韦伯的创作特点

是一个富有民族精神这一的作曲家，大多是一以民间气质的音乐，真实地再现了特定的生活环境，他在创作中力求达到思想性和民族性有机的统一。

勃拉姆斯的创作特点

在勃拉姆斯的创作中交响音乐占有重要地位。在这类作品中，结构的原则、调性的布局、主题发展的逻辑性、复调思维的深刻性以及宏伟的气势等，都明显地看到巴赫、贝多芬的影响。他完整地继承了德、奥古典音乐的优良传统，同时广泛地吸收了欧洲各民族音乐文化的素养，在纯正古典音乐形式下，渗进了许多新因素（但很少采用标题），形成了“新古典主义”的音乐。

浪漫时期的音乐特点

浪漫主义音乐强调个人主观情感的表达，抒情性的形象在作品中占主要地位，其内容大多表现了理想与现实之间的深刻矛盾，偏重于幻想性的题材和着意抒发内心的感受。浪漫主义音乐更多地表现个性；它重视对大自然景物的表现，通过客观的抒情题材，用音乐艺术手法描写对一切美好事物的向往和热爱。它追求音乐中的民族、民间内容，本民族或其它民族的传说、故事和质朴民间音乐素材，使浪漫主义音乐获得了清新、纯净的气质和格调；它对古典乐派一些严格规范的题材、体裁、风格、表现手法与形式做了大胆的革新，丰富和发展了古典的传统文化。标题性音乐的发展，更体现了音乐与其它姐妹艺术相互融合的浪漫主义美学原则。

肖邦的创作特点

肖邦的创作可分四个时期。这一时期是肖邦一生创作的起点，作品已经闪耀着民族感情和民族风格的光辉华沙起义时期，这时期，肖邦的创作出现飞跃。肖邦为华沙起义的民族浪潮激起的爱国热情和对祖国亲人的思念，令他创作出强烈爱国主义内容与高度完美艺术形式相统一的早期杰作巴黎全盛时期：肖邦的具有深刻民族内容、独创的艺术形式和娴熟的钢琴表现技巧的创作日臻完美。他涉猎了各种音乐体裁，从练习曲、前奏曲、马祖卡等到结构复杂的叙事曲、谐谑曲、奏鸣曲等，获得极其丰硕的成果。晚期(1846年后)：肖邦这时的创作明显衰退，较重要的作品有《幻想波洛奈兹舞曲》、《f小调马祖卡舞曲》等，依然倾诉着对祖国、亲人的思念与期望。

瓦格纳的艺术成就

瓦格纳对传统歌剧进行了彻底的改革。他在改革中实施了“整体艺术观”、“无终旋律”以及“主导动机”的手法，并强调戏剧第一，音乐第二，坚持音乐必须服从戏剧内容需要进行创作的原则，扩大了歌剧中管弦乐队的编制（三管制或四管制），加强了乐队的表现力，他抓住了乐队的表现特点，通过“主导动机”

的运用来阐述戏剧内容，使乐队成为表达剧情内容的有效工具。建立半音化和声，淡化调式调性，创建了“特里斯坦”和弦，对20世纪音乐观念产生了重要影响。

舒曼的创作特点

一声乐作品借助诗歌的明确语义，充满真情，富于幻想，具有强烈的浪漫主义气质

二舒曼的艺术歌曲以爱情为主要题材，还兼有一些抒情的以风景描写为题材的歌曲和一些叙事曲

三、舒曼的艺术歌曲与德国民歌的联系比较隐晦，旋律很短小，大多不是结构完整的乐句

四、舒曼的钢琴伴奏写作具有非常独特的效果，歌曲旋律与钢琴伴奏结合完美，音乐形象鲜明

柴可夫斯基的创作特点

柴科夫斯基生活的年代正处于沙皇专制制度腐朽没落的时期，他热爱祖国，关心俄国人民的命运，但他又看不到俄国社会的出路。他从生活中深深感受到俄国政治的黑暗与腐败，但他的政治态度却又是保守的王朝拥护者。这种无法克服的矛盾不断促使柴科夫斯基对祖国的前途、社会的出路、人生的意义进行深刻的思考，并把这种生活感受融化到他的创作中去。这可以说是柴可夫斯基创作上的基本思想倾向。柴可夫斯基虽不直接选取现实的政治生活、社会冲突等作为自己创作的题材，但却通过自己对于时代悲剧性的感受，深刻揭示了对光明理想的追求、对生活意义的理解。

什么是谐虐曲

谐谑曲又称诙谐曲，一种三拍子器乐曲。其主要特点是速度轻快，节奏活跃而明确，常出现突发的强弱对比，带有舞曲性与戏剧性的特征。它常在交响曲等套曲中作为第三乐章出现，以取代宫廷风格的小步舞曲。“谐谑”是指用音乐来表现诙谐，幽默的情趣。作为乐曲，它的特点是3/4拍，快速、活泼的节奏。因此，它和小步舞曲有点相似，但速度要快一点。

韦伯的官僚制与官僚主义

韦伯的官僚制与官僚主义提到官僚制，很多人都会把它和另一个词联系在一起，那就是官僚主义。或者说，很多人会直接地把官僚制和官僚主义等同。其实，官僚制和官僚主义是不同的两个概念。首先，从定义上来说，韦伯所提出的官僚制，是指建立在知识的基础上、以行政效率为目标的一种科学理性的现代行政管理体制。而官僚主义则有不同的定义。［1］官僚主义不仅仅是一种思想作风，更是一种组织意义上的、制度性的现象。就像现实主义、浪漫主义这些词一样，官僚主义揭示的更多的是思想层面的东西。但与现实主义、浪漫主义不同的是，官僚主义与组织和制度密切相关。有学者认为，［2］官僚主义是组织和制度在结构上以及运行中的功能性变异。最常见的表现是形式主义、文牍主义、命令主义等。所以，从含义上看，官僚制与官僚主义就是不同的。 18世纪，法国重农主义学者维森特·德·古尔内，首次使用了“官僚制”这一概念。但是，我认为官僚制在古希腊、罗马时就应该出现了，官僚制应与政治相伴相生，是构成政治活动所必不可少的组织基础和运行机制。只不过古希腊罗马时期的官僚制没有显示出严格的组织体系和等级制度。现代意义上的理性官僚制是由马克斯·韦伯提出的，［3］他说，官僚制是现代社会不可逃避的现代性命运。现代官僚制的产生离不开资本主义的发展和社会分工的日益精细、专业。而官僚制也一直发展至今。对于中国的官僚制，韦伯曾作出这样的评价，中国的官僚制并不是真正意义上的现代官僚制。而事实也确实如此。现代官僚制是建立在法治和理性的基础上，且是社会生产力高度发展的结果。中国的官僚制经历了原始社会、奴隶社会、封建社会和社会主义社会，我们所熟知的是经历了漫长时期的封建官僚制。由于中国特殊的社会文化的影响，中国的官僚制存在着浓厚的人治因素，缺乏现代官僚制应有的理性精神和法治精神。［4］从本质上说，中国的官僚制是剥削阶级思想和旧社会专制衙门作风的反映。［5］有学者认为，科层化所引发的官僚主义和传统的官僚主义十分复杂地糅合在一起，构成了中国当代官僚主义的复杂形态。我认为，官僚主义是官僚制的衍生品，当官僚制沿着非理性的方向发展时，就会显示出官僚主义的种种弊端。韦伯所提出的现代官僚制虽然讲求科学和理性，但他所说的理性是一种工具理性，过于追求组织的行政效率，弱化了组织成员的独立人格，这样会产生很多问题。［6］就像西蒙所说：“我们发现理性完全是工具性的，它不能告诉我们去哪里，顶多告诉我们怎么去。它是一只供租用的手枪，能服务于我们的目标，无论好坏。”可以说，官僚主义是官僚制在运作过程中出现的失误，是一个很大的漏洞。我们不得否认的是，官僚主义的出现与官僚制有密切的联系。但是，官僚制却不是官僚主义产生的唯一条件。当我们思考一个事物的产生条件时，往往会联想到这个事物所处的时代背景以及各种主客观条件。官僚主义也是如此，官僚主义的产生有其特殊的社会政治、经济、文化方面的原因。以下，我将以中国为例，对官僚主义的产生条件作进一步的分析。［1］《官僚主义现象的组织社会学研究》杨建荣，出自时事观察［2］《官僚主义现象的组织社会学研究》杨建荣，出自时事观察［3］《官僚制的伦理困境及其重构》池忠军，知识产权出版社，2004年［4］《论官僚主义长期存在和难以消除的历史原因》饶学开，广西大学学报，第29卷增刊［5］《官僚主义现象的组织社会学研究》杨建荣，出自时事观察［6］《基础与困境：现代性视角下的西方官僚制》金太军，顾茜茜，出自《理论探讨》第148期

20世纪—21世纪初中国作曲家的艺术歌曲创作特点

龙源期刊网 https://www.360docs.net/doc/c09230100.html, 20世纪—21世纪初中国作曲家的艺术歌曲创作特点作者：刘懿来源：《北方音乐》2017年第17期【摘要】本文是对20世纪至21世纪初中国艺术歌曲创作特点的概述。分析艺术歌曲在整个民族音乐艺术和文化发展中的作用。从民族特殊性、扩大选题、诗歌源头以及作曲家丰富的写作技巧角度论证中国艺术歌曲创作发展的规律性。【关键词】中国艺术歌曲；歌曲创作；创作特点【中图分类号】J605 【文献标识码】A 中国音乐文化具有深厚久远的歌唱传统，这些传统决定了声乐体裁在我国专业作曲家流派中的特殊性。声乐体裁往往是中国作曲家艺术探索的中心，从古至今艺术歌曲的音乐体裁一直是探索的主要对象之一。众所周知，音乐理论紧跟实践运用；因此，研究者们对中国声乐作品发展进程的众多体裁感兴趣，也是合情合理、显而易见的。研究中国民族音乐发展的艰难历程就需要对其进行全面的考量，但是，也可以在不同题材研究的基础以及在这些题材历史继承性和相互关系的基础上进行考量。艺术歌曲创作最重要的意义是编写了整个民族文化历史，其中民族性占首要地位。20世纪中国的许多专业作曲家就是以歌曲和抒情歌曲作为开端，开创了他们的事业。贺绿汀的创作，以聂耳、冼星海、刘志、刘雪庵等人的创作为中心。对于后一代的作家来说这些音乐创作前辈们至今意义犹存。近十年的现代作品和珍贵的艺术作品创作都明显露出了周期性表现，并证明了这种周期形式的现实性和前景性。本文的主要目的是展现20世纪到21世纪初中国艺术歌曲创作的重要特征，以及对民族音乐创作、东西欧音乐传统风格的影响。我们将讨论该领域中非常重要的一个问题：音乐和语言之间的相互关系，它决定着汉语不同方言中的语音对旋律特征的影响程度，并把声乐作品中的作曲和戏剧创作变成具体的思维形象，以及复杂结构、题材和修辞方面的民族音乐思维元素。 20世纪同时也是中国成就西方音乐思维和作曲技术的时代。中国20世纪到21世纪初的音樂发展史中可以划分为几个时期。在1920-1930年代，第一批民族作曲家开始了他们的创作。中国音乐教育奠基人为萧友梅（1884-1940），他是中国第一位专业作曲家，在国外受过音乐教育的他，也开始在自己的作曲中利用和发展西方作曲技术。

电影声音设计中的电影音乐创作分析

电影声音设计中的电影音乐创作分析电影音乐创作属于电影声音设计的一个重要组成部分，它贯穿于电影声音制作的整个环节之中，其创作基于电影所提供的故事类型、情节、人物、地点、时间等。其次，电影音乐的表现力还能够在整个电影声音的构思中得到发挥，它能够完美呈现出电影的风格与特征。一、电影音乐创作三符号概括来说，音乐主体、视听与声音是电影音乐创作的三大符号。 (1)音乐主体。音乐的创作离不开相关的音乐语言要素，音乐本体是进行音乐创作的永久性工具。 (2)视听。电影音乐必须通过视听才能够完成一次美的体验，电影音乐实现电影化的关键在于正确把握视听语法并运用相关的视听要素。 (3)声音。电影音乐必须通过声音才能将其传达给观众，因此，音色、声强、频率等因素是音乐创作造型的重要因子。二、电影音乐设计以声音为基础的电影音乐设计在进行音乐设计时，首先要避免音乐与音响效果在频率上产生冲突。以电影《黑客帝国》为例，此电影属于动作片，整个影片注重于追求大响度，但是导演要求在保持激烈音乐与音响效果的同时，还要保证其清晰度。因此，声音设计师与导演的共同意见是通过音响效果与声音之间的切换来避免音频重合，例如在进行爆炸时，不会有中度低音，在玻璃破碎时也不会出现类似小提琴的这样的高音。另外，在处理音响效果与音乐在频率上存在的问题时，要根据影片的不同类型进行相应处理。对于动作片与战争片这种类型的影片，他们属于在同一时间有多种因素的影片，在进行处理时，要特别注意音乐化音响与音乐的分层处理。其次，在进行音乐设计时还要充分发掘电影音乐作为声音造型所需要使用的材料。音乐不仅可以用乐音来创作，也可以采用噪音来进行创作。例如，在电影《群鸟》中，作曲家与声音专家从鸟的尖叫声与扑打声中设计出了电声学的噪音效果，代替了管弦乐队的不和谐音。电影《精神病患者》中，则通过打破传统管弦乐配器的手法给观众带来了新的视听体验。三、以视听为基础的电影音乐设计在电影音乐的创作与设计过程中，音乐剪辑能在很大程度上满足观众与导演的视听需求，音乐剪辑是实现视听表现的源泉。音乐剪辑不仅是一种动作，更是一种观念。在进行音乐剪辑的过程中，首先要充分考虑到节奏的重要性。节奏

浅谈关于作曲的一些小技巧

浅谈关于作曲的一些小技巧之一作曲的技巧，有很多人都在谈，很多人都在和弦上花工夫。也有一些人完全按照感觉来写。诚然，按照下行5度和弦圈的经典走位，旋律怎么写都不是很难听，但学一些作曲的另外一些技巧，也许你的旋律会有另外一番天地。小生在这里抛砖引玉，希望大家都来谈谈自己的看法。小生写的不当之处，恳请各位高手指正。流行歌曲创作： 1：先有词后有曲。 2：先有曲后有词。这里我只谈第二种情况，即先曲后词。一：倒影。就像你在河上，看到河里自己的影子。如：33345 33321 在五线谱中，以3横线，就会发现，345往下翻180度的话，其旋律线条就会和321吻合。这样写出来的旋律，不会很散。二：模进。模进分严格模进和自由模进。严格模进要求各旋律音程之间完全一样。旋律线条也要完全一致。如：3323 2212 自由模进则没有这个限制。如：1123 3345（1和2之间是全音，3和4之间是半音，音程不同）三：重复。重复永远是音乐中不二法门，从段重复到小节重复，几乎每个作品中都可以看到他的影子。（注意，重复也是同度模进）四：对格。艺术都是相通的。在文学中某些技巧，放到音乐里也完全适用。在一些诗联中，第一句的最后一个字，是第二联的第一个字。放到音乐中的话，就是第一句最后一个音符，是第二句的第一个音符。然后依次类推。如：123 312 234 465 大家注意，前面的最后一个音符，都是后面的第一个音符。在李宗盛的鬼迷心窍中，通篇都是使用的对格的技巧。大家有兴趣的话不妨回家把谱子翻出来看一看。五：前面说到艺术是相通的，并借用了文学技巧，这里我们借用国画技巧来看看是怎样的。1：疏密有致。在国画中，如果中间画了很多的树，在四周一定要留出大量空白的地方。这

马克思韦伯的官僚制理论

马克思·韦伯的官僚制理论马克思·韦伯是官僚制理论的奠基人，被称为“组织理论之父”。韦伯首先立足于西方独特理性主义来审视理性官僚制，并通过西方现代官僚制与中国传统制的比较来加以说明。他倡导的官僚制是一种纯粹的、抽象的、标准的的组织形态，他所谓的“官僚制”是指一种以分部——分层、集权——统一、指挥——服从等为特征的组织形态，亦即现代社会实施合法统治的行政组织。从纯技术的观点来看，“官僚制”确是最高的组织形式。他所倡导的层级官僚制理论的主要内容就包括了专业化分工、等级制、对法理化规则的遵从以及非人格化等方面。韦伯认为，作为一种理想的行政组织形式，官僚制具有以下基本特征: 1.合理的分工。工作的专业化便是这种高度明确分工的结果。 2.层级节制的权力体系。官僚制组织是一个等级实体，具有等级与权力一致的特征，形成官僚制中层级节制的权利体系，以保证在组织权力中政令畅通。 3.依照规程办事的运作机制。官僚组织通常要制定一整套规则程序来规范组织及其成员的管理行为，以保证整个组织管理工作的一致性和明确性，保证官僚制组织的合理性、合法性、稳定性和连续性。 4.行程正规的决策文书。有利于下级组织及其成员明确任务权责及规范要求，加强控制，促进组织更加有效、更便捷的实现目标。 5.组织管理的非人格化。在实行官僚制组织中，管理工作是以法律、法规、条例和正式文件等来规范人的行为的，公务活动中不得掺杂个人情感、偏好等非理性因素，在组织成员之间的公务关系中存在的只是对事的关系而非对人的关系，不考虑任何私情关系。 6.适应工作需要的专业培训机制。官僚制是建立在高度分工和专业化基础之上的，提高其服务数量和质量，从根本上提高组织的工作效率。

音乐作品分析

音乐作品分析 1. 乐段是构成独立段落的最小的结构。乐段的特征：①乐段是音乐作品中表现完整乐思或相对完整乐思的最小结构，是建立在单一主题上的，最小的完整曲式。②乐段的组成部分是乐句，乐句间相互用终止式划分开来，又通过终止式的功能关系联合成有机的曲式结构。③乐段常由几个乐句组成，这些乐句之间具有问答呼应的关系。④主调音乐风格的乐段，在陈述发展和结束乐思时，和声的表现手法起很大作用。⑤乐段的结构规模一般不太长，但形式完整，统一，能体现鲜明的音乐形象。⑥乐段可以作为独立乐曲的曲式，也可以是较大型作品的一部分。 2. 单乐段划分依据原则：①依据和声——调性布局可以分为开放性乐段（乐段不结束在原调的完全终止），收拢性乐段（乐段结束在原调的完全终止），转调乐段（乐段结束在从属调）等；②依据主题材料及乐思发展的状况可以分为：重复性乐段，飞重复性乐段，展开性乐段，“无终旋律”式的乐段等； ③依据乐段拥有的乐句数量可以分为：二乐句乐段，三乐句乐段，四乐句乐段，多乐句乐段等；④依据结构的模式可以分为：方整性乐段，不方整乐段等。 3. 乐段的补充，扩充和约缩 A ．补充——乐句或乐段末尾形成终止式以后的收束性扩展称为补充。补充的典型形式是：①延长或反复主和弦，如肖邦《g 大调前奏曲》最后8小节。主和弦的延长常常构成主音持续音，并常常出现下属系的和声或向下属系的离调和转调；②反复终止和弦，如贝多芬《第十一钢琴奏鸣曲》第二乐章9~12小节。③用正格终止结束以后再用变格终止作为补充终止，如格里格《加德》最后9小节。 B ．补充——乐句或乐段在内部（即在用终止式结收束以前）进行结构的扩展，称为扩充。扩充的方法有：①动机或乐节的反复，模进，模仿或变奏。②延长终止和弦。③在阻碍终止或不完全终止后，重复前面的乐节或乐句，最后以完全终止结束。④用复调手法，变奏手法或调性发展的手法扩充内部结构。

韦伯官僚组织理论

韦伯的官僚组织理论一、个人简介马克思·韦伯（Max Weber，1864-1920），德国学者，与马克思、涂尔干齐名，并列为现代社会学的奠基者，公认的社会学三大“奠基人”之一(另外两位为迪尔凯姆、齐美尔)。其对西方社会的影响是巨大的历任析林、弗莱堡及海德堡等大学教授。一生著述甚多，以《宗教社会学论文集》及《经济与社会》等最为重要，以《新教伦理与资本主义精神》等最为国内读者所知晓。韦伯1864年4月21日生于埃尔福特，1882年入海德堡大学学习法律，1883年在斯特拉斯堡服兵役一年，1884年入柏林大学攻读法律。完成并出版讲师资格论文《罗马农业制度的历史对罗马公法与私法的重要性况》，开始在柏林大学教授罗马法、日耳曼法及商法，后学术重心从法学转向经济学。1894年放弃名校柏林大学法学教授机会，反接受当时地位甚低的地方性大学弗莱堡大学聘请出任经济学教授。1896年转任海德堡大学政治科学教授。1897--1903年精神崩溃，被迫停止一切教学、研究与政治活动。1903年重返学术活动。1910年参与创立德国社会学学会，后于1913年因社会学方法论之争退出德国社会学会。1920年6月14日因肺炎病卒。1921年未完成遗稿《经济、诸社会领域及权力》由遗孀玛丽安娜整理以《经济与社会》书名出版。二、韦伯官僚制理论的现实（实践）基础（一）政治与行政的分离。第一，在实践方面，韦伯通过对德国市民阶级的分析，指出德国的市民阶级没有成熟到成为德国民的政治领导阶级，他们“有着情愿服从于官僚支配的心态，市民阶级的价值取向可以允许权力与文化政等问题被化约到技术层面，而政治可以被缩小到一个完全形式地维持国家存在的状况，不许有任何内容的实质目标——仅仅只是毫无信仰的日常照顾而已”。“政治厌倦症”、“非政治的精神”成为德国市民级的价值取向。因此这就为韦伯官僚制理论中政治与行政的分离提供了实践基础。第二，在理论方面，韦伯的官僚制理论与威尔逊的政治与行政两分理论是紧密联系在一起的。威尔发表于1887 年的《行政学研究》一文被称为是现代美国公共行政研究的起点，他本人也因此文而成为国公共行政学的创始人。他在书中指出，“行政学研究的目标在于了解：首先，政府能够适当地和成功进行什么工作。其次，政府怎样才能以尽可能高的效率及在费用或能源方面用尽可能少的成本完成这些当的工作。”为了政府成功有效地完成工作，威尔逊又进一步提出了政治与行政两分法原则，即把政制定与政策执行分开，“行政管理的领域是一种事务性的领域，它与政治领域的那种混乱和冲突相距远。”这种理论的建构就为韦伯的官僚制理论体系提供了学理上的支持，因此，有人把韦伯的官僚制论模式称为韦伯—威尔逊模式。（二）科学管理原理。 20 世纪初，泰罗所领导的科学管理运动以及构建的科学管理理论以巨大的声势在全世界产生了广泛影响，同时也为韦伯的官僚制理论体系的构建提供了科学的实验依据。科学管理的主要贡献表现在：第一对事不对人的管理。这就剔除了管理者在管理中的价值影响，也为韦伯官僚制理论形式理性与价值理性区分奠定了基础。第二，制度和程序化的管理模式。泰罗的科学管理是建立在企业组织由小规模的手工场向大规模现代工厂转变的基础上的，因此，其管理模式是以制

贝多芬音乐创作的特征及其形成的原因

贝多芬音乐创作的特征及其形成的原因郑少荣韶关学院韶州师范学院音乐系143教育一班 42号摘要：贝多芬作为古典主义时期代表人物，集古典音乐的大成，同时开辟了浪漫时期音乐的道路，对世界音乐的发展有着举足轻重的作用，被尊称为“乐圣”。他通过自己的创作，反映了那个时代伟大的人民运动和最进步的思想。他以时代和个人的命运为题，通过深刻的哲理和感人的艺术形象相结合，写出了一系列交响乐作品，表现了从斗争到胜利、从黑暗到光明、从苦难到快乐的资产阶级上升时期的精神历程。本文主要通过当时的社会背景及贝多芬的情感历程阐述他不同时期的创作风格。关键词：贝多芬；创作风格；古典主义时期贝多芬一生经历了法国大革命前后欧洲社会的激烈变革，他的作品是时代和个性的产物，社会因素及坎坷的人生经历使他的音乐创作富有鲜明个性及时代特征。一、早期创作特征（1792―1802年）贝多芬1792年以前一直生活在波恩，在这里，他师从聂费，也是这一时期对他帮助和支持最大的人。当时受到法国“启蒙运动”和德国“狂飙运动”的影响，贝多芬此时的思想接受自由平等博爱的新观念，资产阶级人道主义思想也逐渐形成。1972年，他来到维也纳，师从海顿，开始了他的早期音乐创作。这一时期，他充分展示了自己的音乐天才形象，显示出旺盛的写作欲望及生科的独创性，得到了维也纳上层社会的欢迎。他的创作带来一种前所未有的力量和生气勃勃的气势。与此同时，贝多芬经历了人生和命运的巨大痛苦和考验，他的耳聋病症带来无法形容的痛苦，但最终战胜自己的沮丧，对艺术的崇高信念使他继续在不幸中生存和奋斗。这时期的重要作品有前两部交响曲和钢琴协奏曲，包括“悲怆”（Op.13）、月光（Op.27，No.2）、暴风雨（Op.31，No.2）在内的前20首钢琴奏鸣曲，一系列变奏曲，大提琴奏鸣曲，6首弦乐四重奏和钢琴三重奏等室内乐作品等。二、中期创作特征（1803―1814年）这是贝多芬音乐创作的成熟时期。1979年法国大革命爆发了，崭新的资产阶级思想很快传遍欧洲，他与被压迫的人民有着强烈的共鸣，这种先进的思想也是贝多芬的政治思想发生了重大转变。他一生从未停止过对自由和平等的追求，他在《第三交响曲》中所讴歌的“伟大的人”意味着一个新兴阶层和力量的呐喊，标题为《英雄》。作品中所蕴含的力量和热情，如同他那强烈的个人奋斗意识一样，其震撼力像法国大革命掀起的风暴那样猛烈而动荡。这样的风格也是种贯穿在这一时期的音乐创作中，他也是第一个把时代与社会背景用音符记录在音乐创作中的作曲家。《第三交响曲》（Op.55，1803―1804）的构思与完成，标志着贝多芬创作盛期的到来。大量的杰作在这时期产生：从第三到第八交响曲，第三到第五钢琴协奏曲，从第21首“瓦尔德斯坦”到第26首“告别”的钢琴奏鸣曲，小提琴协奏曲及“克罗采”、“春天”小提琴奏鸣曲，还有为戏剧、歌剧或芭蕾舞剧写的管弦乐配乐及序曲《科里奥兰》、《埃格蒙特》、《莱奥诺拉》及《普罗米修斯》，歌剧《费德里奥》等，这时期贝多芬以大量的创作显示出

50音乐学专业《曲式与作品分析》

成人高等教育学士学位《曲式与作品分析》考试纲要第一部分课程说明一、课程的性质和设置说明《曲式和作品分析》是为培养和检验应考者的曲式和音乐作品分析基本理论和应用能力而设置的一门基础理论课程。包括两方面的内容：一是曲式分析基本理论;二是音乐作品内容分析。要使学生比较全面系统地掌握各种曲式类型的特征以及判断依据，能分析具体的音乐作品的曲式特征及音乐内容特征。二、参考书目《曲式分析基础教程》（高为杰陈丹布编著）第二部分考试内容和考核目标第一章：绪论 1、曲式的定义及概述。 2、有关曲式结构的一些基本术语概念。 3、曲式发展的基本结构原则。 4、音乐的陈述类型。第二章：一段曲式 1、识记：什么是一段曲式；乐句、乐节和乐汇之间的区别;一段式的分类原则。 2、理解：一段曲式的特征；乐段内部各单位的相互关系；复乐段的结构意义。 3、重点分析曲目：格里格《我爱你》巴托克《献给孩子们》。 4、分析要求：能在乐谱上划分乐句；作简要的和声分析；说明音乐内容。第三章：二段曲式 1、识记：什么是二段曲式？二段式呈示段的特征；什么是再现的二段式？什么是无再现的二段式？ 2、理解：二段式第二部分与第一部分之间的对比主要表现在哪些方面？ 3、重点分析：舒曼《初衷》格里格《索尔维格之歌》。 4、分析要求：在乐谱上划分乐句；判断曲式形式；画出曲式结构图；分析音乐内容。

第四章：三段曲式 1、识记：什么是三段曲式？什么是引伸型中段？什么是并置型中段？ 2、理解：引伸型中段和并置型中段各有哪些特点？ 3、重点分析：肖邦《玛祖卡舞曲》OP33NO2 《在银色的月光下》。 4、分析要求：判断何种类型的三段曲式；画出结构图式；分析中段写法;说明音乐内容。第五章：三部曲式 1、识记：三部曲式的基本结构图；中部的写法可分为哪两种基本类型？什么叫三声中部？ 2、理解：三部曲式的基本特征；呈示型中部与展开型中部有哪些不同？ 3、重点分析：贝多芬《钢琴奏鸣曲》OP2.NO1第三乐章肖邦《降E圆舞曲》OP18 柴可夫斯基《如歌的行板》 4、分析要求：在乐谱上划分乐句、乐段；判断曲式类型；画出结构图式；分析音乐内容。第六章：变奏曲式 1、识记：变奏曲式的定义；什么是固定低音变奏？什么是装饰变奏？ 2、理解：变奏曲式依据变奏方式的不同可分为哪几种类型？ 3、重点分析：阿连斯基《固定低音》OP5.NO5 莫扎特《主题与变奏》刘庄《钢琴变奏曲》 4、分析要求：能较准确地描述变奏曲主题及各个变奏的创作手法特征及调性布局。第七章：回旋曲式 1、识记：什么是回旋曲式？画出其图式。 2、理解：回旋曲式插部与叠部之间的关系。 3、重点分析：洗星海《到敌人后方去》贝多芬《钢琴奏鸣曲》OP14.NO2第三乐章。 4、分析要求：在乐谱上标出叠部和插部；画出曲式结构图。第八章：奏鸣曲式、回旋奏鸣曲式及其他 1、识记：奏鸣曲式的定义、结构图式；回旋奏鸣曲式的定义、结构图式。 2、理解：奏鸣曲式的呈示部、展开部及再现部各有哪些特征？回旋奏鸣曲式与奏鸣曲式、回旋曲式各有哪些不同？

浅谈中小学音乐创作教学

浅谈中小学音乐创作教学王亚丽 (岷县闾井镇中心小学，甘肃定西 748407) [摘要]：音乐创作教学是音乐新课程改革中一个崭新的领域。在中小学音乐创作教学中应注意消除音乐创作神秘感，采取循序渐进的教学方法，逐步激发学生学习兴趣，使之体验到音乐创作的快乐，最终实现培养学生创新能力的教学目标。 [关键词]：新课程音乐创作教学方法引言由国家教育部制订的《全日制义务教育音乐课程标准》第一次把“音乐创造”作为四个内容标准之一，这样的拓展表明新课程标准对发展学生创造性思维能力的重视。在中小学音乐教学中大力开展音乐创作教学，是发挥学生想象力和思维潜能的重要手段，对培养具有创新精神和实践能力的新型社会人才具有十分重要的意义。在中小学音乐创作教学实践中应该注意哪些问题，是中小学音乐教师普遍关心的问题。一、消除音乐创作的神秘感古今中外，许多感人至深的音乐名做都是作曲家在艰苦的脑力劳动中创作出来的。所以人们想当然地认为作曲不是一般人可以涉足的，超出了普通小学生在音乐课堂上的学习范围。然而，中小学生并非没有音乐创作的愿望和能力。我们没有理由认为能写作文、会自由绘画的儿童，不能创作出自己的旋律和节奏。中小学音乐教学不以培

养作曲家为教学目标，学生只要能通过创作实践获得体验，从而加深对音乐美的理解也就达到了目的。从个体成长发育角度看，音乐创造的欲望是与生俱来的。婴儿的咿呀之声不仅仅是说话的前奏，也是歌唱和无拘无束作曲的开始。我国学者许卓娅研究发现：婴儿在3个月左右时就会开始进行嗓音游戏，2岁前后许多儿童开始进入近似歌唱的阶段，3岁的儿童能够为短小、重复的歌曲填写新的歌词，4岁的儿童已经初步意识到创作应该与别人不同，4—6岁的儿童在良好的教育影响下能独立地即兴哼唱出相对完整的新曲调…… 中小学生是具有音乐创作能力的，关键是要通过各种手段激发他们的创作兴趣，培养他们的创造欲望，从而破除他们对创作的神秘感、恐惧感。首先，要使学生相信自己具有创作音乐的能力，教师可以用大量的事实鼓励学生，使他们从原有的思想束缚中解脱出来。其次，在创作实践中采取循序渐进的教学方法，使他们在实践中看到自己的成绩和进步。教师也要尽力发现学生在创作上每一个细小的闪光点，适当给予赞扬。重要的是，要帮助学生创作出较为流畅自然、相对比较理想的作品，好像朗读学生作文中的范文一样，在课堂上予以吟唱、分析。这样，学生必然会增强信心提高兴趣，获得成功的乐趣。二、将创作教学带入到其他音乐教学当中音乐作品体现着音乐创作的一般规律，以作品为载体，在欣赏教学、歌唱教学和器乐教学中，处处都可以渗透音乐创作的知识和技能。例如：在欣赏民族管弦乐曲《春江花月夜》时，可以向学生介绍

音乐的艺术特征

音乐艺术区别于其它艺术的最根本的特征是，音乐是一种流动的声音的艺术。它不像文学、美术、雕塑一样欣赏者可以直接欣赏到创作者的作品，而音乐艺术需要音乐表演这个中间环节来作为作曲家和听众之间的纽带。所以说，音乐表演是音乐存在的活化机制，无论在何种音乐音乐行为方式中，音乐表演都使整个音乐活动处于激活状态。因此，音乐的表演作为二度创作，就是再次赋予音响动态结构以生命的形式，即充满着丰富情态意味的音乐运动。表演具有赋予作品生命的活化机制。正如小提琴家梅纽因所指出的：“演奏家的任务是什么？他处在作曲家和听众之间，把活的因素传给写在谱表上干巴巴的音符，把它们的生活脉动恢复起来。”表演的活化机制一方面体现在使符号形式转化为活生生的声音动态，使欣赏者感受到具体可感的听觉意象；另一方面表现在优秀的作品都是经过一代代的演奏家们不断地传播（也依靠录音手段），才使之得到保存、并在社会音乐生活中有持久的生命力，从这个角度来看，音乐作品的发展史就是作品的演奏史，每一次演奏的再创造都是音乐作品生命存在与发展的一部分。反之，有些杰作被演奏家忽略而渐渐失去影响成了保存于博物馆的档案，在演奏家的挖掘整理后，才得以复活。美国

小提琴家考夫曼使维瓦尔第的8首遗失的协奏曲在音乐会上重放光芒，李赫特救活了舒伯特的一些被遗忘的优美的奏鸣曲就是证明。诚然，音乐表演是一门对技巧性要求很高的艺术，表演者需经过多年的演奏或演唱训练才有可能表现好音乐，就音乐的演奏讲，能否对乐曲注以生命，往往是演奏能否成功的关键。例如在钢琴艺术中慢乐章的演奏是很见功力的，它既需要理智又需要诗人善感的气质，才能将每个乐句的表现与和声的色彩恰如其分表现出来。钢琴家鲁道夫·费尔古斯尼曾在一次访谈中说过：“我尽量避免使用技巧（technique）这个次，因为我给这个词的定义不同于大多数音乐家对它的理解。技巧通常被视为弹奏的速度和准确性，同样，人们也常常认为它与乐曲如李斯特的练习曲、肖邦的练习曲、拉赫玛尼诺夫的协奏曲有关联。但我认为：在弹奏莫扎特某乐段节奏缓慢的乐曲中某个柔和的音符时，你所需要的技巧并不少于弹奏李斯特狂想曲中某个急风骤雨般的段落。技巧是许多因素结合而成的。这些因素包括：对速度和节奏的掌握、踏板的使用、触键的轻重、段落的处理。显然，如果你要弹奏的是一些很难的乐曲，你就必须使身体各部分协调起来共同为演奏作好一切准备，此外，你还得有某些被人们

浅谈音乐创作教学中的一些简便的实践学习方法

经历几年的教学，我在实践中对音乐课堂的创作教学进行了一些尝试。1、依靠原课文材料进行创作，启发学生创造性地进行艺术表现基于课文原材料的基础上，进行音乐创作实践。例如：让学生把学会的这首歌的内容展开，去想象，去创作。把他们对歌曲感受到的最美妙的东西完整地表现出来。所以，我请学生上台来说一说歌曲描绘的故事，他们都讲得有声有色，有的甚至还会模仿不同角色的语言声音来表现故事中的每个角色的特点，他们各显身手，都想表现自我的创作才能。 2、进行旋律片段的创作旋律片断的创作，目的是要发展学生的音乐思维能力，要指导学生进行大胆想象，进行旋律片段创作的练习，，通过一定数量的练习以后，适时地进行理论上的总结，并以这些规律去指导今后的练习则大有好处。例如，为旋律选择未尾结束音的练习做多了，我们可以进行总结“一个完整的旋律其结尾往往给人以终止的感觉，造成这种终止感的因素之一，便是旋律以它所属的调式中最稳定的主音为结束音”。平时在唱歌、视唱、欣赏以及旋律片断等教学中要适时地进行总结，各种调式的主音是什么。如大调式主音是1，小调式主音是6，商调式主音是2，徵调的主音是5等等。平时也可介绍旋律发展的手法，如：重复，模进，对比。如：师生互动，接唱旋律，我们唱出或者弹出前半段（句）曲调，请同学们去接唱，如：老师唱：1 2 |3- |，学生就唱：3 2 |1- |（师）3 4 |5- |（生）5 4 |3- |等，加强他们对乐曲终止及曲式中起承转合的感性认识。 3、表演类的创作小学生天性好动，他们往往不满足于仅用歌声来表达自己的内心情感，而更喜欢用动作加以补充。他们期望老师允许其边唱边动作或边欣赏音乐边动作来表现音乐。事实上，依靠身体动作有助于更好地感知音乐的节奏，因此，教师要善于创造一切有利于学生用形体动作表现音乐的机会，以此促进学生即兴创作能力的提高。即兴律动。学生在静听音乐的基础上，创编出与音乐相符合的动作进行表演。如：《小企鹅》一课，在听唱歌曲的基础上，让学生通过模仿小企鹅的动作来，既进一步理解巩固了歌曲，加上动作，很好地配合了歌曲的节奏，对掌握歌曲的旋律学习也极为有利。又如《小雨沙沙》这首歌曲，宛如一幅画，绘声绘色地再现了春雨的场面。在教唱时，先准备好打击乐器，一部分学生边唱边做下雨和麦苗的动作；另一部分学生按歌曲节奏敲击沙捶进行伴奏。学生边做动作、边唱歌曲、边伴奏。这样生动地表现了歌曲的场面和意境，活跃了课堂气氛，在歌曲中培养了学生的实践能力。 4、听赏后即兴表演欣赏教学中经常要进行创作活动。先让学生静静地专心聆听音乐，边听边想，然后引导学生根据音乐展开想象，通过情景、律动、舞蹈、声势（拍手、拍腿、跺脚）等自由地表演音乐的节奏、旋律或内容。如：《采茶舞曲》，学生在欣赏乐曲的基础上，让学生扮演角色，通过动作来表现采茶女的情境，再现的欢快的劳动的音乐形象。总之，音乐课堂教学创作活动与表演融合在一起，灵活多变，随意而为，敏捷而又自然流畅，因为具备这些特点而深受学生的喜爱，并很容易使学生产生浓厚的兴趣，从而有利于培养学生的兴趣、自信心，也有利于个性的发展和思维的提高。在音乐课堂教学中，通过各种形式的音乐课堂的即兴创作，能够唤醒了学生沉睡的潜能，激活了学生封闭的记忆，开启了学生的心灵，放飞了学生的情感，使新课标下的音乐课堂成为师生共同发展的广阔天地。

聂耳的音乐创作的风格特点和历史地位分析

聂耳的音乐创作的风格特点和历史地位分析内容提要: 本文从聂耳的生平与音乐创作两方面入手，结合当时的历史背景，深入浅出地分析了几首聂耳的音乐作品。并从其创作的风格与特点出发，宏观阐述革命战争年代音乐以及音乐家的作用和历史地位。关键词: 聂耳创作风格特点历史地位聂耳是我国一名伟大的音乐家，在其短暂一生写出了很多脍炙人口的音乐。有反映旧社会工人阶级工作、生活和斗争的，如《大路歌》、《码头工人》；有反映中国人民苦难生活的作品，特别是描写广大妇女生活和思想感情的，如《铁蹄下的歌女》、《梅娘曲》、《塞外村女》、《飞花歌》；还有许多的爱国歌曲的创作，如《义勇军进行曲》、《毕业歌》等。聂耳的歌曲具有强烈的时代气息，他是中国无产阶级革命音乐的奠基人。一、简介聂耳聂耳，原名聂守信，字紫艺（又子义），原籍是云南玉溪，于1912年生于昆明。不幸的是他在1935年7月17日游泳时淹没于日本神奈川县藤泽市的鹄沼海中，终年23岁。聂耳的成长历经着封建军阀混战、“五卅运动”等事件，在这种充满矛盾冲突的社会环境下，使聂耳加深了对社会现实的认识与思考，他于1928年秋，加入了当地的共青团。在成长中，他找到了自己奋斗目标的人生观——“打倒恶社会，建立新社会”（见聂耳中学作文《我的人生观》1928年于《聂耳专辑》第一辑），而逐渐走上艺术的道路。 1931年，他进入了里黎锦晖领导的“明月歌舞剧社”，从中得到了丰富的生活经验而且开阔了艺术视野，专业技能也能有所提高，像他的小提技巧和作曲理论等。在学习的过程中，他也在不断的自我反思，认识到“不论你从哪条路跑，你对于哲学的基础不稳定，终于是难得走通的”；“新的脑子的培养不是用一个模型一套便一次铸成永不腐败的。它正如一棵嫩小的植物，随时需要合理的灌溉。……脑筋若无正确的思想培养，任它怎样发达，这发达总是畸形的发达，那么这一切的行为都没有稳定的正确立足点”（见聂耳1931年8月16日的日记，载《聂耳全集》下卷）聂耳的爱国热情在接踵而来的“九一八”事变中得到了激发，并推动了他对提高自己的觉悟的迫切要求，在1932年时，他参加了中国左翼“剧联”的剧评小组，最终离开了与自己理想相去甚远的“明月歌舞剧社”，并放弃演奏小提琴，而要做“革命音乐”，为劳苦大众作曲。二、浅谈聂耳的音乐创作聂耳在1933年与田汉、任光等人组织了“中国新兴音乐研究会”，成为了左翼音乐活动的主要骨干，并且以他炽热的爱国热情和深沉的民族忧患意识创作了大量的展现中国人民生活风貌以及反映中国人民心声的音乐作品。这些作品在近代音乐史中具有不可磨灭的历史价值。从1933年开始，聂耳就开始用音乐去表达一个阶级的心声，也真正的投入到革命音乐的创作中，先后创作了影片《母性之光》的插曲、《开矿歌》以及《卖报歌》等。他之所以被称为中国音乐史上第一个准确刻画工人阶级形象的作曲家主要是他能够用音乐完美的表现工人阶级的工作和生活。如《大路歌》（田汉词）、《开路先锋》（孙师毅词）、《码头工人》（百灵词）、《打长江》（田汉词）等。`这些歌曲深刻地揭示了我国无产阶级劳动群众在帝国主义和国内反动统治

浅析韦伯的官僚制理论及其对现实的影响

论韦伯官僚制理论及其对现实的影响政治与行政学院 2011级行政管理5班马梅 201103340533 摘要：马克思·韦伯所倡导的官僚制理论，从整体上可以看作是一种理想型的组织设计状态。不得不承认，韦伯提出的以分部—分层、集权—统一、指挥—服从等为特征的组织形态的理论在组织中是必要的也是重要的，他强调的组织的劳动分工体系、调节成员关系和行为的规范秩序、对个人自利追求的激励和制裁体制不管是在发展经济还是在政府机制中都有重大意义；但是他有过分看重的层级节制体制、组织效率、职能权限划分、非人格化的追求等方面使他的理论又成为纸上谈兵。因此，在今天的组织中，我们不仅要借鉴韦伯官僚制理论中的优秀元素，又要把握好尺度，扬长避短，辩证的看待、辩证的借鉴、辩证的应用、辩证的发扬。关键词：韦伯；官僚制；理性；现实意义一、官僚制产生的背景 (一)社会政治背景现代官僚制源起于传统的农业社会向现代的工业社会转变的社会历史背景之下,19 世纪后半期,普鲁士通过三次王朝战争实现了德国的统一,扫除了德国资本主义发展道路上的重重障碍。普鲁士资本主义的迅速发展,全面瓦解了容克的经济基础——封建庄园。为此普鲁士王朝把重要的军官职位和政府官位赐给容克作为补偿。统一后,德国工业化进程加快,但是受到德国容克政权束缚,德国处在以旧的、家族为基础的企业制度向资本主义企业制度过渡的阶段。随着社会发展,行政管理事务变得复杂繁多,工业社会意欲突破传统农业社会时期的传统的习俗、伦理及道德的束缚,而追求稳定的和有法律保障的制度形式成为资产阶级的普遍利益要求,行政管理日益得到社会各阶层的广泛重视,韦伯理性官僚制正是在这样的政治背景下得到产生和发展的。 (二)社会经济背景近代资本主义的社会经济制度促进了官僚制的产生与发展,官僚制作为一种稳定的有效率的管理体制,它极大地迎合并推动了近代资本主义机械化大生产的需

音乐作品分析

1.乐段是构成独立段落的最小的结构。乐段的特征：①乐段是音乐作品中表现完整乐思或相对完整乐思的最小结构，是建立在单一主题上的，最小的完整曲式。②乐段的组成部分是乐句，乐句间相互用终止式划分开来，又通过终止式的功能关系联合成有机的曲式结构。③乐段常由几个乐句组成，这些乐句之间具有问答呼应的关系。④主调音乐风格的乐段，在陈述发展和结束乐思时，和声的表现手法起很大作用。⑤乐段的结构规模一般不太长，但形式完整，统一，能体现鲜明的音乐形象。⑥乐段可以作为独立乐曲的曲式，也可以是较大型作品的一部分。 2.单乐段划分依据原则：①依据和声——调性布局可以分为开放性乐段（乐段不结束在原调的完全终止），收拢性乐段（乐段结束在原调的完全终止），转调乐段（乐段结束在从属调）等；②依据主题材料及乐思发展的状况可以分为：重复性乐段，飞重复性乐段，展开性乐段，“无终旋律”式的乐段等； ③依据乐段拥有的乐句数量可以分为：二乐句乐段，三乐句乐段，四乐句乐段，多乐句乐段等；④依据结构的模式可以分为：方整性乐段，不方整乐段等。 3.乐段的补充，扩充和约缩 A．补充——乐句或乐段末尾形成终止式以后的收束性扩展称为补充。补充的典型形式是：①延长或反复主和弦，如肖邦《g大调前奏曲》最后8小节。主和弦的延长常常构成主音持续音，并常常出现下属系的和声或向下属系的离调和转调；②反复终止和弦，如贝多芬《第十一钢琴奏鸣曲》第二乐章9~12小节。③用正格终止结束以后再用变格终止作为补充终止，如格里格《加德》最后9小节。B．补充——乐句或乐段在内部（即在用终止式结收束以前）进行结构的扩展，称为扩充。扩充的方法有：①动机或乐节的反复，模进，模仿或变奏。②延长终

浅谈中小学音乐教学中的创作教学-

度?上一记录O返回O F载?打印? Email ?下T记录【标题】浅谈中小学音乐教学中的创作教学【作者】孙娅红【关键词】中小学创作教学【指导老师】周庆【专业】音乐学【正文】一、引言早在二十世纪初，欧美一些国家已开始重视中小学音乐“创作教学”，到现在已有较大发展。在欧洲，以德国为基础，早在19世纪到20世纪初就开展过一场艺术教育运动，通过“创作教学”，培养感受艺术美的能力，以此为目的实施艺术教育，把培养人的创造性提到一定高度。此后，“创作教学”在各国开始盛行。在美国，杜威的教育思想［1］也曾深深地影响着我国音乐“创作教学”领域，从1930年左右开始，音乐教育工作者对过去以视唱、读谱等技能训练为中心的音乐教育加以否定，提倡适应儿童个性、扩展创造性的音乐创作教学。此时，穆塞尔也反复强调，在普通学校中，音乐教育就是创造性教育，特别是在音乐创作教学内容方面，美国教育者协会（MENC在1990年发表的〈〈未来方向和行动的研讨会决议》中，可以看到美国音乐教育从“熔炉”方向转向“多元文化音乐教育方向”的格局。相比之下，对音乐创作教学的重视与研究，我国与世界发达国家的差距很大。在我国，是从7月国家新制定的“新课程标准［2］”，才开始扭转了以往的枯燥的“灌输式”及纯“专业技能训练化”的教学理念。周庆东曾在〈〈新课标下音乐教学初探》［3］中说到：“教师在教育过程中，要充分认识到学生的主体地位，新颖活泼的教学形式，在教学活动中尊重每一位学生，多鼓励学生大胆参与，适时安排一些让学生自由参与创作活动，让每位学生在课堂这个小舞台有所发挥，有所表现”。夏宗贵也曾在〈〈改变你的音乐课堂》［4］中说到“教师可以为学生选出一些有风格特点、节奏鲜明的曲子（如进行曲、舞曲）来欣赏让学生在音乐的伴奏下敲击拍子，跳出优美的舞姿；还可以给学生欣赏音乐情景故事〈〈狮子、猴子、小鸟》借助小动物的情节，引导学生倾听不同的声音，表现不同的形象让学生在故事的音乐中随意的模仿狮子、猴子和小鸟等小动物的动作，学生非常有创意的用不同的头饰装饰自己，生动形象、活泼可爱”。的确新课程标准的提出体现了素质教育的要求和目的，颁布实施之后，中小学音乐创作教学受到了普遍的重视；得到了很好发展；并出现了灵活多样的“音乐创作教学”的新局面。那么，“创作教学”的内涵究竟是什么呢？缪力曾在〈〈音乐创作”教学的理论和方法——高萩保治先生讲学要点》［5］中说到： “音乐创作教学是一个特定的概念，它不同于一般音乐实践活动中的音乐创作，而是作为音乐教育中的一个领域，旨在培养和发展学生音乐创新精神和创造能力”。从内容的角度来看：广义上它包括音乐教学中的各个领域（如：歌唱、演奏、舞蹈、欣赏等）；狭义上“创作教学”指在音乐教学中适合不同年龄学生的音乐创作活动。

古典音乐及浪漫主义音乐特点、代表作家、作品

音乐鉴赏结课作业（河北科技大学）学院：理工学院专业：交通运输班级： L092 姓名：张金铜学号：09L0205215 关于古典音乐和浪漫主义时期音乐的特点及其代表人物和代表作品 ◆古典音乐 1.1 古典音乐特点古典音乐是指那些从巴洛克时期(1600-1750)开始一直到20世纪早期，在欧洲文化传统背景下创作的音乐,它有别于通俗音乐和民族音乐, 具有永恒的意义。大约从1600年开始,也就是所谓的巴洛克时期(巴洛克Baroque是从建筑学、绘画史借用来的专业术语,源自于葡萄牙语,词义是很不规则的珍珠;在意大利语中又指冲动、夸张、任性、幻想等义)，欧洲作曲家开始创作早期音乐，这也就是古典音乐的开端。事实上，很多西方古典音乐最早都是来自于为宗教仪式和庆典而写的音乐。这一时期音乐的整体风格特征表现在以下几个方面：1、音乐从教堂步入宫廷，并逐步走向社会，走向民众。2、音乐创作不再以巴罗克时期的复调手法为主，采用主调音乐形式，加强了旋律和声的对应。3、确立曲式分段式结构原则，旋律不在采用巴罗克时期延绵不断地、扩充的音型，呈现出优美、简单、均衡的特征。4、主题动机式发展，以主题间的对比巴罗克时期第一主题的模块发展。5、“通奏低音”被明确的乐器记谱取代，是作曲家对乐器音色的体验更明晰。6、追求客观的美，拓宽了音乐的表现范围和表现力。7、音乐的重心移到新型的器乐体裁——交响曲、协奏曲、奏鸣曲、四重奏上。以上这些变化对欧洲音乐的发展都具有深远的影响。 1.2 古典音乐作家代表及代表作品：莫扎特（1756~1791）奥地利作曲家。出身于宫廷乐师家庭，从小就显露出很高的音乐才能，被誉为“神童”。他的创作领域非常广阔，包容了当时各种体裁形式。有歌剧，交响曲，协奏曲，奏鸣曲，弦乐四重奏等。小夜曲是莫扎特最喜爱的形式之一。在其13首小夜曲里，以《G 大调弦乐小夜曲》最受欢迎。柏辽兹（1803~1869）法国作曲家。他对作曲技术理论——乐队配器有独到的研究，著有《配器法》一书，至今仍为专业配器创作指南。其代表作品有：《幻想交响曲》，《罗马狂欢节序曲》，《浮士德的惩罚》等。海顿（1732~1809）奥地利作曲家。他把交响乐固定为四个乐章形式，并在乐队形式上形成一套完整的交响乐队编制，为近现代交响乐的发展奠定了基础。海顿的音乐充满了乐观，开朗的气质，其中较为人们熟悉的有《惊愕交响曲》，《告别交响曲》等。巴赫（1685~1750）德国作曲家，古典主义前叶巴罗克时期音乐家。创作了大量的管风琴曲，钢琴曲，管弦乐曲等音乐作品。其作品体裁广泛多样，对欧洲各国的音乐，尤其是复调音乐