现所描绘景物的神韵，也更能直接地抒发作者的感情。
下面是店铺给大家整理的写意画的特点，希望能帮到大家!写意画的特点有哪些基本技法11、以形写神，以神写意。
从古到今，中国的绘画一直围绕着一个形的问题在作文章。
在绘画的初萌阶段，由于造型能力差，那时的形是简单而幼稚的，是似是而非的，也可以说是“以意表形”。
随着绘画经验的不断积累，写形的功能大大提高，进入了“以形写形”的阶段。
但随着时代的发展，画家们并不以形似为满足，逐渐认识到了“神似”的重要性。
即在造型上表现对象的内在本质精神面貌和性格特征，才算真正达到绘画的目的。
最先提出“以形写神”理论的是人物画家顾恺之。
后来引伸到中国写意画领域，逐渐比为“以神写意”的意象造型观念。
是中国的写意画摆脱了自然形的限制，而追求以笔墨为载体的情感宣泻。
由于开拓了表现上的自由空间，画家笔下的形象既跳出了特定时空中客观物象再现的制约，又由于形的限制而避免了过于的随意性。
使作品既来源于生活，又高于生活，既有形的观念，又有自我情感的表露，达到极完善的幻化境界。
但由于画家对自然物象的感悟千差万别，审美情趣各有所好，因此中国写意画家笔下对形与神的概念便有了不同的侧重。
偏重工细一路的借形以抒发自我性灵的审美需求，既强调客观物象的真实性，又具主观的表现意识，达到以形传神、形神并重的目的，如注重写实的工兼写即属此类。
小写意画家则既注重形的制约，又注重自然精神与自我心境，情感的结合，达到一种意蕴平和、雅俗共赏的境界。
大写意画家强调自我情感的宣泻，自然物象中的形只是表达感情的一种载体，可以不完全依附于客观物象的独立美感。
在画家笔下自然物象的某些细节可以招之即来，挥之即去。
意象造性，以神写意的表现力达到了最高境界。
关于形神论的观点，历代都有不少精辟的论述。
北宋苏轼提出“作画以形似，见与儿童邻”，虽不免过于偏颇，但观点是明确的。
浅谈大写意花鸟画创作技巧
12浅谈大写意花鸟画创作技巧□吴冠南在国画创作过程中，所有技法和材料的运用都要以“得心应手”为原则。
只有“得之于心”，才会有“应之于手”的意匠迹化。
所以，中国画有“心画”之说。
而对大写意花鸟画而言，则有其特有的创作技巧。
一、用笔。
画画与书法不同，但画画的笔法由书法而来，尤其是大写意花鸟画，一定要以书法用笔。
比如画一个树干，既要照顾到运笔的速度，又要照顾到墨色的枯湿对比和运笔方向。
画树干有很多方法，方法越多就越耐看。
我们看一幅画好不好，就是要看它有没有矛盾、冲突、互补。
“有来有去”是最基本的要求——上去、下来，“来而不往非礼也”，线条才会有力度和节奏的变化，这种要求贯穿于整个创作过程。
运笔有来有去，就产生了“势”，如画树枝、花叶、藤萝，一定要有枯湿、浓淡和节奏的变化。
此外，画画要忘记顺序，这一点对写意画十分重要。
我们学习画画的时候是有顺序的，但创作是没有顺序的，否则就会画得机械，缺少变化。
中国画的最高境界，就是画面的“意外”效果。
二、用墨。
从古至今，中国画用墨都追《王者风范》吴冠南13漫笔求“墨分五色”，这是符号性、象征性的讲法。
其实，墨不只有五色。
鲁迅先生有“愿乞画家新意匠，只研朱墨作春山”的妙句。
朱是红色，而从一般描绘春山来讲，似乎用绿色更合乎情理与常规。
中国画创作，向来以“意”的表达深度为成败标准，所谓“意足不求颜色似”讲的就是这个道理。
水墨与宣纸的黑白，在画家眼里就是提纯的绚烂七色。
先哲们把纷繁复杂的自然与生命现象，智慧地归纳为简单的一黑一白、一虚一实，是最本质的科学总结。
由于掌握了对事物本质认识上的哲理深度，所以用纯黑白表现一切题材并不显得单调和唐突。
当作品具有了生命力，颜色及一切要素也就包含其中了。
在墨的表现性方面，枯与湿之间相互冲突、对比、破坏，又达到和谐统一。
最常见的就是“湿破枯”，比如画荷叶，先是枯的，然后用墨色来破，但要留一点，不可全“破”；另一种方法是“淡破浓”或“浓破淡”，可以薄一点破，也可以厚一点破；此外，还有泼墨法。
写意花鸟画创作中的书法用笔应用
写意花鸟画创作中的书法用笔应用摘要：“书画同源”在中国古代书画史中就早已对此有过论述。
张彦远就曾提出“书画异名而同体”，这一论点在历史上产生过很大的影响。
在中国的绘画史中，绘画用笔具有其特有的章法与技巧。
绘画用笔在形成与发展的过程中也不同程度地吸收和借鉴了书法“行笔走线”之精髓。
写意花鸟画教学在当代的高校教育体系中不断发生着演变与拓展，书法用笔在写意花鸟画教学中的应用也在不断地创新与发展。
关键词：书法；中国画；写意花鸟画本文为牡丹江师范学院教育教学改革项目项目名称：中小学书法教程的开设对高等师范院校书法教学的启示项目编号：12-xj14079同为中国传统艺术形式的中国画与书法，其自身均具有浓厚的文化底蕴和历史价值。
中国画与书法也同时承载着中华文明的基石，也代表了东方艺术文化的核心价值所在。
两者在中国文化艺术史中不断地求同存异、相互发展与创新，如今已是中国高等教育体系中不可缺少的艺术门类之一。
随着国民经济的日益强盛以及高等教育的不断完善，民族艺术文化也在高等教育体系中得到了进一步的普及与发展。
其中，中国画与书法更加具有民族艺术的特质，两者也在不断地融会贯通，相互簇拥着完善高等艺术文化教育体系。
一、中国画与书法在艺术价值上的共性中国画与书法在艺术表现形式以及艺术价值上有诸多的共同点：首先，国画与书法的创作工具材料几乎是相同的，俗称的笔、墨、纸、砚都是二者必不可少的绘制工具。
尤其是宣纸最具有代表性，国画和书法的艺术表现力大多是通过宣纸作为媒介所表达出来的。
其次，两者在创作形式上均是以线条为主要表现手段。
国画中的白描与书法的墨线是最具代表性的，在国画中的皴擦点染多为线条，书法中点、竖、撇、横等比划更是由强劲有力的线条组合而成。
再次，国画与书法在审美情趣上有着不谋而合的默契之处，两者都具有深厚的传统文化底蕴和艺术表现力。
例如在形式章法上都讲究“虚实结合、疏密穿插、骨法用笔”等，其意境神态层面均以“形神兼备、气韵生动”等作为审美准则。
国画知识：大写意是什么？写意画中的“兼工带写”是什么？
国画知识：大写意是什么？写意画中的“兼工带写”是什么？写意着色写意着色也叫“兼工带写”。
具体是指一幅画中的形象，有笔法工整细致的部分，亦有较放纵写意的部分，用工、写二种笔法，表现出物象的形神。
这种画法多见于花鸟画、人物画中。
运用自由流畅、粗细相间、繁简照应的笔墨表现人物的精神面貌。
写意着色是写意人物画中常见的表现形式，是在写意线描的基础之上进行笔墨方法的训练，但重点放在写意人物的用色技法上，包括国画颜料的性能，用色的技巧和艺术，色墨混用时色与墨的协调、对比等。
任伯年可以说是兼工带写的代表画家，其短暂的一生中留下了大量的兼工带写的作品。
人物画中人物的脸部精细描绘，背景或服饰用写意画风，逸笔草草却是神采飞扬，笔精墨妙。
在其花鸟作品中也经常可以看到他对花卉或禽鸟精益求精的描绘，用线描绘制，而对石头背景均用大的墨块点绘。
《风尘三侠图》清·任伯年大写意写意是国画的一种画法，用笔不讲究工细，而是注重神态的表现和抒发作者的情趣，是一种形简而意丰的表现手法。
大写意能最大限度地发挥写意人物画的技法和特性，难度相对较大。
一些传统的减笔、泼墨、泼彩、泼水等技法都可以在大写意的大笔挥洒中得到充分的体现。
大写意通常运用自由、奔放、简洁的笔墨来表现丰富多彩的人物形象。
南宋梁楷的《泼墨仙人图》和五代石恪的《二祖调心图》就是大写意人物画的典型代表。
《二祖调心图》宋·石恪写意画法要求通过简练概括的笔墨，着重描绘物象的意态神韵，南宋的梁楷、法常，明代的陈淳、徐渭，清初的八大山人等，均擅长此法。
清代恽寿平说：“宋人谓能到古人不用心处，又曰写意画。
两语最微，而又最能误人，不知如何用心，方到古人不用心处；不知如何用意，乃为写意。
”写意人物画的形与象是造型艺术赖以生存的依据。
它的造型很早就摆脱了人物描摹的再现，而走向抒情、写意的表现道路。
由于每个历史时期人们的理解和审美趣味不同，在物质文明日趋发达、东西方文化广泛交流及各个学科相互渗透的今天，人们的思想感情、审美意识及其情趣都在不断发生变化。
中国写意画的用笔方法
中国写意画的用笔方法
写意画的用笔方法，历代画家总结了很多宝贵的经验，其中比较重要的是：“意、力、韵、趣”的用笔“四要”。
下面小编为大家整理了中国写意画的用笔方法，希望能帮到大家！
（1）笔意
就是要意在笔先，画家下笔时要心使腕运，以一种特定的情感、意念去驱使笔墨，才能因意成像，以像达意。
笔意是用笔之总要，无意之笔是死笔。
历代画家创造的艺术，所以能激动人心，主要是画家在笔墨技巧中融进了激情和意趣。
（2）笔力
就是运笔的力度感，是形式美感的重要因素。
笔的力度感有两种内涵：
第一是功力的力。
所谓“力透纸背”、“笔能扛鼎”就是一种运笔功力的表现。
表现运笔功力的程度有“老”与“嫩”之说。
功力的老到，要有一个长时间的锤炼过程才能做到，所谓“学力到，心手相应；火候到，自无板、刻、结三病矣”。
功力老到的画家，即使柔细的线条，也能做到柔中有刚，棉里藏针，有内在的力度。
而初学者，无论使多大的劲，笔痕还是稚嫩无力，所以，笔力是一个长期的功夫。
第二是气力的力。
属于用笔技巧，只要掌握用笔的方法和规律，就能做到。
运气使力的方法，首先是下笔前的用意要有力，要全神贯注，凝神静气，然后以意领气，以气导力把全身的气劲由臂至腕，由腕至指，再由指把力注于笔端，使劲力自然透出笔端。
切忌表面的剑拔弩张、火气十足。
（3）笔韵
所谓笔韵，有韵味和韵律二种含意。
韵味，就是要求通过用笔的。
中国画：写意牡丹画法
中国画：写意牡丹画法、写意牡丹画技法洛阳画家画牡丹，都习惯用干净的专用笔画牡丹。
所以形成了干净利落、层次分明、有情有神、大富大贵的洛阳牡丹绘画风格。
1、花苞画法图一画花苞时，先用毛笔调白粉，笔肚含水分要饱和。
笔头蘸曙红调匀，笔尖略加胭脂。
然后笔尖向下，笔肚朝上，从左至右落笔，三两笔即可画出。
再加浓色点出花苞顶部，以显示花苞的体积感，增加层次。
最后用赭石或汁绿，笔尖调墨画出花萼和花托。
（如图一）2、半开及全开牡丹画法图二调色同花苞一样。
先画出花瓣亮部，用笔要有微妙变化，果断画出，留飞白。
画开放式花瓣应有变化，形成内紧外松，外部花瓣向中心靠拢。
中心部位颜色要重一些，表现其立体感。
最后要点出花萼和花托。
（如图二）3、花头画法：（1）粉红牡丹画法：调白粉加淡曙红，用侧锋画出亮部，注意用笔要大小兼用，笔痕要有变化，有节奏。
画花的中心部位时，笔尖扫一点胭脂，点出层次。
使颜色自然渗化，见笔触，用心收拾外形，干后点花蕊。
（2）紫牡丹画法：图三紫色用胭脂和花青调和而成。
偏红或偏青，偏浓或偏淡，应根据喜好而定。
白粉量多为淡，反之为浓色。
画紫牡丹先调白粉。
水份多少如何掌握？可将毛笔垂直，以不滴出为宜。
笔尖蘸紫色在白瓷盘中调和，从浓到淡在毛笔上自然过渡。
笔尖向下以侧锋，用不同大小的笔触点出花瓣的前部。
待笔上颜色用尽后，再调色继续画。
注意外轮廓花瓣要向中心部位紧包。
层层叠出，用笔要有变化。
在一幅作品中，花头外形和深浅要用不同的变化来丰富画面。
（如图三）（3）墨牡丹画法画墨牡丹有三种调色法：一是用清水调墨，自然渗化；二是用粉调墨，增加厚度；三是用胶调墨，增加亮度。
每种调墨法，要多实践，多试验，从中体会不同的笔墨情趣。
图四清水调墨法：在生宣纸上用水要充分掌握其性能的变化，使其能渗化自然、顺势而发。
用水调淡墨，笔尖略浓。
调和后，笔略干，水份不宜太多。
看准位置，用侧锋大胆落墨。
行笔要快、有节奏，画上四五笔亮部，留飞白。
由前向后逐步画。
美术理论知识
11、点线面组成了丰富的形象世界，是一切造型的基本条件。
2、常用的设计花卉图案的方法有夸张、变形、添加等。
3、常用的几种剪纸的方法有阴剪、阳剪、综合法。
4、学习染纸时要一看纸怎么折，二看色怎么配，三看用了多少水，四看作品美不美。
5、外界的物体，透过瞳孔投射在眼睛的视网膜上就会变得近大远小。
6、年画是中国民间最普及的艺术品之一。
一. 基础知识部分.1. 中国写意画讲究用笔和用墨,用笔包括(落笔),(行笔),(收笔).用墨包括墨色的（浓淡），（干湿）的变化的运用。
2. 传统中国画的基本技法是（勾）、（皴）、（点）、（染）。
3. 绘画中的色彩美是指（统一）与（变化）中的美。
4. 色彩的差别大是（强烈对比）。
在色环中相隔150——180度，色彩差别小的（弱对比），在色环中相隔60度以下。
5. 美术课可以分成（绘画课、手工课、欣赏课），手工课常运用（剪、刻、挖、粘、接）等方法。
6. 透视的基本规律是（近大远小），可分为（成角透视和平行透视）成角透视是指物体的一个角与画者相对，平行透视是指物体的一个面与画者相对。
7. 要画好人物物速写，需要了解（人体的大体比例、结构和动态规律，还需要依靠对（形象的记忆和理解）。
8. 选取恰当的形象或物体作为画面内容叫（取景）构图又叫（布局或经营位置，应注意物体在画面中的（位置、空间以及线条色彩等在画面中的结构组织形式。
）9. 剪彩纸的特点是（形式多样、质朴简洁、内容丰富、富有极强的装饰性。
）其步骤是（起稿、固定画稿、刻钻剪、裱贴）10. 三原色是指（红、黄、蓝）。
三间色是指橙、绿、紫）。
11. 橙色是由(红)和(黄)组成,绿色是由(黄)和(蓝)组成,紫色是由(红)和(蓝)组成、12. 色彩的三要素是指色彩的（明度、纯度、色相），明度是指（色彩的明暗深浅程度），色相是指（色彩的本身面貌），可以通过加(白色)提高明度，加(黑色)降低明度。
13. 冷色是指（蓝、绿等给人凉冷感觉的色彩，）暧色是指（红橙等给人温暖感觉的色彩）。
中国写意花鸟画基础教程
中国写意花鸟画基础教程一、技法简述中国的写意花鸟画有着鲜明的民族特色和深厚的传统．历代优秀的画家们。
为了表达自己对生活的感受．创造了十分丰富的表现技法、下面简要介绍一下写意花鸟画的几种主要技法。
(一)勾勒法这种技法是以线条勾勒为手段表现形象。
(也叫线描或白描)有时也可以在线条勾勒的基础上勾柒以淡墨。
勾勒法在花鸟画中广泛应用，在写意画中．线条的运用较为写意．它不像工笔画的勾法那么工整严谨．而是勾得比较松，但强调用线的各种变化和意蕴。
由于自然中的物象结构、质感、颜色等等的不同，所以线条的运用也应有丰富的变化．各种线条的运用．包括长短、粗细、刚柔、方圆、曲直、苍润、虚实、疏密等等对比变化，都应根据物象不同的结构、质感以及整体的画面需要而决定。
比如画梅花．可以用较淡而流畅的线条勾梅花．用轻重而苍劲的线条勾树干。
(二)点柒法这是一种点与染相结合的技法，在写意花鸟画中经常使用．它描绘形象不用勾勒，而是用毛笔蘸不同的墨色点出物象的形体结构以及明暗色彩变化。
有时连点带染一笔完成．如画杜鹃花、营花等。
有时不是一笔就能完成造型上的要求，需要点与染配合使用．如画蔬果等等。
这种技法的笔墨运用十分丰富。
对中锋、侧锋，顺锋、逆锋和点法中各种揉、戳得动作以及用墨、用色的各种变化．都要根据不同物象的结构、质感和画面的整体需要加以灵活运用。
(三)勾勒与点柒相结合的方法这种技法是指在勾勒的基础上．点柒颜色对形象的刻画。
如画菊花，先用墨勾出形象，等干后再用颜色点染。
另外．勾勒与点染相结合的这种方法在一幅作品中或在刻画一种形象中也可以运用．在一幅作品中运用这种方法表现形象是画面艺术效果的需要．它可以形成点、线、面的对比，丰富画面的形态语言．如．在一幅画才用勾勒法画花卉，用点染法画石头。
在画一种形象时．可以用勾花点叶的力法．如画菊花、蜀英等。
但用这种方法应注意线与点面的运用，在画面上要有主次要么以线为主要么以点面为主不能平均对待。
(四)积墨法这种方法是．失画一遍要表现的物象．笋干后根据造型或画面的整体需要。
国画的工具、材料和使用方法
一、国画的工具、材料和使用方法（一）笔：1：笔的分类：笔有硬毫、软毫以及介乎两者之间的兼毫三大类。
（1）硬笔：硬毫笔主要用狼毫制成，也有用獾、貂、鼠的毛或猪鬃做的笔，性刚，劲健。
常用的有"小红毛"、"衣纹笔" "叶筋笔"、"书画笔"（大、中、小）、"兰竹"（大、中、小），以及大的"狼毫提笔"等。
（2）软笔：软毫笔主要用羊毫制成，也有用鸟类羽毛制造的，性质柔软，有大小、长短各种型号。
（3）兼毫笔：兼毫笔是用羊毫与狼毫相配，或羊毫与兔毫相配制成，性质在刚柔之间，属中性。
如大、中、小号的"白云笔"，"七紫三羊"、"五紫五羊"等都是常用的兼毫笔。
2：笔的使用方法学画初学时用笔不必全部齐备，最初有大中小几枝就可以了。
要从难要求，这对基本功的训练大有好处。
待画熟练了，在进行创作时，可以多准备一些笔，选用好笔。
每次作完画，一定要用清水把毛笔清洗干净，防止宿墨和余色滞留笔根，破坏笔的性能。
洗笔不要用开水，因为开水会使笔毛变硬、变脆。
一般保存笔的方法是洗净之后放在笔筒里，也可以把笔吊挂起来。
外出作画时可以买个细竹丝编成的小帘子，叫笔帘，把笔卷在笔帘里，携带很方便，能保护笔毛不受损害：（二）：墨1：墨的分类：墨有"油烟"与"松烟"两种。
作画用的是油烟墨。
(1) ［油烟墨］油烟墨是用桐油烧出的烟子制成的。
油烟墨色有光泽，宜于作画.(2) ［松烟墨］松烟墨是用松枝烧烟制的墨。
松烟墨黑而无光泽，宜于书写，作画不常用。
偶然用松烟墨来画蝴蝶，或作为墨紫色的底色。
例如画墨紫牡丹，须先用松烟墨打底子。
2：墨的使用方法磨墨应该用清水，磨时宜重按轻推，不可太快。
磨研的圈子要大一些。
每次用水不可太多，多则墨浸水中容易软化，如果需要多墨，可以把磨好的墨汁倒在另一个碗里存放，再加清水再磨）多磨几次。
简述中国画的用笔法和用墨法
简述中国画的用笔法和用墨法中国画的两种基本画法是用笔法和用墨法，一般都被合并为“写意画法”。
在写意画法当中，用笔法和用墨法是两种不同的画法，分别占据着中国画创作中的重要位置。
用笔法是指在绘画过程中，使用毛笔把墨色沾取在纸上，渐渐形成线条，根据不同的笔触，表达画面中的轮廓、细节等信息。
用笔法既可以表现抽象化的画面，也可以表现出直白的意境，有利于表现作品中的气势、神韵。
古人有“笔墨若游龙”的比喻，形容用笔法制作的作品表现出的自然自如、气势磅礴的感觉。
墨色是用笔法的重要后援，它也是中国画的特色和中国传统文化的象征。
用墨法是指在绘画过程中，采用墨色直接涂在纸上，搭配不同的笔触，形成色块，以此来构建画面上的色彩。
用墨法可以模糊虚实，加强画面的表现力；又能强调画面中物象的丰满度，从而达到加强画面气氛的效果。
传统画家多喜欢以“少而精”的画法来制作作品，用墨法就可以把最少的墨色，搭配灵活多变的笔触，构建出复杂多变的画面，使画面生动、自然、生机勃勃。
正因此，《四库大全》中曾说：“墨画，须以无限度来取得有限度。
”用笔法和用墨法是中国画创作的必备要项，它们不仅能够更好地表现出作品中的感情色彩，而且又能有效增加画面的可观性和美感，使画面显得更加精致。
传统中国画家须要熟练掌握用笔法和用墨法的技法，把它们糅合在一起，才能使作品充满了气势和神韵。
例如，晚唐画家洛河村的《乌夜啼》，采用泼墨和走笔的手法，将雁的羽毛实现的非常逼真，令人叹为观止；另一张名作《寒雁横塞南山》更是惊艳，把南山的景物层层叠叠地描绘出来，宛如一幅天籁。
总而言之，用笔法和用墨法是中国画中重要的基本画法，它们在中国画创作中占据着重要的位置，在表现画面、气势和神韵方面都起着重要的作用。
中国画家在创作中，一定要深刻的理解这两种画法的内涵，用笔法和用墨法糅合在一起，才能使作品充满灵性，显现出色彩深厚的画面。
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写意画的用笔方法是怎样的？
写意画的用笔方法，历代画家总结了很多宝贵的经验，其中比较重要的是：“意、力、韵、趣”的用笔“四要”。
（1）笔意
就是要意在笔先，画家下笔时要心使腕运，以一种特定的情感、意念去驱使笔墨，才能因意成像，以像达意。
笔意是用笔之总要，无意之笔是死笔。
历代画家创造的艺术，所以能激动人心，主要是画家在笔墨技巧中融进了激情和意趣。
（2）笔力
就是运笔的力度感，是形式美感的重要因素。
笔的力度感有两种内涵：
第一是功力的力。
所谓“力透纸背”、“笔能扛鼎”就是一种运笔功力的表现。
表现运笔功力的程度有“老”与“嫩”之说。
功力的老到，要有一个长时间的锤炼过程才能做到，所谓“学力到，心手相应；火候到，自无板、刻、结三病矣”。
功力老到的画家，即使柔细的线条，也能做到柔中有刚，棉里藏针，有内在的力度。
而初学者，无论使多大的劲，笔痕还是稚嫩无力，所以，笔力是一个长期的功夫。
第二是气力的力。
属于用笔技巧，只要掌握用笔的方法和规律，就能做到。
运气使力的方法，首先是下笔前的用意要有力，要全神贯注，凝神静气，然后以意领气，以气导力把全身的气劲由臂至腕，由腕至指，再由指把力注于笔端，使劲力自然透出笔端。
切忌表面的剑拔弩张、火气十足。
（3）笔韵
所谓笔韵，有韵味和韵律二种含意。
韵味，就是要求通过用笔的轻重、虚实、刚柔、方圆、徐疾、顿挫等变化，求得画面的统一与和谐。
如同音乐一样，有一个基调、一个主旋律。
韵律是用笔要有运动感和节奏感。
和书法一样，讲究线节奏，“侧法如飞鸟翻然而”，“勒法如勒奔马之缰”，“轻如行云流水之变动”，“重如高山坠石之势”。
（4）笔趣
笔趣有意趣和天趣两种含意。
用笔有趣，才能使观者赏心悦目，获得美的享受，故笔趣乃是使画产生形式美感的关键。
用笔的意趣，在于巧妙地处理笔的生熟、巧拙、老嫩等关系。
用笔熟而生巧，美则美矣，但会流于匠气、市井气。
所以笔贵在熟而后生，由熟返生，“画到生时是熟时”，才生意趣。
用笔灵巧、奇妙，固然不易，但要警惕流于甜俗。
所以用笔贵在古拙，由巧而到拙，纯朴而磊落大方，乃生机趣。
用笔的天趣，发于无意之笔，所谓“好笔、好墨偶然得”，是一种顿悟，灵感突
发。
求笔的天趣，固然与画家的才能有关，更重要的是需依靠平时的学识、修养和长期的苦功。
写意画笔力运用中的平、圆、留、重、活“五笔”是指什么？
所谓平，是在平稳中求奇峻之力，求力度均衡，如“如锥画沙”。
笔力的平，是使力藏在点划之内，自然而然，不见起止之迹的一种内在力量。
所谓圆，就是要中锋运笔，尤其在线的转折处要如“折钗股”，如“金之柔”，这是一种有韧劲、有弹性的柔力，笔圆气乃厚，笔力柔中有刚，不松脆。
所谓留，是使笔迹运动中用力均匀而自然，在凝炼中求畅快，如“屋漏痕”，如“虫蚀木”。
漏屋墙上缓慢淌流的水渍，积点成线，用以比喻用笔蕴含的力感。
要做到留，行笔要慢，力求不急不躁，不飘不滑，自始至终用意志、气劲把力度控制住。
所谓重，是一种突发力的运用，如“高山坠石”，产生一种气吞山河的气势。
下笔之势要肯定、大胆，切忌犹疑不决，拖泥带水。
所谓活，是用笔要灵动不滞。
笔的转折、疾徐、轻重、顿挫等动作要运转自如，如“飞鸟出林”、“惊蛇入草”。
意到笔随，意到笔不到，正是为求笔之活脱。
笔之活脱，全在心腕配合如一，腕能随心所欲，心活腕自活，腕活笔自活。
写意画用墨的五个特性是什么？
（1）墨彩
墨本来是一种单色，但由于中国画把墨当作色彩来运用，所以有墨彩之说，意思即是墨色美在单纯中蕴含了万物的光彩。
黑与白是亮度的对比，黑白对比适当，画面就生出亮彩。
浓与淡是墨色阶梯的对比，于与湿是水分多少的对比。
对比适当，墨即有色彩的光辉。
（2）墨阶
墨色由浓到淡的层次变化叫墨阶。
与色阶、音阶相似。
墨阶大体可分为：焦、浓、重、淡、清五个阶梯。
浓的、不掺水的墨为焦墨；掺少量水分，浓度仅次于焦墨者，为浓墨；掺三分之一的水，为重墨；水分超过墨者，为淡墨；水中掺极少量墨者，为清墨。
在实际作画时，可以把墨分成更细的层次。
墨阶的作用，关系到画面色彩层次和调子，层次少，对比强，称之为高调；层次多，画面柔和丰富称为低调。
调子的运用，要按画面的具体需要加以调整。
（3）墨质
对墨的处理办法不同，产生不同质的变化叫墨质。
可分：新、焦、宿、退、埃五种。
新磨的浓墨，立即使用叫新墨。
磨好的浓墨，放在砚台中半天以后，水分有一定的挥发，叫做焦墨。
把墨放置一天以上，使水分有较多的挥发，叫做宿墨。
宿墨由于部分脱胶，故运笔畅快、墨色浑厚，但光泽较差。
放置多天的墨，墨中的胶力大部分脱去，炭粉沉淀严重，颗粒粗糙，光泽更差，但墨色厚重，笔痕清楚。
埃墨是墨汁在砚台中长期放干之后，再用水泡起，墨质粗糙，一般不好使用，但在一些特殊效果中也可使用。
（4）墨性
对于墨色的不同处理，产生色性的变化，叫做墨性。
分枯、干、润、湿、漓五种。
不同的墨性可以表现不同的形象和表情。
如干燥和湿润，粗糙与光洁，苍老与稚嫩等。
枯墨一般用宿墨，枯墨适宜表现老年人干枯的皮肤及粗糙的衣物等。
干墨可以分浓干和淡干，无论浓淡，把笔中水分尽量吸干，用笔时会出现飞白，适宜表现人物的须发、山石、树干等。
润墨干湿相宜，这种不干不湿之墨，用笔时略有水晕之感，使用范围最广。
湿墨指笔中饱含水分，行笔时，水分在纸上自然渗化，墨痕之处，有明显的墨晕，适合表现比较光洁的物体。
漓墨为水气淋漓之墨，适合大面积渲染，表现烟雾、水气等。
墨的干湿、枯润如果运用不当，就会破坏画面效果，太枯则无气韵；太湿则无骨气；太干则枯燥无味；太润则柔弱而无纹理。
（5）墨法
用墨之法，前人有很多经验，总结起来主要有七法：浓墨法、淡墨法、焦墨法、宿墨法、破墨法、积墨法、泼墨法。
黄宾虹先生说：“画案之上，一钵水，一砚墨，两者互用，是为墨法。
”又说：“古人墨法，妙于用水。
”所以墨法离不开水的运用。
用墨七法，实际上是墨与水不同的调和与使用而变化出来的。
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