当代的艺术创作观念及解释方式研究
艺术真理现代性批判法兰克福学派艺术理论和现代性批判研究
综上所述，艺术真理和现代性批判是两个相互关联而又不同的概念。艺术真 理反映了艺术的本质和价值，而现代性批判则为艺术提供了新的视角和思考。在 当今社会，我们需要更加深入地思考艺术与现代性的关系，如何在保持艺术的原 创性和独立性的发挥艺术在人类社会中的积极作用。只有这样，我们才能更好地 理解和欣赏艺术，更好地推动艺术的繁荣和发展。
艺术批评家们也在思考艺术与现代性的关系。他们通过分析艺术作品中的主 题、形式和技巧，揭示了艺术作品中所包含的现代性要素。例如，批评家们可能 会分析艺术作品中如何呈现了科技的影响、大众文化的现象以及社会不平等的问 题。通过这样的批评，他们旨在推动人们对现代社会的种种问题进行深入的思考 和理解。
总的来说，艺术、真理与现代性之间的关系是复杂而多维的。法兰克福学派 的艺术理论家和艺术家们对现代性进行了深入的批判，并从不同的角度阐述了艺 术在现代社会中的作用。然而，尽管这些理论家和艺术家们的观点为我们提供了 宝贵的洞见，但每个人对艺术、真理和现代性的理解仍然可能存在差异。
同时，该理论也提醒我们，真正的现代性建构不仅需要技术和经济的进步， 更需要文化、道德和精神层面的提升。
结语
总的来说，法兰克福学派社会批判理论在当代中国现代性建构中具有重要的 作用和价值。该理论为中国社会的现代化进程提供了有益的理论借鉴，也为中国 社会的未来发展提供了重要的启示。当然，对于这一理论的运用也需要保持清醒 的反思，毕竟每个时代和社会都有其独特的问题和发展路径。因此，我们需要借 助法兰克福学派社会批判理论的智慧，更加深入地反思和探索当代中国现代性建 构的道路。
尽管法兰克福学派文化批判理论为人们提供了独特的视角和有价值的见解， 但也存在一些不足之处。首先，该理论过于强调现代社会的否定性，对文化的积 极作用和人们的主体性地位缺乏足够的认识。其次，法兰克福学派未能充分到不 同国家和地区的文化差异以及文化资本、文化身份、文化政治等问题，这使得其 理论在解释具体社会现象时存在一定局限性。
从“二元对立思维”看当代草原题材的绘画创作
201作者简介：孙佳（1982— ），女，汉族，内蒙古巴彦淖尔人。
主要研究方向：美术学。
课题项目：河套学院校级课题“从二元对立思维看当代草原题材的绘画创作”（项目编号：HYSY201727）。
在西方经典哲学中，二元对立思维极具代表性且影响深远，一般观点认为这一思想是从古希腊时代开始的。
它经历了从古希腊的柏拉图、亚里士多德，到笛卡尔、黑格尔、马克思，似乎在循着一条进化的道路向前发展。
而这其中典型的二元论者是17世纪法国哲学家R.笛卡尔，他认为世界上存在两种绝对不同的实体——灵和物（精神和物质），精神的本质在于思想，物质的本质在于广延；二者的本质不能互换，不能决定、不能派生，不能由一个决定或派生另一个，彼此完全独立。
笛卡儿的二元论建立在世界具有精神和物质两个独立的本原的基础上，其哲学思维方式即是典型的“非此即彼、非彼即此”的二元对立方式。
从笛卡儿到黑格尔莫不如是。
黑格尔虽然试图通过“实体就是主体”的命题去克服主客分立，建构辩证的两极矛盾观取代二元分立。
他强调任何事物都是由相互对立、相互统一的矛盾组成。
矛盾又是由相互对立、相互统一的两方面组成。
事物的发展变化正是基于对立的矛盾双方不断斗争的结果。
一、“二元对立思维”看当代草原题材绘画创作西方近代“哲学思维方式的基本特点是从主客、心物、灵肉、无有等二元分立出发运用理性来构建形而上学的体系” 。
所谓二元对立思维是指相反的两个方面之间的关系纯然为对抗和对立，丝毫不存在统一和转化。
其最显著的特征是非此即彼的二元分离。
这样一种二元对立的文化观念和思维形式也是古代艺术创作的典型主题。
而二元对立思维的艺术规律也无时无刻不影响着当代以草原题材为创作对象的艺术家。
以妥木斯、朝戈等为代表的蒙古族画家试图回归蒙古民族的古老信仰传统，创作出一系列优秀的作品，如妥木斯的《两匹马》、朝戈的《西部》等，在这些作品中，都是两个形象的组合，彼此之间或是一高一矮，或是一动一静，那么这些作品是怎样彰显的蒙古民族传统的二元对立思想的？是否也属于蒙古传统思维在当今的一种现实反映？妥木斯先生是我国当代著名的油画大师,少数民族艺术家,美术教育家,是内蒙古美术界的领军人物。
艺术创作的辩题
艺术创作的辩题正方，艺术创作是一种表达情感和思想的方式，对个体和社会都具有重要意义。
首先，艺术创作可以帮助个体表达内心的情感和思想，让人们通过作品感受到作者的情感和思想。
例如，文学作品《红楼梦》通过作者的笔墨，展现了丰富的人物内心世界和情感，引起了读者的共鸣。
其次，艺术创作对社会也有积极影响，它可以激发人们的思考和启发创新。
比如，莫扎特的音乐作品激发了无数音乐家的创作灵感，推动了音乐的发展。
因此，艺术创作是一种有益于个体和社会的活动。
反方，艺术创作虽然有其积极意义，但也存在一定的局限性。
首先，艺术创作往往是建立在个体主观情感和思想基础上的，因此作品的表达往往是片面的和主观的。
例如，一些抽象艺术作品可能只能被少数人理解和欣赏，而对大多数人来说，它们只是一些难以理解的涂鸦。
其次，艺术创作的意义和影响也很难被量化和衡量。
虽然艺术作品可以激发人们的思考和启发创新，但它们对社会的具体影响很难被准确地测量。
因此，艺术创作的意义和价值往往是主观的和模糊的。
正方，虽然艺术创作有其局限性，但其积极意义是不可否认的。
正如莎士比亚所说，“艺术是镜子，它可以反映出人类的内心世界。
”艺术作品可以帮助人们认识自己，理解他人，增进人与人之间的情感交流。
同时，艺术作品也可以激发人们的创造力和想象力，推动社会的发展和进步。
因此，艺术创作是一种有益于个体和社会的活动，其意义和价值是不可忽视的。
反方，尽管艺术创作有其积极意义，但其局限性也不容忽视。
正如尼采所说，“艺术是谎言的真实。
”艺术作品往往是建立在虚构和夸张的基础上，它们并不是客观真实的反映。
因此，艺术创作的表达往往是片面的和主观的，很难成为客观的参考。
同时，艺术作品的意义和影响也很难被准确地衡量，它们对社会的具体影响很难被准确地测量。
因此，艺术创作的意义和价值往往是主观的和模糊的。
综上所述，艺术创作虽然有其局限性，但其积极意义是不可否认的。
正方认为，艺术创作可以帮助个体表达内心的情感和思想，对社会也具有积极影响。
当代玉雕艺术创作中数字技术的应用研究
5随着科技的飞速发展，数字技术已经渗透到各个领域，传统手工雕刻技艺也逐渐受到数字技术的影响。
数字技术的应用不仅提高了玉雕艺术创作的效率，还为艺术家提供了更多的设计和创作的可能性。
本文探讨数字技术在当代玉雕艺术创作中的应用，如何将传统工艺与现代技术相结合，为玉雕艺术创作开辟新的可能性。
一、数字技术在当代玉雕艺术创作中的意义在当代玉雕艺术创作中，通过对建模软件和CNC技术应用分析，可以有效提高玉雕艺术创作的效率和质量，并为玉雕艺术家提供新的创作方法和技术，帮助他们更好地将传统工艺与现代技术相结合，实现艺术创新。
数字技术的运用引起了艺术观念与语言形式的革命。
新的工具、新的处理方式为玉雕艺术创作提供了更广阔的空间，对于创作者个人情感、观念、艺术风格的传达和探究，数字玉雕在提高制作效率、制作精度方面已经显现出强大的优势。
通过分析数字技术在玉雕艺术创作中的应用，为玉雕艺术的发展提供理论依据和实践指导。
玉雕艺术创作是一项传统手工技艺，种种原因共同作用之下，致使中国玉雕艺术同质化严重，以至于业内和评价体系一直呼吁促进传统工艺与现代技术的融合。
探讨数字技术对玉雕艺术市场的影响，探讨数字技术为玉雕艺术的推广和销售提供的新思路和新方法，探讨如何将传统玉雕工艺与现代数字技术相结合以实现艺术创新，这些都有助于玉雕技艺的传承，同时也能为玉雕艺术的发展注入新的活力。
数字技术的应用可以帮助玉雕艺术创作在更多领域得到应用。
例如，数字技术可以帮助艺术家更好地进行定制设计，满足不同客户的需求，从而拓展玉雕艺术的市场。
除此之外，数字技术也将大大促进玉雕艺术教育和玉雕艺术产业的发展。
主要分为两个部分：一是提高艺术家与技术人员的交流与合作。
通过研究数字技术在玉雕艺术创作中的应用，可以促进艺术家与技术人员之间的交流与合作。
这将有助于双方更好地理解彼此的需求和优势，共同推动玉雕艺术创作的发展。
二是丰富玉雕艺术的表现形式。
数字技术的应用可以为玉雕艺术创作提供更多的表现形式，使其更加多元化。
当代艺术创作之新实践研究
当代艺术创作之新实践研究一、前言当代艺术是指当代社会中产生的绘画、雕塑、装置、影像、行为、概念等各种艺术作品，随着社会变化和不断创新的发展，当代艺术也在不断地发展和变革。
本文旨在探讨当代艺术创作之新实践研究。
二、当代艺术的发展历程当代艺术的起源可以追溯到20世纪初，当时的欧洲艺术界涌现出一批前卫艺术家，他们试图摆脱传统艺术的束缚，以全新的方式表现艺术。
这些艺术家的创作成果让人们目睹了一场前所未有的艺术革命，新的思潮、新的技术和新的思维方式被引入到了艺术中。
随着时代的变迁，当代艺术也得到了广泛的发展和创新。
20世纪末期以来，随着互联网的普及，数字艺术、虚拟现实等新的艺术形式也逐渐涌现，在当代艺术领域掀起了一场新的创意革命。
三、当代艺术的新实践1.数字艺术数字艺术是一种新兴的艺术形式，它以计算机技术为工具，创造出一种全新的艺术形式。
数字艺术的创作方式包括三维建模、3D打印、虚拟现实、计算机图像、交互设计等，这些技术使得数字艺术家可以使用虚拟现实技术创造出一个全新的三维虚拟空间，让观众在其中自由游走，感受到不同的艺术体验。
2.后现代主义后现代主义是一种思潮，是对现代主义的反叛和超越，强调在文化中具有多样性和相对主义的价值观念，关注个体、情感、欲望和在历史上成为主流的所有那些东西。
后现代主义的艺术家喜欢在艺术创作中运用不同的语境和元素，试图打破沉闷的艺术规则，创造一个充满活力和多元化的艺术空间。
3.社会批判在当代艺术中，越来越多的艺术家将艺术与社会批判相结合，关注社会问题。
这种关注社会问题的艺术形式被称为社会批判艺术。
社会批判艺术家利用自己的作品表达对社会现实的关注和批判，通过批判现实的弊端来探讨更好的社会发展路径。
四、结论当代艺术面临的挑战是不断创新的需要。
在数字时代，当代艺术的发展顺应了社会的发展趋势，将革命性的艺术形式推到最高峰。
当代艺术家对于诸如多样性、自由、探索、反叛等观念的坚持，为当代艺术的发展提供了广阔的空间，更加贴合当代人的审美需求，能够让人们更加奇思妙想，获得更加愉悦和丰富的审美体验。
篆刻当随时代——试从中国篆刻艺术创作的方向看篆刻艺术的现代性
85内容提要：中国篆刻艺术是以汉字的篆书为基础文字，以印材为载体，以篆法、章法、刀法为创作要素，表现文字美、线条美、构图美、刀法美、意象美的造型艺术创作[1]。
从中国篆刻艺术创作的方向看篆刻艺术的现代性，必须回归传统，也即篆刻艺术的古代属性上。
坚持传统的印式和印感，同时借鉴和接纳中西方艺术的有益成分，以古观今，印启未来。
关键词：篆刻；现代性；篆刻批评；篆刻审美一、中国篆刻艺术的创作取向的现代性从1980年代开始，篆刻创作有意识地逐渐脱离其实用性，而逐步以篆刻自己独特的面目呈现出来，成为一门单独的艺术门类。
在继承古玺、秦汉、流派印的传统过程中，不断地探索，不断地更新创作观念、审美个性，国内外各个地区篆刻的交流，使篆刻创作的现代性得以充分发挥，印人的聪明才智和才华，在篆刻创作中淋漓尽致地体现出来。
分述 如下：（一）审美理念与创作观念的现代性当代不断变化中的、多元化的文化形态，决定了主体的创作心态和思维方式也必须跟着同步转换。
其实从事篆刻的大多数人，对现代的艺术理论一般都很少关注，思维方式大多还是传统的认识论。
观念的转型，直接关系到创作手段的选择和形式构成。
实现观念的转型，需要主体有历史的意识、敏锐的眼光、开放的心态、科学的思维方式和对形式独特的敏感等。
现代的篆刻创作审美理念是基于图像学的，“即在分析和把握艺术作品的可视形式的基础上追求这种形式是美的”。
这种审美理念不仅生发于明清的审美“印如其人”，而且与当代“点线面及组合关系”的审美相结合，形成两极分化：一是婉转流美、工整精严、精益求精的工稳极致；一是回归自然、恣情肆性、天真放逸的写意极致。
写意印线条并不是毛笔的意趣，也不是刀法的意趣，而是两者的结合，谁主谁从当以艺术效果为第一要求。
“线条的力度主要是取决于两端和转折处，方易薄，圆易肿，浑圆之间增其厚度方为妙。
印刻得深浅因人而宜，浅则浑厚，深则劲俏，浅刻变化多，模仿不容易。
无论深浅，刀笔角度要统一。
为了追求印面的美感，可以打破排迭；为追求金石美，则不必打破排迭；印面中的平衡是相对的，险峻是永恒的要求。
中国古代神话故事与当代艺术创作的对比与阐释
对未来研究的展望
01
深入研究中国古代神话故事的文化内涵和艺术价值，挖掘其更多的创 作灵感和可能性。
02
鼓励当代艺术家在创作中融入中国古代神话故事元素，通过艺术手段 展现中华文化的魅力和精神内涵。
03
加强中国古代神话故事与当代艺术创作的跨学科研究，探索二者在文 化传承、艺术创新和审美体验等方面的更多契合点和交融之处。
敬畏和改造自然的愿望。
夸父逐日
夸父族首领想要把太阳摘下，放 到人的心里。每天向西方追赶太 阳，最终因干渴而死，体现了古 代人民探索自然、征服自然的强
烈愿望和顽强意志。
精卫填海
炎帝的女儿精卫因游东海溺死， 灵魂化为精卫鸟，常衔西山木石 填东海，体现了古代人民不畏艰
难、奋斗不止的精神。
神话故事的文化内涵
生动的角色形象
古代神话故事中的人物形象鲜明、生动，如嫦娥、后羿、精卫等，这些 角色为当代艺术创作提供了丰富的角色原型和塑造空间。
03
奇幻的故事情节
古代神话故事情节奇特、充满想象力，如夸父逐日、女娲补天等，这些
情节为当代艺术创作提供了独特的视角和表现方式。
艺术风格与表现手法的借鉴
传统绘画技法的运用
古代神话故事中的场景和人物描绘为当代艺术家提供了借鉴传统绘画技法的机会，如工笔画、水墨画等技法在表现神 话故事时具有独特的艺术魅力。
04
中国古代神话故事与当代艺 术创作的对比
创作背景与动机的对比
中国古代神话故事
产生于远古时代，是人们对自然现象和社会现象的解释和想象，寄托着对美好 生活的向往和追求。
当代艺术创作
产生于现代社会，是艺术家对现实生活的感悟和表达，旨在探索人类内心世界 和外在世界的关系。
表现形式与手法的对比
中国方式的当代艺术实践研究——以蔡国强艺术创作为例的开题报告
中国方式的当代艺术实践研究——以蔡国强艺术创作为例的开题报告一、研究背景及意义在当代艺术的发展历程中，中国艺术家们以自己独特的方式进行创作实践，如今中国艺术已然成为当代艺术的主要组成部分，其思想、价值观以及社会文化因素所影响的艺术创作也成为了研究的热点。
因此，本课题旨在通过对中国当代艺术家蔡国强的艺术实践进行分析和研究，探讨中国当代艺术创作的特点以及中国社会文化因素在艺术创作中的体现，为当代艺术研究提供新的视角和角度。
二、研究内容和方法本课题以蔡国强为例，重点研究他的艺术创作活动和艺术思想体系，分析其创作过程的思维、原则、手段和实现形式，并通过对其影响和贡献进行综合评价。
基于以上研究内容，本课题将采用文献分析和案例研究方法，整理蔡国强的作品和相关文献资料，引用相关理论和研究成果，得出研究结论。
三、预期研究成果本研究预计可得出以下成果：1. 分析蔡国强艺术创作思想的内在特点和体系，探索中国艺术家的创作风格和审美趣味特征，梳理并总结出中国现代艺术创作的当地文化特色。
2. 通过案例分析，探究蔡国强艺术创作的社会文化背景和对中国社会变革的响应，阐述中国当代艺术创作对于现代化进程和文化认同的影响，把个体艺术家的创造性思维与社会变革、文化传承相结合。
3. 通过对中国当代艺术的分析，总结出中国当代艺术走向国际舞台的主要特点并研究其影响。
四、研究难点与挑战中国当代艺术主要存在以下难点和挑战：1. 地域性和文化差异的问题，中国当代艺术在国内外的传播和接受上存在一定的障碍，文化差异和语言障碍限制了中国当代艺术家的海外交流和展示。
2. 图像与语言的融合问题，中国当代艺术注重视觉效果，但受观念和思想的影响，有些重要的作品在语言表达上很难准确传达出来。
3. 艺术市场的问题，中国当代艺术的商业化趋势和市场化运作，对艺术家的无形压力，有些作品和创作可能会受到市场的导向，艺术作品的价值被商业化所替换。
以上难点和挑战，本课题将在研究过程中积极探讨，寻找解决方法和措施，以期为中国当代艺术走向国际化提供思路和支持。
侘寂美学的界定-定义说明解析
侘寂美学的界定-概述说明以及解释1.引言1.1 概述侘寂美学，作为日本传统美学思想的重要分支之一，源于日本茶道和枯山水等艺术形式的独特观念。
它强调平淡、简洁、朴素的美，并对自然和人类的关系提出了独到的见解。
侘寂美学注重对生命、时间以及物质的转化与衰败的觉察，通过此种觉察诠释并追寻着一种超越常规的美的境界。
侘寂美学的核心思想在于追求“侘寂”之美。
侘即平凡、朴素、简单之意，它不追求华丽、浮华的外在表现，而是通过简单与平凡的材料和形式，寻求内在的深远意义。
寂即安静、静谧、平和之意，它强调对自然与人之间的和谐关系的感知和体验，追求宁静和内心的宁静。
侘寂美学在于给人一种全新的审美体验，通过它人们可以在平凡中发现美、在朴素中感受真善美。
与传统的美学思想相比，侘寂美学更加注重对细节的关注，追求个体的独特之美，通过简约和不完整来唤起人们更多的联想和思考，以此来激发人们的审美感知和情感共鸣。
本文将旨在对侘寂美学进行全面的界定和解析，通过对其起源、定义以及特征的分析，为读者提供一个系统而准确的概述。
在结论部分，我们将对侘寂美学的价值评估进行讨论，探索它在现代社会中的应用以及未来的发展方向。
通过本文的研究，我们期望能够更好地理解侘寂美学的精髓，并在实际生活中更好地运用和体验它所传达的美的意境。
1.2 文章结构文章结构本文将按照以下结构展开对侘寂美学的界定和探讨。
首先，引言部分将对本文的概述、文章结构、目的进行说明和总结。
接下来，正文部分将从侘寂美学的起源、定义和特征三个方面进行详细阐述。
最后，结论部分将对侘寂美学的价值评估、在现代社会中的应用以及未来发展方向进行总结和展望。
通过以上结构的安排，本文将全面介绍侘寂美学的概念和内涵。
首先，我们将回顾侘寂美学的起源，探究其形成和发展的历程，以便更好地理解侘寂美学的背景和基础。
接着，我们将给出侘寂美学的定义，对其基本概念和主要特点进行详细解释，以便读者对侘寂美学有一个清晰的认识。
艺术创作辩论辩题
艺术创作辩论辩题正方，艺术创作是一种表达个人情感和思想的方式，它能够激发人们的情感共鸣，启发人们的思维，因此艺术创作是非常重要的。
首先，艺术创作可以帮助人们表达内心的情感和思想。
通过绘画、音乐、文学等形式的艺术创作，人们可以将自己的情感和思想以独特的方式表达出来，这有助于释放情感、缓解压力，同时也能够让他人了解到艺术家的内心世界。
其次，艺术创作能够激发人们的情感共鸣。
许多经典的艺术作品都能够触动人们的内心，引起共鸣，让人们感受到作者的情感和思想，从而产生共鸣和情感交流。
最后，艺术创作可以启发人们的思维。
许多艺术作品都蕴含着深刻的思想和哲理，通过欣赏这些作品，人们可以得到启发，拓展自己的思维，提升自己的艺术修养。
反方，艺术创作虽然重要，但并不是唯一的表达方式。
首先，艺术创作并非所有人都能够做到，对于一些缺乏艺术天赋的人来说，其他形式的表达可能更加适合他们。
其次，艺术创作的表达方式受到限制，有时候艺术作品的表达并不直接，观众需要通过解读才能理解作者的意图，这可能会造成误解。
最后，艺术创作并不是唯一能够激发人们情感共鸣和启发思维的方式，文学、电影、音乐等形式也能够产生类似的效果。
在这个辩题中，我认为艺术创作是非常重要的。
正如卡尔·拉尔森所说，“艺术是人类精神生活的重要组成部分，是人类情感和思想的表达方式。
”艺术创作不仅可以帮助人们表达自己的情感和思想，还能够激发人们的情感共鸣，启发人们的思维。
例如，莫奈的《睡莲》系列作品通过对自然景观的描绘，表达了他对自然的热爱和对生命的思考，观赏者在欣赏这些作品时也能够感受到这种情感共鸣。
因此，我认为艺术创作是非常重要的，它能够丰富人们的精神世界，激发人们的情感共鸣，启发人们的思维。
如何评价当代艺术中的装置艺术形式
如何评价当代艺术中的装置艺术形式一、引言装置艺术，作为一种独特的艺术形式，起源于20世纪中叶，它超越了传统的二维画作和雕塑，将空间、环境与观众互动纳入艺术创作的核心。
这种艺术形式不仅包含了艺术家的观念表达，更强调了作品与周围环境的对话，以及观众在感知艺术时的参与感。
1.1 装置艺术的定义与起源装置艺术，顾名思义，是指艺术家在特定的空间内布置和构建的艺术作品，这些作品可以是任何物质，从日常物品到高科技设备。
装置艺术的定义强调了其临时性和现场性，往往与展览场地紧密相连，一旦移除或改变环境，其意义和效果可能大打折扣。
起源上，装置艺术可以追溯到杜尚的“现成品”概念，以及20世纪50年代的环境艺术和60年代的大地艺术。
1.2 现代艺术语境下的装置艺术：挑战与创新在现代艺术的语境下，装置艺术面临着新的挑战与创新机遇。
一方面，随着科技的发展，艺术家可以利用更多元的技术手段，如数字媒体、虚拟现实等，创造出更为震撼和沉浸式的艺术体验。
另一方面，装置艺术也开始对社会问题进行深度探讨，如环保、身份认同、城市化等，使得艺术与社会议题的关联更为紧密。
同时，观众的角色也发生了变化，他们不再仅仅是观赏者，而是成为了艺术作品不可或缺的一部分，通过互动参与，实现了艺术与公众的共享对话。
这种创新不仅丰富了艺术的表现手法，也推动了艺术的社会功能和影响力。
二、装置艺术的形式特征与传统艺术的碰撞装置艺术，作为一种新兴的艺术形式，以其独特的创新性和对空间、材料和技术的探索，与传统艺术产生了深远的对话和碰撞。
这种碰撞不仅体现在艺术表现手法上，更在于对艺术定义的拓宽和深化。
2.1 空间的介入：从二维到三维的转变传统艺术往往局限于二维平面，如绘画和版画。
而装置艺术则突破了这一限制，将艺术创作带入三维空间。
艺术家通过雕塑、建筑甚至环境设计的方式，让观众能够全方位、多角度地体验作品，使艺术与观者产生更为直观和互动的关系。
这种空间的介入，让艺术作品不再只是视觉的欣赏，而是成为了一个可以走进、感受和参与的空间体验。
对于艺术这个词的理解
对于艺术这个词的理解对于艺术这个词的理解：用形象来反映现实但比现实有典型性的社会意识形态，包括文学、绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电影、曲艺等。
2.指富有创造性的方式。
例如：领导艺术。
3.形状独特而美观的。
对于艺术，通常可以从三个层面来认识。
第一是从精神层面，把艺术看作是文化的一个领域或文化价值的一种形态，把它与宗教、哲学、伦理等并列。
第二是从活动过程的层面来认识艺术，认为艺术就是艺术家的自我表现、创造活动，或对现实的模仿活动。
第三是从活动结果层面，认为艺术就是艺术品，强调艺术的客观存在。
一般认为，艺术是人们把握现实世界的一种方式，艺术活动是人们以直觉的、整体的方式把握客观对象，并在此基础上以象征性符号形式创造某种艺术形象的精神性实践活动。
它最终以艺术品的形式出现，这种艺术品既有艺术家对客观世界的认识和反映，也有艺术家本人的情感、理想和价值观等主体性因素，它是一种精神产品。
艺术与其它意识形态的区别在于它的审美价值，这是它的最主要、最基本的特征。
艺术家通过艺术创作来表现和传达自己的审美感受和审美理想，欣赏者通过艺术欣赏来获得美感，并满足自己的审美需要。
除审美价值外，艺术还具有其它社会功能，如认识功能，教育和陶冶功能，娱乐功能等。
其中艺术的社会功能是人们通过艺术活动而认识自然、认识社会、认识历史、了解人生，它不同于科学的认识功能。
艺术的教育功能是人们通过艺术活动，受到真、善、美的熏陶和感染，而潜移默化地引起思想感情、人生态度、价值观念等的深刻变化，它不同于道德教育。
艺术的娱乐观念是人们通过艺术活动而满足审美需要，获得精神享受和审美愉悦，它不同于生理快感。
艺术的种类繁多，根据不同的分类标准，可将艺术分为以下一些类型：依据艺术形象的存在方式，艺术可分为时间艺术、空间艺术和时空艺术。
美术是一种空间艺术。
依据艺术形象的审美方式，艺术可分为听觉艺术、视觉艺术和视听艺术。
美术是一种视觉艺术。
依据艺术的物化形式，艺术可分为动态艺术和静态艺术。
看待当代艺术的审美趋势及方法
看待当代艺术的审美趋势及方法当代艺术是一个充满争议和复杂的领域。
作为现代社会中文化现象的一部分，艺术反映了时代和文化的变迁。
随着社会变革的步伐加快，当代艺术也发生了很大的变化。
审美趋势和方法，成为当代艺术的一个重要话题。
一、审美趋势1、多元化的表现手法当代艺术表现手法非常丰富多样。
绘画、雕塑、摄影、装置、电影、音乐、舞蹈等等，各种艺术形式相互渗透和影响，许多新兴艺术形式层出不穷。
当代艺术的表现手法多元化，让艺术家表现出自己的创造力。
2、社会性的主题当代艺术的主题多关注社会现实问题和当代人类价值观的转变。
很多作品反映了社会的压力、工业化、城市化、全球化、资本化、个人自由等关键议题，向人们展现了当代人类的生活和情感体验。
3、激进性的形式在对于传统的艺术形式的挑战中，当代艺术具有激进的形式和创造性。
艺术家们愿意突破传统的审美观念和观点，打破常规的表现方式。
从而在艺术追求和表达上更具创造性和多样性。
二、审美方法1、自我主张艺术家应该具备自我主张的能力。
每位艺术家都应该有自己的理念和深刻的理解。
他们需要以自己独特的方式记述他们的艺术观念和追求，并通过自己的作品表现出来。
2、对历史的深刻理解当代艺术是以被先驱者们拓展的道路为基础的。
因此，了解和研究艺术发展的历史，对于当代艺术家及其判断艺术标准和创作方向是非常重要的。
可以通过理解、研究和吸收艺术大师的经验和教训来增强自己的创作力和技能。
3、严格的学术研究艺术是精神领域的一种表达方式，需要艺术家掌握的广泛的学术知识。
这样他们可以从文化、历史、哲学、心理学、社会学和经济学等角度来探究艺术的内涵和技巧，才能更好地驾驭自己的创作演绎。
三、结尾当代艺术的审美趋势和方法是多样化和创新化的。
虽然在创作和研究中，艺术家们会被绑定在单一的审美标准上，他们需要发掘自己的创造力和个性，用自己的艺术语言来挖掘和表达美。
当代艺术是一个充满了多种元素的艺术形式，应该以多样和包容的态度来看待和欣赏。
浅谈当代艺术和人类学
浅谈当代艺术和人类学在许多人的观念里，艺术人类学只是一门研究原始艺术或少数民族艺术的学问，本人认为这是一种误导。
作为艺术人类学的研究来说，其研究视野和眼光相对于一般的艺术学研究来说，更关注的是艺术的全球性和全人类性。
如果用这样的观点来认识艺术人类学的话，艺术人类学是一门跨学科的学术研究视野，一种认识人类文化和人类艺术的视角。
从人类学的角度来研究艺术和看待艺术，是伴随着人类学研究的开始就开始的。
以往的世界艺术史往往总是从古埃及艺术、美索不达米亚艺术、占希腊艺术、古罗马艺术开始的。
这些都是人类进入了有文字记载以后的艺术，是属于新石器时期的农耕艺术。
但艺术人类学却提醒人们，可不可以将眼光放得更久远一点，从旧石器的狩猎艺术和采集艺术开始。
从远古时代开始，在没有充分的物质条件允许下，人类靠着仅有的打制出来石器和天然生成的树叶，开始创作音乐艺术，并从肢体上慢慢的发展变化成为行为艺术，人类社会的艺术开始萌芽，并用当时用来吃饭时候用的勺子、树干、碗和锅当成乐器来演奏和娱乐，只是当时的人类并没有意识到这正是我们现代所说的“创作”。
在古老的文明和较初级的社会组织中，任何装饰都不会是唯美的，不会是仅仅提供欣赏和娱乐的。
它足和人们的宗教文化、政治经济、生产技术、生活方式紧密相连的。
图腾艺术产生的社会基础足以狩猎为主采集为辅的生产方式。
直至旧石器晚期，图腾文化仍然是人类的丰要的文化体系。
在这样的文化体系中，为了将人和四周的自然联系在一起，人们常在动植物中寻找自已的亲属，甚至祖先。
为此，图腾崇拜就成为这一文化的有代表性的象征，而图腾也就成为一个氏族的标志或图徽。
这些民族大多数都有文身的习俗。
文身艺术是原始土著民族的最要艺术形式之一。
这种文身的习俗，不仅仅是一种装饰，或者是一种地位的标志和社会等级中身份的象征，在里面还包括了充满精神和道德含义的信息。
在原始人文身的艺术中，脸是一定要加以装饰的，只有通过装饰的途径，脸才获得其社会的尊严和神秘的意义。
浅谈中国观念摄影的当代艺术特征
154文学·艺术《名家名作》·研究聂嘉俊［摘 要］ 1839年，摄影术诞生，为世界带来新的艺术形式，而中国摄影术是1842年随着鸦片战争而传入中国的。
20世纪90年代后，随着摄影技术和当代艺术的发展和传播，出现了当代摄影艺术，即观念摄影。
随着摄影艺术的不断发展，摄影不仅仅用于记录与叙述现实，从当代艺术的特征出发也可以以摄影作为载体来进行观念摄影艺术创作。
中国当代艺术的普及，使中国观念摄影作品成为中国当代艺术的一个重要分支。
［关 键 词］观念摄影；当代艺术；艺术价值浅谈中国观念摄影的当代艺术特征一、观念摄影的概念及代表人物摄影艺术自从诞生以来，其是否从属于艺术这一问题便一直有争议，在伦敦皇家学院推出的“摄影的艺术”摄影展上，艺术机构初步把摄影定义为艺术，而观念摄影比较有争议，不同的人有不同的看法。
（一）中国概念的提出观念摄影在中国也有许多的叫法，例如概念摄影、实验摄影、前卫摄影等。
总的来说，观念摄影从概念上讲是以摄影作为载体来进行观念摄影艺术创作，实质是艺术家的创作理念在创作载体上的一种体现，是不同于艺术创作的创作手段。
观念摄影一词最早出现在中国是在1997年由岛子举办的“新影像：概念摄影艺术展”上，之后在1998年，朱琦策划了“影像差异：中国新概念摄影艺术展”。
因为这两个展览都使用了“概念摄影”这个名称，所以这个名称长期以来成为这类作品的参照。
从1997年到1998年的两年间，以摄影为艺术载体的观念艺术正式开始以观念摄影的名称进入先锋艺术评测的范畴，1999年前后，观念摄影获得国际认可，前卫画廊和艺术家把观念摄影纳入销售渠道。
中国观念摄影师逐渐成为国际前卫摄影展和大型国际艺术展中的一员。
要想体现观念的表达，就必须围绕人这个意识的主体，而观念摄影就可以很好地提供创作主题：时间与空间、过去与现在、物质与意识等哲学体系的探讨，它可以涉及很广阔的领域，充分发挥人的想象。
物质决定意识，艺术家通过创作自己的观念摄影作品来获得更多的创作灵感。
艺术概论名词解释
艺术概论名词解释艺术概论是指对艺术的基本概念、原理、流派、风格、发展趋势等进行系统阐述和分析的学科，旨在帮助人们深入理解和欣赏艺术作品。
以下是几个常见艺术概念的简要解释。
1. 艺术：艺术是指以审美意义为目的，通过创造性的方式表达思想、情感和想法的活动。
艺术的形式包括绘画、雕塑、音乐、戏剧、文学等多个领域。
2. 美学：美学是研究美、审美以及与之相关的艺术哲学的学科。
它探讨美的定义、美的标准以及艺术与审美经验之间的关系。
3. 创造力：创造力是指人类在思维、想象和表达方面的独特能力。
它涉及到独立思考、发掘新颖思路以及将想法转化为具体表达形式的能力。
4. 流派：流派指艺术作品在某一特定时期或地区中所呈现的共同特征和风格。
不同的流派代表了不同的艺术传统和创作观念。
5. 风格：风格是指艺术家在创作中所表现出的独特特点和个人风格。
它涵盖了创作方法、形式和表现手法等方面。
6. 抽象艺术：抽象艺术是指摈弃对客观事物的描绘和模拟，通过形式、色彩、线条等元素的独立运用，追求形式和结构的表达和美感的艺术形式。
7. 印象主义：印象主义是19世纪末期在法国兴起的一种艺术流派，强调对光线和色彩变化的感受和表现，追求瞬间的印象和氛围的再现。
8. 极简主义：极简主义是20世纪后期兴起的一种艺术风格，以简洁、庄重、纯粹为特征，强调艺术作品的构造和形式的直接表达。
9. 肖像画：肖像画是以特定人物为对象，通过绘画等艺术形式来表现和描绘人物形象、性格和精神特质的艺术形式。
10. 当代艺术：当代艺术是指现代艺术的延续和发展，主要指20世纪末期至今的艺术作品和创作方式，涵盖了多种形式和媒介。
以上只是对一些常见艺术概念的简要解释，艺术概论涉及的内容非常广泛，对于深入理解和研究艺术，对比各种观点和理论具有重要的指导作用。
通过学习艺术概论，可以丰富我们对艺术的认知，提高我们的审美素养，进一步欣赏和理解各种艺术形式。
当代油画创作中中国传统元素的应用探讨
当代油画创作中中国传统元素的应用探讨中国传统文化源远流长，历史悠久，其中蕴含着丰富的艺术元素。
在当代艺术创作中，中国传统元素的应用已经成为一个备受关注的话题。
作为当代艺术形式之一的油画，也不例外地受到了中国传统文化的影响与借鉴。
本文将探讨在当代油画创作中，中国传统元素的应用，以及这种应用所带来的意义与影响。
中国传统文化中的元素包罗万象，其中包括绘画、书法、音乐、舞蹈、建筑等多个方面。
在当代油画创作中，中国传统绘画元素的应用可以说是最为突出的。
传统绘画的笔墨、构图、意境都为当代艺术家提供了丰富的启发与借鉴。
传统绘画中的写意、工笔、山水、花鸟等题材都可以在当代油画作品中找到对应的影子。
一些艺术家甚至将中国传统绘画的技法与油画的材料相结合，创作出独具中国风格的当代油画作品。
在当代油画创作中，中国传统元素的应用不仅仅是单纯地进行技法上的借鉴，更重要的是在精神层面上的传承与创新。
中国传统文化的精髓是其丰富的内涵和深厚的思想。
在当代油画创作中，艺术家们往往通过运用中国传统元素，表达出自己对于生活、历史、文化的思考与感悟。
这种传统元素的应用使得当代油画作品更具有内涵与深度，更能够引起观者对于中国传统文化的关注与思考。
值得一提的是，中国传统元素的应用也为当代油画带来了更为广阔的国际视野。
随着全球化的发展，中国文化也在国际舞台上展现出了前所未有的影响力。
当代油画艺术家通过运用中国传统元素，不仅仅是在传承与发展中国传统文化，更是在向世界展示中国文化的魅力与特色。
这种文化输出也为中国当代油画在国际市场上的发展提供了有力支持，使得中国当代油画作品更受国际市场的青睐与关注。
中国传统元素在当代油画创作中的应用也带来了一些挑战与问题。
首先是如何平衡传统元素与现代表达之间的关系。
中国传统文化虽然源远流长，但是其形式与表达方式毕竟与当代艺术有一定的差异。
如何将中国传统元素进行合理的转化与创新，使其更符合当代观众的审美需求，是一个亟待解决的问题。
当代艺术文献综述【范本模板】
美国社会学家萨拉·桑顿对艺术市场研究颇感兴趣，层访问了3000名艺术相关中作者,并著作出《艺术世界中的七天》[7]“艺术界存在六种占支配地位的角色,分别是艺术家、艺术品交易商、策展人、评论家、收藏家和拍卖师。有些业内人士身兼二职，即是艺术家又是评论家，或者既是艺术品交易商又是收藏家。这些业内人士承认她们的这种双重身份不好把握，因为两种身份有时候会出现矛盾，有时会相互影响。在艺术界，最难达到的是成功的艺术家活着叫做可信任的艺术家的位置,但主宰艺术界的是艺术交易商,他们支配、引导着另外物种角色,控制他们的步伐。
法国评论家尼古拉斯·伯瑞奥德因其,曾说[6］“在艺术场域中最为活跃的部分，就是以交往,共处和关系等想法而进展的。至于20世纪90年代的艺术，伴随着互动科技的飞速发展,艺术家探索着社交性与互动性的秘密。这十年来艺术的理论与创作的界限，很大程度建立在交际关系的世界里。因此，里而克里特·蒂拉瓦尼贾,菲利普·帕雷诺，卡斯滕·赫勒，亨利·邦德，道格拉斯·戈登或皮埃尔·于热的展览，他们都尝试建立足以产生人际关系的社会性样式，就像是一座山可以专为占有者克制化地“生产”用途的建筑。"
（2)，对于当代艺术市场来说：当代艺术除了自身的问题以外还有市场的影响，就国际艺术市场的大环境下看，中国的当代艺术市场的拍卖额已经跻身于世界仅次于美国的第二位，这样的情况作为当代艺术的领导者不得不沉思，为什么如此高的市场地位，而中国的当代艺术却如此普通，当代艺术学者刘艳红在其论文中提到了作者对艺术市场的看法［4］“当代艺术不能一味的以市场标杆代替那些真正有意义的艺术探索，中国当代艺术需要几本的判断和基本的学术评判。在世界艺术史上的艺术品不一定买的最贵就是最好的艺术品，接受美讲的一切艺术史都是艺术接受的历史的观点还是很有道理的。”目前，艺术和市场已经分不开了,但是如何改变艺术依附于市场这个现状，调整艺术和市场的比例问题,是我们身为艺术工作者值得深思的问题。除了提高艺术自身的价值性外，对普罗大众的当代艺术教育也是至关重要的，从思维上改变贵就是好的艺术，加强对艺术史和艺术基本的评判的学习。
中西融合艺术观研究
中西融合艺术观研究随着全球化进程的不断加速，中西文化交流日益频繁，中西文化的融合也成为了当代艺术的一个重要趋势。
中西融合艺术观是指在文化思想、艺术风格等方面，将中西文化元素进行交融、融合创新，形成一种独特的艺术观念。
本文将通过对中西融合艺术观的探讨，分析其在当代艺术中的应用和意义。
一、中西融合艺术观的历史渊源中西融合艺术观的历史可以追溯到上个世纪初。
在那个时代，西方现代主义艺术思潮对中国艺术产生了深远的影响，许多中国艺术家开始吸收西方艺术的创作理念和技法，形成了新的艺术观念。
与此西方艺术家也对中国传统文化产生了浓厚的兴趣，开始融合中西文化元素进行创作。
中西融合艺术观可以说是在这一历史背景下逐渐形成并发展起来的。
二、中西融合艺术观的特点1. 跨文化对话：中西融合艺术观的一个显著特点是跨文化对话。
艺术家在进行创作时，不再局限于单一的文化传统，而是积极地进行中西文化的对话和交流，吸取两种文化的精华，形成新的艺术形式和风格。
2. 综合性和包容性：中西融合艺术观不仅在形式上进行融合，更重要的是在思想与观念的融合。
艺术家们试图将中西文化的精华融合到自己的创作中，并且展现了较强的包容性，接纳了不同文化传统中的各种元素。
3. 创新性和实践性：中西融合艺术观鼓励艺术家在实践中不断探索，以创新的方式表现中西文化的交融。
他们展现了强烈的创造力和实验精神，积极地探索新的艺术表现形式和技术手段。
三、中西融合艺术观在当代艺术中的应用1. 绘画领域：在绘画领域，许多艺术家将中国传统绘画技法与西方绘画技法相融合，创作出独具特色的作品。
中国画与油画的结合，水墨画与西方素描的结合等等，形成了一种别具一格的绘画风格。
2. 雕塑领域：在雕塑领域，一些艺术家也尝试将中国传统雕塑形式与西方雕塑技法相结合，创作出具有中西融合特色的雕塑作品。
这些作品既传承了传统文化的特点，又展现了现代艺术的创新精神。
3. 当代艺术表现形式：当代艺术的表现形式也受到中西融合艺术观的影响，许多当代艺术家在其作品中融入了中西文化元素，表现出更加多样化的艺术风格和形式。
艺术史论中的艺术创作与身体观念
艺术史论中的艺术创作与身体观念艺术史论作为对艺术发展以及艺术创作的研究，涉及到众多方面的内容。
其中一个关键的主题是艺术创作与身体观念的关系。
本文将通过探讨不同艺术时期对身体观念的理解以及对艺术创作的影响，以及一些艺术家在其作品中表达身体观念的方式，来深入研究这一主题。
1. 古代艺术中的身体观念在古代艺术中，身体被视为艺术创作的主要对象和表达媒介。
例如，在古希腊艺术中，人体被描绘得非常完美和理想化，反映了古希腊人对人体之美的追求和仰慕。
此外，古埃及艺术中的身体描绘也非常注重比例和对称，体现了对身体完美的追求。
2. 文艺复兴时期的身体观念在文艺复兴时期，对人体的充分研究以及对古代艺术的回归使得身体观念在艺术创作中扮演了重要的角色。
大卫雕塑家米开朗基罗的《大卫》就是一个很好的例子。
这座雕像展示了一个完美无瑕的裸体男性，突出了人体的力量和气质。
3. 现代艺术中的身体观念现代艺术中的身体观念经历了一系列的变化。
一些艺术家开始关注身体的脆弱性和不完美之处。
例如，著名的墨索里尼雕塑《视觉脆弱性#6》中，艺术家通过展示一个全裸女性的身体来表达女性的脆弱性和社会期望对其身体的束缚。
4. 当代艺术中的身体观念在当代艺术中，艺术家进一步推动了身体观念的边界。
一些艺术家开始使用身体作为艺术表现的媒介，尝试将身体与艺术创作进行结合。
例如，著名行为艺术家玛丽娜·阿布拉莫维奇通过一系列表演艺术作品，将自己的身体置于极限的环境中，探索身体与精神之间的联系。
总结艺术史论中的艺术创作与身体观念密切相关。
不同艺术时期对身体的理解和表达方式展示了人们对身体之美的不同追求以及对身体的不同解读。
尽管艺术家对身体观念的理解和表达方式存在差异，但无论古代还是现代，身体在艺术创作中都扮演着至关重要的角色。
通过研究身体观念与艺术创作的关系，我们可以更好地理解和欣赏艺术作品，并且拓宽对身体的认知。
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当代的艺术创作观念及解释方式研究
作者：劳宜超
来源：《美术界》2016年第05期
[摘要]自杜尚把现成品作为艺术品之后，艺术的内涵和外延在不断地变换和扩大。
当代艺术在艺术自律线索中不断反观和超越自身，跨越了传统艺术已有的概念，打破了艺术与生活的界限，使艺术超越自身的感性形式，越来越走向观念、走向自身的终结。
对“艺术是什么”的本体论回答决定了艺术创作观念和思路，也决定了艺术形态。
[关键词]当代艺术；创作观念；抽象艺术；观念艺术
20世纪四五十年代，涌现了一批抽象表现主义绘画大师和艺术批评家，他们积极在抽象绘画的领域进行互动，以至于形成了区别于以往的理论总是与艺术创作现实脱节的情形。
但是在20世纪60年代之后，各种其他类型的艺术在这一时期出现了前所未有的大爆发。
抽象绘画的理论在面对这些新的艺术类型面前失去了理论的有效性，但是在激烈变化的现实面前，抽象绘画的危机变得难以回避。
这种危机在一些艺术理论家看来，恰恰是来自艺术内部的危机，艺术形式自律的法则在发展到了20世纪后期之后变得不再适用，于是另外一种解释系统即“艺术的终结”论也就产生了。
下面对于这种情形下造型艺术领域内出现的新类型及其艺术批评的观念进行简要评述。
一、艺术理念的消解与艺术的生活化
在抽象绘画把回归绘画艺术本体价值的主张在实践和理论领域进行积极探索的20世纪初期，一种反艺术的主张和观念也在悄悄的潜滋暗长。
1917年2月，马塞尔·杜尚把一小便器署上“R·Mutt”，送往纽约独立美术家协会美展厅，取名为《泉》，当时引起了强烈的反响。
他解释说：“一件普通生活用具，予以它新的标题，使人们从新的角度去看它，这样，它原有的实用意义就丧失殆尽，却获得了一个新内容。
”人们称此为“现成品艺术”。
自杜尚以后，“现成品”成了创造的一种方式，艺术与生活的界线开始消解。
杜尚的启示和意义也就在于他通过自己的人生向世人证明：“艺术没有什么了不起的，它不值得这样被我们推崇，艺术应该成为非艺术，我们应该无分别地对待人类的各种活动，这样我们就能够从自造的牢笼中走出来。
”作为艺术理念的革新者，杜尚所“嘲笑的不只是艺术的陈旧和拘泥，而是人类认识和对待世界的狭隘和刻板，这狭隘和刻板够他拿来笑话一辈子了”。
在经历了这一系列的对于艺术既有价值的解构性批判之后，艺术与非艺术、艺术与生活、艺术品与生活现成品之间的界限消解了，这一切，都建立在对于艺术既成观念的意义解构性分析的层面上。
艺术区别于其他存在的意义变得模糊和不确定，艺术之所以作为艺术的意义在一系列的追问中失去了其神秘的原发性意义。
于是艺术的观念消解了，其后的艺术史也变成了“不是艺术的艺术史”。
二、由抽象艺术走向观念艺术
在抽象绘画的发展历程中，对于艺术中精神性因素的强调是前所未有的，艺术创作者精神成为了构成作品的重要部分，通过纯粹的形式传达纯粹的思想成为了一个共有的指向。
但是在20世纪60年代之后，艺术演化成一种单纯体现艺术观念的行为。
艺术从传统带有技艺性的艺术实践中剥离，艺术成为了一种单纯的观念行为。
“他们拒绝用身体的物理属性来进行艺术体验，也拒绝用思维和情感进行艺术实践，而试图用一种抽象的观念来推演不同的存在现象。
”艺术的观念化不是一种突发奇想和艺术的规律特殊变异，其有着比较清晰的时间脉络和发展线索，“现当代艺术从拥有时代文化强势的西方开始，上世纪下半叶很大程度上离开手艺，走向观念化，它要求思想的技巧远甚于手艺上的技艺。
艺术的疆域被开拓，各种日常的行为、元素和形态被引入艺术工作。
”艺术在很大程度上沦为一种事件和对于事件的体验行为，抽象绘画阶段和之前的艺术品中的精神和外在的形式变得不可协调，在艺术创作中出现了许多精神大于形式或精神与形式分裂的文本。
艺术的观念化超越了艺术原有的既定概念，艺术的创作成为了一种缺乏艺术实际文本的纯粹观念行为，“观念艺术不仅取消了画面形象、色彩、结构等传统因素，而且也取消了绘画本身。
”绘画从反对主题、形象、叙事、图解性的历程中一直向前，直到发展成为消解自身价值的结果，于是在这种情形下，艺术的终结问题被提上探讨的日程。
三、艺术走向终结
20世纪的绘画艺术史就是一部不断创新、不断变化的历史。
在各领风骚数百年的艺术变革中，绘画艺术耗尽了其能够涉及的所有的探索，穷尽了其发展创新的各种可能性，打破了以前基本上所有的束缚，艺术无限制地扩大了其表现的领域。
贯穿黑格尔艺术进化观念的一个核心的词汇是精神。
在象征型艺术阶段即最原始艺术阶段，人们的精神显现没有找到更为贴切的形式来表现，于是将自然界中存在的或是人们推崇的对象加以艺术化处理，这时创造的形象基本是具有崇高风格的艺术品。
人们在社会早期不能确认本身的价值，只能服从于自然、敬畏自然，从自然的模仿中选取具有崇高性特征的对象来膜拜，这时候的艺术显现的是形式的伟大和精神性的渺小，此时的代表是金字塔。
在其后的发展中，这种象征型的艺术在形式上难以满足传达精神的需要，于是一种与精神相匹配的新的形式被引入艺术的形式之中，那就是古典型艺术。
古典型艺术相对完美地将形式与精神结合起来，达到了相对和谐的境界。
但是随着精神继续向无限、自由方向发展，精神最终必然会彻底突破有限的感性形式的束缚，浪漫艺术也要解体，艺术最终整个要让位给哲学，艺术的历史也就终结了。
对于艺术，“黑格尔所设定的最高职能，就是要把‘精神’从感性现象束缚里解脱出来。
”
丹托的艺术终结论的基础也是立足于历史的发展情境中进行考察。
在《艺术的终结》中丹托写道：“最近的艺术产品的一个特征就是关于艺术作品的理论接近于无穷，而作品的客体接近于零，结果在终点存在着纯粹形态的理论。
那么我们就可以说，艺术快要终结了。
”在理解这句话的层面上可以分为两种形式。
其一是艺术在通过形式自律的自我批判的层面上使得艺术走向了纯粹的观念，艺术成为了一种纯粹的观念，这也和黑格尔说的艺术要让位于哲学有着内在的一致性。
其二是艺术自有明确的历史记录以来一直到20世纪后半期的艺术实践，这个求
新求变的路程的确穷尽了关于艺术所有的想象，艺术在这种情形下只能是停留在原步，不能再有任何创新的可能。
艺术并没有退出历史的舞台以致于消失不见，只是作为创新的艺术不会出现了而已。
结语
总之，抽象表现主义之后的艺术理论随着艺术类型的革新出现了更多的可能性，既有的批评方式出现了话语失效的局面。
在这种情形下，新的艺术理论伴随着艺术的发展而出现，以艺术的生活化、艺术的观念化以及艺术走向终结为标志的新的艺术理论在这时具有了一定的适用性，随之而来的也出现了一些问题，正如艺术批评家沃尔夫所说：“到了这样一个艺术理论代替艺术客体的阶段，艺术进入了最后的航程，它在一个精细的螺旋里一步步上升着，它现在只剩下最后一个字格的自由，只剩下一个神经元的树状凸，最后便消失于它自己占有的微小的孔眼之中，终于变成了一种纯粹的艺术理论。
”。