服装设计的历史

服装设计的历史一、现代服装设计背景（服装美学）1、服装与古代艺术在传统的艺术体系中，人们谈到的“艺术”主要是至：建筑、雕刻、绘画、音乐、诗歌、舞蹈和戏剧。

服装只被认为是艺术表现内容的一份方面。

黑格尔认为：艺术对服装的影响存在着一种情况——当服装适合于所表现的人物时，艺术当然可以直接地利用（主要指希腊服饰表现出的古典艺术美）；而近代艺术作品中的服装样式应该既具有时代的特色，又要有一种比较持久的典型。

这里提出的“时代特色”非常重要，服装最根本的特点就是它的适时性，同一定时代的风尚、心灵状态相适应。

2、服装与现代艺术现代艺术与古典艺术的区别犹如现代时装与传统服装的区别。

传统服装是较为稳定的，象征着某种道德、宗教意义，古典艺术意味着具有和谐、对成、完整、鲜明等形式法则，并要表达高贵、伟大、永恒的意义。

这种区别也相当于波德莱尔所说的现代性与古典性的区别。

波德莱尔认为：现代性就是过度、短暂、偶然，就是艺术的一半，另一半是永恒和不变，成为古典性。

据此理解，任何艺术都具有两重性：现代性和古典性的统一。

正是对于传统美概念的修正，服饰才进入美学考察的视野。

服装史“时间打在我们感觉上的印记”，它集中表现了“现实美”的特性，换而言之，服装由于它的随时变化成为不仅包括在现代艺术中而且包括在古典艺术中的现代性最典型的表现。

时装被安妮霍兰德看做是一种现代艺术，因为它与其它现代艺术的形式一样，在央视上的变化过程充分显示了现代艺术的主体思想。

现代服装具有的偶然性、无意识性以及由此而来的不可控制性使它与传统服饰区别开来。

二、现代服装设计的六个时代1、现代时装的开端1900-1909在现代时装设计出现之前，欧美上层社会的妇女穿着由讲究的裁缝精心制作的服装。

形势基本一样，包括紧凑的上身部分，宽大的裙子，强调胸部，臀部突出，小腹平直，衣领高耸，加上帽子的夸张和帽上复杂而庞大的鸵鸟毛装饰，形成所谓的S形服装式样，由于上身极为紧凑，而下部裙子宽大，也称为A形服装。

整个设计的核心内涵就在于紧贴的身体，必须有紧身衣或紧身马甲，这种当时社会崇尚的方式使得女性穿着模式化、标准化。

19世纪末叶，女性要求参与社会活动的呼声越来越高，而紧身胸衣为核心的服装却妨碍了她们的参与，因此对于服装设计改革的诉求越来越强烈。

从改良女性服装的设计，到完全抛弃S形或A形服装，把服装设计的核心放到强调女性身体本身的优美上，导致服装设计的转折性革命，催生了现代的时装。

在19、20世纪之交，两个专门设计“高级服装”的设计师捷克·杜塞（Jacques Doucet）革的新一代妇女（自由派）希望摆脱传统，摆脱紧身胸衣和马甲。

也正因她们的需求，才促成了保罗·波烈这样开拓新时代、新风尚的时装设计师的出现。

【代表设计师与作品】保罗·波烈（Paul Poiret）——第一个时装设计家出生于法国巴黎。

曾经受雇于捷克·杜塞的工作室，在20世纪初建立了自己的工作室。

他曾经说:“时装需要一个独裁者”，他自认自己受天命，应该担任这个位置。

从19世纪末到20世纪初，波烈在服装设计上发挥了他的天赋，并且逐渐成为其中的佼佼者。

波烈则将妇女从压抑、不舒服的紧身胸衣里解放出来，以化腐朽为神奇的本领推翻了紧身胸衣的长期垄断，启发了设计师，也启发了女性。

并且于1910年推出了喇叭裙，进而创作了新的时装，开创了时装的时代，成为时装设计的第一人。

【希腊风格礼服】1906年推出了具有希腊风格的礼服，其设计打破了以S形曲线为主流的趋势。

此后，他设计的时装将腰围线提高至胸围下，裙长只及踝骨处。

这种将腰围线提高的时装被人们戏称为“帝政线条”。

他的时装设计的重点是：从夸张造作的不自然线条，转移到了展现女性自然美的一面。

这个设计改变了以往将腰围线作为支点的紧身胸衣、裙撑式风格，把服装整体的支点提高到了肩部。

这这种轻松自由的服饰风格在当时引起了轰动。

这款时装去掉了紧身衣，表现了女性丰满的胸部线条和纤细的腰部线条，外观造型接近于直线，整体感觉令人联想到远古的希腊女神，以及一个世纪前的服装所具有的悬垂褶裥美。

这种革命性的设计，在20世纪初对时装界造成了旋风般的影响。

波烈为人们带来了新鲜的美感享受，并且引导了这个世纪的时尚潮流。

以其对时装界的贡献来说，可以把保罗·波烈的设计媲美于毕加索对艺术的贡献。

他的设计不需要女性的腰身承受钢丝架的重量，服装款式趋向简洁、宽松。

设计中多采用高腰直线形的线条来呈现女性的体态美，不不仅将服装结构的腰线进行提升，而且刻意提高了胸部结构的位置，衣领也越开越地，使服装与传统的造型结构截然不同。

与那些旧式的女装相比，波烈的服装使女性看起来朴素、年轻和温柔。

轻盈而简化的服装强调的是身体极度的自由和人体自身的美。

他不仅是第一位将女性从紧身胸衣中解放出来的设计师，也是将女性从矫揉造作的S形曲线中彻底解脱出来的开拓者。

因此，西方服装史学家们称保罗·波烈为简化造型的“20世纪第一人”。

【天鹅绒裘皮大衣】波烈于1911年设计的这组天鹅裘皮大衣，明显地受到了法国野兽派画家拉乌尔·杜婓（Raoul Dufy）的影响，带给人们强烈的视觉冲击力。

设计中，以象牙白的天鹅绒作为主面料，将布朗高山山羊毛皮用来装点大衣的领围、袖口部位，在腰间配以黄金搭扣作为装饰。

面料上大胆采用块面印刷图案，试图用图案和色彩来折射人们神奇的想象力，以对待物象形体的观念来刺激人们的眼球。

波烈的服装以形体构成为主，所有的形象都被几何形化。

作品中裘皮的使用，向人们展示了20世纪初期新东方主义盛行的时代，皮革已占据了举足轻重的地位，并且作为一种身份与财富的象征被延续了下来，进而成为时装界的主流之一。

无论是春夏秋冬，无论是出于何种目的，裘皮都是最炫目的一道风景线。

在视觉上，给人以立体构成分析性的构图效果，这种丰富的图案配上简洁的服装款式，将东方情调发挥得淋漓尽致。

【“一千零一夜”礼服】一战前，服装界的主流的追求异国情调。

波烈受到俄罗斯芭蕾舞服装的启发，设计的这款服装一改过去沉闷、中规中矩的造型结构，向着轻松简洁的装饰风格迈进。

直线形裙装和宽松裤相结合，造型上是人体摆脱了过多的束缚，从中可以看出，直线A形裙重新占据了统治地位，而增添整体细节的修饰是这款服装的主要特点。

面料采用洛佩兹绿色的丝绸纱布，在上衣上缝缀蓝色、银色、珊瑚、粉红色以及绿松石等来进行装饰，使服装整体色彩趋于丰富，并且绚丽夺目。

艳丽、豪华的东方色调，为作品增加了神秘感；而珠宝的镶嵌将作品衬托得美轮美奂；再配以穆斯林样式头巾，并插上羽毛作为装饰，使东方情调发挥到了极致。

2、身体的解放 1910-1919在这10年之中，妇女在穿着上努力达到三个形象：天真纯洁的小女孩形象，勇于牺牲自我的生母形象，严厉的荡妇形象。

这三个母的构成了当时时装和化妆的设计焦点。

3、“女男孩”时代 1920-1929从1920年到世界经济大衰退开始的1929年的这10年，在时装设计发展上具有相当重要的意义。

这个时期法国时装上出现男性化的设计趋向，多少世代以来，女性的服装的重点是突出女性的特征，而在这个时期，女性服装反而以突出男性化为设计的中心，可以说是相当的离经叛道，与传统有极大的差距，而作为时装业的成熟，也是在这个时期出现，那就是可可·夏奈尔作为最重要的时装设计大师在这个时期奠定了自己的事业的基础，并且把这个行业作为一个大型企业在世界推广，建立自己产品系列的品牌，具有明确的设计宗旨和原则。

她首先提出男性对于女性的性的欣赏立场不应该作为女性服装设计的考虑中心，女性自己的舒适、感受才应该是中心，这样，第一次从女性自身，而不是从男性的角度来设计服装，使时装设计走上了一个更高的阶段，在时装发展史中具有重要影响和作用。

当时流行的是夸张繁复的风格，比如，时髦的女性都喜欢在自己的帽子上插上花朵、羽毛或者水果，因此她们的脑袋上仿佛顶着一个个花篮、鸟窝和水果篮子。

另外，长长的裙子完全可以充当扫帚。

香奈儿很清楚，这种服饰会把自己瘦小的身形完全吃掉。

为了彰显她修长的脖子与苗条的身材，她为自己制作简约的服装，比如，把拖地长裙改成了及膝短裙、小套装等等；并舍弃了又高又宽，缀满羽毛和花的笨重帽子，改为简约小巧的样式。

她还毫不留情地指出大帽子的丑陋：“带那种帽子的脑袋怎么会有用？”用今天的话说，她认为只有脑残的人才会这么打扮。

令人意想不到的是，新式帽子一经问世，就吸引了社交界的知名美女。

她们对这种简约明快的风格大感意外和赞赏，纷纷向她订购新式帽子；其他设计师也开始效仿她的式样。

1910 年，她的店铺在巴黎的康蓬街开张，明星与时尚女士们纷至沓来。

香奈儿在把传统帽子赶出历史舞台的同时，也把那些繁复累赘的服装挤到墙角。

当时绝大多数名牌时装都有凸起的胸线、高腰；而且长度到脚踝，压根就是穿在身上的监狱。

香奈儿无视社会舆论，开始挑战传统，不仅用男装的布料与线条制作女装，还革命性地为女性服装款式设计的具体实施中有平面造型和动态变化造型的特点。

服装的立体意识和款式由平面转化为立体的造型实践，是服装结构设计教学的基本原则。

运用立体思维活跃的造型，揭示出服装细部的形状、各部位的吻合关系、研究整体与局部的组合形态，是课程教学的基本特征。

服装造型结合人体形态，适应于人们的各种活动。

对有软雕塑之称的高级时装、晚礼服时装、艺术表演时装而言，它们虽形态优美，裁剪却难以琢磨：仅仅采用平面展开的造型方法，往往很难达到理想效果，只用立体裁剪方法又缺乏想象力。

设计制做这种服装时，运用立体裁剪与结构设计并行效果较好。

服装被称为“流动的雕塑”，而雕塑又被比喻是凝固了的音乐。

结构设计师应该同雕塑艺术家那样，运用立体思维进行创作，即在身形架或真人身上直进行立体造型和量裁制版，运用立裁与打版技巧相结合的手法创造出丰富多彩的服装造型。

现代服装结构设计，多运用立体思维对效果图进行审视和对款式造型外观进行分析，深刻理解款式的立体构形关系，认真研究款式造型所赋予服装的艺术风格，深入理解服装结构与人体曲面的关系。

它一般分艺术造型与技术造型两部分。

前者运用服装三维空间概念和形式美的法则及造型手段对款式设计进行添加、削减、重复、省略、夸张、变形，通过立体的想象做出其透视结构，最终在造型上符合款式设计的要求。

后者是通过结构展开和特技工艺流程，根据服装款式设计的需要，类似一边操作、一边修改，使在平面效果中较难处理的服装凹凸、褶皱、曲线、浪势和复杂的线条在结构设计中得到充分的表现。

在服装款式设计中经常出现这样的情况，服装效果图阶段完成得很好，但做出的服装却与设想相差甚远。

出现这种情况的主要原因，是设计者缺乏立体意识及从平面转化为立体的训练经验，在结构设计中没有把思维引向服装所表现出的空间审美特征上，束缚了设计想象。