外国美术史结课论文
外国美术史与名作鉴赏-期末论文
重庆大学外国美术史与名作鉴赏论文学生：胡睿学号：********指导教师：***专业：建筑环境与能源利用工程2013年10月摘要艺术是时代的镜子。
艺术品能反映出时代的思想、潮流和生活形态的改变，因而每一个时代的艺术品都与其他时代有所不同。
重大的历史变动往往意味着重大的潮流改变。
艺术囊括了物质世界和精神世界的各个方面，在这篇论文里将概述西方美术史，并对古代的宏伟建筑以及近现代的美术稍作分析。
关键词：西方美术史，印象派，后印象主义，表现主义。
目录1 古代的灿烂文明 (3)1.1始祖之壁 (3)1.1.1旧石器时代——阿尔塔米拉岩画 (3)1.1.2新石器时代——巨石阵 (3)1.2文明之火 (3)1.2.1古埃及 (3)1.2.2近东——美索不达米亚 (3)1.2.3爱琴海——希腊艺术 (4)1.3罗马之盛 (4)1.4宗教之源 (4)2文艺复兴的荣光 (5)2.1人性之醒 (5)2.2皇权之光 (5)2.3浪漫之风 (5)3科学的浮光掠影 (6)3.1科学之种 (6)3.1.1写实主义 (6)3.1.2印象派 (7)3.1.3后印象主义 (9)3.1.4象征主义 (9)3.1.5表现主义 (10)3.2现实之外 (11)参考文献 (11)1 古代的灿烂文明400万年前，人类站了起来。
而在那之后200万年，人类才有工具遗留。
这个人类开始把石块变成适当的形状作不同用途的旧石器时代。
1.1始祖之壁1.1.1旧石器时代——阿尔塔米拉岩画1869年一次意外的探险，一个想摆脱名利的侯爵和他四岁的女儿共同发现了旧石器时代克鲁马农人留下来的岩画。
阿尔塔米拉岩洞有超过150幅壁画，多数是简单的风景图和动物画。
颜料主要以矿物质、炭灰、动物血和土壤为主，掺有动物油脂。
颜色以红、黑、紫为主，色彩十分浓重。
这些岩画大约是为祭祀用。
这些画家兼职猎人，他们所绘动物与他们息息相关，比如许许多多牛的图案。
他们可能是觉得把动物的灵活与力量反映在墙上，可以夺取动物的灵魂或是力量，易于部落捕猎的行动。
中外美术鉴赏结课论文
------------------------------------------------------------精品文档--------------------------------------------------------中外美术鉴赏结课论文中外美术鉴赏主要是一门对中外美术作品分析、欣赏与品鉴的课程。
通过本课程的学习，旨在使学生了解中外美术史上的优秀美术家及其代表作品，不仅拓宽知识面，同时获得美的欣赏，陶冶情操，涵养性情，提高人文素养。
以下是的中外美术鉴赏结课论文，欢迎阅读。
也许是冥冥之中自有定数，在大二的尾巴抓住了艺术的犄角，还记得第一次去上《中外美术鉴赏》课程的时候，第一个女老师给我们放映了几百年来外国优秀美术作品中的人物画像，还记得其中的人物画像中的主人公大多数是女性，同时也说明了外方女性人权的发展见证了外方美术史的发展，还有就是老师在课堂上播放了一些满是创意的小视频小发明，其中趣味索然，给人印象深刻，同时也传播了艺术的趣味性，世人离不开艺术，生活离不开艺术，艺术创造美好生活。
外方作品独赏识《日出印象》，1872年克洛德.莫奈的这幅名为《日出印象》的油画首次展出，这幅画描绘了法国勒阿佛尔港口黎明时分的情景，港口作业区的大致轮廓--起重机、吐着烟的烟囱、建筑--透过浓密的晨雾和满画面的匪夷所思的破碎笔触，观者所能辨出的就是这些。
这幅画儿当时在大多数人眼中简直是一团糟。
批评家们更是大为恼怒，他们将这幅画的作者莫奈以及与之画风相近的画家的称为“印象主义”。
指责莫乃画风太幼稚，其画作不过是小儿涂鸦而几年后艺术评论来与勒阿佛尔港日出时的情景何尝有半点相似。
已，了个180度转变，好象莫奈好得不能再好了，仿佛印象派画家不仅长与用笔而且捕捉视觉真实的技巧已臻化境，令当代画家相形见拙。
为何莫奈笔下的勒阿佛尔港先被说成一团糟，后来又被称为对港区日出情景了不起的再现？我们该如何理解此种戏剧化的转变。
中外美术欣赏结课论文
中外美术欣赏结课论文之卡拉瓦乔《多疑的多马》赏析左磊 0801310132 卡拉瓦乔，全名米开朗基罗·梅里西·达。
卡拉瓦乔。
意大利杰出的现实主义画家。
曾师从米兰画家培德查诺学画，继承了意大利北部现实主义民俗画的传统，并受到威尼斯画派的影响。
1593年到1610年间活跃于罗马、那不勒斯、马耳他和西西里。
他通常被认为属于巴洛克画派，对巴洛克画派的形成有重要影响。
米开朗基罗·达·卡拉瓦乔（caravaggio，1573-1610）生于卡拉瓦乔，卒于埃尔科莱港，原名米开朗基罗·梅里西，后以出生地命名。
他父亲是建筑师，他11岁移居米兰并开始习画，于1590-1592年从米兰来到罗马，后来又曾到那不那斯、西西里和马尔他岛等地。
他在罗马画了一些风俗画和静物画，对他艺术起着重要影响的是意大利文艺复兴时期大师们的作品。
他是一位革命性的画家，起初坚守写实主义。
一系列的风格画建立了他的特色，那批画中充满了穿着怪异、带着浓厚颓废色彩的年轻人。
后期，他的风格大变，高度道德意识和宗教画代替了先前的题材。
他用宗教题材作形式，内容却并非被西方艺术家所顶礼膜拜和尽情歌颂的圣母子及圣徒，而是有着深刻皱纹、穿着衣衫破烂、肮脏着脚的乡下人。
在心理的写实上，他也尝试着直接不修饰地进入圣经中所描述的景物里。
卡拉瓦乔的作品强调人体，画里的人几乎有真人大小，而且通常摆在画面的最前端，戏剧化前缩法姿态好象可以超越画面。
卡拉瓦乔艺术最大的特点是忠实地描摩自然而不管人们认为美不美，所以人们称他为“自然主义”画家，即使在表现宗教题材的绘画中，他也尽最大努力去使古老的经文中的人物看起来更加真实、更加可感可触，连他所用的明暗方法也有助于达到这个目的。
他的光线并不使身体看起来优美而柔和，却是那样执拗而忠实地把整个奇异的场面突现出来。
卡拉瓦乔现实主义在艺术上有以下特点：一.以表现下层平民题材为主，在处理传统题材时，抛弃了盛期文艺复兴大师确立的理想化模式，把那些神圣的人物和场面，描绘得如同现实生活中的真人实景。
外国美术史结课论文
外国美术史结课论文201213070203-宋振豪意大利文艺复兴时期的雕塑艺术文艺复兴时期的雕塑艺术进入了另一个高度，在这一时期，意大利的雕塑艺术显得比较突出。
我以这一时期意大利的两名著名的雕塑大师为例，说出我对这一时期意大利雕塑艺术的见解。
我作为一名学雕塑的学生，我不敢说我对雕塑有多么独特的见解，我的理解可能很肤浅，但这仅仅是我个人的见解。
在文艺复兴早期，主要的雕塑代表是多纳泰罗，多纳泰罗是意大利文艺复兴前期雕塑新纪元的代表人物，曾耗费大量的精力去研究古代希腊和罗马的雕塑，但他并不一味地模仿，而善于在继承古典主义雕塑艺术的基础之上进行创新。
他创作了大量生气盎然、庄重从容的雕塑作品。
他的代表作品《大卫》是第一件复兴了古代裸体雕像传统的作品。
多纳泰罗运用古希腊人创立的对应构图方式，向人们展现一位形体比例和结构都十分准确的少年形象。
在他的手下，这位圣经人物不再是概念性的象征，而是一个活灵活现、有血有肉的生命。
着意表现人的完美体魄和崇高精神的雕塑作品，在黑暗的中世纪已经消失，所以同真人一般大小的裸体《大卫》问世，实在是惊世骇俗之举。
裸体的、有血有肉的少年大卫立在人们面前表现了过去时代的结束和新时代的到来，开创了现实主义的表现手法和颂扬人体美的先河，奠定了文艺复兴时期的现实主义传统。
他所塑造的大卫是佛罗伦萨人热爱和平、追求自由的心愿象征。
《大卫》的身体各部分之间的比例符合古典艺术的理想标准；它的姿态遵守“重心转移”的造型规律，显得放松而自然。
《大卫》正陷入复杂沉思的心理状态，他的沉思目光似乎发现了人类自身的美和力量。
这种对人类自身价值的发现和认识，正是文艺复兴的根本精神。
自多纳泰罗之后，主要的雕塑家是米开朗基罗。
米开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。
他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。
中外美术赏析结课论文
中外美术赏析结业作业《内战的预感》赏析姓名：院系:学号：《内战的预感》赏析《内战的预感》是西方超现实主义绘画的代表作，也是达利最著名的杰作。
这幅油画属于一种抽象了逼真现实的艺术，他表现出来的画面首先是一个完整的女人的各个肢体，然后又被画家扭曲夸张的组合起来，面部狰狞，手、大腿、乳房都在胡乱地撕扯着，给人一种挣扎的、不安的、甚至是恐惧的感觉，空中浓重的云朵也另添了几分压抑，作者应该意在借此来表现出自己对本国内战的排斥、不满和恐惧吧。
这幅画的创意来自于历史的现实，借助于同样是现实的人体，来表现出作者的所思所感，但同时超越了现实，把人物零件化、扭曲化，从而更深刻地反映现实，也表现出画家极高的作画创造力和触知力，以及爱国主义的情操和忧国忧民的胸怀。
作者介绍：萨尔瓦多-达利(SalvadorDail),1904年5月11日生于西班牙菲格拉斯,1989年1月23日逝世.西班牙超现实主义画家和版画家,以探索潜意识的意象著称.与毕加索,马蒂斯一起被认为是二十世纪最有代表性的三个画家。
达利是一位具有卓越天才和想象力的画家.在把梦境的主观世界变成客观而令人激动的形象方面,他对超现实主义,对20世纪的艺术做出了严肃认真的贡献.达利的一生充满了传奇色彩.除了他的绘画,他的文章,口才,动作,相貌以及胡须均给欣赏他的人们留下了扑朔迷离的印象。
达利年轻时在马德里和巴塞罗那学习美术,曾兼收并蓄多种艺术风格,显示出作为画家的非凡技能.但是,直到20世纪20年代末期,才由两件事情促使其画风日臻成熟.一是他发现了弗洛伊德的关于性爱对于潜意识意象的重要著作;二是他结交了一群才华横溢的巴黎超现实主义者,这群艺术家和作家努力证明人的潜意识是超乎理性之上的"更为重大的现实".为从潜意识心灵中产生意象,达利开始用一种自称为"偏执狂临界状态"的方法,在自己的身上诱发幻觉境界.达利发现这一方法后,画风异常迅速成熟,1929～1937年间所作的画使他成为世界最著名的超现实主义艺术家.在他所描绘的梦境中,以一种稀奇古怪,不合情理的方式,将普通物像并列,扭曲或者变形.达利对这些物像的描绘精细入微,几乎达到毫发不差的逼真程度,通常将它们放在十分荒凉但阳光明媚的风景里,令人联想到他的故乡加泰罗尼亚地区.在这些谜语一般的意象中,最有名的大概是《记忆的永恒》(1931),画中以平静得可怕的风景为衬托,停留着一只柔软易曲,正在熔化的表。
西方美术史结业论文西方美术史结业论文
西方美术史结业论文主题：偶遇《黄色基督》邂逅保罗高更摘要：一个学期的美术之旅即将结束，通过课上老师的介绍和课后的资料查找，让我对西方美术长廊里那些栩栩如生的雕塑和五彩斑斓的画卷有了浓厚的兴趣。
而我最喜欢的是十七世纪荷兰最重要的风景诗人雷斯达尔。
他的风景画给人一种浑厚的力量，雄伟的气势，闪烁的光影，让我深深着迷。
关键词：黄色基督￫保罗·高更￫后映像派￫后映像派三杰一个学期的美术之旅即将结束，通过课上老师的介绍讲解和自己课后的资料查找搜集，让我对西方美术长廊里那些栩栩如生的雕塑和五彩斑斓的画卷有了浓厚的兴趣。
我们从古希腊、古罗马的美术讲到了文艺复兴时期，直至欧洲十九世纪的美术，不仅有米隆的《掷铁饼者》、多纳太罗的《大卫》，还有米开朗琪罗的《哀悼基督》、伦勃朗的《夜巡》、荷加斯的《伯爵夫人之死》…但是给我影响最深的不是广为人知的《最后的晚餐》，也不是价值连城的《维纳斯的诞生》，也不是那神秘的《蒙娜丽莎》而是那充满历史文化底蕴而富有传奇色彩的后映像派别名画尤其是从邂逅《黄色基督》开始。
或许它们不是最伟大的作品，但总能显示出一种浑厚的力量，雄伟的气势，闪烁的光影，让我深深着迷，倘佯在后印象派的美丽长河之中，让我们一起来走进这个传奇的世界。
一 .邂逅《黄色基督》故事那是一个连阳光也显得懒懒的下午，或许因为一天的学习让人感到有些疲倦，又或许是有一个令我怦然心动的事物出现的原因。
懒懒的趴在桌子上看着老师的课件一页一页的翻过。
直到出现，浓重的色彩、大胆的轮廓线以及简约的造型一下子吸引了我的眼球。
简介油画《黄色基督》，以其平铺的块面、浓重的色彩、大胆的轮廓线以及简约的造型，反映出高更“综合主义”绘画的风格特点。
整个画面被前景的人物、十字架的垂直立柱以及顶端的水平横木所支撑。
田野、天空及十字架的道道条状的形，与妇女及树木图像圆转起伏的曲线，产生鲜明对比；那平直延展的形，与圆曲封闭的形，形成强烈的对照。
所有物象都统一于一种明快而简约的图形中。
外国美术史论文
文艺复兴时期中西艺术的差异——以中国山水画与西方风景画为例文艺复兴以后，西方艺术发展进入新阶段，与同时期的中国艺术形成了许多差异，以该时期的中国山水画与西方风景画为例，二者虽然都是对自然的描绘，但在空间处理、写景的系统、是写实还是写意等方面二者都存在差异。
在空间处理方面，文艺复兴时期透视法的发明，使西方画家能在平面上更真实的展现三度空间，最求画面的真实性，而透视法的出现离不开文艺复兴时期科学技术的进步。
而同时期处在明朝的中国山水画在空间处理中采取了“三远”的表现方式，既高远、深远、平远，也就是指仰视、俯视和平视，所以中国山水画是在运动中观察的自然，从多角度看而不同，不受视点的约束。
从空间处理方面中我们就可以看出文艺复兴时期中国山水画和西方风景画中的一个大不同，就是对写实和写意的侧重点不同。
明朝中国山水画继承了中国传统山水画，对景的描绘是画家主观感情和意识出发描绘的自然，寄托着作者的精神和气韵，对自然的描述追求的更多是神似，而不是形似，但也不是完全抛弃形似，只是不用特别拘泥于形似。
而西方的风景画注重风景的真实性，在总体上对风景的描述都是偏向形似，但也不是代表其风景画没有写意的部分，只是在这个时期中对景的绘画依旧注重完全的复刻和比例的合理性。
而从中我们便也可以看出该时期中国艺术体系属于写意体系，西方艺术体系属于写实体系。
在重视程度上，文艺复兴时期的西方风景画并没有形成一个独立的体系，他们更多是在宗教的主题下的风景，该时期更多的依旧是人物画。
这与欧洲画注重人物画的历史有关，文艺复兴重视人的价值，风景只是人物的从属，往往画家们更多学习到的是描绘人物的技能。
而明朝时期的山水画在画坛上地位较高，较为成熟，有独立的系统，在中国传统中讲究人与自然的和谐共处，山水和人是共同重要的，而在中国传统封建社会中文人的抑郁不得志使其往往寄情与山水之中，这些都使山水画在中国成为体系，有较为重要的地位。
从文艺复兴时期中国山水画和西方风景画中的差异可以看出，该时期中国艺术是属于写意的艺术，而西方艺术是属于写实的艺术；该时期中国艺术中人与自然往往是和谐共处的，而西方艺术重视人的地位。
中外美术史论文
文艺复兴绘画代表作品鉴赏班级：10建工3班学号：1001080310姓名：邓光灿目录目录 (2)内容提要 (3)时代背景 (3)最后的晚餐 (3)蒙娜丽莎 (4)最后的审判 (4)披纱巾的少女 (5)雅典学院 (5)达娜厄 (6)1498年的自画像 (6)【内容提要】通过介绍“文艺复兴三杰”以及其他的大师具有代表性的一些绘画作品，展示西方绘画各阶段的风格、流派、形式特点、美学特征及其卓越的艺术成就。
【关键字】文艺复兴三杰、风格、流派、形式特点、美学特征、艺术成就西方真正意义上的绘画史从14世纪文艺复兴开始，经过巴洛克风格、罗可可风格、新古典主义、浪漫主义、现实主义、印象派、象征主义、现代派，历时六百余年的发展，展示出一条“以人为本”的演进轨迹，并以此为核心，呈现出丰富而又相对复杂的艺术景观。
整体而言，西方绘画作为人类文化的重要部分，它是对世界文明的一种解释，是对社会发展的一种记录，它创造了一个带有意义的、具有审美价值的形式结构。
在此，我带领大家简单了解文艺复兴具有代表性的一些绘画作品，展示了西方绘画各阶段的风格、流派、形式特点、美学特征及其卓越的艺术成就。
文艺复兴时期的绘画，大致可分为早期和兴盛时期两个部分。
早期文艺复兴绘画兴起于意大利。
在13世纪后半期，意大利中部以弗罗伦萨为中心就出现了新的动向，从15世纪开始，意大利文艺复兴进入蓬勃发展阶段，弗罗伦萨仍是最大中心。
以波提切利为代表，人才辈出，从不同角度发扬了现实主义与人文主义相结合的传统，绘画风格雄伟秀丽各有所重，呈现百花齐放、美不胜收的局面。
注重空间透视表现和任务坚实造型，以及善用线条则成为弗罗伦萨花牌代表人物共有的特色。
威尼斯画派在意大利文艺复兴中的地位也是极其独特的。
15世纪末至16世纪初的罗马和弗罗伦萨等城市。
已处于磨难之际，而整个16世纪初的威尼斯，却保持着宗教的自由和社会的祥和，这样的社会环境为绘画创造了明媚的发展空间。
自15世纪至16世纪，文艺复兴兴盛时期绘画的中心已经转移到了尼德兰和德国。
外国美术史论文
美术文献读书笔记对艺术再次认识摘要：现实主义作为绘画的一种艺术思想，具有独特的审美意义和价值。
它以弘扬真、善、美为艺术使命，与时代紧密相连，体现出浓厚的人文内涵和民族艺术风格特征。
现实主义作为艺术创作中的重要方法，是我国多种艺术形式的有机组成部分。
主要是对西方艺术的了解和以及心得。
关键词：现实主义油画艺术审美拓展现实主义作为一种艺术形式，它的基本原则是，强调艺术反映现实社会生活，关注现实人生、社会和自然，认为艺术是对现实的一种审美认识和再现，是对社会生活形象的、真实的、典型的审美认识，并利用恰当的造型手段将这种审美认识所形成的审美意象、审美情感和审美评价表现出来。
现实主义主张艺术要真实地反映客观世界的现实本质和历史本质，真诚地表现艺术主观世界的审美情感和审美理想。
作为流派和运动的现实主义油画艺术，是从西方产生和发展而来。
在西方美术史上，主要指库尔贝、杜米埃、米勒以及巴比松风景画家的艺术创作，历史(咱们上课时的教科书)上的卡拉瓦乔、伦勃朗、维米尔、夏尔丹、列宾、谢洛夫、怀斯以及当代英国王家弗洛依德的绘画都可归为现实主义艺术。
一般来说，只要真实表现和反映一个时代的精神面貌，我们都可称之为现实主义艺术。
中西文化各有侧重，但中西艺术追求真善美的理想是一致的，由此，油画才有“汇中融西”表现的可能性。
在创作实践上，现实主义艺术家重视生活实践和艺术实践，在实践中寻找美、发现美、认识美和表现美，同时，他们不回避丑，对现实中丑恶的现象敢于正视，从而揭示生活的本质和历史的必然。
现实主义艺术是从现实世界而不是从空想世界中获取它的内容和形式。
在表现手法上，现实主义艺术一般采用写实的方法，注重细节的真实，并通过典型化的手段，揭示社会生活的真理，体现艺术家的思想感情和个性特征，达到艺术之美。
因此，现实主义艺术作品是真、善、美三位一体的高度统一。
现实主义的基本特征是以具有审美价值的艺术语言，真实地再现客观现实生活，反映画家从社会生活实践出发对生活的认识活动。
西方美术鉴赏 结课论文
燃烧吧，太阳————记《麦田上的群鸦》（一）高中时期，看梵·高的画，总觉得表现力过分夸大了现实。
现在，看梵•高的画，越发真实，恍然明白于人的心灵世界中存在的和现实一样真实。
梵•高画过很多关于麦田的作品，唯其此幅最具抽象的感染力。
金黄色的麦田，吞没了面前的三条路，没有一条能到达地平线。
麦秆如钢刀一般坚硬，条条扎在土地上。
目光随着道路延伸，却只能迎来深蓝色能滴下眼泪的天空，寻不见太阳，甚至寻不见希望，最后连路也消失了。
透过画面，我仿佛听到群鸦扑扑楞楞拍打翅膀的声音和风吹起麦浪的呼呼声。
群鸦从很远很远的地方飞来，速速飞过深蓝色的压抑，他们缓缓地试探性地擦过麦的肩膀，终又匆匆飞去另个未知的远方。
后来，一声枪响刺破了司空见惯的骚乱与狂乱，诗人倒下，温热的血液染红了麦田。
啊，诗人，为何你的面容如此安详，为何你的嘴角还挂着笑意？啊，黑鸦，你黑黒的样子啊，人们都认为你冷的像冰一样。
后来的后来，只剩下风的悲泣，不是挽歌。
在我看来，梵•高是诗人，他的画作就是一部部无字长诗。
黑鸦，是魂灵，是远方孤独的、怪癖的、被隔离的浪人。
诗人啊，我知道摆在你面前的何止三条路，明明路有很多，却为何寻不到一个出口？麦地，燃烧的是你的激情，是你对世界每个生灵的热爱。
而恰是这种爱成为了你痛苦的源泉，像刀子割伤你的心。
深蓝的天空，含着泪，泪水比深蓝的海水咸涩。
爱比死冷？37岁，你做了最后的也是最有力的抗争，你留下遗言：The sadness will last forever.然后，永远地闭上那湛蓝而忧郁的双眼，此时的你，安静的像睡熟的孩子。
（二）当我将视角由外在转向内心时，发现梵•高的画真实得如同我戴上眼镜看到的实物。
他的画毫不留情地抛出了人内心深处的孤独和沧桑，并非单薄的感伤，而是一种浓重的忧郁。
宁愿清醒地苦痛，也不要麻木地欢乐。
他把生命的沉重晾在画布上，撕开展现在大家眼前，成为一种美，而不再需要伪装，来藏起悲伤。
这反倒让我感觉舒服了很多，原来痛也能嚼出滋味，或者成为另一种快乐。
XX美术鉴赏结课论文
XX美术鉴赏结课论文西方美术鉴赏结课论文西方美术鉴赏课程从中西美术的比拟入手,通过材料、对象、文化、环境等角度的比照来介绍西方美术作品的表现手法和鉴赏要点。
那么，西方美术鉴赏的结课论文要怎样写？随着我国教育制度不断进步以及美术教育水平不断提升,美术学科教学的要求也相应增强,学科细分程度、知识掌握程度都今非昔比,在这种大环境下,改变传统教学方法,深化美术教育提高教学效率就迫在眉睫。
而美术鉴赏教育作为高中必修的一门学科,说明其在美术教育中扮演重要角色,鉴赏课的开设能让学生学会分析艺术作品,发现作品中的美,更重要的是能通过观察作品了解时代文化和社会文化,到达拓展视野的意义。
普通高中课程标准中对鉴赏课的多元化要求,也旨在说明鉴赏课应承当更多的承载性,参加与多学科知识的联系,完善与社会时代、时代文化、历史情景、名族宗教等联系,也成为新美术鉴赏课的必经之路,单纯以一种评审标准分析作品的方法已经不再适用。
本文旨在探究通过深化美术史学习提升高中美术鉴赏课教学效率,将不同种类西方美术史分析法介绍到鉴赏课中,扩展学生分析作品视野,运用多角度多学科知识的美术史分析法为桥梁,引导学生探究艺术作品本意,完善学生知识结构,提高学习兴趣。
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艺术作为人类世界的感性呈现，承载着人类精神史的广度和深度。
西方学者巴赞认为，一个社会只有同艺术“结婚”，才能生出文化之子;如果与文化离异，就只能导致野蛮，这个社会随之会变成文化的沙漠。
高中教育在升学压力下，往往不重视审美教育，在以考分为主要参照的评价体系中，学生的精神世界较为空乏，审美能力较弱，对艺术缺少感知和辨识。
艺术同自然一样是人类的精神家园，无艺术的人生是乏味低俗的。
在新课程背景下，高中美术鉴赏教学应该为学生提供一片自由充盈的审美空间，综合提高学生的精神素质。
在高中美术鉴赏课中，西方现代艺术鉴赏是一个重点和难点内容，其涉及教材中的四局部：意象艺术、抽象艺术、西方现代艺术、美术作品的意义与价值判断等，教师需要运用多种教学方法和手段，让学生改变以写真的、“像与不像”为标准的传统视觉审美程式，用现代的审美眼光理解西方现代艺术的流派风格和思想情感。
西方美术鉴赏结课论文
毕加索——我最喜欢的超现实主义画家在《西方美术鉴赏》老师给我们讲解了许多画派的画家以及许多不同风格的作品，整个课程走下来，让我印象最深的是毕加索。
之所以对毕加索印象深刻是因为我不真正懂得他的画却欣赏他的生活，他的作品给人一种朦胧的感觉，似懂非懂，有所感悟却又无法言语。
巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso，1881年～1973年）出生在西班牙马拉加（Malaga），是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家之一，立体画派创始人，他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。
毕加索是位多产画家。
据统计，他的作品总计近37000 件，包括：油画1885 幅，素描7089 幅，版画20000 幅，平版画6121幅。
跟一生穷困潦倒的文森特·梵高不同，毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个活着亲眼看着自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。
在1999年12月法国的一家报社进行的民意调查中，他以40%的高票当选为20世纪最伟大的画家之首。
问起他创作的秘诀时，毕加索说：“我的每一副画中都装有我的血，这就是我的画的含义。
”全世界前10名最高拍卖价的画作里面，毕加索的作品就占据4幅。
多数画家在创造了一种适合于自己的画派风格后，就不再改变，特别是当他们的作品受到人们的欣赏的时就更是这样。
随着艺术家的年岁的增长，他们的艺术风格也会变化，但这些变化不是很大。
但是毕加索却像是以为终生未找到他的特殊艺术风格的画家，一生都在寻求完美的手法来表达他那颗不平静的心。
毕加索一生中画法和风格几经变化。
也许是对人世无常的敏感与早熟，加上家境不佳，毕加索早期的作品风格充满了早熟的忧郁，早期画近似表现派的主题。
在求学期间，毕加索努力地研习学院派的技巧和传统的主题，而产生了象《第一次圣餐式》这样以宗教题材为描绘对象的作品。
德加的柔和的色调，与罗特列克所追逐的上流社会的题材，也是毕加索早年学习的对象。
在《嘉列特磨坊》、《喝苦艾酒的女人》等画作中，总看到用罗特列克手法经营着浮动的声光魅影，暧昧地流动着款款哀伤。
《中外美术史》结课论文意大利文艺复兴三杰
《中外美术史》结课论文意大利文艺复兴三杰专业、班：建筑与城市规划学院艺术设计系1102班学号：U201114581姓名：丁雨晨公元十四世纪，处于萌芽状态的欧洲资本主义生产方式在意大利地中海沿岸的一些城市出现了，新兴的资产阶级开始登上了历史舞台。
他们和人民大众在一起，展开了政治，文化上的反封建的斗争，欧洲历史上就出现了称之为文艺复兴的文化运动。
“文艺复兴”是古希腊之后人类从未经历过的最伟大的进步的变革。
在这一变革中，出现了不少伟大的人物，最有代表性的“三杰”是达.芬奇、米开朗基罗、拉斐尔。
拉斐尔的艺术以优雅、秀逸、和谐、高度的完美为标志，达·芬奇的艺术深沉、含蓄、富有理智、充满智慧，而米开朗基罗的艺术博大、雄伟、富有激情、充满力量，三人作画，画风迥异，各具造诣。
他们的出现，集中体现了欧洲文艺复兴时期美术的高度成就及其重要特征。
的确，作画也是一门艺术，画里透射出的有作者的个性、作者的风格、也蕴含着作者寄予的情感、透露的社会现实。
因此看画，品画也是从另一个层面去了解作者，了解作者作画时的心境，了解他所在的社会环境以及他在画里寄予的情感。
达·芬奇是意大利文艺复兴时期的一个博学者，被誉为“全能天才”，：除了是画家，他还是雕刻家、建筑师、音乐家、数学家、工程师、发明家、解剖学家、地质学家、制图师，植物学家和作家。
他涉猎的领域之广、取得的成就之大，真是令人难以置信,一面热心于艺术创作和理论研究，他研究如何用线条与立体造型去表现形体的各种问题；另一方面他也同时研究自然科学,美术只不过是他渴求理解世界的方式之一，并没有占据他的全部时间和精力，但他在这一领域内却获得了惊人成就。
把自然科学知识引人美术，是15世纪意大利人的重大贡献，达·芬奇继承了这种传统并大大完善了它。
《蒙娜丽莎》描绘了一位端庄秀美的西方妇女肖像，她面庞秀丽，形象逼真，似乎是真人的存在。
坦然自信的神态流露出不可捉摸的带有神秘的微笑，呈现出一种高贵而不可侵犯的尊严，看的人仿佛也随之自尊、自重起来，这是对人的一种赞颂。
外国美术史期末论文(
外国美术史高考基本能力科目涉及大量美术及其鉴赏的知识，中学初步学习了有关西方美术的知识，当时仅仅注重对西方美术的流派及其人物作品的学习，很少涉及对美术作品的鉴赏。
通过这学期的学习，使我更深的了解了西方美术的博大精深，感受到国外众多画家流派的风格，深刻地感觉到，不能以好看不好看来评价画的好与坏，要深刻地了解当时的社会背景和画家们的思想境界才可能对某个画家作出正确的判断。
在如此多的流派时期的作品与画家当中，印象派给我的感觉最深刻也最独特。
印象派”这个名称不是画家自己取的，1874年4月，几个青年艺术家在巴黎的一个摄影师的工作室举办了”无名画家、雕刻家和版画家协会”的展览，看展览的人很多，但对于这种新风格的绘画却难以接受。
因为莫奈展出了一幅名为《日出·印象》的作品，有一个杂志记者就把他们讽刺性地称为”印象派”。
印象派画家并没有一个组织或团体，也不是想发起一场艺术运动，但这个展览一出来，他们就被看成了一个有共同艺术倾向的群体，印象派这个称呼就这样被人们接受了，而且还把他们称为印象主义绘画。
拂晓时分，一轮红橙橙的太阳缓缓升起，挣扎着冲出平静的水面，奋力地划破浓浓的晨雾，露出自己的面目。
朝阳，染红了天空，染红了云彩，染红了水面，染红了画布，染红了我们的视觉。
三艘小船，早已扬帆，摇曳缓进，沿水而行，由远及近，慢慢行驶出重雾，渐渐淡入到前景，静悄悄的，好像不忍惊醒远方还在沉睡的港都，隐约约的，好像不敢干扰眼前正在凝视日出的观众。
日出而作，日落而息，新的一天开始了。
这就是莫奈给我们的《日出印象》。
静谧的，朦胧的，深邃的，富有韵律，富有节奏的。
一种素描的风格，一种诗的意境。
观看日出给我们带来了人生感慨，而对艺术家是好的表现题材。
红日冉冉上升，阳光由柔而强，大地迎来光明，一个个连续的变化的瞬间组成了动态的画面，由他们构思自己的图画，让他们表现自己风格。
而印象派绘画的最重要的特点之一，就是捕捉动态大自然的一瞬间，把它定格，将它画出。
中外美术史论文
以《墨葡萄图》和《最后的晚餐》为例，分析东西方美术的特点和异同学院：美术学院班级：艺12（2）班姓名：陈前学号：12173222在绘画上，中西的艺术比较，宗白华先生说得非常透彻：国画真像一种舞蹈，画家解衣番礴，任意挥洒。
他的精神与着重点在全幅的节奏生命而不沾滞于个体形相的刻画。
画家用笔墨的浓淡，点线的交错，明暗虚实的互映，形体气势的开合，谱成一幅如音乐如舞蹈的图案。
物体形象固宛然在目，然而飞动摇曳，似真似幻，完全溶解浑化在笔墨点线的互流交错之中! 西洋自埃及、希腊以来传统的画风，是在一幅幻现立体空间境中描出圆雕式的物体。
特重透视法、解剖学、光影凸凹的晕染。
画境似可走进，似可手摩，它们的渊源与背景是埃及、希腊的雕刻艺术与建筑空间。
中西方绘画在色彩运用和对色彩的感受上显然有所不同。
中国传统的绘画是以墨调色，与西方绘画以油色烘染出的立体感、明暗透视等有巨大差异，在厚与薄、深与浅、淡与浓等多组矛盾中求得视觉性效果。
中国古代画论中认为，墨具有五色：焦浓、重、淡、清等；墨色之中又分为六彩：黑、白、干、湿、浓、淡。
中国传统绘画黑白不分，是无阴阳明暗；干湿不备，是无苍翠秀润；浓淡不辨，是无凹凸远近。
中国的绘画艺术以直觉的方式来感觉色彩的万千变化，而西方绘画艺术，整体上则是倾向于光学意义上的，更加富于几何精神和理性的思考。
西方的画中,写实派要求对象、光源、环境、视点四固定，即创作时对客观景物的位置、视点只能选择，而绝不能在画面上随便移动，以求严格按照物理、光学原理，科学准确地再现三维空间的客观世界，并把运用和体现透视、解剖、光彩原理的准确程度当作衡量艺术质量的重要尺度。
所以，画家的功夫都用在眼睛所能看到的物体和光影上，不允许增加任何个人的意念和想象。
在徐渭的《墨葡萄图》中，就总体审美来讲，本图以水墨画葡萄一枝，串串果实倒挂枝头，鲜嫩欲滴，晶莹透彻，形象生动，茂盛的叶子以大块水墨点成，葡萄枝则用干墨勾勒，对比鲜明，，风格疏放，不求形似，但无处不神似，代表了徐渭大写意花卉的风格，也是明代写意花卉高水平的杰作。
西方美术史论文1
灵魂的翅膀——雅典卫城2009级中国画系中国画专业关佳姗【内容摘要】一个充满智慧的城市，它所凝聚的建筑精神及美学概念，深深影响了人类社会数千年，至今仍是唯一的标榜。
【关键词】艺术灵魂精神奇迹典范【论文正文】希腊雅典卫城修建于公元前5世纪，是世界新七大奇迹之一。
集古希腊建筑与雕刻艺术之大成。
帕提农神庙是卫城中的主要建筑物，全部由白色大理石砌成。
公元前5世纪，在一些经济发达的城邦里，从平民中产生了工商奴隶主。
他们代表着当时先进的生产方式。
他们联合了以小农和小手工业者为主体的平民群众，进一步战胜了经营农业的贵族奴隶主，建立了城邦范围内的自由民民主制度。
这时候奴隶制并没有普及到生产的多数领域，小自耕农经济与独立手工业是古典社会全盛时期的经济基础。
小农和小手工业者在这些城邦里获得更加多的政治权利。
公元前5世纪上半叶，希腊人以高昂的英雄主义精神在一场生死攸关的艰险战争中，打败了实行专制制度的波斯的侵略，进入了古典主义时期。
民主政治、经济和文化都达到了光辉的高峰。
希腊建筑也在这时结出了最完美的果实。
作为全希腊的盟主，雅典城邦在古雅典全盛期领土面积约1600k㎡。
卫城笼着几分神秘安详之美，让人不由得闭上眼睛，与之开展一番心灵的对话。
整个卫城最吸引人也最震撼人的正是这一份历经苦难战乱洗礼却留存下来的最平静的精神。
那一根根屹立千年的石柱，摸去粗糙坚硬，叩之锵然有声，无言无语，却自有灵魂在内里跳舞。
卫城坐落在雅典城中央一个不大的孤立的山冈上，山冈面积约为4平方千米，山顶石灰石裸露，大致平坦，高于四周平地70～80m。
东西长约280m，南北最宽处130m。
古代希腊城市具有战时市民避难之处的功能，是由坚固的防护墙壁拱卫着的山冈城市。
坚固的城墙筑在四周。
自然的山体使人们只能从西侧登上卫城。
高地东面、南面和北面都是悬崖绝壁，地形十分险峻。
公元前1500年，这里是王宫所在地，从公元前800年开始，人们在这里兴建神庙等祭祀用的建筑物，使之成为雅典宗教活动的中心，并且逐渐于高地下形成城市。
西方美术史论文
尼德兰文艺复兴盛期绘画中的民族主义
姓名：苟晨露
院系：法学院
学号：**********
选课序号：377
【内容提要】在课程的学习中，尤其是老师在课堂上对于布勒格尔的作品进行诙谐幽默的分析后，布勒格尔作品背后的对于当时尼德兰社会的思考，引起了我极大的兴趣。本文首先梳理了布勒格尔创作时代的背景，之后以布勒格尔《盲人引导盲人的寓言》为例，深入细致分析了由画面中细节中蕴含的民族主义，最后对于尼德兰文艺复兴盛期绘画中的民族主义进行了总结。
33 3/4 x 60 5/8 inches (86 x 154 cm)，Galleria Nazionale, Rome
经考证，这幅画的构思来自尼德兰的谚语：“盲人为瞎子带路没有好下场”。4就当时的社会状况而言，我认为可以尝试着理解为，在反对西班牙殖民统治的过程中，必须十分重视引路者的作用，否则由“盲人”领导革命，后果将不堪设想。下面将逐一对于我自己展开联想和思考的各个具体部分进行分析。如图1
正如萨拉柯耐尓在《西方美术风格演变史》中所说：“在阿尔卑斯山以北，人文主义者强调个人改变自身命运的能力。这直接发展成攻击教士的权威，尤其是攻击由教皇制度造成的外国人支配权，这也是直接发展成清教徒既反对世俗社会也反对教士社会的腐败及热衷于名利的活动。”北欧文艺复兴盛期，以希罗尼穆斯鲍斯为开端，艺术家们采用讽刺的手段，借助夸张与可笑，获得了直接说教无法获得的效果。与鲍斯的悲观不同，布勒格尔在接受鲍斯影响的同时迅速形成了自己的独特风格，创作内容开始由风景转向带有讽刺性和道德说教的任务构图，采用更为贴近实际的画作内容来表现内心对于现实的思考。
一、布勒格尔创作时期的时代背景概述
总的来说，布勒格尔的创作时期正处在尼德兰革命的前后时期。比较可得，布勒格尔的大致生平约为1525-1569年，而著名的世界上第一次成功的资产阶级革命，即尼德兰革命爆发于1566年。据有限的资料显示，布勒格尔早年可能同其他许多北方画家一样在意大利游学，而大致在1553年回国。由此推之，画家应当在尼德兰区域内生活时间较长，对于尼德兰革命前西班牙统治引起的国内不满情绪和社会民族主义的崛起是深有感触的。
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外国美术史结课论文
201213070203-宋振豪
意大利文艺复兴时期的雕塑艺术
文艺复兴时期的雕塑艺术进入了另一个高度，在这一时期，意大利的雕塑艺术显得比较突出。
我以这一时期意大利的两名著名的雕塑大师为例，说出我对这一时期意大利雕塑艺术的见解。
我作为一名学雕塑的学生，我不敢说我对雕塑有多么独特的见解，我的理解可能很肤浅，但这仅仅是我个人的见解。
在文艺复兴早期，主要的雕塑代表是多纳泰罗，多纳泰罗是意大利文艺复兴前期雕塑新纪元的代表人物，曾耗费大量的精力去研究古代希腊和罗马的雕塑，但他并不一味地模仿，而善于在继承古典主义雕塑艺术的基础之上进行创新。
他创作了大量生气盎然、庄重从容的雕塑作品。
他的代表作品《大卫》是第一件复兴了古代裸体雕像传统的作品。
多纳泰罗运用古希腊人创立的对应构图方式，向人们展现一位形体比例和结构都十分准确的少年形象。
在他的手下，这位圣经人物不再是概念性的象征，而是一个活灵活现、有血有肉的生命。
着意表现人的完美体魄和崇高精神的雕塑作品，在黑暗的中世纪已经消失，所以同真人一般大小的裸体《大卫》问世，实在是惊世骇俗之举。
裸体的、有血有肉的少年大卫立在人们面前表现了过去时代的结束和新时代的到来，开创了现实主义的表现手法和颂扬人体美的先河，奠定了文艺复兴时期的现实主义传统。
他所塑造的大卫是佛罗伦萨人热爱和平、追求自由的心愿象征。
《大卫》的身体各部分之间的比例符合古典艺术的理想标准；它的姿态遵守“重心转移”的造型规律，显得放松而自然。
《大卫》正陷入复杂沉思的心理状态，他的沉思目光似乎发现了人类自身的美和力量。
这种对人类自身价值的发现和认识，正是文艺复
兴的根本精神。
自多纳泰罗之后，主要的雕塑家是米开朗基罗。
米开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。
他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。
米开朗基罗在艺术作品中倾注了自己满腔悲剧性的激情。
这种悲剧性是以宏伟壮丽的形式表现出来的，他所塑造的英雄既是理想的象征又是现实的反应。
这些都使他的艺术创作成为西方美术史上一座难以逾越的高峰。
他的主要代表作有《大卫》《摩西》和《哀悼基督》
《哀悼基督》是米开朗基罗的成名作。
作品采用了稳重的金字塔式的结构,十分隐觅，圣母宽大的衣袍既显示出圣母的四肢的形状，又巧妙地掩盖了圣母身体的实际比例，解决了构图美与实际人体比例的矛盾问题。
圣母那年轻唯美的神态，改变了以往中年圣母的形象。
基督的那脆弱而裸露的身体与圣母衣褶的厚重感以及清晰的面孔形成了鲜明的对比，统一而富有变化。
他的雕刻下的衣褶，让人感觉不到那种大理石的笨重感，给人的感觉就是很轻松的附着在了形体上。
这一切都赋予了石头以生命力，使作品显得异常光彩夺目。
米开朗基罗还将自己的名字第一次刻在了雕像中圣母胸前的衣带上。
他著名作品《大卫》，它不仅是男性和力量的化身，而且毫不掩饰地向世
人展示自己肉体的美感
灵魂的反省的痛苦、生之厌恶、对于物质束缚的争斗，这是他的灵感的原
素。
大卫的胸部隐见的肋骨和显见的肌肉共同组成起伏的波纹。
而大卫的头部是紧张而机警的、带有挑战性的，头部、颈部与身体的和谐，隐含着一个骄傲的男性在袒露自己身躯时所特有的、像雄鸡或雄性凤凰一样的自豪感、夸耀感。
大卫的双手是巨大的，巨大的双手在炫耀着男性力度的同时，也夸张着男性在性美感、肉体美感指向外在时所具有的付出、奉献、自信的心理感觉。
大卫的腰部极具魅力，"腰部成了塑像的主要兴趣所在，从那里放射出身体的所有其它平面"。
男性的腰部决不像女性一样纤细，但仍然充满了力度的曲线美。
这是挺拔的腰，是男性躯体最柔软、然而却是上体和下体力度交汇的部位，是肌肉排列紧凑而规则的部位。
这是男性的腰，越是承受重压越坚强不屈，而恰恰相反，越是面对温柔越软屈。
当两腿从腰部伸展出来时，好象获取了无穷的力
量，能够站稳脚跟，也能够跨越障碍。
米开朗基罗的另一代表作《摩西》，它的动作是比较简单的：这是意大利文艺复兴盛时佛罗伦萨派艺术的特色，亦是罗马雕刻的作风，即明白与简洁。
《摩西》的态度是一个领袖的神气。
头威严地竖立着，奕奕有神的目光，曲着的右腿，宛如要举足站起的模样。
牙齿咬紧着，像要吞噬什么东西。
摩西头上的角，亦是成为博学的艺术史家争辩不休的对象。
在拉丁文中，角在某种意义上是“力”的象征，也许就因为这缘故，米开朗基罗采取这小枝节使摩西态度更为奇特、怪异、
粗野。
摩西的眼睛又大又美，固定着直望着，目露凶光。
头发很短，如西斯廷天顶上的人物一样；胡须如浪花般直垂下来，长得要把手去支拂。
臂与手像是老人的；血管突得很显明；但他的手，长长的，美丽的，和多那太罗的绝然异样。
巨大的双膝似乎与身体其它各部不相调和，是从埃及到巴勒斯坦至处奔波的膝与腿。
它们占据全身面积的四分之一。
摩西的衣服纯粹是一种假想的，它的存在不是为了写实，而是适应造型上衬托的需要。
因了这些衣褶，腿部的力量更加显著；
雕像下部的体积亦随之加增，使全体的基础愈形坚固。
米开朗基罗雕刻作品的风格形成和创作走向与其绘画作品的风格形成和创作走向是一样的线索：英雄气概磨难而成壮心不已的烈士暮年。
早期的作品是其内心世界的表白，随后的一些作品表现为风格样式的定型，后期的作品仍
然是艺术家的心情归宿。
罗丹有言：近代最大的天才（米开朗基罗）善写阴影如果按照分析希腊技巧般来分析米开朗基罗的作品，我们立即可以断定它的表情是生命的对于自己的折磨，是烦躁的意志：是有活动的意志而无成功的希望：是为不可实现的想望所苦闷着的牺牲者。
他的全部雕塑都表示着冲突、斗争，似乎白石会自己破裂一般。
她们（雕塑）在失望与烦闷的煎熬中，再经不起感情的激动了。
当米氏年老，他真有毁掉他作品的时候。
艺术已经不能满足他了，他需要‘无穷’。
他写道：
“这扑向着十字架上张开的臂抱中去的灵魂，绘画与雕塑俱不足以抚慰他
了。
”
尘世的活动，不论它怎样残缺，总还是美善的
米开朗基罗的调子，深刻的人类精神，努力与痛苦的挣扎，这是最崇高最
伟大的理想。
像罗丹那样爱我们的人生吧，就因为我们能用全部精力去生活。
我们应该走向清明平静的境界。
在神秘的面前，我们并不会缺少基督教徒的苦闷与烦躁。
参考文献《罗丹艺术论》《欧洲文艺复兴史》
姓名宋振豪
学号201213070203
专业中国画。