KAY我喜欢的一幅美术作品

我喜欢的一幅美术作品
学号：074431134
姓名：凯塞尔。

学院：中国语言学院汉专071班
看见印度艺术作品里舞王湿婆的雕像，就会产生一种自然的印象，就是东方理念的宗教神话艺术体系和西方实在是截然不同。

湿婆是一个纯粹的神，生有异象，还有化身，往往是以三只眼、四只手臂的形象出现，精雕细琢，营造出迷幻和远离尘俗的效果，一看就知道不是平常人。

但是在西方美术作品里，宗教角色和神祗尽管是被描绘得最多的题材，然而却经常是以常人的形象出现，而且往往包含着超出他们本身的传统设定许多的世俗精神，透露出艺术家在宗教与神的严肃面孔下，构建出的自由与人本主义的理念。

他们的作品一般都非常有真实感，素描作的几近完美，人物的表情栩栩如生。

不管是描述多么伟大的人物，是上帝或者是宙斯，西方的画家们很少让他们显得不可接近，而是竭尽所能，让他们体现出“人类最美好的品质的集合”。

和虔敬古板的僧侣不一样，画家是一个独立的观察者，他能够解构和自由体现宗教与神话中的世俗意义，不受经文和宗教道德的限制，以描绘宗教为名，探讨人情与尘俗的内涵。

即使在中世纪影响还非常广泛的时候，从宗教画中就可以看出“并不是那么超凡脱俗”的东西。

乔托那样的文艺复兴早期的画家，虽然绘画技巧上还能够看出中世纪拜占庭艺术很大的影响，但是他们的画作则不再是那种镶嵌玻璃拼出的，宣扬神圣家族至高无上的宣传画，而开始挖掘这些圣经里面已经传颂千年、在人们心中已经形成统一标准的形象的内心，探讨他们的想法和对待问题的态度。

《神殿里发现的基督》（1342，西莫尼"马尔蒂尼，木板蛋彩）几乎算是我最喜欢的一幅这一时期的作品了，因为在这里面我不仅看到了描绘得非常细致生动（因而十分具有传统的庄重美感）的圣母，圣约瑟和耶稣三个形象，而且还第一次发现，原来基督教的理念在世俗意义上也有共通之处。

耶稣十几岁时，曾随他的母亲到神殿去。

他进了神殿后就不愿离开，连回家都忘了。

他母亲来找，他反问道：“为什么找我？你们不知道我应在我父亲的家里吗？我并不是你们的孩子”。

那么，他的母亲肯定就为此感到生气，如同世界上千千万万不听话的倔强孩子的母亲一样，画面上的圣母和年轻的耶稣之间呈现出一种僵局。

当时的耶稣正处在十三、四岁的青春期，正是最反叛、心理变化最微妙的的
时期，他的嘴角倔强地下撇，而圣母也皱着眉头，看上去严厉而失望。

即使是属于圣家族的圣母和圣子，在处理这种心理的时候，一样会遇到麻烦和困难。

耶稣已经意识到自己“是上帝的儿子”，负有重要的使命，一如世间的少年初次懵懂地觉醒，认识到自己作为独立个体的意义。

那么，自己作的决定，需要自己承担后果，如果承认上帝为父，就必须割断家庭的联系。

每一个个体都需要为自己的决定承担责任，这就是基督教对个人价值的界定。

在这个意义上，这幅画通过对圣家族的描绘，展现的恰恰也是世俗的准则。

在描述基督教题材的作品中，最为普遍的就是“受胎告知”这个画面。

然而很有意思的是，无论是哪位画家所作的《受胎告知》，都不同程度地揭示了圣母的困惑、迷茫和躲避（经常有一串表示天使说话的字母一直逼到圣母嘴边，而她则本能地向后闪避）。

这些本应该属于俗人而不是圣家族成员的情绪，正是她们如此引起观众的共鸣的原因。

毕竟，我们都是人，圣母在画上就是人的象征，具有和我们一样的情绪。

在这方面尤其突出的是作为诗人的罗塞蒂。

受着自由神秘的文学氛围长久的熏陶，加之生活在19世纪，他描绘出一种完全不像宗教题材作品的《受胎告知》（1849-1850）。

这幅画里面的圣母好像是被报喜天使胁迫一样，忧伤畏惧地蜷缩在床的一角，为了不可知的命运默默心悸。

在她旁边，百合花的数目标示了圣母停止月经的时间，更给她的处境添上了宿命论的强制色彩。

在这里，她根本不是仅仅躲避，她甚至没有面对天使，没有表示一点点为人母的兴奋，因为她根本没有见过、爱过孩子的父亲。

罗塞蒂的圣母让人心痛，我看的时候几乎哭起来，那种紧张狭小的空间感，画面上白色的纯粹，圣母眼神里的不安，不仅使人体验罗塞蒂典型的“迷失在森林里的但丁”式的神秘与绝望感，而且使人自然而然联想到现世生活中的女子。

圣母“无非是被上帝占有了”，和一般的怀上孩子，却找不到丈夫的不知所措的女孩子没有任何不同。

然而圣灵又是什么？无形无声，她的安全感又从何而来？
对于圣经和宗教，画家可以说是最自由的信徒了。

文学家们可能不能够直接表达自己对宗教的自由理解，或者大胆指出宗教的世俗之处，但是画家不一样。

由于绘画的不可确定性，宗教信仰并不妨碍他们通过自己的理解，以世俗化的方式来注释宗教经典，来表现和启发他们所处的现实世界。

他们还有更加自由的时候，那就是在描述神话的时候。

希腊神话和圣经同是欧洲艺术的灵感发源地，然而比起圣经，一度被称为“异教”的希腊神话却远为生动，辉煌，自由，充满现实的冲突与自主命运的勇敢精神，更像人的故事，更能够激起人们的共鸣。

神话使得画家们有了更加广阔而且更加丰富的平台用来表现他们热爱的现实世界，他们常常借着浪漫美丽的神话情节，体现比画作本身，甚至比这神
话本身更加深远的真理和现世涵义。

古代绝大多数有名的雕塑，那些完美的人类理想造型，都是署着神话人物和英雄的名字。

人们钦慕这些作品，不是因为他们是英雄和神祗的雕像，而是因为他们代表着世俗人类都羡慕的身体和精神美。

《赫耳墨斯（和酒神狄俄尼索斯）》（柏拉西特列斯）、《雅典娜》（菲狄亚斯）、《尼开神像》（帕俄尼奥斯）以及《米洛的阿佛洛狄忒》（亚历山德罗斯）等等都是非常著名的代表，人们到处可以见到它们的介绍，更不用说还给了莱辛这挑剔的美学家灵感和题目的《拉奥孔》（阿格桑德罗斯、波利多罗斯和阿塔诺多罗斯）。

我自己最喜欢的雕塑，出自柏拉西特列斯的《萨提儿》就是一尊完全世俗化但是却如此美丽，以至于不是它的神话名字，而是他超凡的人类魅力，令人想到“天工”这个词。

萨提儿是一个活泼自由的青年形象，没有一点拒人千里以外的神祗气息。

从古至今一直崇尚着自由，身上流淌着“俄林波斯的血液”的希腊人，见到神祗都只是举起双手，正视他们的眼睛而不是卑躬屈膝、诚惶诚恐，所以走近他们的《萨提儿》，也会感到这个倚在树旁，俏丽野性的林神其实就是我们中的一员。

他的美近在眼前，伸手可及，令人恍然明白，自由和自然的精神其实就是美丽本身；未经雕琢、纯粹天成的纯洁与活泼就是世界上最引人迷醉的美。

有的时候艺术家一瞬之间描述的景象，仿佛分明就是出自对现世和生活的冲动，毫不犹豫，一笔挥就，过后方才署上一个神话的名字。

穆里罗、提香和拉斐尔（虽然想起他，不由得要使人想起圣母，想起升天，但是拉斐尔可以算是是文艺复兴画家中笔调非常圆润熟练，有现世色彩的一位了）有许多作品都给人这样的感觉，宗教让这些画名正言顺，熟悉的形象和笔触则让人感到亲切。

拉斐尔的《椅中圣母》简直就完全摒弃了宗教的严肃和故作姿态。

在圆形的、充满温馨的构图之中，穿着红色和绿色衣裙（而不是“神圣的金色和白色”）的圣母就是一个普通的意大利民间妇女，端庄，秀丽，温柔，最重要的是，身上没有不食人间烟火的超脱，反而满是对孩子的亲热和眷恋。

受着生活和上帝两者同等眷宠的提香是干脆就画了一幅《人间的爱与天上的爱》，认为两种爱，两种女人，两种母子关系，都是值得颂扬的，而比起天上的神圣，人间的母亲和她的爱并没有任何逊色之处。

显然，上帝对他的照顾，赐予他的长寿，最终还是为他赞颂世间的生活提供了机会。

和他们不一样，穆里罗本来就是一位很有现实主义思想的画家，他的笔下出色地描述了许多真实生动的普通人民形象，而他的宗教画《清净受胎》（《云中圣母》）所表现的，也是一位非常年轻纯洁的少女。

升天对她来说，与其说是拔擢，不如说是考验，她的脸上淡淡的哀愁，让天堂的一切变得不可捉摸，同时她将要离开的世间却在观众心
中不知不觉更加亲切起来。

看过这幅画，翻过书页的时候，突然想看看窗外，觉得世界还是一个比天堂更加温暖的地方。

最开始欣赏西方美术的时候，最喜欢的就是文艺复兴时期那些笔触细腻的肖像画，还有希腊那些被时光打磨的古典雕像。

它们虽然顶着神圣之名，但是放在眼前的时候，这些名字立刻就被遗忘了，记住的只是它们集成在身的人间的美丽。

毕竟，就算是神祗和上帝创造了人类，他们的形象也依然是通过人类的眼睛和笔触，由人类经年累月沉淀的审美经验所传递下去、传播开去的，因此他们的形象，还是人类和这个世界追求的美丽的目标。

就是因为这样，没有一幅成功的宗教画或者一座神话雕塑能够完全卸脱现实的理念，在空泛中吸引到观众。

在这些画面前流连，转身的一瞬间，现世这个概念在眼中就清晰得多，也可爱的多了。