舞蹈的舞台摄影
舞台舞蹈摄影调色方案
舞台舞蹈摄影调色方案在舞台舞蹈摄影中，调色方案是非常重要的一部分，决定了作品的整体效果和视觉感受。
以下是一个舞台舞蹈摄影调色方案的示例，希望能够帮助你更好地理解和实践。
1. 色彩主题选择舞台舞蹈摄影的色彩主题可以根据主题、故事情节、舞蹈演出风格等因素来确定。
例如，如果舞蹈表达的是快乐和活力，可以选择鲜明明亮的色彩主题；如果舞蹈表达的是忧伤和沉重，可以选择柔和的色彩主题。
在选择色彩主题时要与导演、舞者等人员进行沟通，确保整个团队的意见一致。
2. 色调调整舞台舞蹈摄影中，色调的选择和调整可以帮助表现出不同的情绪和氛围。
常用的色调有冷色调、暖色调和中性色调。
冷色调可以传达出忧郁、孤寂等情绪，而暖色调则可以传达出热情、活力等情绪。
中性色调可以增加作品的稳定感和平衡感。
在调整色调时，可以使用后期调色软件进行处理，根据实际效果进行微调。
3. 亮度和对比度调整亮度和对比度的调整可以使作品更加生动和有层次感。
可以根据作品的主题、舞者的肤色等来调整亮度和对比度。
一般来说，如果作品需要表达出欢快和活力，可以适当增加亮度和对比度；如果作品需要表达出沉重和压抑，可以适当降低亮度和对比度。
同时，还可以根据画面的整体效果和需要进行局部的亮度和对比度调整，突出重要的细节和元素。
4. 色彩饱和度调整色彩饱和度的调整可以使作品更加丰富多彩和鲜明。
可以根据作品的主题和感受选择适当的色彩饱和度。
如果作品需要表达出生动和奔放，可以适当增加色彩饱和度；如果作品需要表达出柔和和沉静，可以适当降低色彩饱和度。
同时还可以对不同颜色的饱和度进行单独调整，增加画面的层次感和视觉冲击力。
5. 色彩平衡调整色彩平衡的调整可以使作品的整体色调更加协调和统一。
可以根据舞台灯光等因素对不同色彩的平衡进行调整，避免某些色彩过于突出或者不明显。
同时，还可以根据舞蹈演出的需要，对特定色彩进行突出或者弱化，使舞蹈的表达更加清晰和有力。
以上是一个舞台舞蹈摄影调色方案的简要示例，希望能够对你有所帮助。
浅谈舞台摄影的拍摄
浅谈舞台摄影的拍摄舞台摄影是摄影艺术中的一个重要分支，它通过摄影器材捕捉舞台上的精彩瞬间，展现舞台剧、舞蹈、音乐会等表演艺术的魅力。
舞台摄影的拍摄技巧和要点与普通摄影略有不同，需要摄影师具备一定的专业知识和经验。
下面将就舞台摄影的拍摄技巧和要点做一番浅谈。
一、光线在舞台摄影中，光线是一个至关重要的因素。
良好的光线可以使画面更加丰富和生动，而充分利用光线则可以让观众更好地感受到舞台表演的魅力。
摄影师需要在拍摄前做好光线的准备工作，尤其是在室内或者暗光条件下的表演。
摄影师需要了解舞台表演的灯光设置和变化，选择合适的拍摄角度和位置。
一般来说，舞台表演常常使用聚光灯、柔光灯等特殊灯光，这就要求摄影师对不同类型的灯光有所了解，能够预判灯光变化对画面的影响，并及时进行调整。
光线的方向、角度、强度等也会影响画面的明暗对比和色彩效果，摄影师需要根据实际情况做出相应的调整，确保拍摄的画面更加生动有力。
室内舞台表演通常伴随着舞台灯光的变幻，如夺目的舞台灯光和沉浸式的舞台效果，摄影师需要灵活运用自己的摄影技巧，捕捉到这一刻的光影，使画面更富有戏剧性和表现力。
还要考虑舞台表演的动态变化，灯光瞬间的变化，及时捕捉到最美的瞬间。
二、构图在舞台摄影中，构图是摄影师需要特别关注的一个方面。
由于舞台表演的受限性，摄影师往往需要在有限的空间里抓拍到最美的瞬间，因此构图的精准和灵活性显得尤为重要。
要注意舞台表演的整体布景和舞台设计，根据实际情况选择合适的拍摄角度和位置。
摄影师需要在不打扰观众观赏的情况下，选取最佳的机位，抓住表演的精彩瞬间。
尤其是在舞蹈摄影中，摄影师需要捕捉到舞者优美的舞姿和表情，以及舞台布景的背景。
要通过构图的手法，让观众通过照片感受到表演的艺术魅力。
要注重画面的动态和节奏感。
舞台表演往往充满了情感、力量和戏剧张力，摄影师需要通过构图的手法，让画面呈现出动态美感，让观众在欣赏舞台表演的也能从照片中感受到表演的生动和真实。
舞台六大摄影技巧介绍
舞台六大摄影技巧介绍舞台摄影是一项在舞台上捕捉精彩瞬间的技术，舞台摄影师需要掌握一定的摄影技巧和知识才能拍摄出高品质的照片。
下面将介绍舞台摄影的六大技巧。
第一，抓住重点。
舞台上的表演是丰富多样的，摄影师需要通过准确选择拍摄的对象来突出重点。
舞台上的明星演员、独特的舞蹈动作或者精心设计的布景，都是十分重要的重点。
要想抓住重点，摄影师可以使用长焦镜头，通过调整焦距来突出主题。
第二，运用适当的光线。
舞台上的光线状况比较复杂，但光线是影响照片质量的重要因素。
摄影师应根据舞台布景的特点和表演的情境，选择合适的光线条件拍摄。
在光线较暗的情况下，可以选择使用高感光度相机，或者使用外置闪光灯来增加光源。
但需要注意的是，闪光灯的使用需要根据舞台规定的拍摄规则与演出的需要，妥善控制。
第三，注意构图。
构图是指将舞台上的元素有机地组织在一起，形成平衡且有吸引力的画面。
在拍摄舞台照片时，应尽量避免拍摄其他摄影师、摄影设备或者观众的镜头。
以清晰、直接地表现舞台上的内容为主，将主题放置在画面的重点位置，并注意使用对角线、三分法等构图原则，让画面更具层次感和动感。
第四，捕捉关键瞬间。
舞台上的演出是动态的，摄影师需要捕捉到演员或舞者表情、动作的精彩瞬间，以展现舞台表演的魅力。
这就需要摄影师具备良好的反应速度和拍摄技巧。
可以采用连拍模式来增加成功捕捉到精彩瞬间的机会，并根据需要与场景动态变化来调整快门速度和曝光时间。
第五，关注背景。
舞台摄影的背景往往是鲜明而有特色的，摄影师应注意将背景与主体进行巧妙的搭配和呼应。
背景的颜色、纹理、光影等元素都会影响照片的效果，可以适当调整光圈和快门速度，使舞台的背景更具有艺术感和画面张力。
第六，后期处理。
舞台摄影的照片往往需要进行后期处理，以提高照片的可观赏性和质量。
后期处理可以包括调整色调、清晰度、饱和度等，也可以进行剪裁和修饰。
但需要保持适度，不要过度修饰，以免失去真实感。
以上就是舞台摄影的六大技巧介绍。
舞台摄影拍摄方法技巧
舞台摄影拍摄方法技巧舞台摄影是一种特殊的摄影形式，需要技巧和方法才能拍摄出精美的舞台照片。
以下是一些舞台摄影的方法和技巧，希望对你有所帮助。
1.了解舞台表演：在拍摄舞台照片之前，了解舞台表演的内容非常重要。
这样你才能抓住关键的瞬间并拍摄出有趣的照片。
2.使用适当的镜头：不同的镜头适用于不同的拍摄情况。
在舞台摄影中，你可以选择使用长焦镜头来追踪舞者的动作，也可以选择广角镜头来捕捉整个舞台的氛围。
3.熟悉光线：舞台表演通常有特殊的灯光效果，因此熟悉舞台上的光线是非常重要的。
你需要观察灯光的强度和方向，并确定如何利用它们来创造出有吸引力的照片。
4.控制曝光：舞台表演通常具有高动态范围，这意味着舞台上的光线亮度差异较大。
在拍摄时，你需要通过适当的曝光控制来避免过曝或欠曝的情况。
使用手动模式可以更好地控制曝光。
5.抓住关键时刻：在舞台摄影中，你需要迅速反应并抓住关键时刻。
舞者的动作可能很快，因此你需要保持专注并及时按下快门，以捕捉到精彩的瞬间。
6.独特的构图：在舞台摄影中，你可以尝试一些独特的构图方式来增加照片的艺术感。
例如，你可以使用对角线构图来增强照片的动感，或者利用舞台元素来创造出有趣的构图效果。
7.使用连拍模式：舞台表演中的动作往往非常迅速，使用连拍模式可以帮助你捕捉到连续的动作序列。
这样你就可以从中选择最好的照片，并捕捉到更多精彩的瞬间。
8.利用背景：舞台表演通常有丰富的背景元素，你可以利用这些背景来创造出更具艺术感的照片。
例如，你可以将舞者与舞台背景相互映衬，营造出独特的视觉效果。
9.注意构图中的细节：除了整体构图外，也要注意细节的安排。
例如，舞者的手势、面部表情或服装的细节可以为照片增添更多的情感。
10.合理运用后期处理：后期处理在舞台摄影中起着重要的作用。
你可以通过调整色彩、对比度和清晰度来增强照片的效果，还可以进行修剪和裁剪以获得更好的构图。
总结起来，舞台摄影需要摄影师对舞台表演的了解，熟悉光线和镜头的使用，并具备抓拍关键时刻的能力。
舞台艺术摄影技法
舞台艺术摄影的作用及其特点如何通过摄影这一艺术形式，将舞台上的艺术造丛生动而完美地表现出釉如何根据舞台艺术的不同形式和表演方法，在瞬间抓住具有代表性的场面和优美的表情动作，将那些优美的、具有深刻意义的、为广大群众所喜闻乐见的舞台艺术表演，拍摄成思想性、艺术性兼优的佳作，向社会和人民进行传播，给人以感染和欣赏，以提高我国人民的社会主义思想觉悟，这是舞台艺术摄影的基本任务。
目前，在35毫米的单反光相机中，有两种先进的自动曝光方式：一种是先定光圈的光圈先决式——摄影时根据需要先把光圈选定后，测光系统即选择正确的快门速度自动配合；另一种是先定快门的快门先决式一摄影时根据需要先选定快门速度，而光圈即根据光线的强弱自动地开大或缩小。
这在一定意义上说，在拍摄时就无须在曝光上面多化工夫，而把主要精力和时间集中在抓拍那些表演中的精彩场面。
从舞台艺术摄影角度来说，28—80毫米的大广角到中焦的变焦镜头，或80一200毫米的中焦到长焦的变焦镜头都是非常实用的。
舞台艺术摄影的位置和角度在剧场中拍照，由于所使用的照相机镜头焦距不同，以及考虑到画面构图的要求，因此选择位置是很重要的。
选择什么样的位置最合适呢?这要看当时的具体情形而定。
不过，根据一般习惯应选在第一排中央稍偏右一点的地方。
因为除了例外，演员通常多系左出右进(从观众角度而言)，而在刚出场时往往有些好姿态，便于及时抓取。
在观众排座中央夹道靠近舞台的一头，也是合适的拍摄位置，这个地方的好处不仅在万一得不到合适的座位时可以加座，而且背后没有观众不致妨碍观众看戏。
如果乐池太大，拍摄距离太远时，若得到剧场方面许可，可在乐池中安放一个高凳或方桌，站在上面拍摄也很理想。
在这里可以自由地拍到中景场面和特写。
不过，最好要靠在中央夹道的一边，以免突出乐池时妨碍观众看戏。
在二楼前排左角、右角或中央，可以拍摄到那些在楼下不能拍到的场面，和带有观众看戏的场面。
此外，也可到后台去拍那些带有一定特色和主要演员或造型优美的演员在化装时有趣的照片。
如何拍好舞台摄影，这5点技巧一定要掌握
如何拍好舞台摄影，这5点技巧一定要掌握选择有利地形一般而言，舞台前方的乐池两侧是最适合拍摄的位置，在大型演出的现场，往往都将中间位置留给媒体的摄影、摄像工作人员。
在拍摄的时候，我们要尽可能选择乐池的两侧及四周的位置，这样会给我们的创作带来很大的便利使用长焦镜头舞台和观众席总是有些距离的，在拍摄较为正规的舞台演出时，观众是禁止随意走动的，如果场地不大，通常70-200mm镜头就足够用了。
此外，广角镜头也是必备的，可以用来拍摄一些开场的舞蹈类节目。
定焦镜头虽然光圈大，但无法满足灵活构图的需求，因此不推荐使用。
使用大光圈使用大光圈时为了保证能够使用较低的感光度提高画质，以及使用高速快门凝固动态画面，所以镜头的光圈请一定要全开。
如果舞台光线条件尚可，那么在不影响画面清晰的情况下，我们可以适当缩小一点光圈，已获得更加优质的图像。
此外，尽量不要使用闪光灯，以免影响到舞台上演员的表演，注意快门速度在拍摄舞台演出的时候，为了获得清晰的画面，安全快门速度是快门速度的底线。
如果是拍摄舞蹈类节目，那麽还需要更快的快门速度，在光圈无法继续加大的情况下，需提高感光度的数值，以确保画面的质量。
拍摄户外的演出活动时，我们可以将环境也带入进去，一同进行记录。
在光源充足的环境下，适当降低快门速度同样可以获得清晰的画面。
灵活设置感光度舞台灯光造型都是有规律的，如果你拍摄的这次舞台演出活动，有专业的灯光师进行舞台灯光设计，那麽恭喜你，这次拍摄你不需要太过于频繁的调整相机参数，正规演出的舞台灯光，其光线亮度通常都在一个相对固定的范围之内，不同的节目虽然灯光效果不一样，但是主光源的亮度是不会大幅改变的，而且一般而言，现场的光线亮度是足够支持拍摄的，不需要把感光度调的过高。
根据不同的舞台灯光亮度，适当调整即可。
室内舞蹈摄影光线角度与构图
室内舞蹈摄影光线角度与构图室内舞蹈摄影是一项充满艺术性和挑战性的任务，不仅需要捕捉舞蹈者的优雅动作，还需要将舞台上的灯光效果展现出来。
在拍摄过程中，光线角度和构图是决定照片成功与否的两个关键因素。
本文将探讨室内舞蹈摄影中光线角度和构图的重要性，并提供一些技巧供您参考。
光线角度的选择在室内舞蹈摄影中，光线是非常重要的因素之一。
通过合理选择光线角度，可以增强照片的表现力，使舞蹈动作更加生动。
要注意选择合适的主光源角度。
主光源是指照射在舞台上的主要光线，影响着舞者的阴影和细节表现。
一般来说，将主光源放置在舞者前方稍偏一侧的位置，能够有效突出舞蹈者的轮廓，使其更加突出。
要注意背光角度的选择。
背光是指从舞者的背后照射过来的光线，能够产生一种边缘光效果，使舞者的轮廓更加饱满。
背光角度一般选择与主光源相反的方向，在某种程度上提高了照片的层次感。
要注意侧光的运用。
侧光可以打造出立体感的舞蹈照片，强调舞者的线条美。
选择合适的侧光角度，能够使舞者的肌肉线条更加突出，表现出他们的力量和美感。
构图的重要性构图是指照片中各个要素的布局和组合方式。
通过合理设计构图，可以使照片更有层次感和艺术感。
要注意舞者的位置。
将舞者放置在图片的重要位置，如画面的中心或黄金分割点附近，能够使舞者成为画面的主角，增强照片的吸引力。
要注意运用对角线构图。
将舞者的线条与画面的对角线相呼应，能够增强照片的动感和稳定感，使舞者的动作更加优雅。
要注意运用空间构图。
在舞蹈摄影中，舞者需要有足够的空间展现他们的动作。
合理利用画面上的空白区域，使舞者与背景形成良好的对比，可以使照片更加有层次感。
要注意运用线条构图。
在舞蹈摄影中，舞者的动作线条非常重要。
通过合理安排舞者的动作线条，能够使照片更有节奏感和流畅感。
光线角度和构图是室内舞蹈摄影中至关重要的因素。
合理选择光线角度和设计精心的构图，可以使照片更加生动、具有艺术感，并突出舞者的魅力和动感。
希望本文提供的技巧能够对您的室内舞蹈摄影有所帮助，让您能够拍摄出令人赞叹的舞蹈照片！（本文共计749字）。
浅析舞台摄影的拍摄要点
50□朱小明浅析舞台摄影的拍摄要点舞台摄影以其多彩的灯光、场景的营造、精彩的表演等诸多魅力吸引着众多摄影师。
为了获得较高品质的照片，我们可以在拍摄时运用一些技巧。
舞台摄影的正面与侧面拍摄拍摄室内剧场的舞台演出，可根据不同的场景和表演内容选择正面拍摄或侧面拍摄。
一般而言，集体造型的合唱、歌舞剧、集体舞蹈等演出，或是一些庄重、具有对称特点的场景适合用正面拍摄，尤其是以背景造型灯光或大型L E D 屏幕做映衬时，采用正面拍摄可以拍出全景的气势。
还有在拍摄演唱会时，歌手与舞者之间也会有互动，结尾的集体造型也适合从正面拍摄。
当然，舞台摄影在很大程度上还是以拍摄人物为主，因此采取“跑位”的办法，从左或右侧的一些角度拍摄，会获得赏心悦目的效果。
双人舞、独舞或者一些局部、特写等，选择侧面角度进行拍摄，更容易获得干净的背景，以突出人物主体。
其间有的演员习惯用右（左）手拿麦克风，所以在演员的左（右）侧方进行拍摄，可以避免麦克风挡住面部。
需要注意的是，采取“跑位”拍摄应以不妨碍演出现场为原则，要事先了解节目单、剧情并熟悉场地。
舞台摄影的器材大型舞台表演的形式多种多样，各种表演的动作幅度和方式也截然不同，从拍摄器材选择来说，舞台摄影最好使用配好镜头的两台相机，以免手忙脚乱地频繁替换镜头耽误时机。
一个配上广角镜头支上三脚架，从正面固定拍摄或录像；另一个配上中长焦镜头，手持“跑位”，拍摄一些局部照或特写。
Copyright ©博看网. All Rights Reserved.51舞台摄影的正确曝光在拍摄舞台表演过程中，要注意正确曝光，欠曝过曝都会影响照片的表现，即使后期数码暗房也难以出彩。
为了获得良好的现场感，同时也避免影响演员和现场观众，拍摄全程需要适时关闭闪光灯。
我们应根据现场光线情况，提前做好预测，设定好影响曝光的快门速度、光圈和感光度。
合适的快门速度，会提高舞台摄影的成功率。
通常拍摄静态或稍具有动感的舞台照片，快门速度可控制在1/160秒左右。
拍摄戏剧、舞蹈等题材的快门光圈参数
拍摄戏剧、舞蹈等题材的快门光圈参数
拍摄戏剧、舞蹈等题材时，快门速度和光圈参数的设置需根据具体情况而定。
一般来说，戏剧、舞蹈等舞台表演的场景光线多变，需要综合考虑舞台光线、摄影设备以及摄影师的需求。
1.针对舞台上的戏剧表演，因为舞台灯光通常比较暗，所以需要使用较快的快门速度来捕捉清晰的画面。
同时，为了保持舞台上的背景和演员的清晰度，光圈设置通常会选择较小数值，如f/
2.8-f/4。
2.对于舞蹈表演，特别是快节奏的舞蹈，为了捕捉流畅的动作，建议使用较快的快门速度，如1/250秒或更快。
对于拍摄舞蹈的静态照片，则可以根据需要调整快门速度。
3.在拍摄戏剧、舞蹈等题材时，如果舞台光线充足，可以使用较小的光圈数值来获得较大的景深，从而让整个画面更加清晰。
例如，f/4-f/8的光圈可以保证足够的清晰度。
总的来说，戏剧、舞蹈等题材的快门光圈参数需要根据实际情况进行选择和调整。
建议在拍摄过程中进行多次尝试，以获得最佳效果。
浅谈舞台摄影的拍摄
浅谈舞台摄影的拍摄舞台摄影是指在舞台上进行拍摄、录制、保存的一种摄影方式。
这种拍摄方式通常用于舞蹈、音乐会、话剧等艺术表演中，以记录和呈现艺术家的精彩表演。
舞台摄影的特点是给观众带来视觉上的享受和感动，所以拍摄舞台表演时需要注意以下几点。
一、选择拍摄角度在舞台表演中，选择合适的拍摄角度是非常重要的。
观众想要看到的是艺术家的精彩表演，以及大型演员群体的整体效果，所以摄影师需要站在合适的位置来拍摄。
如果站在靠近舞台的位置拍摄，可能会受到舞台灯光的干扰，拍摄效果不佳；如果站在太远的位置拍摄，可能会看不清演员的面部表情和动作。
所以建议摄影师在观众区域拍摄，这样可以更好地把握整体画面的效果。
二、注意舞台光线光线是拍摄舞台表演的重要因素。
在舞台表演中，舞台灯光的使用非常重要，可以让观众更好地看到艺术家的表演。
在拍摄时，摄影师需要注意灯光的强弱、角度和颜色等。
如果光线过强或过弱，可能会造成拍摄效果不佳；如果光线的角度不对，可能会出现明暗不均的情况；如果光线的颜色不对，可能会导致拍摄的画面颜色失衡。
三、使用快门优化拍摄效果在舞台表演中，表演者通常会做出一些快速的动作或跳跃。
为了捕捉这些瞬间，摄影师需要使用快门速度来优化拍摄效果。
如果使用慢速快门，可能会造成模糊的画面，无法捕捉到表演者的精彩动作；如果使用过快的快门速度，可能会出现过度明亮的画面，影响拍摄效果。
四、注意对焦在舞台表演中，观众通常会看到多个演员在不同的位置上表演。
为了捕捉到所有表演者的表演，摄影师需要使用合适的对焦方式。
如果对焦不准确，可能会导致拍摄的画面模糊或无法捕捉到表演者的面部表情和动作。
五、拍摄后期处理在拍摄后期，摄影师需要对画面进行进一步的处理。
通常可以通过调整亮度、对比度和色彩来优化画面效果，以达到更好的视觉效果。
同时，还可以使用剪辑软件将不同的拍摄角度和画面进行组合，让观众在观看表演时获得更加丰富和完整的体验。
总之，拍摄舞台表演需要摄影师具备一定的技巧和经验。
如何玩转舞台摄影
乏 代环境 气氛的宜用 全景 ，要求表现演员 的具 Ｆ ｌ 、表情及背景时宜用 中景 ，要求表现人物神
掊 细节 时 则宜 用近 景 和特 写 。 二 、舞 台摄影 的构 图 眨 构 的 目的 ，就 是 以 一 定 的 艺术 形 象 来 表 影
亘 思想。摄 影创作的成果 ，最终是通过画面来 ９ ，人们只有从 丽面上才能获得美 的感受和启
还要有一个美 的形式 ，使神 与 形和谐统一 。
廓， 区分背景 与主体形象 ， 美化造型效果 ， 突出某一细部 ，
照舞台艺术的规律去分 析总结 ，舞蹈 在舞 台 协 调 照 明层次 ； 背景 光 （ 台天幕 光 ） 舞 ，一般 用幻 灯 照明 ，
化 是 无 穷 的 ，大 致 可 归 纳 为 平 行 移 动 、斜 线 交 代环 境 特点 ，渲 染气 氛 。 网形 移 动 、弧 线 移 动 、竖 线 移 动 、折 线 移 动 我 们 在 拍摄 舞 台形 象 时 ，要 注意 细 致地 抓 取 人物 的 这些 移 动 ，又 有单 一 移 动和 复式 移 动 的 区分 。 神态，尤其是眼睛 、手势 、身段等方面的变化。我们从
视感 。
４ 俯 角 度 ．
３ 书画艺求 ・ ／ ２月 号
人 高处往下拍摄 。画面 地平线升高 ，显得有 增 强纵深感 ，适合 拍摄 人物众 多的大场 面 ， ￡ 一种磅礴气势。 竞 采用 哪种角度 ，应根据 内容和构图需要事
。
景别可分全景 、 中景 、 近景和特写。一般说 ，
种变化 ，构成 方形 、菱形 、三角形 、圆弧形 事舞 台摄影时 ，也要不断加强本身 的文艺素养 ，提高 自 己 的审 美 能 力 ，以适 应 当基 本 图案 ，亦 即 舞 台 艺术 的 面面构 成 。
舞台摄影的8个小技巧
舞台摄影的8个小技巧一、选择适合的器材1.舞台表演的形式比较多样，各种表演的动作幅度和方式都截然不同，所以就器材选择来说，舞台摄影最好使用单反数码相机。
一遍抓拍到精彩瞬间。
2.镜头选择大光圈、中长焦、防抖。
3.三脚架或独脚架，是较暗光效下拍摄的利器。
4.有快门线的也可以准备着。
二、预先进行构思1.确定拍摄哪些场面，选择什么样的瞬间拍摄。
2.根据现有的拍摄条件选取最佳的拍摄角度。
3.事先调试自己的器材，做到“万事俱备，只欠东风”。
三、预先设定白平衡1.舞台灯光是舞台艺术语言的一个重要组成部门，在拍摄时鼓励首先做到准确反映原有的色彩，再进行二度创作会比较妥当。
2.可采用“自动白平衡”模式，让相机“调试自己”。
3.当然还可以手动设置、调整白平衡。
四、确保正确曝光1.拍摄舞台照不宜使用闪光灯。
2.如舞台亮度不够均匀，可以使用偏中央重点测光功能，如众多演员同时表演时，主体集中在相对中心部位或占了较大比率。
3.如拍摄追光灯等或较暗背景为主场景时候，就需要使用点测光，例如独唱、独舞节目。
五、选择合适的快门速度1.通常拍摄舞台照片，快门速度要控制在1/60左右。
2.如果舞台动作相对变化大，如跳跃、旋转等，快门速度就要比低于1/250。
3.感光度最高不应超过1000，否则噪点会让拍摄出的照片质量惨不忍睹。
六、设置恰当的光圈1.放大光圈，控制景深，使背景相对虚化。
前、后景虚实的对比增加了作品在形式上的美感。
2.光圈要随着舞台光线的强弱而随之调整，切勿盲目只追求同一景深作品。
3.至于到底把开到多大合适，要根据自己的需要而定，还有想达到的画面效果而定。
七、对焦方式与拍摄模式1.根据拍摄主体而定，选择自己习惯的对焦方式即可。
无论选择哪种对焦方式都要首先考虑把主体人物的面部拍清晰。
2.现场光线很好的条件下，手动模式也是不错的尝试。
3.如光线变化快时，需要使用光圈优先，并进行曝光补偿，保证任务主体的正确曝光。
八、抓拍精彩瞬间1.舞台摄影主要有两种拍摄内容，一种是拍摄相对静止的对象，另外一种是拍摄相对多做快速、变换多端的内容，如舞蹈等。
舞蹈摄影经验谈
舞蹈摄影经验谈舞者在实践中一次次地挑战着自己，摄影师也在实践中一次次向自己发起挑战。
如何将舞蹈、摄影和心灵三者完美地结合，如何在追逐完美的过程中不断寻求新的突破……这也是对我的诱惑，是现代舞摄影的魅力所在。
逆光《白蛇传》这幅作品是台湾现代舞团表演的节目。
布景的设计看似简单，却恰如其分地暗合了主题，给这组双人舞提供了“支点”。
我利用舞台逆光勾画他们的造型，连同背景衬托，使观赏者能够轻易地读懂图片的内容。
相机：宾得645N镜头：300mm光圈：F4速度：1/30秒角度与光线拍摄角度是舞蹈摄影成败的关键，要随机应变，根据不同的节目对象，它的主题、内容、形式和变化走向等等，随时调整。
至于选择俯视、仰角还是平视，选择逆光、侧逆光、还是顺光就更要根据以上的因素确定了。
表现同一对象的画面如果拍摄角度不同，结果自然要大相径庭。
侧逆光要表现舞台艺术作品的丰富质感，相对理想的光线，应是侧光或逆光。
我拍摄《昆仑》这部作品时，舞台背景一片黑色，主光源只来自舞台的侧逆光。
这样，舞者的形体轮廓就呈现了一种朦胧中的清晰，较好地实现了主观的艺术追求，和客观的审美诉求。
相机：宾得645N镜头：80-160mm光圈：F4.5速度：1/15秒《昆仑》这幅作品就是随现场环境而变的实例：这场演出采取了大厅中央表演的形式，观众可以在四周走动，并且和演员近距离交流。
于是，我的机位选择也非常自由——我把舞者造型作为近景，把观众也带进了画面。
相机：宾得645N镜头：80-160mm光圈：F5.6速度：1/15秒色彩色彩是舞蹈摄影造型的主要手段。
色彩可使舞蹈摄影呈现出来完全不同的面貌以及无限丰富的视觉效果，如紫红、银灰、橙黄等。
颜色本身有它固有的明度。
如七种基本色相中，紫色色度最深暗，黄色色度最明亮，利用好这些可以使你的舞蹈摄影层次更丰富。
色性，色彩的没属性。
色彩还分为暖色（也称热色）和冷色（也称寒色）两类。
红、橙、黄为暖色，给人以热烈、温暖、外张的感觉；绿、青、蓝、紫为冷色，给人以寒冷、沉静、内缩的感觉。
舞台片拍摄是摄影中一个重要的类别
舞台片拍摄是摄影中一个重要的类别，既包涵拍摄人像的灯光、造型要素，又要处理好舞台的场景构图，同时还要兼顾舞蹈演员表演时的动感及千变万化的灯光。
那么究竟怎样才能拍好舞台片呢？在这里，你可以谈谈你的拍摄体会大家分享，也可以提出你的疑问大家交流。
这里没有老师，只有同学，欢迎大家上片交流。
（一）拍摄场地固定：差不多所有演出均在一个比较固定的场地内进行。
表演者的表情、动作、位置以及配乐、灯光、服装、布景等，都经过精心设计及妥善安排。
而演出的时候，表情者按照一定的程序，有计划地演绎每一首歌的意境。
凡此种种，均经过[艺术加工]和[包装]，不同于现实生活中的一般场景，特别是高潮时刻，更是主题突出、形象鲜明，富有感染力。
幸好这些时刻变化的画面，均在同一场地出现，是故，拍摄者只须安坐在同一位置，把相机向者同一方向，便可拍出所要的画面，但亦因为如此，往往令摄影者有所疏忽，错过重要时刻，此点要特别留神。
（二）固定拍摄角度：由于舞台是固定的，观众席也是固定的，因此摄影的拍摄角度就比较固定，不须前后、左右、上下来回奔走以选择合适的角度。
而在演唱会途中亦不容你走来走去。
一般而言，前排中间的位置是拍摄舞台剧照比较理想的角度，但却是最难买的贵票！当然，如果你是特许拍摄的记者，则可以变换拍摄角度，走来走去选择较高较远的拍摄位置。
（三）使用固定镜头：由于演唱会场地固定，歌星在台上的活动区域也有限，一般不超过舞台的范围。
因此拍摄距离也相对固定，除了个别特写镜头外，在拍摄过程中几乎不必转换镜头。
一般而言，若需要用多过一款焦距，若可以多带一部机身，那便不用换镜头了。
目前，比较流行的是用300MM F/2.8或400MM F2.8之类的大光圈镜头拍摄，如果没有此种[大炮]，则可用任何200MM以上的镜头，配的高速菲林，如ISO400、800之类的，若用最新的KONICA ISO 3200菲林，自然便为方便。
如用80200 F/4，100300 F/5.8之类的镜头，则一定要用高速菲林了。
舞台舞蹈摄影的相关知识介绍
舞台舞蹈摄影的相关知识介绍舞台摄影属于舞台设计中的一个重要组成部分。
那么，关于舞台的舞蹈摄影，你知道多少呢?以下是有店铺为大家整理的舞台舞蹈摄影的相关知识介绍，希望能帮到你。
舞台摄影的测光与对焦在时常变换的照明中，笔者整理了两点心得体会。
1：测量舞蹈者的脸部，得到最佳的曝光。
当你在两侧拍摄时，用测量表获得读数，但测光表会被舞台光射到，读数会偏高。
当你从观众席拍摄时，暗背景会使测光表读数偏低。
如果你有窄角测光表，就可以在一定距离外测量窄小的范围。
2：被摄对象绕着舞台转，不易对焦。
先看排演熟悉动作，这会使你知道在那儿有你所有要的动作。
并把该范围预先对焦，当动作移到该区就按快门。
舞台摄影的技巧舞台摄影有三种不同技巧。
1.静态，这是在摄影室中拍摄舞蹈最简单的方法。
对象是静止不动的，就可采用碘钨灯照明，这样就可以在拍摄前看到灯光的效果。
有些附件，如挡板套筒，可使打光的地方受光，而前后景各虚暗黑。
也可以用卡纸贴在灯架上或手持些长的物体，把不必要虚的光线挡掉。
2.单影像，拍摄舞蹈动作的镜头，就会想到电子闪光凝结动作的能力。
它帮助你在精确的瞬间抓住动作，创造出最好的照片。
舞者把整个舞蹈跳几次，就容易抓住那个瞬间。
3.多个清晰和模糊影像的组合，照片展示动作，这是最完善的一种技巧。
电子闪光灯使动作凝结，而聚光灯使模糊的影像感光。
工作程序是：1、闪亮聚光灯。
当舞蹈者开始表演，打开相机快门。
在各个选择的姿势上闪光。
2、开快门和关聚光灯。
在闪光灯和聚光灯之间要得到适当的平衡是有些巧妙的，而且要作些曝光试验。
首先，根据闪光灯的一般指数来决定光圈。
然后调节聚光灯到对象的距离，以得到适当的照明平衡。
这里有决定聚光灯到对象间合适距离的方法，作为你第一次试验的基准。
调节聚光灯的距离，使测光表在对象处测得按闪光灯所要求的光圈是曝光时间1秒。
例如，根据闪光灯指数决定光圈为/5.6，然后调节聚光灯的距离，至对象处量出测光读数为/5.6、1秒。
表演现场的拍摄攻略
50□周 舟摄影天地表演现场的拍摄攻略每逢节庆活动都有各类文艺演出，很多摄影人都会用手机或者数码单反去记录舞台上的精彩。
想要拍好舞台照，除了掌握摄影技巧与方法外，更多的还是在于对舞台环境、表演规律、音乐节奏的了解。
舞台摄影基本上分为室外自然光舞台和室内灯光舞台两种。
这是两个完全不同的拍摄场地，操作起来存在很大差别。
舞台情况1.剧场内的舞台表演一般都要通过灯光照明来实现舞台氛围和效果，现场光源较暗。
2.舞台灯光会随着剧情的发展而变化，亮度时高时低，色光和白光单独出现或混合交替出现，舞台的光源不断变化，曝光较难准确掌握。
3.根据剧情的需要，舞台上的灯光常出现正面光强侧面光弱的现象。
另外，顶光产生的强烈投影，会造成演员面部出现较重的阴影；还有局部表演区明亮，其他地方一片漆黑，形成了强烈的反差。
拍摄准备拍摄舞台表演，开拍之前一定要对相机进行设置，做好准备后再拍。
1.使用RAW格式能够很好地保留照片的亮部和暗部细节。
色温可以通过前期预设或是后期调整完成，笔者通常会随着每个节目的灯光变化而调整设置：如果舞台的光线红色和黄色光较多，可用设置低K值去冲淡红和黄，这样可以较大概率获得人物面部的正常肤色，后期调整也较容易；如果舞台上的灯光效果变化极快，也可以直接使用自动白平衡模式，就算有些偏色，那也是现场真实的光线氛围。
2.舞台表演经常会出现长时间拍摄的情况，如果手持拍摄太累，可以适时使用三脚架。
但是三脚架使用起来机位角度可能没有那么灵活，也会影响其他观众的视线。
3.舞台表演的灯光最为混乱，不同的情况51下，选择不同的测光模式，才能得到正确的曝光结果：舞台灯光均匀、明亮时，可选择中央重点测光模式；当光线集中如追光时，可选择点测光。
4.建议设置为连拍，并配用高速卡，这样才能够抓住很多优美的动作。
如果你提前熟悉节目，对下一个动作有预判，就容易抓到优美的瞬间。
5.感光度根据现场光线一般可以设定在ISO800或ISO1600，便于使用较高的快门速度进行抓拍，而不会造成照片模糊的现象。
音乐与表演知识：舞台上的摄影和跟拍技巧
音乐与表演知识：舞台上的摄影和跟拍技巧在音乐和表演领域中，舞台是展示艺术家才华和创意的重要场所。
无论是摄影师还是跟拍人员，他们都要具备专业技能和创意，以捕捉舞台上的独特瞬间和情感体验。
本文将介绍舞台摄影和跟拍的基本技巧和注意事项，以帮助广大音乐和表演从业人员提高自己的职业水平。
首先，舞台摄影是一项需要灵活性和创造性的技能，要求摄影师能够在短时间内捕捉到演出力度、情感和表现。
为了达到这个目标，摄影师需要熟悉舞台上的道具摆放、演员的移动和照明布置，从而选择最佳的拍摄角度和光线照射。
同时，摄影师也需要考虑舞台背景颜色和音乐氛围，以适应拍摄场景，并在照片后期处理中进行调整和处理。
其次，跟拍是指在演出期间，持摄像机沿着演员或乐队的动作跟随拍摄。
这是一项需要身体力量和耐力的技能，要求跟拍人员能够在整场演出中始终保持专注和灵敏，记录下每一个艺术家的精彩瞬间。
为了实现这个目标，跟拍人员需要使用专业的摄像机和稳定器设备，以减少摄像机抖动和模糊的风险。
同时，跟拍人员还需要熟悉演出的节奏和曲目，以确保拍摄的画面与音乐相符。
无论是舞台摄影还是跟拍，摄影师和跟拍人员都需要注意以下几个方面：1.充分了解场地和演出时间表在选择拍摄角度和设备配置之前，摄影师和跟拍人员需要对舞台所在地和演出计划进行充分了解。
了解舞台布置和演出的节奏和情感，可以帮助他们选择最佳的拍摄位置、镜头和曝光时间。
2.注意光源和背景在拍摄舞台上的演出时，摄影师必须注意光源和背景，以确保画面的清晰和细节。
他们应该避免在太过昏暗或过亮的光线下拍摄，同时还应注意舞台前景和背景的组合，避免出现互相干扰的场景。
3.保持稳定和自然在操作摄像机或跟拍时，摄影师和跟拍人员需要控制好姿势和身体动作，以保证画面保持稳定。
同时，他们还需要注意自然感和节奏感。
尽量避免突兀或不必要的动作，以确保画面流畅和有吸引力。
4.精心后期处理最后，在拍摄之后，摄影师和跟拍人员还需要进行精心的后期处理，以保证照片和视频的质量。
舞台摄影名词解释
舞台摄影名词解释舞台摄影是一种以表演为主体、以舞台摄影机器作为记录载体的活动，是演出过程中记录表演瞬间、把演出留住、长久保存的一种特殊形式。
舞台摄影同演出艺术密不可分。
舞台摄影机是舞台摄影的主要工具，它是一款可以把表演现场画面投影到屏幕上进行观看的大型放映机。
舞台摄影机拥有高清影像、精细画质、静电除尘、自动缩放、镜头及投影系统，在舞台摄影中用的很多。
舞台摄影的活动过程分为拍摄前准备、拍摄、拍摄后处理三个阶段。
拍摄前准备是指在拍摄开始之前，需要展开内容框架设计、技术方案编制、现场环境布置、舞台摄影机器熟悉等一系列准备工作。
拍摄是指将确定好的整体框架内容及技术方案，通过舞台摄影机器来拍摄演出现场的全部内容。
拍摄后处理是指拍摄完成后，将拍摄的内容经过剪辑、压缩处理，制作成可以用于放映的影片。
舞台摄影的技术要求也很高，从摄影的仪表、设备、设计技术、胶片制作和数字技术等方面都有很多要求需要满足。
这里我们只涉及这些技术中的部分，用四个名词来简要说明：对焦技术、照明技术、缩放技术和色彩校正技术。
对焦技术是指通过改变镜头的焦距、景深、景深和曝光时间来调整影像的质量的一种技术。
照明技术是指舞台演出中使用的各种移动灯具，可以根据不同的演出需求，调整光源的强弱、距离、颜色和投射形状等。
调节缩放技术是指利用放大镜头来放大或缩小拍摄的画面，以便更好地把握拍摄内容。
色彩校正技术是指根据拍摄内容或演出需求，使用本色标示物，来调整色彩的温度、饱和度及色调等。
以上就是关于舞台摄影名词解释的介绍，舞台摄影对表演的记录和保存有着重要的作用。
它的技术要求也很高，需要有经验的摄影师来把握拍摄的内容，让舞台摄影的内容更加鲜活、生动。
舞台摄影：速度可以慢一点
乐享时光/摄影L eisure Time
84☐ 中国农业银行农银报业公司 李象凯
舞台摄影：速度可以慢一点
一张简单静止的舞台照，
只要曝光准确、速度得当，就
可以轻松抓拍到，但是这样的
画面一般会显得死板。
那么，
如何让欢快的舞蹈在相机的画
面中“活”起来？不妨尝试着
放慢曝光速度，采用慢门拍摄。
慢门拍摄可以让画面出现虚实
对比，拍出的舞台照具有动静
结合的效果，可以更加渲染舞
蹈的气氛，烘托节目的主题。
乐享时光
Leisure Time
85中国信用卡2018.07曝光速度要根据演员的动作快慢来调整，如果演员动作快，适当放慢曝光速度就可以拍出动态的感觉；如果提前了解了整个舞蹈，有的放矢地采用慢门拍摄，可以抓拍得恰到好处。
用慢门抓拍舞蹈中的跳跃动作，可以让效果更好，需要注意的是，在舞蹈演员起跳到最高处时按动快门，才能抓拍到相对清晰的面孔。
拍摄时，稍微放慢一下曝光速度就会有不一样的效果。
在掌握了简单的慢门拍摄后，可以尝试用更慢的速度去拍摄，让速度慢到“极致”，可能会出现意想不到的效果。
栏目编辑：谢香玲 xiexiangling@
乐享时光。
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浅谈舞蹈的舞台摄影
[摘要]舞台摄影作为摄影艺术的一个分支，有着它独特的魅力。
舞台的特殊性主要表现在舞台环境光线的复杂性和光量的特殊性，所以必须解决舞台摄影时测光选择和曝光选择这一技术性问题。
与此同时，舞台表演中的舞蹈摄影也是最具难度、最具代表性的，所以本文即以此为切入点，针对以上这些舞台摄影问题进行分析与研究，从而力图寻找到最佳途径予以解决并取得更好的摄影效果。
[关键词]舞台摄影测光曝光舞蹈
中图分类号：j7 文献标识码：a 文章编号：1009-914x（2013）14-0212-01
舞台摄影的基础
舞台摄影作为摄影艺术的一个分支，有着它独特的魅力。
但是舞台的光线条件是多变的，这为舞台摄影带来了一定的难度，对摄影者的技术有了更高的要求，同时也为舞台摄影作品中浓郁的光影色调感到惊叹。
舞台的特殊性主要表现在舞台环境光线的复杂性和光量的特殊性，它来自于当时的环境和各种各样的复杂灯光，一般来说舞台摄影都是在晚上，或在光线相对比较暗的场所开展的，周围的大环境相对来说是比较黑暗。
加之舞台上使用各种各样的霓虹灯，所以致使舞台出现光线复杂，光比大等现象。
因此，在拍摄灯光复杂，光比特别大的舞台时就会出现种种问题，主要是曝光不准确，相机无法对焦，照片品质差等。
所以必须解决舞台摄影时测光选择和曝光
选择这一技术性问题。
不仅能保证照片的拍摄成功以及照片的品质高度，还能充分利用灯光烘托出舞台剧照的美丽氛围。
相机的测光和自动曝光系统大都都是按照将被摄对象还原为18%的中性灰原理设计的，这样的设计能满足一般拍摄，但对于一些特殊的拍摄，就很难保证拍摄的成功。
测光有两种方式，一种是测量反射光，一种是使用独立的手持测光表。
一般相机的内测光系统就是是测量反射光，无论是平均测光，还是中央重点平均测光或者是点测光，只是测光的区域和范围不一样而已，没有其他本质上的区别。
数字照相机上的任何测光方式，对被摄体的形状，质地以及反光率的高低等，都是无法识别的。
要解决拍摄舞台测光选择，最重要的是把握好测光的位置，当我们拍摄光比很大的舞台剧照时，整个舞台场景必定有部分场景光量是充足的，有部分场景光量是很弱的，舞台上表演的人物也是同样。
我们把对焦和测光的位置对在舞台上光量充足的位置或反光率在18%左右的地方（这个位置也许是舞台上的主体，也许是舞台的次要位置），拍摄者在拍摄时就会得到正确的测光，拍摄时也能得到正确的曝光以及保险的快门速度，这样在拍摄舞台剧照时就能保证拍摄的成功。
解决了测光的选择，曝光的选择也不难解决。
不管拍摄者用的是自动程序曝光，光圈优先式曝光，快门优先式曝光还是手动曝光。
当测光准确了，数字相机内测光所得到的数值就会趋于正确，用何种曝光模式来曝光，相机内确定的曝光数值都是相同的。
拍摄者只需要根据当时的舞台表演对象要确定自己该用那种曝光模式，比如
说，拍摄高速运动的舞蹈是适宜选择快门优先式曝光模式或者手动曝光模式。
在舞蹈艺术的摄影中，要面对造型特殊、动感更为强烈的拍摄对象，所以可以说舞蹈摄影应该算是舞台摄像中难度最高的以个部类。
所以，这里我们就以此为列，来探讨一些相关问题。
舞蹈舞台的特殊性
舞蹈艺术活动的场地有很多，除了舞台这块天地，广场、马路等场所也完全可以成为舞蹈的活动空。
但是在舞台上的舞蹈，往往其专业性会更强，而且还会有灯光、布景等其它艺术元素与之相配合，所以这个问题无须更多解释。
相比之下，布景因素的影响则显得更为重要。
舞台的布景有三类，分别为软景、硬景和特殊布景，它们对画面构成的影响不能忽视。
其中的软景是软质材料所制成的布景，包括网幕软景、立体软景、花草布景平面的居多，立体的也是花草树木，很少与表演融合，所以拍摄时要注意它主体得色彩关系，更多的还是要关注表演。
而硬景则是以硬体材料制成的陈设，如与实体的房屋、家具、雕塑等。
硬景很多是作为演员的真实活动场地，作为表演载体与表演真正为特别的则是一些特殊布景，如大屏幕、激光、喷烟器、干冰机等设备。
这是根据节目需要而选用的，使用它们的目的是为了制造特殊效果，而它们的使用，也为我们拍摄出不同意境的摄影作品创造了条件。
不过有一点需要特别注意，就是遇到以大屏幕为背景的演出，则要尽量使用手动对焦，因为一旦使用自动
对焦，辅助光会减弱屏幕摄影的反差，而且特别容易造成失焦。
而从宏观层面上讲，这类摄影的核心问题，就是怎样好处理布景与主体得关系。
它包括明暗方面的黑、白、灰、色彩方面的色相关系、饱和度关系、冷暖关系，以及造型方面的种种因素。
只有将这三种关系处理得恰到好处，那么我们才能真正拍出舞蹈作品的神韵，才可能得到一幅好的作品。
面对传统舞蹈
舞蹈是无声的音乐，它可以细分为舞剧、芭蕾舞、民族舞、现代舞以及体育舞蹈等等。
其中大部分舞蹈表演的舞台特点，都是色彩鲜艳、视觉变化多，所以现场抓拍到精彩瞬间的机会也多。
但要注意，舞蹈离不开音乐，而音乐有节奏快慢之分，舞蹈也是节奏艺术，随着快与慢的韵律进行表演与造型，以及进行身段组合，其中的灯光色彩及动作组合，都是要随着音乐节奏而变化。
所以如何在瞬间做出选择，这取决于摄影者对舞蹈作品的理解，也取决于摄影者个人的审美判断与追求。
如果摄影师能找到自我感觉，则更容易创作出精彩的舞台摄影作品。
就拍摄的难度而言，相对容易一些的是传统舞。
这部分舞蹈包括古典舞、民间舞、芭蕾舞、国标舞等，都是以继承和发展一个理想原型为主。
芭蕾舞的理想原型如舞剧《天鹅湖》中的天鹅公主和王子，古典舞的理想原型是英雄花木兰、岳飞等，民间舞种则是以某一地域的风土人情为主，这些传统舞蹈的目的，便是把这个理想原型呈现出来。
因此传统舞蹈的动作、要领、技巧和舞蹈姿态，都有
较为固定的套路及程式，所以我们拍摄传统舞蹈时，只要抓住反映理想原型的最典型瞬间，就可以把观众和舞者心中的既定理想形象拍好、拍完美，摄影师的任务就完成了。
面对现代舞
现代舞产生于19世纪末20世纪初，其代表人物美国舞蹈家邓肯的著名论断，就是“内体的动作必然发展为灵魂的自然语言”。
可见，现代舞不以某一固定的理想原形为最高目标，而以探索及展现人的灵魂为目的。
“芭蕾舞跳条件，现代舞跳观念”，现代舞打破传统规范，表达舞者当下的思考与体验，强调每个人不同的特质，它不再有那个理想原形，每一个舞者都需要从自己的形体出发，去进行探索与尝试。
由于现代舞没有固定的套路与程式，充满个性与变化，所以这给摄影师带来相当大的挑战与难度。
没有定型的典型形象去抓取，而是要感受舞蹈的视觉形象，所传达出来的精神内涵，所以拍摄现代舞就需要摄“魂”“夺魄”，这也正是面对现代舞摄影的魅力所在。
现代舞的舞台表现形式和环境，相对来说光线较暗，舞蹈的节奏变化不定，而且情节、环境、场景常演常新，每个篇目演上一二场就会收兵，新的节目则随之而来，所以它不像传统舞的保留节目那样，可以几年甚至几十年不变，因此拍摄起来会有较大的难度和挑战性。
虽然现代舞的拍摄难度大，但也有规律可循。
首先是要把相机的感光度，在焦点和清晰度可接受的情况下调整到最高，光圈调到最
大，其目的是要保证在暗光下抓拍到优美的舞蹈造型与身段。
其后是进一步发挥摄影师的主观意识，如使用多重曝光、慢门等摄影技巧，在所摄画面中创造出静与动、虚与实的对比，通过摄影语言来有效地突出现代舞台表演的主题思想，甚至还要升华它的主题。
在具体的拍摄过程中，我们还应具备辩证思维能力。
在拍摄现代舞时，要做到身心放松、除掌握必要的技巧外，要想出好片，主要还是要凭个人艺术感觉，大胆地进行创作尝试，要把自己的感受与现场感觉结合起来。
总之，如果我们对现代舞摄影能应对自如，那么对其它舞蹈门类的摄影，甚至其它舞台演出的摄影，自然就会得心应手。
只要我们能尽量了解舞蹈、舞剧的主题思想，以及剧情变化、演员的调度、舞美灯光、服饰色彩等内容，那么拍摄出好的摄影作品，也就不再是一件难事。
作者简介
毛群路，男，1960年12月生人，辽宁沈阳人，现任沈阳音乐学院演出处实验师。