西方美术史论文1

合集下载

西方美术史论文-对史前美术的认识

对史前美术的认识以前，我总感觉到美术离我是那么的遥远，我对于美术的认识几乎为零。

比如，看到梵高的《向日葵》，我实在看不出它有什么特别的，因此别人常常笑我没艺术细胞。

我高中学理科，很少接触艺术；现在我修的是工科专业，又很少接触艺术。

为了弥补自己对艺术认识的缺陷，我特意选修了“西方美术史”这门课。

课上，谢老师给我们详细地介绍了不同历史时期的西方艺术。

按时间先后顺序有史前美术，其代表作是法国的拉斯科洞窟壁画、西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画以及沃尔道夫的维纳斯；古代美术，其代表作是埃及金字塔、掷铁饼者、米洛斯的维纳斯；中世纪美术，其代表作是拜占庭式建筑、哥特式建筑；文艺复兴美术，其代表作是达·芬奇的作品《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》；十七世纪美术，其代表作是委拉斯开兹的作品《宫娥》，出现了巴洛克艺术；十八世纪美术，其代表作是《希阿岛的屠杀》和《自由领导着人们》，出现了浪漫主义艺术；十九世纪美术，其代表作是库尔贝的作品《画室》，出现了印象派艺术；二十世纪至今的美术，许多艺术活动已经超出了美术的范围。

学了这么多，下面我谈谈我对史前美术的认识。

史前美术又称“原始美术”，西方人最早的美术作品产生于旧石器时代晚期，即距今3万到1万多年之间。

最杰出的原始绘画作品，发现于法国南部和西班牙北部地区的几十处洞窟中，其中最著名的是法国的拉斯科洞窟壁画和西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画。

所绘形象皆为动物，手法写实，形象生动。

拉斯科洞窟壁画，由1.7万年前的原始人涂抹在法国西南部多尔多涅省附近“拉斯科”岩洞内壁上，是旧石器时期岩画的代表之一，在美术史上占有重要地位。

1940年，多尔多涅乡村的四个儿童带着狗在追捉野，突然野兔不见了，紧追的狗也不见了，孩子们这才发现兔和狗跑进一个山洞，他们带着电筒和绳索也进入洞里，结果发现一个原始人庞大的画廊，这就是拉斯科洞窟壁画，被誉为“史前的卢佛宫”。

拉斯科洞窟因石灰岩缝隙水流的侵透，在地质年代的第三纪形成大型的岩洞。

外国美术史结课论文

外国美术史结课论文201213070203-宋振豪意大利文艺复兴时期的雕塑艺术文艺复兴时期的雕塑艺术进入了另一个高度，在这一时期，意大利的雕塑艺术显得比较突出。

我以这一时期意大利的两名著名的雕塑大师为例，说出我对这一时期意大利雕塑艺术的见解。

我作为一名学雕塑的学生，我不敢说我对雕塑有多么独特的见解，我的理解可能很肤浅，但这仅仅是我个人的见解。

在文艺复兴早期，主要的雕塑代表是多纳泰罗，多纳泰罗是意大利文艺复兴前期雕塑新纪元的代表人物，曾耗费大量的精力去研究古代希腊和罗马的雕塑，但他并不一味地模仿，而善于在继承古典主义雕塑艺术的基础之上进行创新。

他创作了大量生气盎然、庄重从容的雕塑作品。

他的代表作品《大卫》是第一件复兴了古代裸体雕像传统的作品。

多纳泰罗运用古希腊人创立的对应构图方式，向人们展现一位形体比例和结构都十分准确的少年形象。

在他的手下，这位圣经人物不再是概念性的象征，而是一个活灵活现、有血有肉的生命。

着意表现人的完美体魄和崇高精神的雕塑作品，在黑暗的中世纪已经消失，所以同真人一般大小的裸体《大卫》问世，实在是惊世骇俗之举。

裸体的、有血有肉的少年大卫立在人们面前表现了过去时代的结束和新时代的到来，开创了现实主义的表现手法和颂扬人体美的先河，奠定了文艺复兴时期的现实主义传统。

他所塑造的大卫是佛罗伦萨人热爱和平、追求自由的心愿象征。

《大卫》的身体各部分之间的比例符合古典艺术的理想标准；它的姿态遵守“重心转移”的造型规律，显得放松而自然。

《大卫》正陷入复杂沉思的心理状态，他的沉思目光似乎发现了人类自身的美和力量。

这种对人类自身价值的发现和认识，正是文艺复兴的根本精神。

自多纳泰罗之后，主要的雕塑家是米开朗基罗。

米开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。

他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。

论西方美术发展史

论西方美术发展史摘要:西方的美术发展就是一个从浑朴天真的原始艺术，直至令人眼花缭乱的后现代艺术的发展过程.关键词发展，雕塑，画派，美术，艺术西方美术发展过程在我看来就是一个人的发展过程，从天真到成熟，西方的美术发展就是一个从浑朴天真的原始艺术，直至令人眼花缭乱的后现代艺术的发展过程。

石器时代开始，西方就出现了许多雕塑和洞穴岩画，那个时候的人们进行岩画创造和雕塑都是出自本能，并不是想为了出名或者赚钱，他们画岩画，做雕塑，记录下来的信息都是表达内心的渴望或者崇拜某个东西，艺术本来就是起源于人类最根本的原始需求，比如岩画上的画，好多都是画的捕猎图，那个时候食物少，人为了生存只能冒着生命危险去捕杀野生动物，杀了动物就有食物吃，就能生存下来，所以那个时候的人们都崇拜捕猎这种行为，也渴望它，而当有了崇拜和渴望后，人们就会把内心的想法表达出来，岩画、雕塑等都是一种表达方式。

在新石器时代晚期，欧洲出现了巨石文化，最著名的可能就是英国的巨石阵，按现在的理论来说，这个巨石阵是古代祭祀的地方，算是一种宗教性质的建筑，那个时候的人们建造这些就是来祭祀神明，而现在的人们总是带着一些艺术的眼光去看它，其实违背了它最真实最原始的意义。

当西方美术发展到古希腊、罗马时代时，它的表现方法和意义也发生了很大的变化，古希腊的雕塑很多都是健壮的男子，古希腊人崇尚强壮的美，也觉得人神同相，也就是说人的样子就跟神明的样子差不多，于是这些雕塑家们在创造时就不是单纯的艺术创造了，可以说是生活的一部分了。

在古希腊，体育比赛优胜者，人们会为他塑雕像，算是给他的一种奖励和赏识，所以说，那个时候的美术（准确来说应该是雕塑）是源自生活，是人们对他们的偶像或者神明的崇拜，这跟石器时代还是有些相似的。

如果说前面两个时代的美术还是纯真的，源自最朴实的需求的话，那么从中世纪的美术开始，美术就慢慢开始被增添了别的味道和颜色。

说起中世纪美术，不得不提的就是拜占庭美术，拜占庭美术其实就是一种纯粹的宗教美术，它的很多内容和题材都出自于圣经，其形式和人物表情处理都须遵循具有神学意义的传统模式，这就已经很大程度上的不同于石器时代和古希腊、罗马时期的美术了。

西方美术史结业论文西方美术史结业论文

西方美术史结业论文主题：偶遇《黄色基督》邂逅保罗高更摘要：一个学期的美术之旅即将结束，通过课上老师的介绍和课后的资料查找，让我对西方美术长廊里那些栩栩如生的雕塑和五彩斑斓的画卷有了浓厚的兴趣。

而我最喜欢的是十七世纪荷兰最重要的风景诗人雷斯达尔。

他的风景画给人一种浑厚的力量，雄伟的气势，闪烁的光影，让我深深着迷。

关键词：黄色基督￫保罗·高更￫后映像派￫后映像派三杰一个学期的美术之旅即将结束，通过课上老师的介绍讲解和自己课后的资料查找搜集，让我对西方美术长廊里那些栩栩如生的雕塑和五彩斑斓的画卷有了浓厚的兴趣。

我们从古希腊、古罗马的美术讲到了文艺复兴时期，直至欧洲十九世纪的美术，不仅有米隆的《掷铁饼者》、多纳太罗的《大卫》，还有米开朗琪罗的《哀悼基督》、伦勃朗的《夜巡》、荷加斯的《伯爵夫人之死》…但是给我影响最深的不是广为人知的《最后的晚餐》，也不是价值连城的《维纳斯的诞生》，也不是那神秘的《蒙娜丽莎》而是那充满历史文化底蕴而富有传奇色彩的后映像派别名画尤其是从邂逅《黄色基督》开始。

或许它们不是最伟大的作品，但总能显示出一种浑厚的力量，雄伟的气势，闪烁的光影，让我深深着迷，倘佯在后印象派的美丽长河之中，让我们一起来走进这个传奇的世界。

一 .邂逅《黄色基督》故事那是一个连阳光也显得懒懒的下午，或许因为一天的学习让人感到有些疲倦，又或许是有一个令我怦然心动的事物出现的原因。

懒懒的趴在桌子上看着老师的课件一页一页的翻过。

直到出现，浓重的色彩、大胆的轮廓线以及简约的造型一下子吸引了我的眼球。

简介油画《黄色基督》，以其平铺的块面、浓重的色彩、大胆的轮廓线以及简约的造型，反映出高更“综合主义”绘画的风格特点。

整个画面被前景的人物、十字架的垂直立柱以及顶端的水平横木所支撑。

田野、天空及十字架的道道条状的形，与妇女及树木图像圆转起伏的曲线，产生鲜明对比；那平直延展的形，与圆曲封闭的形，形成强烈的对照。

所有物象都统一于一种明快而简约的图形中。

外国美术史论文

文艺复兴时期中西艺术的差异——以中国山水画与西方风景画为例文艺复兴以后，西方艺术发展进入新阶段，与同时期的中国艺术形成了许多差异，以该时期的中国山水画与西方风景画为例，二者虽然都是对自然的描绘，但在空间处理、写景的系统、是写实还是写意等方面二者都存在差异。

在空间处理方面，文艺复兴时期透视法的发明，使西方画家能在平面上更真实的展现三度空间，最求画面的真实性，而透视法的出现离不开文艺复兴时期科学技术的进步。

而同时期处在明朝的中国山水画在空间处理中采取了“三远”的表现方式，既高远、深远、平远，也就是指仰视、俯视和平视，所以中国山水画是在运动中观察的自然，从多角度看而不同，不受视点的约束。

从空间处理方面中我们就可以看出文艺复兴时期中国山水画和西方风景画中的一个大不同，就是对写实和写意的侧重点不同。

明朝中国山水画继承了中国传统山水画，对景的描绘是画家主观感情和意识出发描绘的自然，寄托着作者的精神和气韵，对自然的描述追求的更多是神似，而不是形似，但也不是完全抛弃形似，只是不用特别拘泥于形似。

而西方的风景画注重风景的真实性，在总体上对风景的描述都是偏向形似，但也不是代表其风景画没有写意的部分，只是在这个时期中对景的绘画依旧注重完全的复刻和比例的合理性。

而从中我们便也可以看出该时期中国艺术体系属于写意体系，西方艺术体系属于写实体系。

在重视程度上，文艺复兴时期的西方风景画并没有形成一个独立的体系，他们更多是在宗教的主题下的风景，该时期更多的依旧是人物画。

这与欧洲画注重人物画的历史有关，文艺复兴重视人的价值，风景只是人物的从属，往往画家们更多学习到的是描绘人物的技能。

而明朝时期的山水画在画坛上地位较高，较为成熟，有独立的系统，在中国传统中讲究人与自然的和谐共处，山水和人是共同重要的，而在中国传统封建社会中文人的抑郁不得志使其往往寄情与山水之中，这些都使山水画在中国成为体系，有较为重要的地位。

从文艺复兴时期中国山水画和西方风景画中的差异可以看出，该时期中国艺术是属于写意的艺术，而西方艺术是属于写实的艺术；该时期中国艺术中人与自然往往是和谐共处的，而西方艺术重视人的地位。

外国美术鉴赏论文

西方文艺复兴时期的美术风格谈到文艺复兴，人们总会先联想到中世纪，因为它们是两个完全不同的伟大时代，也许没有了中世纪的压抑就不可能有文艺复兴时的灿烂辉煌。

中世纪是欧洲的封建社会时期，欧洲中世纪时代的艺术是为宗教服务的，基督教被作为罗马后期维持统治的精神支柱，在进入中世纪以后被作为了一种森严的礼教。

教会神学经过理论化、系统化达到了巅峰，产生了庞杂而严密的经院哲学。

所以，中世纪的一切都被打上了宗教的烙印。

文艺复兴的思想基础是以人为本，要求文学艺术表现人的思想和感情，要把思想、感情、智慧都从神权的束缚中解放出来，提倡个性自由，反对人身依附。

人类的文学艺术发展到今天，经历了不同的阶段，每一个阶段都有自己的价值，其总的发展趋势是向着文明和进步迈进的，但进程是曲折的。

从中世纪到文艺复兴，经过了一个复杂的酝酿阶段，它们之间有着承前启后的内在联系。

中世纪后期，理论化的宗教信仰和向往世俗享受的趣味在特殊的历史条件下奇异地结合起来。

这时的艺术具有既矛盾又统一的风趣，在这背后隐藏着信仰的危机和对现世的回归。

黑格尔认为导致文艺复兴的因素是某些内在的矛盾，这些内在的矛盾促使中世纪的结束和一个新时代的到来。

自中世纪后期出现的哥特式美术便是这种内在矛盾的体现，成为文艺复兴时期美术风格的内在的、直接的源头。

一、中世纪早期的美术早期基督教堂是在拱形结构的古代巴西利卡建筑基础上发展出的一种长方形有祭坛的教堂样式，称为“巴西利卡式”教堂。

教堂正面不失沉重感，屋顶是用木头做的，重要部分是由三个或五个长廊组成的空间，每个长廊之间用柱子隔开，中间的长廊比周围的宽而高，并有窗户照明，周围处于昏暗状态。

长廊的一头是入口，另一头是横廊，连接横廊的是一个有列柱的前庭。

走入教堂的人很容易把注意力集中到明亮的中间长廊和教堂深处的圣坛。

在早期的罗马，有许多“巴西利卡式”教堂，在这些“巴西利卡式”的基督教堂里，最突出的是以基督教为内容的镶嵌壁画。

基督教极大地发挥了镶嵌艺术。

西方经典美术作品赏析论文

西方经典美术作品赏析论文我深信，只有高度的文化建设，才能造成现代强盛的民族和国家，对美和艺术的理解，是文化修养的一个重要部分，而“美育”的最有效的方法便是多接触艺术，包括了解一些艺术史，经验证明：人们对于美的鉴赏和理解力，是要靠学习才能获得的————是知识之所赐。

西方艺术往往让人觉得驳杂繁芜,高深莫测,让人不明就里,不知所措。

对西方数千年艺术发展概况的解读，体验到西方艺术的源远流长，博大精深，领略到西方艺术典雅精致的风格和浓浓的人文情怀，有身临其境的感受，深入艺术的现场，感悟艺术之趣、历史之真，知性之美。

从这本书中，学有所获，常有所思，偶有所悟，其乐融融。

西方美术发展的精神基点，始于与自身的认识上。

“美术”一词，在西方指非功利主义的礼堂艺术，或主要指为纯审美而创作出的有形艺术。

艺术是人们把握现实，表达思想感情和审美理想的特殊方式。

纵观整个西方美术的发展历程和存在状态，由于不同的民族历史传统和相异的社会文化因素的影响，使之呈现出丰富而又相对复杂的艺术景观。

西方美术的真正起点在希腊。

尽览西方美术发展的线索，有过三次高峰时期。

第一，古希腊古罗马时期；第二次，文艺复兴时期；第三次，19世纪。

对于文艺复兴，在我学这门课以前的记忆里，留下足迹的仅仅是文学作品，远远不知道美术作品的丰富、无限和逼真。

到此刻才了解到艺术的无垠天地。

历史的继承性是艺术发展的普遍规律，革新是艺术发展的必然规律。

中世纪是基督教统治西方的一千年，人们的思想，生活都受到基督教义的全面渗透和压抑。

这个时期的人们缺乏创造力，缺乏自主思想，只为了上天国而活着，而文艺复兴唤醒了西方人的创造力。

文艺复兴为世界文化史的新阶段奠定了基础，恩格斯说：“这是人类前所未有的最伟大的进步的革命。

”就文艺复兴在发展文化艺术方面所具有的意义而言，只有古希腊罗马文明的繁荣时代可以和它相提并论。

文艺复兴的艺术文化，是人类无与伦比的不朽的珍品。

而近代先进的艺术文化，是在文艺复兴艺术文化的基础上诞生，成长起来的。

中外美术史论文

文艺复兴绘画代表作品鉴赏班级：10建工3班学号：1001080310姓名：邓光灿目录目录 (2)内容提要 (3)时代背景 (3)最后的晚餐 (3)蒙娜丽莎 (4)最后的审判 (4)披纱巾的少女 (5)雅典学院 (5)达娜厄 (6)1498年的自画像 (6)【内容提要】通过介绍“文艺复兴三杰”以及其他的大师具有代表性的一些绘画作品，展示西方绘画各阶段的风格、流派、形式特点、美学特征及其卓越的艺术成就。

【关键字】文艺复兴三杰、风格、流派、形式特点、美学特征、艺术成就西方真正意义上的绘画史从14世纪文艺复兴开始，经过巴洛克风格、罗可可风格、新古典主义、浪漫主义、现实主义、印象派、象征主义、现代派，历时六百余年的发展，展示出一条“以人为本”的演进轨迹，并以此为核心，呈现出丰富而又相对复杂的艺术景观。

整体而言，西方绘画作为人类文化的重要部分，它是对世界文明的一种解释，是对社会发展的一种记录，它创造了一个带有意义的、具有审美价值的形式结构。

在此，我带领大家简单了解文艺复兴具有代表性的一些绘画作品，展示了西方绘画各阶段的风格、流派、形式特点、美学特征及其卓越的艺术成就。

文艺复兴时期的绘画，大致可分为早期和兴盛时期两个部分。

早期文艺复兴绘画兴起于意大利。

在13世纪后半期，意大利中部以弗罗伦萨为中心就出现了新的动向，从15世纪开始，意大利文艺复兴进入蓬勃发展阶段，弗罗伦萨仍是最大中心。

以波提切利为代表，人才辈出，从不同角度发扬了现实主义与人文主义相结合的传统，绘画风格雄伟秀丽各有所重，呈现百花齐放、美不胜收的局面。

注重空间透视表现和任务坚实造型，以及善用线条则成为弗罗伦萨花牌代表人物共有的特色。

威尼斯画派在意大利文艺复兴中的地位也是极其独特的。

15世纪末至16世纪初的罗马和弗罗伦萨等城市。

已处于磨难之际，而整个16世纪初的威尼斯，却保持着宗教的自由和社会的祥和，这样的社会环境为绘画创造了明媚的发展空间。

自15世纪至16世纪，文艺复兴兴盛时期绘画的中心已经转移到了尼德兰和德国。

西方美术欣赏鉴赏相关论文

西方美术欣赏鉴赏相关论文西方美术欣赏是高校美术专业的重要课程，对于提高学生的综合素质发展创造力有着重要的意义。

下面是店铺为大家整理的西方美术欣赏相关论文，供大家参考。

西方美术欣赏相关论文篇一：《试论中西方美术的融合与当代工艺美术》工艺美术的创作初衷是对艺术的感悟，基本点在于美，这一点与传统艺术(包括绘画)的出发点是一样的。

无论什么形态的美，它必定是包括着人们美好的愿望。

形态的多样性使工艺品更具广泛的市场与发展空间，艺术的创造来源于生活的各个角落，任何东西都有可能成为一件艺术品。

用艺术的眼光来创造工艺品，是人们物质生活和精神生活提高的表现，也是人们喜爱艺术的愿望，艺术对于社会、对于人的成长起着非常重要的作用，体现了人们的精神面貌。

在西方美术中，注重绘画材料与工具的多样性及绘画材料与写实观念的紧密结合，体现了它的科学性。

强调对客观事物的真实再现，描绘自然界中一切事物的真实情况。

严谨的比例，光线的变化，空间以及色彩的表现。

通过绘画的过程找寻事物的特征并逐步进行科学的研究，形成完整的，科学的绘画语言，创造真实的“理想之美”。

“艺术的使命在于用感性的艺术形象的形式去真实”(黑格尔《美学》)。

中国美术早期则深受儒家、道家文化的影响。

“礼之用，和为贵。

先王之道，斯为美;小大由之。

有所不行，知和而和，不以礼节之，亦不可行也”(《论语·学而》)，“淡然无极而众美从之”(《庄子·养生主》)，强调抒发主观意志，以主观的思想来控制情感，从美好的一方面来净化内心世界。

塑造理想的人格，从而达到人与社会，人与自然的和谐之美。

通过所要描绘的具体对象表达自己内心感受，以咏物来寓志，借景抒情，形成中国美术特有的“意境”。

讲求“气韵生动”，不求形似但求“传神”，(明·徐渭)“须得书意，转深点画之间皆有意”(东晋·王羲之)，把主观的情感和客观的景物相融合，通过画面上的“物”与“意”即“书”成为一个整体，形成“诗、书、画”一体的特有表现形式。

西方美术史论文

通过这四个星期的学习，使我更深的了解了西方美术的博大精深，感受到国外众多画家流派的风格，我深刻地感觉到，不能以好看不好看来评价画的好与坏，要深刻地了解当时的社会背景和画家们的思想境界才可能对某个画家作出正确的判断。

首先西方美术在经历了较长时间的原始美术之后逐渐发展，接下来的中世纪美术由于受到基督教的制约，开始不注重客观世界的真实描写，而强调所谓精神世界的表现，具有了浓厚的宗教色彩。

这一时期建筑艺术高度发展，拜占庭教堂、罗马式教堂和哥特式教堂是主要的成就。

十七世纪在欧洲出现了巴洛克美术，发源于意大利，主要是追求激情和运动感的表现，强调华丽绚烂的装饰性。

十八世纪洛可可风格在法国兴起，其特点是追求华丽纤巧和精致。

期间随着法国资产阶级大革命的到来，先后出现了新古典主义艺术运动和浪漫主义画派。

德拉克洛瓦和席里柯都是杰出的代表人物。

十九世纪是现实主义美术蓬勃发展的时期，期间的大量作品或深刻反映了当时的社会矛盾或歌颂人民的辛勤劳动。

十九世纪后期在法国产生了印象派，受到现代光学和色彩的启示，注重在绘画中表现光的效果。

二十世纪以来，现代美术呈现出流派迭起，千姿百态的局面。

在如此多的流派时期的作品与画家当中，印象派给我的感觉最深刻也最独特。

德彪西尝试以音乐捕捉事物的印象或情绪，在他的音乐中，色彩、音色与节奏的重要性绝对不亚于和声与旋律。

这种特点跟印象派美术非常相似，印象派画家就是注重表现绘画中光与影的变化。

莫奈的《日出印象》给人静谧，朦胧，深邃，富有韵律，富有节奏的。

一种素描的风格，一种诗的意境。

观看日出给我们带来了人生感慨，而对艺术家是好的表现题材。

红日冉冉上升，阳光由柔而强，一个个连续的变化的瞬间组成了动态的画面，莫奈用“零乱”的笔触来展示雾气交融的景象，画面的物体比较模糊，给人以一瞬间的感受，而印象派绘画的最重要的特点之一，就是捕捉动态大自然的一瞬间，把它定格，将它用绘画的方式表现出来，莫奈把理想化的主题排斥在绘画目的之外，他为着运用色彩去作画。

外国美术简史欣赏论文

简论古代罗马与古代希腊的美术关系摘要：在选修外国美术简史这门课程之前，我对西方的美术了解可以用空白形容，一方面是由于自身在高中时期没有给予足够的重视，另一方面是由于高考的指向性，使得我忽略了自身的艺术修养的重要性。

然而，进入大学之后，由于我专业是机械类的关系，我开始慢慢发现，其实机械类中艺术性也是不可少的，最简单的证明就是苹果公司乔布斯先生，在我看来，正是因为他的产品创新性，科技性和艺术性并存才会使得苹果公司逐渐壮大并最终获得成功。

在这一学期，我选修了外国美术简史这门选修课，希望能够补充这一方面的知识，并希望能对自己的专业学习有所帮助。

关键词：西方美术史古罗马古希腊首先，我认为对西方美术史的发展了解是必不可少的。

最初是史前时代。

进入奴隶社会，那些文明古国谱写了人类美术史的辉煌篇章，美索不达米亚（即幼发拉底河和底格里斯河之间的地区，又称两河流域），古埃及的庞大金字塔建筑，古希腊的自由民主创造了具有民主思想的建筑、雕刻和绘画作品，古罗马美术继承着古希腊的传统。

封建社会时代、欧洲文艺复兴时期。

17世纪在欧洲出现了巴洛克美术，18世纪时期18世纪罗可可风格在法国兴起，19世纪时期19世纪中期是现实主义美术蓬勃兴旺的时期。

19世纪后期在法国产生了印象派。

直到如今，西方的美术还在不停的发展着。

西方美术在它发展的历程中，珍品无数，在论文中不能尽述，就简略了解一下在西方美术发展中地位举足轻重的古代希腊和罗马艺术吧。

在西方美术史浩如烟海的典籍里，最常看到的词汇就是“希腊与罗马”和“回归与复兴”。

根据史事记载，在公元8~9世纪加洛林王朝的“文艺复兴”，表现出的就是对古代世界的一次有意识的回归。

它以一系列语言、文字、法令以及宗教生活的改革而开始；不过查理曼大帝想要复兴的仅仅是罗马世界。

这位由教皇加冕的罗马皇帝是以保存、复兴罗马早起基督教经典教义为宗旨，时间的范围也仅限于宫廷艺术。

事情到了15世纪才真正出现转机。

现实世界的崩溃（1453年君士坦丁堡的陷落）让人们在古代世界遗留下的文献手稿中“重新发现”了希腊和罗马。

外国美术史论文

美术文献读书笔记对艺术再次认识摘要：现实主义作为绘画的一种艺术思想，具有独特的审美意义和价值。

它以弘扬真、善、美为艺术使命，与时代紧密相连，体现出浓厚的人文内涵和民族艺术风格特征。

现实主义作为艺术创作中的重要方法，是我国多种艺术形式的有机组成部分。

主要是对西方艺术的了解和以及心得。

关键词：现实主义油画艺术审美拓展现实主义作为一种艺术形式，它的基本原则是，强调艺术反映现实社会生活，关注现实人生、社会和自然，认为艺术是对现实的一种审美认识和再现，是对社会生活形象的、真实的、典型的审美认识，并利用恰当的造型手段将这种审美认识所形成的审美意象、审美情感和审美评价表现出来。

现实主义主张艺术要真实地反映客观世界的现实本质和历史本质，真诚地表现艺术主观世界的审美情感和审美理想。

作为流派和运动的现实主义油画艺术，是从西方产生和发展而来。

在西方美术史上，主要指库尔贝、杜米埃、米勒以及巴比松风景画家的艺术创作，历史(咱们上课时的教科书)上的卡拉瓦乔、伦勃朗、维米尔、夏尔丹、列宾、谢洛夫、怀斯以及当代英国王家弗洛依德的绘画都可归为现实主义艺术。

一般来说，只要真实表现和反映一个时代的精神面貌，我们都可称之为现实主义艺术。

中西文化各有侧重，但中西艺术追求真善美的理想是一致的，由此，油画才有“汇中融西”表现的可能性。

在创作实践上，现实主义艺术家重视生活实践和艺术实践，在实践中寻找美、发现美、认识美和表现美，同时，他们不回避丑，对现实中丑恶的现象敢于正视，从而揭示生活的本质和历史的必然。

现实主义艺术是从现实世界而不是从空想世界中获取它的内容和形式。

在表现手法上，现实主义艺术一般采用写实的方法，注重细节的真实，并通过典型化的手段，揭示社会生活的真理，体现艺术家的思想感情和个性特征，达到艺术之美。

因此，现实主义艺术作品是真、善、美三位一体的高度统一。

现实主义的基本特征是以具有审美价值的艺术语言，真实地再现客观现实生活，反映画家从社会生活实践出发对生活的认识活动。

外国美术简史论文

1、法国的拉斯科洞窟：特点：1）画家用粗壮简练的黑线勾画出轮廊。

2）用红、褐、黑色渲染出动物的体积和结构。

3）气势雄壮，富有动感，充满粗犷的原始气息和野性的生命力。

2、西班牙的阿尔塔米拉洞窟：特点：1）壁画轮廓线比较细，有明暗、粗细浓淡变化。

2）与色彩渲染结合紧密，表现动物身体的结构。

3）明暗起伏更为丰富，富有感情色彩。

3、拉文特岩画：特点：1）表现人类狩猎活动的情节性绘画。

2）以人物、动物的运动和速度为特点，把运动中的形象加以拉长和夸张动作，强调动势。

3）狩猎场面紧张活力。

构图具有浓厚的情节性和生活气息，但忽略细节刻画，用色单纯。

4、巴比伦美术：著名的汉漠拉比法典：法典刻在黑色的玄岩石碑上，上部为浮雕，下部为文字。

5、古代埃及美术特色：1）埃及艺术是为法老和少数贵族服务的，歌颂王权，强调国家的政权和等级制度。

2）宗教对埃及艺术产生影响，艺术是为死者服务的，埃及艺术称为“来世的艺术”。

3）埃及艺术的形式，是壮丽、宏伟、明确、稳定，有严格的规范，又具有写实基础上的美化。

6、金字塔建筑艺术特色：1）金字塔是古王国法老的陵墓。

2）金字塔具有庞大的体积和重量，给人以精神上的压力。

3）金字塔外观匀称、稳定。

它象征了法老的威严和地位，说明了埃及人顽强的意志力。

7、古埃及雕刻程式有：1）姿势必须保持直立，双臂紧靠躯体，正面直对观众：2）根据人物地位的尊卑决定比例的大小：3）人物着重刻画头部，其他部位非常简略；4）面部轮廓写实，又有理想化修饰，表情庄严，感情表现很少；5）雕像着色，眼睛描黑，有的眼睛用水晶、石英等材料镶嵌，以达到逼真的效果。

8、古埃及浮雕和壁画的特点：1）正面律，表现人物头部为正侧面，眼为正面，肩为正面，腰部以下为正侧面；2）横带状排列结构，用水平线划分画面；3）根据人物尊卑安排比例大小和构图位置；4）填充法，画面充实，不留空白；5）固定的色彩程式，男子皮肤多为褐色，女子多为浅褐色和淡黄色，头发为蓝黑色，眼圈为黑色。

西方美术史学习论文(波提切利)

桑德罗·波提切利：形式之美与精神之美的统一苏莞琴景观一班100494 注意到波提切利是由于被他的名作——《春》所吸引。

远看这幅画，它色彩丰富却又和谐统一，近看时，画中人物恬静、安详而又略带由于的神情更是让人沉醉其中。

再看他其它的画作，发现这样的神情普遍存在于他的化作之中。

也许是因为文艺复兴时期理性的觉醒，人性的复苏，再经由他天才的发挥，便诞生出了这样一批不朽之作。

先从波提切利的生平说起。

他的出生于一个中产阶级家庭，原本学习手艺，之后才师从菲力浦·利皮学习绘画。

受雇于美第奇家族让他在政治上被保护，也使他有机会接触到佛罗伦萨的上流社会和文化名流，看到更加广阔的世界，也催生了他精雕细琢、富丽华美的艺术风格。

然而在美第奇家族被放逐之后，他追随宗教极端主义者萨沃纳罗拉，甚至烧毁自己的画作。

这也许造成了他最终在穷困潦倒中孤独辞世。

波提切利曾对达·芬奇说，画家可以通过把浸有颜料的海绵扔向画板来画风景，因此对景物的细致观察毫无意义。

波提切利没有像镜子一般再现自然，而是对之进行筛选和编辑，由此创造了一个更加完美的乌托邦。

他所注重的不是解剖学所分析出的，人的形体的表现。

波提切利比较注重线描。

他笔下诞生的人物比较平面化，而且人体的比例关系也于实际不同。

他画中的女性们比真实的人更加妩媚多姿，这得益于他的线条，以及他发源于心关于美的想象与表现。

与再现相比，波提切利更注重的是创造，这于文艺复兴时期人性的自觉有关。

同时，波提切利的匠心也让人折服。

不仅在《春》，众神的姿态可以引起人们无尽的联想，在他的其它画作中，波提切利的别具匠心也叫人叹为观止。

比如《诽谤》中，驴耳象征国王的昏庸，只听得进“无知”、“轻信”和“诽谤”对“无辜”的污蔑，华裳包裹着的是“背叛”、“虚伪”和“欺骗”（一说是“妒忌”和“仇恨”），而“真理”是一丝不挂的，显得朴素、自然，却只能无能为力地指向苍天。

这幅画寓意十分深刻。

它告诉人们，人间的一切罪恶都是用美丽的形象乔装打扮以欺骗人民的，统治者听信坏人之言，正直好人总是落难，而面对这一切，真理也是无能为力的，这就是社会现实。

西方美术鉴赏论文——浅谈印象画派

西方美术鉴赏论文——浅谈印象画派内容摘要：印象画派是十九世纪下半叶法国兴起的一个画派，是西方绘画史上划时代的艺术流派。

该派反对当时学院派的保守思想和表现手法，采取在户外阳光下直接描绘景物，追求光色变化中表现对象的整体感和氛围的创作方法，主张根据太阳光谱所呈现的赤橙黄绿青蓝紫七种色相去反映自然界的瞬间印象，一反过去宗教神话等主题内容和陈陈相因的灰褐色调，使欧洲绘画出现发挥光色原理加强表现力的新方法，对绘画技法的革新有很大影响。

关键词：印象派绘画现代绘画传统绘画内容：印象派绘画是西方绘画史上划时代的艺术流派，19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期莫奈《印象·日出》其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。

19世纪后半叶到20世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制。

印象派画家走出画室，深入原野、乡村、街头写生，力求真实地刻画自然。

借用“物体的色彩是由光的照射而产生的，物体的固有色是不存在的”这一最新的光学理论，印象派画家认为，景物在不同的光照条件下有不同的颜色，他们的使命便是忠实地刻画在变动不居的光照条件下的景物的“真实”，这种瞬间的真实不恰恰就是一种转瞬即逝的“印象”吗？而印象派画家把这种“瞬间”永恒地记录在了画布上。

一、印象派的构图印象派画家几乎都强调那种偶然一瞥，力求从一种全新的角度去审视对象，例如从晚会包厢里俯视舞台，从某一个角落侧视大厅，从头顶上仰视一群舞女，都是以前传统绘画里没有的。

传统艺术主要关注神话、战争和历史题材，讲究构图的舞台戏剧化效果，场面宏大富有文学性。

而印象派的构图突破旧的固有模式，多作架上小品，并根据自己的喜好和审美要求对画面构图进行随意剪裁。

这种似乎漫不经心的构图与传统的舞台样式的构图相比，要自然生动多了。

二、印象派的造型由于印象派画家重写生，重实践，他们大多在户外描绘外光和大自然的瞬息变化，常常在很短的时间内完成，笔触奔放而果断。

西方美术史论文1

灵魂的翅膀——雅典卫城2009级中国画系中国画专业关佳姗【内容摘要】一个充满智慧的城市，它所凝聚的建筑精神及美学概念，深深影响了人类社会数千年，至今仍是唯一的标榜。

【关键词】艺术灵魂精神奇迹典范【论文正文】希腊雅典卫城修建于公元前5世纪，是世界新七大奇迹之一。

集古希腊建筑与雕刻艺术之大成。

帕提农神庙是卫城中的主要建筑物，全部由白色大理石砌成。

公元前5世纪，在一些经济发达的城邦里，从平民中产生了工商奴隶主。

他们代表着当时先进的生产方式。

他们联合了以小农和小手工业者为主体的平民群众，进一步战胜了经营农业的贵族奴隶主，建立了城邦范围内的自由民民主制度。

这时候奴隶制并没有普及到生产的多数领域，小自耕农经济与独立手工业是古典社会全盛时期的经济基础。

小农和小手工业者在这些城邦里获得更加多的政治权利。

公元前5世纪上半叶，希腊人以高昂的英雄主义精神在一场生死攸关的艰险战争中，打败了实行专制制度的波斯的侵略，进入了古典主义时期。

民主政治、经济和文化都达到了光辉的高峰。

希腊建筑也在这时结出了最完美的果实。

作为全希腊的盟主，雅典城邦在古雅典全盛期领土面积约1600k㎡。

卫城笼着几分神秘安详之美，让人不由得闭上眼睛，与之开展一番心灵的对话。

整个卫城最吸引人也最震撼人的正是这一份历经苦难战乱洗礼却留存下来的最平静的精神。

那一根根屹立千年的石柱，摸去粗糙坚硬，叩之锵然有声，无言无语，却自有灵魂在内里跳舞。

卫城坐落在雅典城中央一个不大的孤立的山冈上，山冈面积约为4平方千米，山顶石灰石裸露，大致平坦，高于四周平地70～80m。

东西长约280m，南北最宽处130m。

古代希腊城市具有战时市民避难之处的功能，是由坚固的防护墙壁拱卫着的山冈城市。

坚固的城墙筑在四周。

自然的山体使人们只能从西侧登上卫城。

高地东面、南面和北面都是悬崖绝壁，地形十分险峻。

公元前1500年，这里是王宫所在地，从公元前800年开始，人们在这里兴建神庙等祭祀用的建筑物，使之成为雅典宗教活动的中心，并且逐渐于高地下形成城市。

西方美术史论文

从布勒格尔《盲人引导盲人的寓言》中看
尼德兰文艺复兴盛期绘画中的民族主义
姓名：苟晨露
院系：法学院
学号：**********
选课序号：377
【内容提要】在课程的学习中，尤其是老师在课堂上对于布勒格尔的作品进行诙谐幽默的分析后，布勒格尔作品背后的对于当时尼德兰社会的思考，引起了我极大的兴趣。本文首先梳理了布勒格尔创作时代的背景，之后以布勒格尔《盲人引导盲人的寓言》为例，深入细致分析了由画面中细节中蕴含的民族主义，最后对于尼德兰文艺复兴盛期绘画中的民族主义进行了总结。
33 3/4 x 60 5/8 inches (86 x 154 cm)，Galleria Nazionale, Rome
经考证，这幅画的构思来自尼德兰的谚语：“盲人为瞎子带路没有好下场”。4就当时的社会状况而言，我认为可以尝试着理解为，在反对西班牙殖民统治的过程中，必须十分重视引路者的作用，否则由“盲人”领导革命，后果将不堪设想。下面将逐一对于我自己展开联想和思考的各个具体部分进行分析。如图1
正如萨拉柯耐尓在《西方美术风格演变史》中所说：“在阿尔卑斯山以北，人文主义者强调个人改变自身命运的能力。这直接发展成攻击教士的权威，尤其是攻击由教皇制度造成的外国人支配权，这也是直接发展成清教徒既反对世俗社会也反对教士社会的腐败及热衷于名利的活动。”北欧文艺复兴盛期，以希罗尼穆斯鲍斯为开端，艺术家们采用讽刺的手段，借助夸张与可笑，获得了直接说教无法获得的效果。与鲍斯的悲观不同，布勒格尔在接受鲍斯影响的同时迅速形成了自己的独特风格，创作内容开始由风景转向带有讽刺性和道德说教的任务构图，采用更为贴近实际的画作内容来表现内心对于现实的思考。
一、布勒格尔创作时期的时代背景概述
总的来说，布勒格尔的创作时期正处在尼德兰革命的前后时期。比较可得，布勒格尔的大致生平约为1525-1569年，而著名的世界上第一次成功的资产阶级革命，即尼德兰革命爆发于1566年。据有限的资料显示，布勒格尔早年可能同其他许多北方画家一样在意大利游学，而大致在1553年回国。由此推之，画家应当在尼德兰区域内生活时间较长，对于尼德兰革命前西班牙统治引起的国内不满情绪和社会民族主义的崛起是深有感触的。