《艺术的故事》读书笔记
艺术读书笔记
艺术读书笔记篇一：《艺术的故事》读书笔记没有艺术，只有艺术家——《艺术的故事》读书笔记看完了《艺术的故事》，再回过头看书名和内容简介，不由觉得“故事”真的是再适合不过的形容了。
它概述了从最早的洞窟绘画到当今的实验艺术的发展历程，但是相比于说它讲述了一段关于艺术的历史，更多的是在叙述艺术和艺术家们的故事。
每一个作品都是一个艺术家讲述的一个故事，书中有一半都是图片，作者用图文结合的方式将这些故事用大众的语言娓娓道来。
所以从书中，我们不只看到了艺术的发展历程，也看到了各个时代的艺术家们的生平故事。
作者给了这些艺术家们新鲜的血肉，而非人物介绍中如“巴勃罗·毕加索（1881年～1973年），立体画派创始人”这样冰冷的文字。
艺术家是鲜活的，他们存在于不同的时代地域、不同的文化背景，作为普通人类思考着关于自己与世界的事，他们把自己的思想成果酿造成艺术作品，所以这些艺术作品也是鲜活的，是艺术家们的一部分。
对于艺术的含义，贡布里希认为艺术在不同时代和地区的定义不同，而“艺术”这一概念则是武断地用一个思维框架来套所有艺术家的所有出品。
贡布里希认为，仅仅由于一幅画让他想起了童年而喜欢它，没有任何问题。
没有错误的“喜欢”，只有错误的“不喜欢”。
错误的不喜欢指的是任由偏见蒙蔽自己，丧失了欣赏艺术作品的机会。
在序中贡布里希说道，“实际上没有艺术这种东西，只有艺术家而已。
”而在书中他又说道，“实际上根本没有艺术其物。
只有艺术家，他们是男男女女，具有绝佳的天资，善于平衡形状和色彩以达到‘合适’的效果；更难得的是，他们是具有正直性格的人，绝不肯在半途止步，时刻准备放弃所有省事的效果，放弃所有表面上的成功，去经历诚实的工作的辛劳和痛苦。
我们相信永远都会有艺术家诞生。
” 那么艺术家又是什么？书中提到，“所谓的艺术家，从前是用有色土在洞窟的石壁上大略画个野牛形状，现在则是购买颜料，为招贴板设计广告画。
”这两个例子冰山一角，并不能全面的概括一个艺术家的真正定义。
《艺术的故事》分章节梳理笔记
《艺术的故事》分章节梳理笔记第一章：艺术的起源与发展- 艺术定义：艺术是一种通过创造性表达来展示人类情感、思想和美的活动。
- 史前艺术：早期人类通过岩洞壁画和雕塑来记录狩猎经历、崇拜神灵和表达他们的生活方式。
- 古代文明艺术：埃及和希腊的雕塑、亚洲的绘画和中国的陶瓷艺术等代表了不同文明发展中的艺术成就。
- 中世纪艺术：宗教在中世纪艺术中起着重要作用，壁画、彩绘玻璃和哥特式建筑体现了信仰的力量。
- 文艺复兴：文艺复兴时期的意大利艺术家追求人体比例、透视和自然写实，拉斐尔、达·芬奇和米开朗琪罗是代表人物。
- 现代艺术：印象派和立体主义的出现标志着艺术的突破，从此艺术家开始以个人观点和感受来创作。
第二章：不同艺术形式的探索- 绘画艺术：绘画通过色彩、线条和形状来表达艺术家的情感和观点，包括油画、水彩画和素描等不同形式。
- 雕塑艺术：雕塑以立体形式展现，可以材质颜色、质地和形态进行创作，常用材料包括石头、金属和木材等。
- 文学艺术：文学以文字为媒介，通过故事、诗歌和戏剧等形式来表达观点和情感，代表作家包括莎士比亚和杜甫等。
- 音乐艺术：音乐以声音为基础，运用音符和节奏来表达情感和观点，包括古典音乐、流行音乐和民族音乐等不同风格。
- 舞蹈艺术：舞蹈通过身体的动作和节奏来表达情感和故事，可以分为古典舞蹈、现代舞和民族舞等不同类型。
第三章：艺术家的影响力与作品欣赏- 伟大的艺术家：列奥纳多·达·芬奇的《蒙娜丽莎》、梵高的《星夜》和毕加索的《格尔尼卡》等作品都成为了艺术史上的经典之作。
- 艺术的解读：艺术作品的解读可以从不同的角度，如历史背景、艺术家的生平和专业技术等方面来进行。
- 艺术的欣赏：为了更好地欣赏艺术作品，观众可以学习基本的艺术知识，如色彩搭配、构图和细节品味等。
第四章：艺术与社会的关系- 艺术作为反映社会现象的媒介，可以通过艺术作品来探讨社会问题和反映社会变革。
- 艺术教育的重要性：通过艺术教育，可以培养学生的创造力、想象力和审美能力，帮助他们成为全面发展的人才。
艺术的故事读书笔记
艺术的故事读书笔记贡布里希的《艺术的故事》是一本关于艺术历史的经典著作，它以通俗易懂且引人入胜的方式，为我们展现了从史前原始民族的洞窟绘画到现代社会的实验艺术的漫长艺术发展历程。
在阅读这本书的过程中，我仿佛跟随作者进行了一场跨越时空的艺术之旅。
书中开篇就提出了一个重要的观点：“实际上没有艺术这种东西，只有艺术家而已。
”这一观点打破了我们对于艺术那种高高在上、遥不可及的固有认知，让我们意识到艺术是由一个个具体的、鲜活的艺术家所创造的，而他们的创作都离不开其所处的时代背景和个人经历。
书中对古代埃及艺术的描述给我留下了深刻的印象。
埃及艺术在很长一段时间里都遵循着严格的程式和规范，比如人物形象的表现方式总是侧面的头部、正面的眼睛和身体。
这种看似刻板的表现形式并非是埃及艺术家缺乏创造力，而是因为在当时的宗教和社会观念中，艺术的主要目的是永恒地记录和象征，而非追求真实的视觉感受。
这种对永恒和秩序的追求，反映了古埃及社会高度稳定和宗教信仰的强大影响力。
希腊艺术则是另一个令人瞩目的篇章。
希腊艺术家们开始关注人体的自然美和比例，他们努力通过艺术来表现真实而完美的人体形态。
希腊雕塑中的人物形象优美、比例协调，展现出了高度的写实主义和理想主义的结合。
这种对人体美的崇尚和对艺术技巧的精益求精，为后来西方艺术的发展奠定了坚实的基础。
中世纪的艺术往往与宗教紧密相连。
教堂中的彩色玻璃窗、壁画和雕塑，都是为了向不识字的民众传达宗教教义和神圣的故事。
这些艺术作品充满了象征和寓意，色彩鲜艳而庄重，虽然在表现手法上可能不如后来的艺术那么写实，但它们所蕴含的精神力量和对信仰的虔诚表达却令人动容。
文艺复兴时期是艺术史上的一个辉煌阶段。
艺术家们重新发现了古希腊罗马的艺术成就，并在此基础上进行了创新和发展。
达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔等大师的作品展现出了对人体解剖、透视和光影的精确把握，以及对人性和美的深刻理解。
这个时期的艺术作品不仅具有极高的艺术价值，也反映了当时社会思想的解放和人文精神的兴起。
艺术的故事读书感想读书笔记
《艺术的故事》读书笔记《艺术的故事》是我至今读过的最贵最厚的书。
标价280元（折后买的，忘了多少），厚达690页。
因为一点都不轻便，所以趴在床上和正襟危坐看的时候居多。
看其他纸质书的时候，觉得自己对它拥有绝对主权，所以，乱划乱折，全都漫不经心。
这本书，竟然令我史无前例地轻拿轻放，铅笔轻描淡写。
它的装帧和叙述的语言激发了我这只汪的母性，觉得我的小孩应该像大英博物馆的馆长尼尔麦格雷戈一样在十五岁的时候仿佛得了一幅伟大国度的地图一样早早读到它。
（捂脸跑走）。
不是为了超前地建立智识上的优越，而是，人生若是八千万次体验构成的，仅仅“会看”这件事，会令人独立于自己的命运。
你从触目所及的一切物象中收获的纯真体验带来的幸福，足够以物喜，不以己悲。
作者贡布里希就是专为教会我们“会看”这件事上绝佳的向导。
从史前原始社会的古老壁画到后现代主义风格的画作，他从风格传承上一一作了解析。
绝无令任何没有艺术史常识的普通读者望而生畏的学术大词，都是清新生动的审美感受直抵人心。
更重要的是他补足的知识背景，使我们对在无知情形下的事物重新焕发出真挚的理解，对时空上遥远的人类有一种难以言喻的亲缘感。
比如，法国拉斯科岩洞深处的动物壁画，是出于狩猎者奇特的想法，“原始狩猎者认为，只要他们画个猎物----大概再用他们的长矛或石斧痛打一番，真正的野兽也就会俯首就擒。
”作者为岩画的这一用途的猜想提供了确凿的证据，证明原始人一种看似古怪混沌却与我们今人惊人相似的观念。
“原始人对什么是实物，什么是图画往往不清楚。
有一次，一位欧洲艺术家在非洲的乡村画了一些牛的素描，当地居民很难过的说：“如果你把它们随身带走，我们靠什么过日子呢？”这听起来，似乎非常幼稚，可是我们没有这种思维遗迹吗？比如，巫蛊之术中刺杀布偶报复人的心机，书信往来中见字如面的情感，这些很深的心机与很深的情感里都会取消实物与象征物之间界限吧。
作者讲述的方式，使我们对原本以为呆板笨拙的东西中看出了别样的风采。
艺术的故事读书笔记
艺术的故事读书笔记•相关推荐简单地罗列史实，也不是用一些抽象难懂的“主义”来概括美术史，而是描述了一系列的“问题情境”。
贡布里希认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。
在导论中，他就骇人听闻地说：“现实中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已。
”当然，当我们大致读过他所讲述的历史，再看到他说艺术的故事是“各种传统不断迂回，不断改变的故事”时，就会真正明白他的意思。
一般公众已经安于一种观念，认为艺术家就应该创作艺术，跟鞋匠制作靴子没有多大差别。
这种观念等于说，一个艺术家应该创作他曾看见过被标名为艺术的那种绘画或雕塑。
人们能够理解这个含糊的要求，但是遗憾，那正是艺术家唯一做不到的事情。
以前已经做过的东西不再出现任何问题，也就没有任何任务能够激发艺术家的干劲。
但是批评家和“博学之士”有时也有类似的误解之过。
实际上根本没有艺术其物。
只有艺术家，他们是男男女女，具有绝佳的天资，善于平衡形状和色彩以达到“合适”的效果；更难得的是，他们是具有正直性格的人，绝不肯在半途止步，时刻准备放弃所有省事的效果，放弃所有表面上的成功，去经历诚实的工作中的辛劳和痛苦。
贡布里希的讲述完美而亲切，平易近人的作品，艺术理论被以通俗的方式叙述出来，作为例子的艺术品的选用真的很合适。
读者和作者也可以取得较好的互动。
他所要阐释的是人们不是为了响应某种潜在的“精神”的呼召去改变传统，而是情境的改变使其不得不然。
例如说到具有强烈世俗倾向的荷兰绘画，他认为是由于经过了宗教改革，从而使新教统治区内的艺术家已经没有什么自由再画祭坛画了。
无论哪种社会，贡布里希所关心的是艺术家所面临的“问题情境”。
不是一个统摄一切的“时代精神”，而是许许多多切实需要解决的问题吸引着艺术家奉献他们的才智与精力。
我们应当感激各个时代的艺术家，正是靠他们的辛勤劳作，解决了审美领域中那些潜在的问题而汇成了我们今天看到的艺术世界。
读完了这么厚厚的一本书，看了上万言的东西，露出的却只是冰山一角。
艺术的故事优秀读后感
艺术的故事优秀读后感艺术的故事优秀读后感（通用10篇）当赏读完一本名著后，大家心中一定有很多感想，需要回过头来写一写读后感了。
现在你是否对读后感一筹莫展呢？以下是本店铺帮大家整理的艺术的故事优秀读后感，欢迎大家借鉴与参考，希望对大家有所帮助。
艺术的故事优秀读后感 1老师给我们推荐了很多艺术类的书，其中有一本叫《艺术的故事》，这本书很强大，被誉为艺术中的圣经。
据说它被译成30种文字。
把成千上万的人引入了艺术的殿堂。
作者贡布里希是当代最有洞见的美术史家，也是最具独创性的思想家之一。
读这本书的时候，我怀着毕恭毕敬的心情，本来计划用一个月的时间把这本无比厚的书给读完。
因为我是一个没有耐性的人，以前看书只要超过400页我都没有看完，我一直以来都没有读书的习惯，看着那些密密麻麻的字，总是耐不下心来，把一本书给读完，更别说从中找到乐趣了。
但是，这本书好像有巨大的魔力，每天早上都催促着我起床，把我呼唤到图书馆，那丰富的图片和那有趣的故事强烈的吸引着我，读那么厚的一本书突然变成了我的一种享受，每次读《艺术的故事》这本书就让我感觉眼前打开了一个崭新的世界，总会有一种喜悦的心情。
其实能够让我这样着迷的是那些细节的阐述。
《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》是大家最熟悉不过的了，一开始的时候，觉得不就是画了12个人而已嘛，但是读了《艺术的故事》关于《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》的描写，虽然篇幅不是很长，但会觉得妙不可言。
引人注目的是蒙娜丽莎看起来栩栩如生，她真像是正在看着我们，而且她有着自己的想法。
就在这里，作者水到渠成的开始介绍“渐隐法”并且很贴心的在旁边附上衣服蒙娜丽莎面部的大图，可以让我们更清楚的明白这个画法到底有什么独特之处。
更让我佩服的是，凡是有可以做比较的参照物，作者都不会忘记表明这个参照物到底是在书本上的第几页，具体是什么地方可以对比或者反衬，我想这就是所谓的举一反三吧。
这不仅是一个学习的方法，更是一种学习的态度。
在前言我被震撼了，看到了很多实话。
读书笔记：艺术的故事 读书笔记
读书笔记5：艺术的故事——贡布里希《艺术的故事》这本书由范景中先生翻译而来，本书意在向读者介绍西方艺术的历程和发展，其中引用了大量的图片配合浅显易懂的文字来讲述艺术的故事，是一本关于西方艺术史的百科全书。
书中提到的一些观点既有趣也很有用，借此机会整理了其中我认为比较重要的一些部分写成了下面的笔记内容：一、重新审视自己的固化思维：如果我们看到一幅画画的不够正确，那么不要忘记有两个问题应该反躬自问。
一是艺术家是否无端地更改了他所看见的事物的外形；二是除非我们已经证明我们的看法正确而画家不对，否则就不能指责一幅画画的不正确。
而应该：抛弃传统的固化思维，重新观看世界。
在欣赏伟大的艺术作品时，最大的障碍就是不肯摒弃陋习和偏见。
用未曾想到的方式去画熟悉的题材往往会遭到责难，然而最振振有词的指责也不过是它看起来不对头而已，这些人坚信背离传统的形状和表现形式就是亵渎神明。
而事实上，往往是那些最虔诚、最专心的艺术家才试图在脑海中构思神圣事迹的崭新画面，竭力的用崭新的眼光去审视着这个世界。
二、不要为了艺术而艺术：现如今的美术馆和博物馆中陈列的绘画和雕塑当初大都不是有意作为艺术来展出的，他们是为特定的场合和目的而创作的，但是圈外人为之焦虑的那些观念（美和表现的观念），艺术家却很少提及。
部分原因在于：艺术家往往腼腆害羞，说“美”这类的大话觉得不好意思，但如果谈到“表现他们的感情”等类似的说法，就会觉得自命不凡；另一个因素在于：艺术家在作画时考虑更多的是某处处理的是否“合适”，在事关协调形状和颜色时，会极端的挑剔，增一分少一分就会破坏画面的平衡与美感。
以拉斐尔的《草地上的圣母》为例，观看他的速写稿就能发现，他反复尝试追求的是人物之间的某种平衡和使整个画面达到极端和谐的合适的关系，通过努力探索最终获得的构图显得那么自然和谐，圣母看起来更加美丽，孩子们也更加可爱。
三、我们为什么要熟悉艺术史：纵观美术史，在某些时期，确实有一些艺术家或批评家曾经想方设法的总结他们的艺术法则；然而关于那些法则，事实总是证明，低手庸才试图循规蹈矩但却一无所获，而真正的艺术大师离经叛道却能获得一种前所未闻的新的和谐。
艺术的故事读书笔记
艺术的故事读书笔记【篇一：《艺术的故事》读书笔记】没有艺术，只有艺术家——《艺术的故事》读书笔记看完了《艺术的故事》，再回过头看书名和内容简介，不由觉得“故事”真的是再适合不过的形容了。
它概述了从最早的洞窟绘画到当今的实验艺术的发展历程，但是相比于说它讲述了一段关于艺术的历史，更多的是在叙述艺术和艺术家们的故事。
对于艺术的含义，贡布里希认为艺术在不同时代和地区的定义不同，而“艺术”这一概念则是武断地用一个思维框架来套所有艺术家的所有出品。
贡布里希认为，仅仅由于一幅画让他想起了童年而喜欢它，没有任何问题。
没有错误的“喜欢”，只有错误的“不喜欢”。
错误的不喜欢指的是任由偏见蒙蔽自己，丧失了欣赏艺术作品的机会。
在序中贡布里希说道，“实际上没有艺术这种东西，只有艺术家而已。
”而在书中他又说道，“实际上根本没有艺术其物。
只有艺术家，他们是男男女女，具有绝佳的天资，善于平衡形状和色彩以达到‘合适’的效果；更难得的是，他们是具有正直性格的人，绝不肯在半途止步，时刻准备放弃所有省事的效果，放弃所有表面上的成功，去经历诚实的工作的辛劳和痛苦。
我们相信永远都会有艺术家诞生。
” 那么艺术家又是什么？书中提到，“所谓的艺术家，从前是用有色土在洞窟的石壁上大略画个野牛形状，现在则是购买颜料，为招贴板设计广告画。
”这两个例子冰山一角，并不能全面的概括一个艺术家的真正定义。
但这样的说法，也说明贡布里希对艺术并不持有崇敬而疏远的态度，他认为艺术家是亲近的，艺术也是可以亲近的。
他对艺术家们的创作是这么说的，“艺术家和批评家过去和现在都对科学的威力和声望深有印象，由此不仅产生了信奉实验的正常思想，也产生了不那么正常的思想，信奉一切看起来难解的东西。
”而在如何欣赏艺术方面，贡布里希也作了详述：既然艺术是一种美，那么欣赏艺术，就不应该着重于“艺术学”或者“艺术史”所关注的东西，而应该去欣赏一种美，从艺术作品中寻求共鸣。
按照作者的说法，艺术家们创造他们的作品的时候，最看重的是如何做到“合适”，而这个“合适”在欣赏的时候，也是最应该看重的。
《艺术的故事》读书笔记：论艺术和艺术家-艺术的故事读书笔记3000字
《艺术的故事》读书笔记：论艺术和艺术家|艺术的故事读书笔记3000字《艺术的故事》读书笔记：论艺术和艺术家“没有艺术这回事，只有艺术家而已。
”每个时代都会产生不同的艺术，在某一时间不被承认是艺术的东西，很可能不久之后会成为艺术的里程碑，巴比松画派与印象派是这样，印象派与立体主义也是这样，在敦煌大漠里的精彩壁画还是这样。
什么是艺术，只要有意接触艺术史的人，都躲不过。
只不过经过无数人的努力，漫长的研究，我们还是说不准、踩不稳。
甚至我们连艺术规律的总结都只能停留在大体上，没有人能说出只要画出哪一笔，这画就好看、就是艺术品。
网上有很多艺术史的公开课，北大的、清华的、北师大的，比如清华肖鹰教授，他的艺术概论课，首先辨析的就是艺术的本质，但是他更多的时间放在让同学辨析哪个是人画的画，哪个是动物画的画，反正我辨别不出来。
当我一个人的时候，我绝不思考如此问题，一方面，思考这种问题太枯燥，还不如看一部岛国动作爱情片；另一方面，实在是因为素质、悟性、能力太低，只会自吹自擂，无法去思考如此课题，每每想到车尔尼雪夫斯基心里总是充满嫉妒。
艺术和生活确实没隔多远，现在是生活，很可能以后就是艺术了，就像老北京的吆喝。
虽然我们实在是说不出什么是艺术，并且用“艺术是人类的劳动产品”这样的正确的废话来敷衍，也实在无趣，但是有一点是肯定的，你认为是艺术的东西，一定是你喜欢的，而这种喜欢我们可以好好聊聊。
一般，我们喜欢的艺术品，它的内容会反映我们日常生活的兴趣，比如我特别喜欢在卢浮宫的希腊胜利女神像，因为她特别符合我的审美兴趣。
首先，这是位年轻的女性，有着紧致饱满的酮体，看着喜欢；然后，作者别具匠心的设计成以海风掠过，以薄纱贴触身体来展现美妙的曲线，不是裸体，更胜裸体，符合我清淡的口味，看着更喜欢。
当然，我们一定要认识到，有些艺术品的内容，我们不喜欢，但它一样是美好的，比如丢勒画他那饱含沧桑的母亲。
甚至有些艺术品是因为我们的观察力、审美力的缺失，而错过了挖掘它的好，比如梅姆林画的那个呆头呆脑的弹琴小天使，当我第一次看到的时候，我觉得作者心里太扭曲了，怎么喜欢呆头呆脑的、没有一点灵性的天使，一点都不正能量，很快就翻过去。
《艺术的故事》读书笔记
《艺术的故事》读书笔记《艺术的故事》读书笔记1. 前言本书是一本关于艺术发展历程与艺术作品演变的历史学著作。
通过详细的史料和图示，作者向读者展示了艺术在不同时期、不同文化背景下的变革和发展。
2. 第一章：古代艺术2.1 古埃及艺术- 描述古埃及艺术的特点和风格- 分析古埃及墓葬艺术的意义和装饰特点2.2 古希腊艺术- 介绍古希腊建筑、雕塑和绘画的发展历程- 解读古希腊神话和人物形象在艺术中的表现3. 第二章：中世纪艺术3.1 罗马式艺术- 分析罗马式教堂建筑的结构和特点- 探讨罗马式绘画和雕塑在宗教上的作用3.2 哥特式艺术- 介绍哥特式教堂建筑的演变和创新- 分析哥特式绘画和雕塑的主题和风格4. 第三章：文艺复兴艺术4.1 文艺复兴艺术的起源和特征- 解释文艺复兴的概念和背景- 介绍文艺复兴时期艺术家的重要作品和思想4.2 文艺复兴建筑和绘画- 描述文艺复兴建筑的理念和建筑师的贡献- 探讨文艺复兴时期绘画的技法和主题5. 第四章：近代艺术5.1 巴洛克艺术- 分析巴洛克艺术对教堂艺术和宫廷艺术的影响 - 探讨巴洛克绘画的情感表达和体验方式5.2 印象派艺术- 介绍印象派画家的创作理念和技法- 分析印象派作品对观者的视觉体验6. 第五章：现代艺术6.1 库比斯主义- 探讨库比斯主义对艺术表现形式的颠覆和挑战- 分析库比斯主义创作的思想和目标6.2 表现主义艺术- 描述表现主义艺术家对情感和内心世界的探索- 分析表现主义作品中的形象和符号7. 结论本书通过系统地整理和阐述艺术的历史演变，帮助读者了解艺术在不同时期的背景、风格和意义。
同时，也激发了读者对艺术的思考和探索。
附件：艺术作品照片和图示法律名词及注释：1. 版权：权利人对其作品享有的法律保护，禁止他人未经许可进行复制和传播。
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3. 著作权：作者对自己创作的作品享有的权利，包括复制、发行、展览等权利。
读书笔记｜20世纪以来的绘画——《艺术的故事》
读书笔记｜20世纪以来的绘画——《艺术的故事》读书笔记：书名：《艺术的故事》作者：A·H霍奇*摘抄：正如我们所看到的，20世纪初的⽂学艺术运动层出不穷，永久地改变了绘画的⾯貌，抽象艺术的出现标志着新的思考⽅式的绘画突然间在观念的领域中找到了⾃我，⽆论是基于具发展，意味着绘画不再单纯地看作⼀种字⾯上的、描述性的媒介，绘画突然间在观念的领域中找到了⾃我象，还是⾮具象的元素，绘画从这时起就开始包罗万象，因为艺术家关注于“活着的当下的意义”的各个⽅⾯。
……迈⼊21世纪，绘画并没出现⼀个主导风格，⽽是多种风格并存，绘画虽然经常被宣告已经死亡，却还是⼀如既往地感动着观众。
后现代主义时代赋予了画家决定他们的主题和作画⽅式的⾃由。
有关原创性和真实性的理念已经⾏将就⽊，⽽正是这种模糊后现代主义也意味着艺术家⼤规模地借鉴以往的风格。
现在，有关原创性和真实性的理念已经⾏将就⽊性和疑问被认为是事物的核⼼所在。
如果只是强调⼏个⽉前正在创作的艺术家似乎有点⽆礼，但正是这些让篇章终结的当代艺其忐忑不安的情绪似乎反映了我们这个不安的时代。
术家们，创造了⼀种独特和新颖的绘画风格，其忐忑不安的情绪似乎反映了我们这个不安的时代*思考：如果说从20世纪开始，绘画有了“⾃我”，变成⼀个“我感情倾诉的⽅式”，或者是“我思想投射的对象”，那么实际上是，绘画已经变成⼀个“个性化的表达”、“私⼈化的物品”。
只不过，有些⼈很擅长或者很热衷于贩卖这，譬如毕加索、达利。
——但与其同时，属于“现代”的问题也来了：既然绘画是私⼈的，那么读者为何要看你的“私物”，为何要关注你的“唠叨”？也就是说，创作的画家与看画的读者缺少了某种“纽带”，⽽且，这“缺失”⽆法通过画家单⽅⾯的努⼒来弥补。
说得更直⽩⼀点就是，“现代”的问题已经变成是：画家为何要创作，以及读者为何要欣赏。
所以，20世纪以来，⾯对各种的浪潮，“绘画”（作者和读者）是找到了另外⼀条出路？还是⾛向⼀个更深的⿊暗？五⼗芥2019.08.31*更多的⼿绘插画作品集、绘画教程：《读书笔记|〈禅陀罗——纸上禅绕的曼陀罗〉》《读书笔记｜20世纪以来的绘画——〈艺术的故事〉》《“坚强鸭”与“淡定鸡”|五⼗芥⼿绘POP插画、字体练习》《素材｜挖掘⽣活中的宝藏图库(附：⼿帐内页、拼贴画) 》《⼿⼯｜分享⾃制⼿帐本的过程(附：实物图)》《画材｜我常⽤的⼿绘⼯具清单(附：⼿帐式插图)》《⾃学｜2018～2019上半年⼿绘禅绕画集对⽐》《你以为捉住的是星星吗？｜五⼗芥原创⼿绘插画集》《点、线、⾯的情绪｜五⼗芥原创⼿绘⿊⽩插画》《⼤⾃然素描笔记｜五⼗芥⼿绘植物图谱》《涂鸦的风，拼凑的画｜五⼗芥原创⼿绘插画集》《汉传·佛系｜海青泥褐衫在家居⼠服装设计插画》《画画街拍的那些⼈⼉｜五⼗芥⼿绘⽔彩⼈物插画》《艺术的故事》封⾯20世纪以来的时间表｜五⼗芥⼿绘⼿帐20世纪以来的时间表｜五⼗芥⼿绘⼿帐所谓“现代主义”｜五⼗芥⼿绘⼿帐柔软的时间｜五⼗芥⼿绘插画20世纪60年代以来的绘画｜五⼗芥⼿绘⼿帐所谓“波普艺术”｜五⼗芥⼿绘⼿帐21世纪的绘画｜五⼗芥⼿绘⼿帐。
艺术的故事读书笔记
艺术的故事读书笔记《艺术的故事》是哈罗德·斯皮罗（Harold Speed）所著的一本艺术史书籍，以生动、引人入胜的方式向读者介绍了艺术的发展历程和各个时期的艺术作品。
通过阅读这本书，我对艺术的起源、发展和各种流派有了更深入的理解。
以下是我的读书笔记和一些感悟。
第一章：艺术的原始时代斯皮罗在本章中讲述了艺术的原始时代，即人类最早开始表达自己的创作欲望和审美观念的时期。
他指出，原始艺术作品的形式简单朴素，主题多涉及到生存、狩猎、宗教等与人类日常生活紧密相关的内容。
这让我联想到了现代艺术中对生活和人类情感的表达方式，如写实主义和现实主义等流派。
第二章：古希腊和古罗马艺术在这一章节中，斯皮罗讲解了古希腊和古罗马艺术的特点和发展。
他提到了希腊雕塑艺术的高度发展和对人体比例的准确追求，这让我对古希腊人在艺术方面的杰出成就深感敬佩。
而古罗马艺术则更加强调宏伟和雄伟的气势，这体现了罗马帝国的特点和文化自信。
第三章：中世纪艺术中世纪艺术以宗教为主题，更多地体现了对神圣和信仰的崇拜。
斯皮罗在本章中详细介绍了中世纪建筑和壁画艺术的发展，强调了寺庙和教堂等建筑的独特之处。
这使我想到了目前仍然保存完好的许多中世纪教堂和大教堂，它们不仅是宗教的象征，也是建筑艺术和历史文化的珍贵遗产。
第四章：文艺复兴和巴洛克时期文艺复兴时期是欧洲艺术的重要转折点，斯皮罗在本章中详细描述了文艺复兴艺术家对古希腊和古罗马艺术的研究和模仿。
他指出，文艺复兴追求真实和自然主义表达，提倡以人为中心的艺术创作，这对于当代艺术家仍然具有重要的意义和启示。
巴洛克艺术则追求感官上的上瘾和戏剧性效果，通过复杂的构图、明暗对比和运动的表现来吸引观众的注意。
斯皮罗的解读让我对巴洛克时期艺术的意义有了更深入的理解，也为我欣赏和理解当代艺术提供了新的切入点。
第五章：印象派和后印象派印象派是现代艺术史上的一场改革运动，斯皮罗在本章中详细介绍了印象派画家们对光线、色彩和透视的新探索。
艺术的故事读书笔记(通用5篇)
艺术的故事读书笔记（通用5篇）艺术的故事读书笔记细细品味一本名著后，大家心中一定有不少感悟，这时就有必须要写一篇读书笔记了！想必许多人都在为如何写好读书笔记而烦恼吧，以下是帮大家整理的艺术的故事读书笔记，仅供参考，大家一起来看看吧。
艺术的故事读书笔记1在《艺术的故事》一书中，作者房龙以其丰厚的知识底蕴将建筑、雕塑、绘画、戏剧、音乐等艺术门类熔为一炉，将人类迷人而庞杂的艺术和盘托出，从东方写到西方，从上古写至20世纪二三十年代，为我们打开了一扇扇艺术之窗。
建筑、绘画、音乐、文学，一场文艺的视觉盛宴，从历史、文化角度出发谈艺术，很好的一本艺术普及类读物。
作者亨德里克·威廉·房龙按照时间线，从史前文明的艺术，一直聊到了19世纪的艺术。
在艺术领域没有捷径可走。
成功不是靠灵感，而是靠耐心、耐心、再耐心。
若没有灵感就可能永远无法达到最高层次，但如果没有大量艰苦的努力、缓慢而痛苦的付出、一丝不苟地练习，即使拥有整个宇宙的灵感，也对你毫无用处。
有些人甘愿平平淡淡地过一生，他们觉得人生不就这样，结局都是归于尘土，就这么安于现状地过得了。
而有的人生下来就是为了热爱而活，一腔热血去追求心中的目标，为之迷醉，为之疯狂，为了爆发刹那耀眼绚烂的光芒而燃烧生命，奉献灵魂，这也是一种宿命，也许安于平淡的人内心也深藏着火焰。
这世界的美从来都不曾缺席，只是我们缺少发现美的眼睛，感悟美的心灵，和表达美的坚韧。
时间流逝，大浪淘沙。
王侯将相商贾优伶乃至碌碌凡人都灰飞烟灭，了然无痕。
只有艺术，还活着，以其特有的方式，感动着并将继续感动着人们。
这是一本艺术史启蒙书，讲述了古希腊罗马的建筑，中世纪的宗教和艺术的融合，绘画，雕塑，诗歌，戏剧和音乐。
受益匪浅，值得再读。
亨德里克·威廉·房龙，荷裔美国历史学家、记者，著名人文主义科普作家，在历史、文化、文明、科学等方面著述颇丰，且读者众多。
1921年，《人类的故事》出版，他一举成名。
艺术的故事读书笔记
艺术的故事贡布里希导论论艺术与艺术家1、实际上没有艺术这种东西;只有艺术家而已..2、大写的艺术已经成为叫人害怕的怪物和为人崇拜的偶像了..3、我们都喜爱自然美;都对那些把自然美保留在作品之中的艺术家感激不尽..我们有这种趣味;而那些艺术家本身也不负所望..4、一幅画的美丽与否并不在于它的题材..5、左右我们对一幅画的爱憎之情的往往是画面上某个人物的表现方法..有些人喜欢自己容易理解因而也能深深为其所动容的表现形式..6、在欣赏伟大的艺术作品时;最大的障碍就是不肯摒弃陋习和偏见..7、在事关协调形状或者调配颜色时;艺术家要永远极端地“琐碎”;或者更恰当地说;要极端地挑剔..反复尝试着追求的是人物之间的合适的平衡和使整个画面达到极端和谐境地的合适的关系..8、没有任何规则能告诉我们一幅画或一个雕像什么时候才合适..多看作品;我们的能力就会逐渐地增长;逐渐感受到历代艺术家所追求的那种和谐..我们对那些和谐感受越深;就越能欣赏它们..一、奇特的起源史前期和原始民族；古代美洲1、过去的绘画和雕塑常常不仅仅被当成纯粹的艺术作品;而是被当做有明确用途的东西..如果我们完全不了解过去艺术必须为什么目的服务;也就很难理解过去的艺术..我们上溯历史走得越远;艺术必须为之服务的目的就越明确;也越奇特..2、“原始人”的思考过程往往比我们复杂---不是因为他们比我们单纯;而是因为他们比较接近人类起源的状况..3、绘画和雕塑是用来行使巫术..4、法国拉克斯洞中的牛---也许原始人认为画个猎物图;再用长矛之类的痛打一番;真正的野兽也就俯首就擒了..5、原始艺术作品按照预先确定的方式办事;但是也给艺术家留有表现自己气质的余地..6、整个艺术发展史不是技术熟练程度的发展史;而是观念和要求的变化史..7、世上许多地方的原始艺术家已经创立了一套套精细的方法;用这种装饰性的样式去表现神话中的各种人物和图腾..举例..艺术家既相当敏锐地观察自然形状;又无视我们所谓的事物的真正外形..二、追求永恒的艺术埃及;美索不达米亚;克里特1、埃及人认为只保留法老的遗体还不够;如果国王的肖像也被保留下来;那么就能加倍地保证他会永远生存下去了..2、在埃及;雕刻家一词当初本义就是“使人生存的人”..3、几何形式的规整和对自然的犀利观察;将二者结合起来乃是一切埃及艺术的特点..这种艺术不是“装饰”;也不是让人欣赏;而是“使人生存”..4、典型的侧脸;正身体并不是埃及艺术家认为人就是这个样子的;他们不过是遵循着一条规则;以便把自己认为重要的东西都包括在一个人的形状之中..大概跟他们想实行巫术是有关的..5、埃及艺术不是立足于艺术家在一个特定的时刻所能看到的东西;而是立足于他所知道的为一个人或一个场面所具有的东西..他以自己学到和知道的那些形状来构成自己的作品;非常近似于部落艺术家用他所能掌握的形状来构成自己的人物形象..艺术家在画中体现的不只是他对形式和外貌的知识;还有他对那些东西的意义的只是..埃及人所画的老板就比他的仆役大;甚至比他的妻子也大..埃及人对每一个细节都有强烈的秩序感..但丝毫没有妨碍他们以惊人的准确性观察自然..6、埃及艺术最伟大的特色之一就是所有的雕像;绘画作品和建筑形式都仿佛遵循着同一条法则;各得其所..这便是“风格”..在三千多年里;埃及艺术几乎没有什么变化..7、苏美尔人爱好对称和精确..纪念碑等..战争;巫术三、伟大的觉醒希腊公元前七世纪---公元前五世纪1、在希腊城邦之中;阿提卡的雅典城在艺术史上最为有名;最为重要..整个艺术史上最伟大;最惊人的革命就是在那里开花结果的..2、希腊人开始用自己的眼睛;而不是恪守成规来创造艺术..在那时的希腊艺术品上;还能见到埃及的痕迹..3、画家们发现了缩短法foreshortening---表明艺术家已不再是把所有的东西用最一目了然的方式画入图中;而是着眼于他看物体时的角度..但是希腊艺术家们仍未轻易摒弃埃及艺术的教导..他们仍力求把艺术形象的轮廓尽量画清楚;力求在不破坏人物外形的范围内;把他们的人体知识尽量表现在画中..他们仍然喜爱坚实的轮廓和平衡的构图..古老的公式;即那种在几千年中建立起来的人体形式;仍然是他们的创作起点;只是他们不再处处把它奉为圣典..4、希腊艺术的伟大革命;说明那时的居民开始怀疑关于神只的古老遗教和传说;并且毫无成见地去探索事物的本性..--科学同哲学第一次在人们的心中觉醒..5、在雅典民主政体达到最高程度的年代里;希腊艺术发展到了顶峰..6、希腊雕刻的伟大;肃穆有力;是由于艺术家没有违背古老的规则..希腊艺术家使用衣饰去标出人体的主要分界;这类手法仍然表明他们多么注重关于形式的知识..正是严格地遵循规矩和寓变化于规则之中二者所达到的平衡;使得希腊艺术在后来各世纪里博得了巨大的赞美..7、在这个伟大时代的希腊作品;件件都显示出在布列形象方面具有的智慧和技巧;然而希腊人当年别有所重..他们要求这种自由地表现人体形象的种种姿态和动态的新发现;能够反映出人物的内心世界..四、美的王国希腊和希腊化世界;公元前4世纪至公元1世纪1、艺术走向自由的伟大觉醒大约发生在公元前520年到公元前420年这百年之间..艺术家已开始受到人们的欣赏..在建筑方面;各种风格开始同时并行..帕特农神庙用多利安式建成..但后来的卫城建筑启用了爱奥尼亚式..2、胜利女神公元前408年;雅典胜利女神庙栏杆浮雕;大理石;高106cm;Acropolis Museum Athens3、那一世纪最伟大的艺术家波拉克希特列斯praxiteles闻名于世;他的创作具有悦目妩媚的特性..柔软的皮肤;骨骼和肌肉..他和希腊其他的艺术家是通过知识来达到这一境界的..世上没有任何一个活着的人体能像希腊雕像那样对称;匀整和美丽..4、希腊艺术家一直避免让头像具有特殊的表情..他们的面貌似乎从未表现出任何强烈的感情..那些大师是用人体及其动作来表现苏格拉底所说的“心灵的活动”;因为他们的面部变化会歪曲和破坏头部的简单的规则性..5、在将近公元4世纪末;这个限制逐渐解除了..艺术家发现了既能赋予面目生气又不破坏其美的两全之策..不仅如此;他们还懂得怎样捕捉住个别人的心灵活动和某个面孔的特殊之处..6、亚历山大帝国的奠基对希腊艺术是件了不起的大事;因为希腊艺术得以发展成了几乎半个世界的图画语言的..这必然影响了希腊艺术的性质..我们把它叫做希腊化艺术..7、所谓的柯林斯风格;是在爱奥尼亚式的漩涡花饰上增加叶饰以美化柱头;而且一般都有更多更华丽的花饰遍布建筑各处..8、希腊化艺术喜欢狂暴强烈的作品：它想动人;而它也确实动人..9、可能是;到了希腊化时期;艺术已经大大失去了它自古以来跟巫术和宗教的联系..艺术家变得单纯为技术而技术了..10、在装饰性的壁画中;凡是可能进入画面的东西;几乎各种类型都有发现..例如静物画;动物画;还有风景画..这大概是希腊化时代最大的革新..11、希腊化时期的艺术家不懂得所谓的透视法则..五、天下的征服者罗马人;佛教徒;犹太人和基督教徒;1至4世纪1、罗马的建筑创作;大概再没有比凯旋门给人的印象更为持久的了..罗马人在意大利;法国;北非和亚洲到处建立凯旋门;遍布帝国..希腊建筑一般都是由相同的单元组成;甚至圆形大剧场也不例外..但是凯旋门却用柱式做界框并突出了中央的巨大入口;两侧辅以比较狭窄的入口..2、罗马建筑最重要的特点是拱的使用..3、罗马人的典型做法是从希腊建筑中取其所好;然后按照自己的需要加以运用;他们在各个领域之中都是这样做的..他们的一项主要需要就是惟妙惟肖的优秀肖像..4、罗马人还交给艺术家另一项新任务;从而复兴了一个我们从上古东方获知的风尚..罗马人也想宣扬自己的胜利;报道战事的经过..5、罗马人着眼于准确地表现全部细节和清除地叙事..艺术的主要目标已经不再是和谐;优美和戏剧性的表现..罗马人讲求实际的民族;对幻想的东西不大感兴趣..6、在公元后几百年中;希腊化艺术和罗马艺术已经完全取代了东方王国的艺术;甚至在东方艺术原先的据点中情况也是如此..7、犹太法实际上禁止制像;一面偶像崇拜..8、在基督教艺术家最初受命表现救世主和他的使徒时;又是希腊艺术传统帮了他们的忙..9、在罗马帝国衰亡时期的宗教作品中;此时的艺术家对希腊化时期那种单纯的技术精湛似乎已经不再那么心满意足;他们试图获致新的效果..六、罗马和拜占庭 5至13世纪1、公元311年;君士坦丁大帝确立基督教会在国家中的权利..教堂没有用异教神庙为模型;而是仿造大型会堂的形式;名叫“巴西利卡”..2、尽管所有虔诚的基督教徒都反对大型逼真的雕像;他们对绘画的看法却有很大的差别..3、公元6世纪末的格里高利大教皇认为绘画有助于提醒教徒们想起他们已经接受的教义;保证那些神圣事迹被牢记不忘..许多基督教徒不识字;可以用绘画的方式起到与文字一样的作用..----在艺术史上;伟大的权威人士出面支持绘画极为重要..4、开始;艺术家还是使用在罗马艺术中发展成功的叙事方式;但是慢慢地就越来越注重于事物的核心精义所在..5、事实证明;艺术在教堂中的正当用途这个问题对整个欧洲历史有重大意义..6、公元745年;在东方教会中一切宗教艺术都遭到禁止..但他们认为图像简直就是神圣..教堂里的绘画被看作是超自然的另一世界的神秘的反映..因此东方教会不能再让艺术家在那些作品中依照个人的想象随意创作..于是拜占庭开始遵循传统;几乎和埃及人一样;但这样有两个问题：一方面由于要求画神像的艺术家严格遵照古代的模式;拜占庭教会就帮忙在衣饰、面貌或姿势的形式中;保留下希腊艺术的观念和成就..尽管有些生硬;拜占庭艺术还是比后来一段时期的西方艺术要接近自然另一方面;强调传统;要求沿用获准的方式来表现基督或圣母;使得艺术家难以发挥个人的才能..但把他们想象为难以有发挥的余地也是不正确的..7、在东方国家里;那些金光闪闪的画像一直保留着统治势力..比如俄国;至今仍是..七、伊斯兰教国家中国 2至13世纪1、在公元7世纪至8世纪;一些被伊斯兰宗教征服的地区;由于不准表现人物;东方的工匠就放纵想象去制作最精细的花边装饰;为阿拉伯式图案..2、宗教对艺术的冲击在中国更为强烈..3、中国有些伟大的贤哲对于艺术的价值观似乎跟格里高利大教皇所坚持的看法相似;他们把艺术看成一种工具;可以提醒人们回忆过去黄金盛世的美德典范..责妻-顾恺之4、佛教不仅通过给予艺术家新任务对中国艺术产生影响;它还带来了对绘画的崭新态度;即十分尊重艺术家的成就;在古希腊和文艺复兴以前的欧洲;都还没有出现过这种情况..5、中国人是第一个不认为作画卑贱的民族;他们把画家跟富有灵感的诗人等同看待..中国宗教艺术用艺术去辅助参悟..6、他们甚至用一种参悟和凝神的奇怪方式来学习艺术;这样;他们就不从研究大自然入手;而是从研究名家的作品入手..在全面掌握这种技巧后;他们才去游历和凝视自然之美..7、在画中寻求细节;然后再把它们跟现实世界进行比较的作法;在中国人看来幼稚肤浅..他们要在画中找到流露出艺术家激情的痕迹..八、西方美术的融合欧洲 6至11世纪1、在罗马帝国崩溃后的时期;一般贬称之为黑暗时期..大约持续了500年..在那五百年中;有许多僧侣或教士地位高;欣赏古代留存的艺术;但是他们的努力往往被北方的入侵者打破..北方人在某种意义上确实是野蛮人..但是不代表他们没有自己的艺术..以往的古典艺术绝对不是失传了..2、出现了新风..埃及人画他们知道确实存在的东西;希腊人画他们看见的东西；而在中世纪;艺术家还懂得在画中表现他感觉到的东西..3、中世纪艺术家并不是一心一意要创作自然的真实写照;也不是要创造优美的东西..他们是要忠实地向教友们表述宗教故事的内容和要旨..4、正是在希腊发现了表达“心灵的活动”的艺术;而且不管中世纪艺术家对这一目标的理解有多大的差异;没有那份遗产;基督教就绝不可能利用图画来为自己服务..5、这个时期的中世纪艺术家没有样板可以仿效;画起来很像小孩子;但这是它可贵可爱的地方..九、战斗的基督教 12世纪1、诺曼底人在英国登录后;发展起了一种新的建筑风格..英国称为诺曼底风格;在欧洲大陆称为罗马式风格..这种风格兴盛了一百年..2、教堂的重要性在今日难以想象..在法国;罗马式风格的教堂开始用雕刻品装饰..3、在欧洲艺术中;就更为接近东方艺术理想东方教会庄严的圣像而言;哪一个时代也比不上罗马式风格的鼎盛时代..4、一旦艺术家最终彻底绝念于把事物表现成我们眼见的样子;他们的面前将会展现多么伟大的前景..5、使用纯粹装饰性的方法来安排人物和形状..绘画的确倾向于变成一种使用图画的书写形式;然而这种简化手法的恢复;却给了中世纪艺术家一种新的自由;去放手实验更复杂的构图..构图composition色彩也是如此;艺术家不必再研究和模仿自然界的实际色调层次;可选择随意一种自己喜欢的颜色去作图解..十、胜利的基督教 13世纪1、东方艺术风格的固定性..而西方不断地探求新的处理方法和理念..2、12世纪尚未过去;罗马式风格尚未退出流行;则已开始在法国北部出现了哥特式风格原理..3、12世纪后半叶产生于法国;哥特式教堂的主导思想就是一种新的;没有见过的用石头和玻璃的建筑物..4、正是在13世纪;艺术家有时会抛开范本;去表现自己感兴趣的东西..要考虑到中世纪艺术家所受的训练和我教育;就知道这种做法的勇气..5、13世纪是伟大的主教堂时代;法国是欧洲最富有的;最重要的国家..在13世纪;意大利仍旧采用“希腊手法”的庄严的镶嵌画来装饰..这样坚持东方的保守风格也许会阻碍一切变化;而变化也的确耽搁了很长时间..但是在13世纪将要结束的时候;正是由于有拜占庭传统做坚持的基础;于是意大利艺术不仅能赶上北方由主教堂的雕刻家达到的艺术成就;而且改革了整个绘画艺术..是拜占庭艺术使意大利人得以跳过分隔雕刻和绘画的障碍..6、天才乔托1267--1337的出现..他最着名的作品是壁画或称fresco湿壁画..乔托重新发现了在平面上造成深度错觉的艺术;像这样的东西已经有1000年之久完全不画了..这使得乔托改变了绘画的观念..他能够造成错觉;放佛宗教故事就在我们眼前发生;这就取代了图画写作的方法..哀悼基督1305年7、我们记得早起基督教艺术曾经恢复古老的东方观念;为了把故事讲清楚;就必须把每一个人物都完全表现出来;几乎跟埃及艺术的做法一样..乔托抛弃了那些观念..自从他那个时代之后;首先是在意大利;后来又在别的国家;艺术史就成了伟大艺术家的历史..十一、朝臣和市民 14世纪1、乔叟笔下的骑士和乡绅等等..14世纪已不是那些骑士风范的天下..它的趣味是趋向于风雅而不是宏伟..这表现在建筑上..2、在英国我们区分两种风格;一种是早期主教堂的纯哥特式风格;被叫做早期英国式;另一种是哪些样式在后来的发展;被叫做盛饰式decorated style 这个名称就表现出了变化..3、在14世纪;哥特式建筑者对早先主教堂的清楚的宏伟外形不再感到满足..他们喜欢在装饰和复杂的花饰窗格上显示技艺..4、14世纪最有特色的雕刻不是石雕;而是用贵重金属或象牙制成的小型雕刻..5、S型的母亲抱着孩子—当时哥特式艺术家喜爱的母题..6、14世纪画家喜爱优雅精巧的细节..并且14世纪里;优雅的叙述和真实的观察才逐渐融合在一起..7、虽然在乔托的影响下;拜占庭式艺术显得生硬和陈旧;但是它远远没有完全与欧洲分离..8、14世纪广泛的艺术家间的交流..谁也不会应为某项成就是外来的就反对它..14世纪末通过各地相互交流而兴起的风格被历史学家称为“国际式风格”..在英国的实例就是威尔顿双连画wilton diptych其中;也喜爱美丽;流动的线条和精致纤巧的母题..国际式风格的艺术家也是爱好精巧美好的事物..林堡兄弟9、对绘画目的的看法与中世纪已大大不同了..兴趣开始转移;从尽可能动人地叙述宗教故事到一最忠实的方法去表现自然的一角..10、现在艺术家要学习新的技艺;写生画稿..速写..十二、征服真实 15世纪初1、文艺复兴的原意是再生或者复活;这种再生的观念从乔托的时代就开始在意大利发展起来..在意大利人心里;复兴的观念跟“宏伟即罗马”的观念的再生息息相关..意大利人责怪哥特人把罗马帝国搞垮;他们就开始把那中间的时期的艺术说成哥特式;他们用哥特式来表示野蛮----与我们用汪达尔主义vandalism来指无故破坏美好事物一样..2、14世纪的意大利认为艺术科学和学术在古典文化兴盛过;但是拿一切几乎都被北方的野蛮人破坏了;他们则是帮助复兴了光荣的往昔从而产生一个新时代..3、布鲁内莱斯基不仅是文艺复兴式建筑的创始人;也是透视法的创始人..Perspective希腊人通晓短缩法;但他们不知道在物体离开我们远去时体积看起来缩小是遵循什么数学法则..布鲁内莱斯基把这个数学方法告诉了艺术家..4、艺术家对人体的实际特征进行了新颖的不解的研究..15世纪初年的那些佛罗伦萨艺术名家已经不再满足于沿袭中世纪艺术家传授给他们的那些古老的程式..开始请模特..多那泰罗希律王的宴会粗糙生硬而真实..5、如果认为对希腊罗马艺术进行研究而引起艺术再生或“文艺复兴”;那是大错特错的..文艺复兴时期的意大利艺术家独自掌握科学和古典艺术知识的局面持续了一段时间..但是要创造一种新的艺术;要他史无前例地忠实于自然;这种热烈的愿望也鼓动着同一代的北方艺术家..6、北方最终实现征服的不是雕刻家..杨·凡·代克翼部合起的根特祭坛画1433杨·凡·艾克没有与国际式风格的传统完全决裂;他们还是继续遵循林堡兄弟之类的艺术家的方法;而且把那些方法提高到如此完美;使得他们把中世纪艺术观念抛在了后面..7、如果我们想了解北方艺术的发展方式;就不能不赞杨·凡·艾克那种无限的仔细和耐心..与他们同代的南方艺术家已经发展出了一种成功的方法;把自然表现在画面中几乎具有科学的精确性..运用解剖知识和缩短法去构成人体..杨·凡·艾克却走相对的路线..镜子般的真实..北方艺术和意大利艺术的这种区别持续了很多年..有一个颇有道理的猜测是：只要以表现花朵;珠宝或织品等食物的美丽的外观见长;大约就是北方艺术家的作品;很可能是尼德兰艺术家的作品..以鲜明的轮廓线;清晰的透视法;美丽躯体的准确知识见长;大约就是意大利的绘画作品..8、杨·凡·艾克为了反映全部细节发明了油画..新的配方;用来调制颜料以便于涂到画板上去..中世纪;所用的液体的主要配料一直是用鸡蛋..但干得太快---蛋彩..阿尔诺菲你的订婚式—艺术家在历史上第一次成为真正的目击者..十三、传统和创新一意大利 15世纪后期1、意大利和佛兰德斯艺术家在15世纪开始时新发现已经震动了整个欧洲..新观念：艺术不仅可以用来动人地叙述宗教故事;还可以用来反映出现实世界的一个侧面..艺术家都开始试验..这种勇于探索的精神支配着15世纪的艺术;标志着跟中世纪艺术的真正决裂..2、一直到1400年;欧洲各地的艺术一直沿着彼此相似的路线发展..那时的贵族都是骑士精神..3、际式风格成为欧洲所见的最后一种国际性的风格---至少在20世纪前如此..4、在15世纪;艺术界分成若干不同的学校-----在意大利;佛兰德斯和德国;几乎每个小城镇都有自己的绘画学校..但是学校的概念和我们今天的是不一样的;更多的具有学徒的性质..5、15世纪佛罗伦萨的画家和雕刻家也经常发现自己的处境是必须使新方案适应旧传统..在新和旧之间;在哥特式传统和现代形式之间搞调和是15世纪中期许多艺术名家的特点..6、其中最伟大的一个是雕刻家洛伦佐·吉波尔蒂7、多纳泰罗和马萨乔的重要意义..马萨乔在光线方面是一位先驱者..8、当许多的艺术家和其他一些人正在运用佛罗伦萨那一代艺术大师们的发明的时候;佛罗伦萨的艺术家却越来越感到那些发明创造产生了新的问题..某一方面的任何发现;都会在其他地方造成新困难..比如中世纪画家不理解正确的素描法;然而恰恰是这个缺点使得他们能够随心所欲地在画面上分布形象;形成完美的图案..。
《艺术的故事》读书笔记
《艺术的故事》读书笔记小学生版《艺术的故事》读书笔记小朋友们，你们知道吗？我最近读了一本超级有趣的书，叫《艺术的故事》。
这本书就像一个神奇的魔法盒子，打开它，我看到了好多好多奇妙的艺术世界。
书里讲了很多艺术家的故事。
比如说达芬奇，他画的《蒙娜丽莎》那可是世界闻名呀！蒙娜丽莎的微笑特别神秘，好像藏着好多好多的秘密，让人忍不住一直盯着看。
还有梵高，他的画色彩特别鲜艳，像《向日葵》，那些黄色的花瓣就像在太阳下闪闪发光，可好看啦！我还知道了艺术的发展历程。
原来很久以前，人们画画和现在很不一样呢。
以前的画可能没有那么逼真，但也有自己独特的美。
读了这本书，我觉得艺术就像我们的好朋友，它能让我们看到不一样的世界，感受到不一样的美好。
小朋友们，你们也快来读一读这本书吧！《艺术的故事》读书笔记嘿，小伙伴们！我来跟你们分享我读《艺术的故事》的感受啦。
这本书里有好多好玩的事儿。
比如说，有个叫米开朗基罗的大师，他雕刻的大卫像可威风啦！那肌肉线条，就好像真的有力量一样。
还有埃及的金字塔，那么大那么高，古代的人可真厉害，能建造出这么神奇的东西。
我以前以为艺术就是画画，读了这本书才知道，艺术有好多形式呢，雕塑、建筑、音乐都是艺术。
就像我们学校的合唱团唱歌，那也是一种艺术表演呀。
我现在更喜欢艺术了，因为它让生活变得更有趣。
你们也快去看看这本书，说不定会有和我不一样的发现哟！《艺术的故事》读书笔记同学们，我读了《艺术的故事》，真是太有意思啦！书里有好多漂亮的画，像莫奈的《日出·印象》，那水面上的光影，就像在跳舞一样。
还有中国的山水画，那些山峰、树木、河流，让人感觉好像走进了画里。
我还知道了一些艺术家的有趣经历。
比如毕加索，他的画风一直在变，一会儿这样，一会儿那样，可好玩了。
艺术就像一个大乐园，有各种各样的惊喜等着我们去发现。
大家一起读这本书，一起在艺术的乐园里玩耍吧！《艺术的故事》读书笔记小朋友们，今天我要给你们讲讲我读的《艺术的故事》。
艺术的故事读书笔记_艺术的故事读书心得五篇
艺术的故事读书笔记_艺术的故事读书心得五篇《艺术的故事》叙述了从最早的洞窟绘画到当今的实验艺术的发展历程，以阐明艺术史是“各种传统不断迂回、不断改变的历史，接下来小编搜集了艺术的故事的读书笔记，仅供大家参考。
艺术的故事读书笔记1《艺术的故事》是贡布里希爵士编的，书中概括地叙述了从最早的洞窟绘画到20世纪前半叶的实验艺术发展历程。
里面的内容很多，绘画、雕塑、建筑均有所涉及。
倘若是其它艺术史类的著作，六七百页厚的书籍细看下来多少是需要些勇气的。
还好本书通俗易懂，简明晓畅的语言就能表达严肃的题目。
与一般美术史不同，这本书既不是简单地罗列史实，也不是用一些抽象难懂的“主义”来概括美术史，而是描述了一系列的“问题情境”。
贡布里希认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。
在导论中，他就骇人听闻地说：“现实中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已。
”当然，当我们大致读过他所讲述的历史，再看到他说艺术的故事是“各种传统不断迂回，不断改变的故事”时，就会真正明白他的意思。
一般公众已经安于一种观念，认为艺术家就应该创作艺术，跟鞋匠制作靴子没有多大差别。
这种观念等于说，一个艺术家应该创作他曾看见过被标名为艺术的那种绘画或雕塑。
人们能够理解这个含糊的要求，但是遗憾，那正是艺术家唯一做不到的事情。
以前已经做过的东西不再出现任何问题，也就没有任何任务能够激发艺术家的干劲。
但是批评家和“博学之士”有时也有类似的误解之过。
实际上根本没有艺术其物。
只有艺术家，他们是男男女女，具有绝佳的天资，善于平衡形状和色彩以达到“合适”的效果;更难得的是，他们是具有正直性格的人，绝不肯在半途止步，时刻准备放弃所有省事的效果，放弃所有表面上的成功，去经历诚实的工作中的辛劳和痛苦。
贡布里希的讲述完美而亲切，平易近人的作品，艺术理论被以通俗的方式叙述出来，作为例子的艺术品的选用真的很合适。
读者和作者也可以取得较好的互动。
关于艺术的读书笔记
关于艺术的读书笔记【篇一：《艺术的故事》读书笔记】没有艺术，只有艺术家——《艺术的故事》读书笔记看完了《艺术的故事》，再回过头看书名和内容简介，不由觉得“故事”真的是再适合不过的形容了。
它概述了从最早的洞窟绘画到当今的实验艺术的发展历程，但是相比于说它讲述了一段关于艺术的历史，更多的是在叙述艺术和艺术家们的故事。
对于艺术的含义，贡布里希认为艺术在不同时代和地区的定义不同，而“艺术”这一概念则是武断地用一个思维框架来套所有艺术家的所有出品。
贡布里希认为，仅仅由于一幅画让他想起了童年而喜欢它，没有任何问题。
没有错误的“喜欢”，只有错误的“不喜欢”。
错误的不喜欢指的是任由偏见蒙蔽自己，丧失了欣赏艺术作品的机会。
在序中贡布里希说道，“实际上没有艺术这种东西，只有艺术家而已。
”而在书中他又说道，“实际上根本没有艺术其物。
只有艺术家，他们是男男女女，具有绝佳的天资，善于平衡形状和色彩以达到‘合适’的效果；更难得的是，他们是具有正直性格的人，绝不肯在半途止步，时刻准备放弃所有省事的效果，放弃所有表面上的成功，去经历诚实的工作的辛劳和痛苦。
我们相信永远都会有艺术家诞生。
” 那么艺术家又是什么？书中提到，“所谓的艺术家，从前是用有色土在洞窟的石壁上大略画个野牛形状，现在则是购买颜料，为招贴板设计广告画。
”这两个例子冰山一角，并不能全面的概括一个艺术家的真正定义。
但这样的说法，也说明贡布里希对艺术并不持有崇敬而疏远的态度，他认为艺术家是亲近的，艺术也是可以亲近的。
他对艺术家们的创作是这么说的，“艺术家和批评家过去和现在都对科学的威力和声望深有印象，由此不仅产生了信奉实验的正常思想，也产生了不那么正常的思想，信奉一切看起来难解的东西。
”而在如何欣赏艺术方面，贡布里希也作了详述：既然艺术是一种美，那么欣赏艺术，就不应该着重于“艺术学”或者“艺术史”所关注的东西，而应该去欣赏一种美，从艺术作品中寻求共鸣。
按照作者的说法，艺术家们创造他们的作品的时候，最看重的是如何做到“合适”，而这个“合适”在欣赏的时候，也是最应该看重的。
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《艺术的故事》读书笔记摘要:《艺术的故事》这本书是上《中外设计史专论》这门课程的时候老师给我们推荐的,其实刚一开始翻看这本书的时候觉得很枯燥乏味,但是细读下来却对这本书有了些许敬意。
《艺术的故事》是贡布里希爵士编著的,书中概括地叙述了从最早的洞窟绘画到20世纪前半叶的实验艺术发展历程。
里面的内容很多,绘画、雕塑、建筑均有所涉及。
倘若是其它艺术史类的著作,六七百页厚的书籍细看下来多少是需要些勇气的。
还好本书通俗易懂,简明晓畅的语言就能表达严肃的题目。
关键词:艺术;基督教;文艺复兴;东方艺术前言“艺术”是个遥远而崇高的词。
每当我在一瞥中恍惚所见“艺术”两字,便畏惧般地匆匆避开,深怕自己如赤子的无知引来对其的亵渎。
在中国,艺术的发展自商周的青铜器墓室中的壁画至高山流水的音乐翩翩优雅的舞蹈及唐煮宋点明沏泡的茶道,而如今我们更多的是在追求对古时的悠远的怀想而非致力于创造新鲜的血液。
所以怀揣着一个中国梦的我总是梦想,在我的中国我们的中国里,会涌现出一批又一批的伟大艺术家,创造出一代又一代的巅峰之作。
只因我在少时总是摒弃了对于艺术的亲近的念头,无论是童年时期的习画或是书法,总抱着一种敬而远之的态度,因此此类不成爱好便也只能草草了事。
而如今当我真诚地怀着强烈的膜拜之心看那古今集大成者的书画杰作或是身边同龄人引以为傲的大笔一挥的作品,便又为以前的年幼无知后悔不已。
身处中国,目光所及之处是遍地开花的书法国画古玩。
面对市场上充斥的良莠不齐的作品,如何炼出一双火眼金睛至关重要。
但是敲开艺术领域的大门是件极其艰难的事儿,因为你永远也猜想不到这个圈子里的都是些什么物种。
他们或孤僻或癫狂或神经质或敏感得要命(此皆艺术家们的独有特色)。
书房里曾有摞成一刀的书画册,其中的仕女图我到如今也没看出有什么稀罕劲儿。
然而读《艺术的故事》时我看见贡布里希说过:“事实上,左右我们对一幅画的爱憎之情的往往是画面上某个人物的表现方法。
”这样的一句话打消了我对古代美女们丰满肥美的脸庞以及狭长细小的眯眯眼因不解而产生的反感。
《艺术的故事》这部艺术史著作不同于以往我所学习过的关于介绍西方美术史的书,作者以自己真诚且不加个人主观情感的文字以讲述的方式,把一部原本繁杂的艺术发展史予读者轻松地娓娓道来。
从艺术的起源、形成、成熟以及经历次次的沉寂乃至一次又一次的复兴、回归、革命、危机,把西方美术的流变清楚明晰地和读者分享,没有一点的矜才使气。
尤其在最末一章,他把难以避免的“当代人治当代史”的思想搁存于思维以外,以其科学的学术态度对当代艺术现状做了论述,没有丝毫的娇柔做作,以其湛然的艺术视角给予后来学人以广袤的视野。
我在阅读《艺术的故事》一书时对这几个问题思考的最多,如下:基督教对西方艺术的影响我常常幼稚地思维,基督教对西方社会、文化、艺术的影响就如同孔孟、释迦、老子之对于中国。
尽管这二者是无法硬拉到一起的,而我也只是就其二者的影响而言。
在贡布里希先生的讲述中有这样一段话,许是能说明这个问题。
“一座教堂对那个时期(12世纪)的人意味着什么,在今天是很难想像的;只有在乡间的一些古老的村落里,我们还能窥见教堂的重要性。
教堂过去往往是它邻近地区中惟一的一座石头建筑物;是方圆若干里之中惟一高大的建筑物,它的尖顶是所有从远处过来的人辨向定位的标志。
”在今天的西方,人们对基督教的信仰许是早已不像19世纪以前那样坚定和纯洁了,只有在一些古老的村落里还能“窥见”到信仰对当地区民众的重要。
我曾读过一篇纪念托尔斯泰的长篇幅文章,其中介绍了一座走过托翁生命长河的教堂;作者在文中引出,似乎所有有基督教信仰的国家,一座教堂对于当地民众的重要性,就如同故乡之对于在外的子民;作者谈到,教堂在它所在的地区往往是该地区的博物馆、集会中心,是人们心灵依归的所属。
贡布里希说教堂是它邻近地区若干英里以内唯一的高大建筑物,可以这样说在那个有信仰的时代,对于人民来讲没有比教堂更重要的了吧。
建筑、绘画、雕塑、文字、语言,这些人们对外部世界认知的所有具体的媒介,基督教的教义和精神是其全部,一直到今天还依稀可见。
在那个时代“它的尖顶是所有从远处过来的人辨向定位的标志”,不管是普通群众还是统治者,更多的是艺术家;艺术家的创作自始自终都要在基督教的信仰中完成,所有人都参与在其中导演和完成。
在基督教统治最森严的中世纪,法国诗人弗朗卡斯·维龙为母亲写的诗篇惹得贡布里希先生说了这样一句话“我们绝对不能指望这样的雕塑像古典时期那样自然、优雅、和明快”,尽管作者如此着眼中世纪的艺术,但基督教的艺术随时间的推移也回归了艺术原本的自然与亲切。
第一次在西方学者的书中知道“文艺复兴”“文艺复兴”这个词汇在我多年的学习生活中显现过我也记不清多少次了,但每一次都是以乔托、但丁、达芬奇、米开朗基罗等巨匠的文艺成就为了解而已;而我对其的理解也从来都是含糊不清的,也许是向来都是从我国的学者所著的文艺类史书得来的。
一些诸如革命、复兴、觉醒、人文主义的词汇,把原本清晰的一个史实主观化了许多。
贡布里希先生在《艺》书中的第十二节开篇如是说:“文艺复兴一词的原意是再生和复活,这种再生的观念从乔托的时代开始就在意大利发展起来。
”在交代上一个问题时我引用了先生这一句话:“我们绝对不能指望这样的雕塑像古典时期那样自然、优雅、和明快”。
可以肯定的说,“自然”、“优雅”、“明快”是先生给予古典时期文艺的肯定,是针对中世纪的文艺作品而言。
中世纪是古典时期和文艺复兴时期存在于西方文艺史中的一段“伤心的插曲”。
意大利人意识到在遥远的过去,自己的民族以罗马为首都,曾经是世界文明的中心;是因为战争的失败而使得文化也没落下来。
这一点是否也能给中国文化的命运以新的注脚。
文艺复兴之所以能够发生在意大利,是意大利这一罗马帝国遗民子孙对自己曾经的文明不甘因战争的失败而没落有关吧。
这是我在学习中最大的所得。
文艺复兴是意大利人对古典时期文化意识的一次觉醒,是复活和再生,是回归于“自然”、“优雅”、“明快”,而并非与此无关的意识形态所注释的那样。
荷兰的美术为什么作者谓之“自然的镜子”到了十七世纪,欧洲社会分裂成为天主教和新教两个阵营,原本的基督教一种声音的意识形态已不复存在。
在新教日臻兴盛的各个以商品交易为主要的国家里,北方荷兰人的眼光与欧洲南部的文艺眼光有不同;他们接近于英国的清教徒,是诚恳、勤勉、节俭的民族,不喜欢放纵浮华的南方作风。
他们尽管对天主教以缓和的态度,但是从来没有接受那种纯粹的巴洛克风格。
十七世纪荷兰的艺术,用贡布里希先生的话说就是,“当我称此章为‘自然的镜子’的时候,我不仅仅是想说荷兰的艺术已经学会像一面镜子那样忠实地复制自然。
艺术和自然二者都不会像一面镜子那样忠平滑而冰冷。
反映在艺术中的自然总是反映了艺术家本人的内心,本人的嗜好,本人的乐趣,从而反映了他的心境。
”伟大的画家伦勃朗忠诚于自然,他的艺术生命随着个人的秉性跌宕起伏。
伦勃朗忠实地在镜子里观察自己,也许就是作者所谓的忠实的体现吧。
从伦勃朗的自画像中,可以看到作为杰出的荷兰画家那双敏锐而坚定的眼睛,既洞察人物的内心同样也洞察着自然的一切。
这并不是矫情的感情用事。
中国近代有一位伟大的画家曾经这样要求自己:为万物写神。
荷兰美术对自然的忠实能使原本平凡的场面一变为具有宁静美的景象,这让我想到宋代那一系列院体的花鸟画,东方的写神与西方忠实于自然的反应自我心境,这二者是否有着逾越时空的偶合。
四、西方学者视角里的东方艺术我在学习本书以前,从未真切地从一个西方学者的文字里了解到西方人对东方艺术的认识。
多的是去西方学习后回来的审视。
在《艺》书中贡布里希先生说的依旧是东方的艺术表现形式以及内容,但给人的感觉则很是亲切。
他说:“中国人是第一个不认为作画卑微下贱的民族,他们把画家跟富有灵感的诗人同等看待。
”这句话反映了中国的历史文化形态,在中国从事绘画的人群中大部分都是读书人,余下的一小部分也是读过书的人。
中国人民对文化的尊敬是渗透到骨子里的,这或许就是先生“中国人对精神方面的训练超出于西方人对体育的追求”最好的注脚。
在贡布里希先生的观点里可以读出,中国文艺之所以没有西方中世纪那段“伤心的插曲”,是因为中国的宗教艺术并非纯是去宣传某一个别宗教的教义,宗教的宣传在中国文艺类别中只是一小部分而已。
先生讲到中国的艺术是辅助于参悟,也就是说是辅助于他们在精神方面的训练。
然而在我们的学者眼中则普遍认为自己的宗教艺术亦同于西方的宗教艺术,是何等的贻误后学,让人难以释怀。
作者对东方古国艺术的解读是真挚的,他甚至这样说:“在画中寻求细节,然后再把他们跟现实世界进行比较的作法,在中国人看来是幼稚浅薄的。
他们是要在画中找到露出艺术家激情的痕迹。
”这是肯定的话语吧。
在本节的末尾贡布里希先生亦真诚地指出中国画的不足,我记下以为学习之鉴,如是“但是,不言而喻这种作画方法也有危险性。
随着时间的推移么可以用来画竹干和凹凸山石的笔法,几乎每一种都有传统的根基和名目,而且前人的作品博得了无比巨大的普遍赞美,艺术家就越来越不敢依靠自己的灵感了。
”在这源溯千年的伟大文明面前,一代代的后世学人只是站在能站的地方,去往要去的远方。
传统,这个充满了敬爱、尊重、颠覆、创新、继承、守望等等观点态度的词儿,我始终的观念都是敬重。
结语:最后,我不想具体地论说我最开始列举的第五个问题,而是想以先生在最后一节中,对当代艺术的解读时他所怀着的心态、观点,来说明《艺》一书予我的启示。
如是“越走近我们自己的时代,就越难以分辨什么是持久的成就,什么是短暂的时尚。
我在前面描述了艺术家征服自然形象斗争,而不同的方式的探索必然导致一些旨在引人注目的古怪行为。
不过,这同时也为色彩和形式的实践打开一个广阔的天地,留付给人们探索。
结果如何,我们还难以预料。
”他的语言是何等的真诚。
我愿以此段文字结束我的读书报告。
在阅读了诸多的艺术史论著,我能从诸位先生的语句中感受到贡布里希先生所说的“写到现在”难以果断定义的“不安”。
或许“不安”是属于对未来不知去向最好的尊敬,不需夹杂个人主观的预料。
也许就如《富春山居图》第末段丹青的长天空幽沙岸浮渚一样,只待听余音袅袅。
参考文献[1] 贡布里希《艺术的故事》第十六版(2008年,广西美术出版社)。