艺考必备作曲基本理论知识
作曲的基本乐理知识
作曲的基本乐理知识作曲的基本乐理知识大全在乐理中，作曲是指运用和声学、复调、配器法、曲式结构的技术理论体系来表达创作者音乐思想的方法。
下面店铺为您收集整理了作曲的基本乐理知识，希望对您有帮助！作曲的基本乐理知识(一)旋律(Melody)，音乐的基本要素。
通常指一个具有音高组织和节奏律动的序列。
曲调(Tune)是歌唱性、能够表达一定乐思或主要的旋律的统称。
指若干乐音经过艺术构思而形成的有组织、节奏的和谐运动。
俗称“调子”。
曲调是让听众获取音乐内容的重要媒介。
音乐内容的表现是靠音乐的整体音响效果。
而音乐素养不高的大众基本只能注意到曲调的存在，实际是从音乐的整体音响与歌词(如果有歌词)获取音乐内容。
抛开歌词与演唱者，曲调本身几乎没有任何音乐内容。
即便是同一个曲调，不同编配方式、速度、节拍、织体所呈现的音乐内容也会不同。
所以，好的曲调既是一个让听众更好的理解音乐的重要媒介。
好的'曲调具有流畅性、连贯性、可记忆性等特征。
对于歌曲来说, 谱曲时还要考虑如何与歌词进行搭配，合理的搭配能让听者听清歌词，从而更好的获取音乐内容。
我们平时说的“旋律”实际是指曲调，“旋律”可表示任何音高与节奏所构成的序列。
歌曲写作者：Songwriter商业唱片中由于商业运作衍生出的一种职业。
为只为乐曲创作曲调的人。
不论商业唱片中的艺人还是大众群体，并不是每个人都受过专业的作曲训练，所以大部分人在音乐上的创作能力仅限于谱曲。
商业唱片中，谱曲者会与相对专业的作曲者合作。
创作一个曲调后，相对专业的作曲者再进行乐曲的编配与设计。
当然，谱曲者本人也可能是相对专业的作曲人，只不过在某乐曲中只是参与了曲调创作而已。
作曲的基本乐理知识(二)根据法国音乐界的定义,作曲的风格可以分为三类：1、ANAORPHOSE：这种风格强调音乐的主体几乎不变，改变的只是听者的感受;2、METAMORPHOSE：这种风格需要音乐产生一种渐进的变化，主导思想认为音乐就如同一个生命，会因为新陈代谢逐渐产生变化和变形。
音乐生艺考基本乐理知识(完整版)
首先，把肺里的气全部呼出去，要呼的干净；然后，并住呼吸，把手按在小腹，也就是常说的单田，用力使单田鼓起，手要反作用在单田上，要用力，在鼓起的时候要渐渐用力，不要一下鼓起来从开始用力到用力到极限，大约用五秒钟时间然后到最强的时候，持续五秒钟最后，渐渐放松，也不要一下放松，大约五秒时间整个过程，注意不要呼吸。
这是一个循环，每天这样练功，两个小时，半年的时间你的唱功一定会很实力，但中间不要停止，特别是第一个星期的七天，一定要坚持下来练自己的肺活量，多游泳，多跑步！多看一些音乐录影带，看一下其他歌手唱歌时的口型，多模仿！多唱，多练最好找一个专业的老师，指导一下，才不会误入歧途，不会把声带损害，要注意唱歌时不要多用自己的声带，要让自己的声音传的远而稳，注意运用气息，否则会使声带生茧。
声音忌讳大声喊叫。
其实我们都要避免：1、大声喊叫；2、在具备充足睡眠后，每天用声不准超过两小时[总用声量]，长期超量用声，必然导致声带病变[坏嗓子]！养成用丹田气说话的习惯。
意念上，不要用嗓子说话，用小腹[脐下两寸的点]说话。
多练仰卧起坐，加强丹田力量[一般女性小腹力量较弱]。
口腔要打开[后上下牙距离]，整个口腔形成：前紧[开、齐、合、撮]后松[打开后槽牙]之势。
长期坚持科学训练。
情、气、声的训练：情---七情：喜、怒、忧、思、悲、恐、惊的语言表达训练；气----掌握胸腹联合呼吸法；声----声音的弹性训练。
想把声音练的生动并且带有颤音.你要先从开口音"a. ia ua "这几个音开始练.如果你有钢琴可以按照琴键顺序由低音部.唱到高音部.练好开口音.再练闭口音.比如:"u. o "闭口音是练颤音的关键.唱闭口音时要有打哈欠的感觉.提起胸腔.这样才会获得更好的效果. 闭口音也是按照顺序由低音部唱到高音部.然后再唱回去.并且建议你一开始不要用颤音去模仿张学友或者刘德华的歌.他们虽说颤音很有感情.但刻意的模仿不但练不好音.而且还有可能练坏了嗓子.我练音的歌一般都是很老的歌比如<莫斯科郊外的晚上><大海啊故乡>.诸如此类.基本乐理第一章记谱法的基础知识用音符、休止符及其它符号来记录乐曲进行的方法称为记谱法。
作曲编曲的乐理知识
作曲编曲乐理知识一、音与音高的问题音的四种性质：高低、长短、音色、强弱很容易听见的音：基音不容易听见的音：泛音二、乐音体系（重点）有固定音高的音的总和叫做乐音体系，简称音级Do Re Mi Fa Sol La Si(Ti)，叫音名有独立名称的白键叫基本音级（C大调）声高或者降低基本音级的叫做变化音级（其他调）钢琴88个键，其中小字一组的c为中央C，小字一组的a为国际标准音，音高频率为440Hz。
三、12平均率的问题琴键上两个音最小的距离为半音一个全音等于两个半音一个8度有12个半音“#”叫做升号，把原来的音升高半个音，就用“#”表示“b”叫做降号，把原来的音降低半个音，就用“b”表示“”叫做还原号，把已经升过的降过的音归回原位“×”叫做重升号，把原来的音，升高一个全音（两个半音）“bb”叫做重降号，把原来的音，降低一个全音（两个半音）“C#”读C升，以此类推，临时记号应该写在音符的前面，音名的后面。
四、等音的概念两个音的音高是一样的，记法和用途都不一样1、自然半音：由两个相邻的音级够成的半音叫自然半音比如：E-F是自然半音，B-C是自然半音，C-Db是自然半音2、自然全音：由两个相邻的音级够成的全音叫自然全音比如：C-D是自然全音，D-E是自然全音3、变化半音：同一个音级（同一个字母）构成的关系叫做变化半音比如：C-C#是变化半音，C#-Eb是变化半音4、变化全音：同一个音级（同一个字母）或隔开的一个音级（隔开一个字母）构成的关系叫变化全音比如：C-C×是变化全音，C-Eb是变化全音，中间隔开了一个D五、记谱法：简谱和五线谱音符的概念：记录乐曲与食指长短的进行。
休止符的概念：记录不同乐音与食指长短的间歇。
1、简谱：以啊拉伯数字作为基本音符，休止符用零表示。
一个基本音符代表一个四分音符“-”增时线，放数字旁边“_”减时线，放数字下方在音符上面加一点为高音，在音符下面加一点为低音（每加一点代表一个八度）2、五线谱音符的组成：符头、符尾、符干小圆点叫符头，中间一竖叫符干，下方尾巴叫符尾全音符，二分音符，四分音符，八分音符，十六分音符五线谱，由下往上数，一共有五线四间倒挂在第四跟线下面的叫全休止，躺在第三线上的叫二分休止四分音符写法八分音符写法十六分音符写法下加线，下加间。
作曲基本原理
作曲基本原理作曲是音乐创作的重要组成部分，它涉及到音乐的和声、旋律、节奏等方面，是音乐艺术的重要表现形式之一。
作曲基本原理是指在作曲过程中需要遵循的一些基本规律和原则，它们对于作曲的质量和效果起着至关重要的作用。
下面我们将从和声、旋律、节奏三个方面来谈谈作曲的基本原理。
首先是和声。
和声是指不同音高的声音同时响起时所形成的音响效果。
在作曲中，和声是非常重要的，它可以使音乐更加丰富多彩。
在进行和声创作时，需要注意和声的稳定性和和谐性，避免出现不和谐的和声组合，否则会影响整个音乐作品的效果。
此外，和声的变化也是作曲过程中需要注意的，合理的和声变化可以使音乐更加生动和有层次感。
其次是旋律。
旋律是音乐中最容易被人们记住的部分，它是音乐作品的灵魂所在。
在作曲时，需要注意旋律的流畅性和易记性，一个好的旋律可以使整个音乐作品更加动人。
此外，旋律的变化也是需要注意的，合理的旋律变化可以使音乐更加富有变化和层次感。
最后是节奏。
节奏是音乐中的时间感，它决定了音乐的速度和节奏感。
在作曲时，需要注意节奏的稳定性和韵律感，合理的节奏可以使音乐更加有力量和动感。
此外，节奏的变化也是需要注意的，合理的节奏变化可以使音乐更加生动和富有变化。
总之，作曲基本原理是作曲过程中需要遵循的一些基本规律和原则，它们对于作曲的质量和效果起着至关重要的作用。
在作曲过程中，需要注意和声、旋律、节奏等方面的处理，力求做到合理稳定、丰富多彩，使音乐作品更加动人和有魅力。
希望本文对于作曲基本原理有所帮助，谢谢阅读！。
作曲基础知识与配器技巧指导
作曲基础知识与配器技巧指导作曲是音乐创作的一种形式，通过创造独特的音乐来表达情感和观点。
作曲家需要掌握一定的基础知识和配器技巧来创作出优秀的作品。
本文将介绍一些作曲的基础知识，并提供一些配器技巧作为指导。
一、作曲基础知识1. 音符和节拍音符是音乐的基本单位，用来表示音高和时值。
常见的音符有全音符、二分音符、四分音符等。
节拍是音乐中的基本脉动，可以用拍号来表示。
在作曲过程中，需要合理运用音符和节拍来构建旋律和节奏。
2. 音阶和调式音阶是音乐中一组按照音高顺序排列的音符。
常见的音阶有大调音阶、小调音阶等。
调式是音乐中的基本调性，常见的调式有大调、小调等。
了解和运用不同的音阶和调式可以为作曲提供更多的音乐素材。
3. 曲式结构曲式结构是指作曲中的整体结构安排，常见的曲式结构有复调曲式、套曲曲式等。
作曲家可以根据自己的创作意图选择合适的曲式结构来组织音乐。
二、配器技巧指导1. 乐器选择在作曲中，选择适合的乐器对于传达音乐的情感和效果至关重要。
作曲家需要了解各种乐器的音质特点，包括音域、音色和演奏技巧等。
在进行配器时，灵活运用各种乐器的组合可以创造出丰富多样的音乐效果。
2. 和声处理和声是指不同音符在同一时间的组合。
在作曲中，合理处理和声可以使音乐更加丰富和谐。
作曲家可以通过运用和弦进行、音程变化和声部运动等方法来处理和声，创造出动听的音乐效果。
3. 色彩运用配器中的色彩运用可以为音乐增添层次和质感。
作曲家可以通过运用原声乐器和合成器、不同的音色和音效等手法来塑造音乐的色彩。
同时，还可以借助动态的变化和音色的叠加等技巧来丰富音乐的表现力。
4. 节奏和韵律节奏和韵律是音乐中的基本元素，对于作曲具有重要的影响。
作曲家可以通过运用不同的节奏模式、变化的速度和韵律变化来创造出丰富多样的节奏和韵律效果。
总结作曲基础知识和配器技巧是作曲家创作音乐的基石。
掌握音符和节拍、音阶和调式、曲式结构等基础知识，并合理运用乐器选择、和声处理、色彩运用和节奏韵律等配器技巧，可以帮助作曲家编写出更加精彩的音乐作品。
音乐理论与作曲技巧
音乐理论与作曲技巧音乐理论与作曲技巧音乐是人类艺术中重要的一种形式，它可以表达情感、传递信息，也可以是我们生活中的一种娱乐方式。
作为一个作曲家或者音乐爱好者，了解音乐理论和掌握作曲技巧是非常重要的。
本文将探讨音乐理论的基本概念以及一些常见的作曲技巧。
一、音乐理论的基本概念1. 音符和音程音符是音乐的基本单位，它代表了音高和持续时间。
音符被分为不同的类型，如全音符、二分音符、八分音符等等。
音程是两个音符之间的音高间隔，它可以是上升的或下降的。
音程包括纯音程和增减音程，例如纯五度、增四度等。
2. 调性和调式调性是音乐中的基本音高组织形式，它是一种音乐的“主题”或“基调”。
调式是在特定调性下音乐创作的规则和模式，它决定了作品中各个音符的使用和排列方式。
常见的调式包括大调和小调。
3. 和弦和和声和弦是由多个音符组成的音乐单位，它是音乐中的基本和声基础。
和弦包括三和弦、七和弦等等。
和声是指多个声部之间的音乐关系，它决定了和弦的排列和进行方式。
二、作曲技巧1. 起承转合起承转合是一种常用的作曲技巧，它帮助作曲家构建音乐形式和情感表达。
起承转合包括起始部分（序曲）、中间部分（主题的发展和变化）、过渡部分（不同主题的连接）和结尾部分（结束和总结）。
2. 和声处理和声处理是指在作曲过程中如何安排和弦和声部的运动。
通过恰当地处理和弦进行、声部运动和音程选择，可以增强音乐的和谐感和表现力。
常见的和声处理技巧包括和弦的转位、音程的行进和跳跃等等。
3. 主题发展主题发展是指在音乐中对主题进行变化和发展。
通过对旋律、节奏、和声和音色的改变，可以丰富音乐素材，使音乐更加富有变化和张力。
主题发展可以包括重复、反转、转调等技巧。
4. 色彩运用色彩运用是指在作曲过程中如何运用不同的音色和乐器来表达音乐的情感和意境。
选择合适的乐器组合、音色变化和特殊音效，可以让音乐更加生动和多样化。
5. 节奏和动态节奏和动态是音乐中重要的元素，它们对音乐的节奏感和动感起着至关重要的作用。
作曲的知识
作曲的知识
一、基本术语
1、上行：旋律向上进行；
2、下行：旋律向下进行；
3、级进：二度上行或下行；
4、小跳：三度、四度的进行；
5、大跳：五度、六度、七度、八度和八度以上的进行；
6、重复：对前面的乐汇或乐句或乐段的再现；
7、模进：前面的乐汇或乐句或乐段的旋律线不变，只在音区上有所变化的一种重复；
8、乐素、乐汇、乐句、乐段：相当于文学中的词素、词汇、句子、段落；
9、调式：按一定关系排列起来的一组音（不超过7个），并以其中一个音为主音组成的一个体系，这个体系叫做调式；
10、大调式：以“1”为主音的调式；
11、小调式：以“6”为主音的调式；
12、五声调式：分别以“1、2、3、5、6”为主音，也就形成了中国特有的“宫、商、角、徵、羽”五声调式。
例如以“2”为主音的调式叫“商调”式。
大二学长艺考知识点总结
大二学长艺考知识点总结一、音乐理论1. 音乐的基本元素：音高、音符、音程、音符组成的旋律、和声、节奏等2. 音乐的基本知识：音阶、调式、音程、和弦等基础知识3. 曲式与结构：复调、变奏、对位、自由曲式等常见曲式和结构4. 作曲技法：旋律编排、和声编排、节奏编排等基本作曲技法5. 乐理知识：调性、和声、节奏、速度、韵律、音调等乐理知识6. 乐谱分析：曲式分析、和声分析、节奏分析、旋律分析等乐谱分析知识二、音乐实践1. 声乐表演：唱法、咬字、气息控制、音色调整、演唱技巧等2. 伴奏：钢琴伴奏、吉他伴奏、其他乐器伴奏等3. 合唱：声部分配、和声演唱、合唱指挥等4. 音乐创作：歌曲创作、器乐曲创作、编曲等5. 乐器演奏：钢琴演奏、小提琴演奏、吉他演奏等三、舞蹈1. 芭蕾舞基本功：立身、步法、转体、跳跃、姿态等基本功2. 现代舞基本功：肢体表达、肌肉控制、舞蹈基本姿势等3. 民族舞基本功：舞步、手势、身体动作、表情等4. 舞蹈编排与编舞：舞蹈编排、编舞理论、编舞技巧等四、戏剧表演1. 剧本分析与诠释：剧本分析、角色理解、情绪表达、舞台表现等2. 表演技巧：唱、念、做、表演、唱念做打等表演技巧3. 舞台语言：身体语言、声音语言、表情语言、眼神语言等4. 舞台表现：情感表现、身体语言、气息控制、肢体表达等五、美术1. 美术基础：素描、色彩、构图、造型、光影等基础知识2. 绘画技法：水彩画、油画、素描、速写等绘画技法3. 三维艺术：雕塑、立体造型、工艺品制作等4. 设计理论：平面设计、立体设计、室内设计、服装设计等设计理论六、书法与篆刻1. 书法基础：笔法、结构、布局、传统书法作品欣赏等2. 篆刻基础：刻字技法、印章制作、篆刻作品鉴赏等3. 书法与篆刻历史：书法发展历史、篆刻发展历史、传统书法名家、篆刻名家等七、编导与制作1. 影视编导：剧本创作、导演技巧、镜头运用、剧情设计等2. 节目制作：舞台节目设计、音乐节目制作、电视节目制作等3. 广播编导：广播剧创作、广播节目编导、广播表演技巧等八、艺考特殊技能1. 体育项目：体能训练、体操技巧、柔道、武术等2. 艺术表现：魔术、杂技、小丑表演、后期特效等3. 科技创作：动画、游戏开发、影视后期制作等以上是大二学长艺考知识点的总结，希望对即将参加艺考的学弟学妹们有所帮助。
高三艺考复习必背知识点
高三艺考复习必背知识点一、音乐知识点1. 音乐元素：音高、音长、音色、音量、节奏等。
2. 音乐符号：乐谱的基本元素包括五线谱、音符、音符的时值、音符的连音、调号、节拍等。
3. 曲式结构：包括序曲、主题与变奏、复调、咏史诗、交响曲等，不同曲式有不同的结构特点。
4. 各类乐器：包括弦乐器、管乐器、打击乐器等常见乐器的形态、音域、演奏方法等。
5. 音乐史：了解不同音乐时期的代表作品、音乐风格、作曲家等。
二、美术知识点1. 绘画基础：包括素描、构图、色彩、光影等基本绘画技法。
2. 艺术流派：了解不同的艺术流派，如印象派、表现主义、抽象艺术等，以及代表作品和艺术家。
3. 中国传统绘画：了解中国传统绘画的特点、画法、题材等，如山水画、花鸟画、人物画等。
4. 西方古典绘画：了解欧洲古典绘画的代表作品、艺术家以及风格特点，如文艺复兴时期的达·芬奇、拉斐尔等。
5. 展览艺术：关注近期的艺术展览，了解不同展览的主题、参展作品等。
三、舞蹈知识点1. 舞蹈基本功：包括身体柔韧性、平衡感、节奏感、空间感等基本技能。
2. 舞蹈风格：了解不同舞种的风格特点，如古典芭蕾、爵士舞、现代舞等，以及代表作品和舞者。
3. 舞蹈历史：了解舞蹈的发展历程、不同时期的重要作品和舞者，如芭蕾舞的起源与发展、现代舞的兴起等。
4. 舞蹈编排：了解舞蹈编排的基本方法和技巧，包括动作设计、节目结构安排、音乐选择等。
5. 舞蹈赛事：关注近期的舞蹈比赛和演出，了解不同赛事的参赛要求、评分标准以及获奖作品。
四、戏剧知识点1. 戏剧基本功：表演技巧包括声音的运用、肢体表达、眼神交流、舞台呼吸等表演要素。
2. 戏剧史：了解不同时期的戏剧发展和重要剧作，如古希腊戏剧、莎士比亚戏剧、现代戏剧等。
3. 角色塑造：了解角色塑造的基本原则和方法，包括角色分析、情感表达、动作设计等。
4. 舞台美术：了解舞台美术的概念和要素，包括布景、道具、服装、灯光等的设计与运用。
高中音乐艺考知识点总结
高中音乐艺考知识点总结一、音乐理论知识音乐理论知识是音乐艺考中必不可少的内容，包括乐理基础知识、音阶、音程、调式、节奏、音乐符号、和声、旋律、节拍等基本知识。
考生需要掌握音乐基础知识，对音乐的构成、演奏、创作有清晰的认识。
1、音符音符是音乐符号中表示音高和音长的符号。
常见的音符有全音符、二分音符、四分音符、八分音符等。
考生需要了解各种音符的名称、表示方式、时值和长度等知识。
2、音程音程是指两个音高之间的距离，包括纯音程、大、小音程等。
考生需要熟练掌握各种音程的构成和特点，以便在演奏和作曲中正确运用。
3、调式调式是指一组音符按照一定的规律排列组成的体系。
常见的调式包括大调、小调等。
考生需要掌握各种调式的构成、特点和使用方法。
4、节奏节奏是音乐中的时间感，包括拍子、拍号、节拍等概念。
考生需要熟练掌握各种节奏的表示方法和演奏技巧。
5、和声和声是指多个音符同时发声时产生的音乐效果。
考生需要了解和声的基本概念、和声的构成方式和技巧。
二、音乐历史知识音乐历史知识是音乐艺考中的重要内容，包括古典音乐、民族音乐、现代音乐等不同音乐时期和流派的发展历程和代表作品。
考生需要了解各个时期音乐的特点、代表作品、作曲家和演奏家等信息。
1、古典音乐古典音乐指的是欧洲18-19世纪的音乐作品，包括巴洛克音乐、古典音乐和浪漫音乐等。
考生需要了解古典音乐的特点、代表作品和著名作曲家，如巴赫、莫扎特、贝多芬等。
2、民族音乐民族音乐是不同国家和地区的音乐作品，反映了当地人民的生活和文化。
考生需要了解各种民族音乐的特点、代表作品和演奏技巧。
3、现代音乐现代音乐是20世纪以后的音乐作品，包括现代古典音乐、流行音乐、爵士音乐等。
考生需要了解现代音乐的特点、代表作品和演奏技巧。
三、乐器知识乐器知识是音乐艺考中的重要内容，包括各种乐器的演奏技巧、音色特点、历史发展和代表作品等信息。
考生需要了解各种乐器的基本知识和演奏要求。
1、钢琴钢琴是一种键盘乐器，是音乐学习和演奏中的重要乐器。
基本乐理基础知识
基本乐理基础知识（一) 基础知识一、基础知识基本乐理的基础知识是作曲家创作乐曲，也象文学家写诗歌、小说一样，有一套表情达意的体系，那就是音乐语言。
音乐语言包括很多要素:旋律、节奏、节拍、速度、力度、音区、音色、和声、复调、调式、调性等.一首音乐作品的思想内容和艺术美，要通过多种要素才能表现出来.【旋律】又称曲调，它是按照一定的高低、长短和强弱关系而组成的音的线条.它是塑造音乐形象最主要的手段,是音乐的灵魂。
【节奏】各音在进行时的长短关系和强弱关系。
由于不同高低的音同时也是不同长短和不同强弱的音，因此旋律中必须包括节奏这一要素.【节拍】强拍和弱拍的均匀的交替。
节拍有多种不同的组合方式,叫？quot；拍子’’,正常的节奏是按照一定的拍子而进行的.【速度】快慢的程度.为使音乐准确地表达出所要表现的思想感情，必须使作品按一定的速度演唱或演奏.【力度】强弱的程度。
音的强弱变化对音乐形象的塑造也起着很重要的作用。
【音区】音的高低范围。
不同音区的音在表达思想感情时各有不同的功能和特点。
【音色】不同人声、不同乐器及不同组合的音响上的特色。
通过音色的对比和变化,可以丰富和加强音乐的表现力。
【和声】两个以上的音按一定规律同时结合。
和弦进行的强和弱、稳定与不稳定、协和与不协和，以及不稳定、不协和和弦对稳定、协和和弦的倾向性，构成了和声的功能体系。
和声的功能作用,直接影响到力度的强弱、节奏的松紧和动力的大小.此外，和声的音响效果还有明暗的区别和疏密浓淡之分，从而使和声具有渲染色彩的作用。
【复调】两个或几个旋律的同时结合。
不同旋律的同时结合叫做对比复调，同一旋律隔开一定肘间的先后模仿称为模仿复调.运用复调手法，可以丰富音乐形象，加强音乐发展的气势和声部的独立性，造成前呼后应、此起彼落的效果。
【调式】从音乐作品的旋律与和声中所用的高低不同的音归纳出来的音列。
这些音互相联系并保持着一定的倾向性.而调性则是调式的中心音（主音）的音高。
音乐学院音乐理论必背音乐常识大全
音乐学院音乐理论必背音乐常识大全1. 音乐的定义音乐是一种艺术形式，通过声音元素的组合来表达情感和观念，包括声音的旋律、节奏和和声等。
2. 音乐的元素- 旋律：由一系列音符按照时间和音高的顺序组成。
- 节奏：音乐中的时间流逝和强弱变化的规律。
- 和声：多声部音乐中不同音符之间的关系。
- 音色：不同乐器或嗓音的独特特点。
- 动态：音乐的响度变化。
- 性格：音乐所传达的情感和氛围。
3. 音乐的分类- 古典音乐：音乐历史上形成的传统音乐，如巴洛克、古典和浪漫音乐。
- 流行音乐：大众喜爱的音乐，如摇滚、流行、爵士等。
- 民族音乐：不同地区或民族独有的音乐风格。
- 电子音乐：通过电子合成器等电子设备产生的音乐。
4. 音乐符号- 谱号：用于标示音符所代表的音高。
- 音符：用来表示音乐的基本音符。
包括全音符、二分音符、四分音符等。
- 节拍：音符的时间长度。
- 调号：标示音乐作品的调性。
5. 常见的音乐形式- 奏鸣曲：一种多乐章的器乐曲形式，常用于古典音乐。
- 弦乐四重奏：由两个小提琴、中提琴和大提琴组成的演奏团体。
- 交响曲：多乐章的管弦乐曲形式，常用于古典音乐作品。
6. 音乐史上的重要音乐家- 贝多芬：著名的古典音乐作曲家，作品包括《第九交响曲》。
- 巴赫：巴洛克音乐时期的作曲家，作品包括《平均律钢琴曲集》。
- 莫扎特：古典音乐时期的作曲家，作品包括《交响曲第四十号》。
7. 常见的音乐术语- 卡农：一种音乐形式，是由一个声部开始，其他声部跟进并以逆行或变调进行演奏。
- 前奏曲：一首乐曲的开场部分，通常用来引入主题和创造情绪氛围。
- 赋格：以主题不断进行变奏和衍生的音乐形式。
以上是音乐学院音乐理论必背音乐常识的大致内容，希望能对你有所帮助！。
基本作曲知识点总结
基本作曲知识点总结一、音乐理论音乐理论是作曲的基础，它包括音高、音程、节奏、音符、音阶等内容。
在作曲过程中，作曲家需要熟练掌握这些基本概念，以便能够准确地表达自己的音乐思想。
音高是音乐中的基本要素，它指的是音符的高低。
音高由频率决定，频率越高音高越高，频率越低音高越低。
音高可以用音符来表示，音符位于五线谱上的不同位置代表不同的音高。
音程是任意两个音高之间的距离，音程分为纯音程和变音程两种。
纯音程包括纯一度、纯四度、纯五度和纯八度，变音程包括大二度、小二度、大三度、小三度、大六度、小六度、大七度和小七度。
节奏是音乐中的时间组织，它指的是音符之间的时间长度。
音符的时值由符头、符杆和符尾表示，符头的形状和位置代表不同的时值。
音符是音乐中的符号，用来表示音高和时值。
常见的音符包括全音符、二分音符、四分音符、八分音符、十六分音符和三十二分音符。
音阶是音乐中的基本音组合，它包括七个音符和一个八度音。
常见的音阶包括大调音阶、小调音阶和和声小调音阶。
二、和声和声是作曲中的重要概念，它指的是不同音符同时发声所组成的和声效果。
和声可以分为和弦、和声进行和和声规则等方面。
和弦是音乐中的基本和声单位，它包括三个音或更多音的组合。
常见的和弦包括大三和弦、小三和弦、属七和弦、小七和弦、减七和弦和增四和弦。
和声进行是和声中不同音的连续进行，它包括声部进行、和声进行和旋律进行。
声部进行是不同声部之间的进行，和声进行是和声中不同音之间的进行，旋律进行是旋律中不同音之间的进行。
和声规则是和声中的基本规则，它包括声部进行规则、和弦进行规则和和声稳定规则。
声部进行规则指的是不同声部之间的进行要符合一定的规则，和弦进行规则指的是和声中不同和弦的进行要符合一定的规则，和声稳定规则指的是和声中不同和弦要符合一定的进行规则。
三、曲式曲式是音乐中的结构概念，它指的是不同乐曲中固定的结构形式。
常见的曲式包括奏鸣曲式、变奏曲式、艺术歌曲曲式和交响曲式。
作曲基本理论
配器法是管弦乐的写作技法，故又称为“管弦乐法”或“乐器法”。但对于一切乐队的演奏乃至于通俗歌曲的伴奏都离不开配器的运用，因此学一点配器知识很有实用价值。
学习配器法是要解决如下问题：
?各种乐器的发声原理，音色，音量及演奏法等
?各种乐器间音量上的匹配关系
㈣ 和声的进行、连接、“解决”
和声在乐曲进程中要不断地转换、变化、中止；各声部也要为此恰当地过渡，连接。因此这是写和声的基本功。和声进行的基本特点是由“稳定”到“不稳定”再到“稳定”；由“协和”到“不协和”再到“协和”的交替循环。其功能进行的图式为：T-S-T，T-D-T 或T-S-D-T。小说《你别无选择》中多次提到的所谓“功能圈”就是这个意思。该小说中还提到“解决”这个术语。这是指不协和和弦(如七和弦)在进行，连接中向协和和弦转换的方式，其基本法则是将各声部的音向各自最靠近的协和音过渡，如 7→1；4→3，等；而协和音保持不变。
如何学习和声学
(1)．充分理解基本概念，不必死记规则。和声学规则虽多但限制却少。况且记住这些“禁条”就不会犯大错，因此应先记“禁忌”。
(2)．坚持做习题。音乐不同于数理化，它无绝对的标准，习题也非一种答案。只有多做多练才会记牢，提高。
(3)．多听名曲。这实际上是最有效的手段。初学者可多听简单，好懂又好听的曲子。
“四部和声”的写作是作曲的重要技能之一，作品不论大小，均应以此为起点(主旋律确定之后，即着手和声写作)。配器使和声织体具体化。(由于不同的乐器分属不同的声部，故总谱可按和声声部写，也可按乐器分组写：如弦乐声部、铜管乐声部、木管乐声部…)不同作曲家的和声风格往々各异：或富丽堂皇，或雄浑宽厚，或清澈透明。如瓦格纳的作品即以华丽著称。
㈢ 和声声部
艺考基本乐理
艺考基本乐理1、五线谱：用來记录乐音音高的五条等距等长的平行直线，叫做五线谱。
2、复合音：以发音体的全段及全段的各部分也同时分别在振动而产生的音，叫复合音。
3、基音：发音体全段振动而产生的音，叫基音。
4、泛音：由发音体全段各部分振动而产生的音，叫泛音。
5、震音：一种均匀振动的演奏形式。
6、节奏：组织起來的音的长短关系，叫做节奏。
7、节拍：具有相同时值的重音与非重音，在音乐中形成了有规律的强弱反复，叫节拍。
8、切分音：一个音由弱拍延续至下一个强怕，或由弱位延续至下一个强位，使其弱音变为强音，从而改变拍子正常规律的音叫切分音。
9、连音符：将节奏特殊划分的形式称为连音符号。
10、音值组合法：把小节内的音，按照不同的拍子的结构要求，组成若干个时值相等的音群，叫音值组合法11、音程：两个音在高低上的相互关系，叫音程12、十二平均律：将八度分成十二个均等的最小单位而成的一种律制13、和弦：三个或三个以上按照一定音程关系叠置起來的儿个音，叫和弦14、旋律：将许多音用调式关系加以节奏化的组合起來，形成有规律并£1有独立意义的声部进行，叫旋律15、装饰音：是指用來装饰旋律的小音符及某些旋律型的特殊记号16、五度相生律：以某一音开始，按照纯五度连续生若干次所得到的一种律制17、调式：按照一定关系联系在一起的若干个音，并以一个音为中心，其他的音都围绕着它，支持它形成一个体系，这个体系就叫做调式。
18、调：七个基本肓级的结构关系确定后所处的音高位置，叫做调19、等音调：乂称同音异名调，是指两个不同的调的用音都是等音关系，调式相同，只是调的名称和意义不同的两个调。
20、关系大小调：乂称半行大小调，是指两个调的主音相距小三度。
21、同主音大小调：乂称同名调，是指两个调均以同一个音为主音的大小调22、特种口然大小调：是指在十六世纪欧洲宗教音乐中流行的调式，乂称中世教会调式或中古调式。
23、五声调式：由五声音阶构成的调式，叫五声调式。
作曲理论知识点
作曲理论知识点作曲是音乐创作的一个重要环节，而对于想要成为一名优秀作曲家的人来说，掌握作曲理论知识是至关重要的。
本文将为大家介绍一些作曲理论知识点，帮助大家更好地了解作曲的基本原理和技巧。
一、音程和和弦在作曲中，音程是一个非常基础的概念。
音程指的是两个音之间的音高关系。
常见的音程有纯音程、大调音程、小调音程等。
在作曲过程中，合理运用不同的音程可以让音乐更加丰富多彩。
和弦是由多个音符同时发声形成的音符组合。
和弦有不同的种类，包括三和弦、七和弦等。
合理运用和弦可以让音乐更加和谐。
二、旋律和节奏旋律是音乐中最为重要的元素之一，是由一系列有机联系的音符按照一定的音高顺序组合而成。
好的旋律可以让音乐更加动人。
在作曲过程中，要注意旋律的连贯性和流畅性。
节奏是音乐中的另一个关键元素，是由一系列有规律的音符排列而成。
合理运用节奏可以使音乐更加有动感和节奏感。
三、调性和调式调性是音乐作品中的调的整体特征，通常包括主调和次调。
调性不同会给作品带来不同的风格和效果。
例如，大调给人以明亮和欢快的感觉，小调则更加深沉和悲伤。
调式是指使用某种调式音阶的作品。
常见的调式包括大调音阶、小调音阶、和声小调音阶等。
对于不同的调式，作曲家可以采用不同的和弦进行组合，产生出各具特色的音乐作品。
四、曲式和结构曲式是音乐作品整体结构的组织形式。
常见的曲式有奏鸣曲式、三重奏曲式、变奏曲式等。
了解不同的曲式可以帮助作曲家更好地规划作品结构，使作品更加完整和有条理。
结构是音乐作品中各段之间的组织形式。
通常包括引子、主题、发展部分和结尾等。
良好的结构可以使作品更加有层次感和逻辑性。
通过以上介绍，相信大家对作曲理论知识有了更深入的了解。
作曲是一个复杂而有趣的过程，希望大家可以不断学习和钻研，创作出更多优秀的音乐作品。
愿大家在作曲的道路上越走越远，创作出更多动人心弦的音乐佳作！。
作曲必备知识点总结大全
作曲必备知识点总结大全一、音乐理论1. 音符和音程音符是音乐的基本记谱符号，用来表示音高和时值。
音程是两个音高之间的距离，分为完全音程和不完全音程。
了解音符和音程的概念，可以帮助作曲家理解音乐的基本结构和构成。
2. 音阶和调性音阶是指一组按特定规律排列的音符，调性是指音乐中所采用的音阶和和谐关系的总和。
了解音阶和调性的概念，可以帮助作曲家确定作品的音调和调性，从而构建起作品的基本和声框架。
3. 和弦和和声学和弦是由若干个音组成的和谐的声音组合，和声学是研究和声的学科。
了解和弦和和声学的概念，可以帮助作曲家进行和声的构思和编配，使作品更加丰富和多彩。
4. 节奏和节拍节奏是音乐中有规律的时间分割，节拍是音乐中延续的有规则的时间单位。
了解节奏和节拍的概念，可以帮助作曲家构思出更加严密和鲜明的节奏感，使作品更加有力和生动。
5. 曲式结构曲式结构是指音乐作品在整体上的组织结构和发展关系。
了解曲式结构的概念，可以帮助作曲家构思出清晰、连贯、有机的作品结构，使作品更加有条不紊和通顺。
二、乐器特性1. 管弦乐器管弦乐器包括木管、铜管、打击乐及键盘乐器等，每种乐器都有其特有的音色和演奏特点。
了解各种乐器的特性，可以帮助作曲家合理地分配和编配乐器声部，使得作品更加具有层次感和表现力。
2. 人声乐器人声是最自然的乐器，具有丰富的音色和表现力。
作曲家需要了解不同的人声类型、音域、发声方式等特性，以及人声与乐器的结合和编配技巧，使作品更加富有表现力和魅力。
三、作曲技巧作曲家在创作时需要明确自己的创作思路和表达方式，思考作品的基本主题和情感表达，制定好创作的整体策划和方向，从而使得作品更具有创意和独特性。
2. 音乐形式作曲家需要了解不同的音乐形式和结构，如奏鸣曲式、变奏曲式、交响曲式等，从而使得作品在形式上更加完整和丰富，构思出富有个性和魅力的作品。
3. 配器技巧配器技巧是指作曲家将不同乐器进行组合和编配的技术，需要考虑乐器音色、音域、演奏技巧等因素，使得作品的配器更加丰富和多样，呈现出音乐的魅力和魔力。
作曲基本知识
节奏、节拍、速度、力度在音乐中的表现意义在音乐中节奏、节拍、速度、力度是密切相关的。
所有的节奏都是都存在于节拍之中的，所有的节拍中也都离不开节奏的要素；而所有的节拍与节奏都会表现出一定的速度，同样，无论怎样的速度都是建立在一定的节拍、节奏之上的；节奏离不开力度、节拍也离不开力度，而不同的节拍与节奏总是表现出不同的力度比照。
因此，节奏、节拍、速度与力度共同构成了音乐的骨架，它们对于音乐的表现、塑造音乐形象、有着不容无视的巨大作用。
当然，它们四者还有着各自的侧重点，我们一定要准确地把握好它们的共同与不同之处，并在音乐的演奏、演唱中遵循它的规律，演绎出优美的音乐。
第一节节奏的表现意义节奏的侧重点在音值的长短上，当然还有它的强弱。
不同的节奏组合起来就形成了有一定表现功能的“节奏型〞。
不同的节奏型有着自身特殊的表现作用，如果在音乐中把握住了节奏型的特点，就能够更好地理解音乐、表现音乐，如果能依照所呈现出的特点来演奏、演唱，就会使你的表演更加符合人们的审美要求、能够更好地塑造音乐形象。
如：连续的前八后十六或前十六后八的节奏，就形成一种欢快、跳跃的情绪，适宜表现一些急速、紧张、热烈、欢跃的场景。
附点四分音符的节奏结合二分音符，就适宜表现一些抒情、流畅的情绪，能够表现出甜美、优雅、如歌的、柔与的情景。
短促的十六分音符与休止符相结合，就能让人产生一种跳跃、愉快的情绪，特别适合表现那些活泼、轻巧、富有朝气的、诙谐的情景。
而较长的音值〔指全音符以上的音符〕所构成的节奏，那么更容易让人产生一种平静、阴郁的情绪，在表现田园、哀伤、悲哀、神秘、虔诚等情感时更加得心应手。
当然，这些节奏的运用是与乐曲的速度分不开的，如果在适当的速度下，再配合旋律的走向与音程的跳动、以及音乐其它方面的手段，就能够很好地塑造出栩栩如生的音乐形象、表达准确的思想情感。
第二节各种节拍的表现意义节拍的侧重点是每小节内的强弱关系，当然也包括强拍之间相隔的时间长短。
流行音乐谱曲基础知识
流行音乐谱曲基础知识流行音乐谱曲基础知识1. 使用和弦加入经过音来作曲。
适用于先写和声进行，然后再加入旋律。
此类曲子的旋律与伴奏的和弦相对来说，非常和谐!旋律的和声走向特别明显!但是，一般篇幅比较短小!这时候，吉他的不同的速度和扫弦节奏，不同的分解和弦的指法。
强弱节拍的不同变化，我们可以感觉到不同的旋律的!会产生不同的.创作灵感的!如: 李圣杰的<<痴心绝对>>的高潮部分(即副歌部分)的和弦音就非常的明显!还有,你可以唱一下陈慧娴的<<千千阙歌>>的前奏,旋律,间奏和尾奏来试着去体会一下!2. 使用纯粹的自然音阶来作曲。
适用于写长段的旋律!先写旋律，后写和声!如：大调自然音阶： 1 2 3 4 5 6 7小调自然音阶： 6 7 1 2 3 4 53. 使用各种特色音阶来作曲。
这一点，我要重点讲一下!我们可以使用各个国家，或者各个民族的特色音阶来作曲!如：a. 我国常用的五声音阶：大调五声音阶： 1 2 3 5 6小调五声音阶： 6 1 2 3 5b. 和声小调音阶： 6 7 1 2 3 4 #5c. 大佛里吉亚音阶： 1 b2 3 4 5 b6 b7 (Phrygian-Dominant)也有人把它叫做;弗拉门戈音阶!d. 自然音阶的各种不同的模式：爱奥尼亚模式： 1 2 3 4 5 6 7 (Ionian)也就是大调自然音阶!多里安模式: 2 3 4 5 6 7 1 ( Dorian )佛里吉亚模式： 3 4 5 6 7 1 2 (Phrygian)利底亚模式： 4 5 6 7 1 2 3 (Lydian)混合利底亚模式： 5 6 7 1 2 3 4 (Mixolydian)洛克里亚模式： 7 1 2 3 4 5 6 (Locrian)以上自然音阶以不同的音作为开始，向下顺次排列的方式，叫做: 旋法调 !e. 减音阶： 1 2 b3 4 b5 b6 bb7(6) 7f. 半-全减音阶： 1 b2 b3 3 b5 5 6 b7g. 全音音阶： 1 2 3 #4 #5 #6h. 布鲁斯音阶： 1 b3 4 b5 5 b7 ( Blues )i. 混合布鲁斯音阶： 1 b3 3 4 b5 5 b7j. 大利底亚音阶： 1 2 3 #4 5 6 b7 ( Lydian-Dominant )k. 超级洛克里亚音阶： 1 b2 b3 b4 b5 b6 b7 (Super-Locrian) l. 印度音阶: 1 2 3 4 5 b6 b7 (Hindu)m. 吉普赛音阶： 1 b3 #4 5 b6 b7 (Gypsy)n. 匈牙利音阶： 1 #2 3 #4 5 6 b7 (Hungarian)o. 匈牙利小调音阶： 1 2 b3 #4 5 b6 7 (Hungrarian Minor)p. 旋律大调音阶: 1 2 3 4 5 b6 7 1 b7 b6 5 4 3 2 1q. 旋律小调音阶： 6 7 1 2 3 #4 #5 6 5 4 3 2 1 7 6r. 日本音阶： 6 7 1 3 4其实，简单地说，就是在你作的自然音阶旋律中，你随时准备即兴的加入一个或者若干个变化音，也就是半音!可以升高半音，或者降低半音!看你自己的喜好了!4. 借助各种乐器的音阶特点来作曲。
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音乐：艺考必备作曲基本理论知识
什么是曲式学
曲式是指乐曲的结构形式。
有“单段体”、“两段体”、“三段体”、“变奏曲式”“奏鸣曲式”及“回旋曲式”等。
各主题乐段用“A，B，…”表示。
如“两段体”的曲式图式是“AB ”;“三段体”的图式是“ABA’”，第三段A’与第一段基本相同。
儿童歌曲多为两段体甚至一段体;通俗歌曲多是三段式。
而“圆舞曲”则常采用回旋曲式。
什么是复调
“复调”是相对于“主调”而言。
如果只有一个声部担任主题旋律，其它声部仅起衬托作用，这样的音乐叫主调音乐。
如果旋律声部不只一个，且各声部横向上彼此具有独立性，纵向上构成和声关系，形成和协的有机整体，则这样的音乐叫作“复调音乐”。
复调音乐中，各声部的旋律依主次关系被称作“主旋律”、“副旋律”。
主旋律只有一个。
复调是重要的作曲技法，应用甚广，其理论基础是和声学。
“赋格”是复调曲式之一，巴赫将其技巧发展成熟。
什么是对位法
对位是“复调音乐”写作技法之一。
它以和声学为理论基础，使各声部既协和又相对独立。
如重声合唱(三重唱，四重唱)
就是用对位法写的。
对位法又有“严格对位”和“模仿对位”之分。
俄、德音乐理论家推崇、恪守严格对位。
什么是旋律
旋律就是曲调。
它是一乐曲区别于它乐曲的根本特征，好似建筑物的风格和韵律。
“音素”构成“动机”，动机进一步发展成主题从而形成旋律。
具体说来，一定的“音型”、“节奏型”按特定的节奏节拍规律组合形成旋律。
旋律具有视觉性：它体现在旋律线(符头的连线)上。
早期有些音乐家追求“旋律线的优美”，认为好的旋律视觉上也应是美的。
旋律的创作一靠天才二靠灵感三靠实践。
旋律写作的技巧性是很强的，其发展手法多种多样，最为丰富。
常用的发展手法有：重复，模进，模仿，紧缩，扩展，变化，对比，变奏等。
多数概念的讲解要通过板示和视听。
什么是配器
配器法是管弦乐的写作技法，故又称为“管弦乐法”或“乐器法”。
但对于一切乐队的演奏乃至于通俗歌曲的伴奏都离不开配器的运用，因此学一点配器知识很有实用价值。
学习配器法是要解决如下问题：
·各种乐器的发声原理，音色，音量及演奏法等
·各种乐器间音量上的匹配关系
·正确地选用乐器以求正确地表现作品的主题及风格。