西方歌剧的了解与认识

西方歌剧，“这是一种歌乐与器乐为主体，再加上舞蹈布景灯光科白而成之综合艺术”（见《音乐辞典》王沛纶编，乐语编363页Opera[意]歌剧条）。它起于十六世纪意大利佛罗伦斯为恢复古希腊文艺的知识阶层，希腊悲剧中的合唱极受重视。到了十七世纪的1637年，因专门的歌剧院出现，歌剧音乐得到较大的发展。十七世纪后叶，意大利拿波里歌剧音乐有了进一步的完善：扩大为三段体曲式，加强了朗诵调的伴奏，确立意大利式歌剧的“序曲”形式，完善乐队的组织（古典交响曲乐队），提倡喜歌剧等。拿波里歌剧受到法国重视，促成1669年巴黎皇家剧院的成立，不仅确立了“序曲”形式，而且确立了插入“芭蕾舞”作为歌剧的重要表现形式。到了十八世纪，歌剧于1774年又出现一次巨大的改革：葛路克铲除“美歌主义”积习，内容刍于厚重；莫扎特改革喜歌剧成功。真正确立了西方歌剧的地位和影响。现行的歌剧,共构成部分包含有序曲、间奏曲，合唱，唱重唱，独唱；主要角色的独唱，又分朗诵调，抒情调二种，前者是犹如朗诵，伴奏极为简单，后者倾诉情怀，具有强烈的表现能力。是世界人类文化的宝贵财富。

西方歌剧的表演，以自然生活为依据，除舞台方位由导演设计外，演员都根据自己的生活经历创造和设计自己的动作，并以与生活更为接近为其衡量标准，他们只要唱出了人物感情，就算完成了对角色的塑造。因此，角色演员对于其他表演的艺术手段需求不多，即使有，运用也较少。至于戏剧中需要的其他表现方法，则交由其他的演员来帮助完成。所以，在东方人的眼中，西方歌剧是“话剧加唱的戏剧”。

在西方世界里，对于表演艺术的规律的研究，已形成了若干成熟的理论，这就是著名的“斯坦尼斯拉夫斯基表演体系”与“布莱希特表演体系”的两大理论派别的研究。

斯坦尼斯拉夫斯基表演体系称自己是现实主义的表演体系。它追求艺术在表现时，虽忠实于自己表现的对象，演员要象角色中的人物那样具有真实的生活感受，演出时，须进入角色的内心世界去感受戏剧的发生、发展，俗话说，就是演啥子，就是啥子！因此，演员必须体验角色，深入生活，深入角色内心世界。这就是该体系追求的最高境界。这是现实主义的表演理论。它提出了对演员修养的若干问题，对从事艺术工作的艺术家们的自我修养，具有一定的理论指导意义。至今，仍有它的积极作用。但，在这种追求完全真实的理论下，戏剧舞台上就出现了逼真的场景，道具的现象，诸如，坦克车，大吊车之类的重型实物都被搬上舞台，造成舞台的臃肿和观众对剧情注意力的转移等等一些破坏艺术目的和效果的事件发生。

布莱希特表演体系的最大特点在他的“间离效果”理论的阐述上。他主张，演员表演的既是角色，又是本人自己。因此，他主张在表演中要跳出表演的舞台的限制，离间这个场景，站出来，从观众的角度来对待剧中所发生的事件和人物的反应。他的理论，开启了艺术舞台的新局面。使艺术表演的舞台，更能与观众交流对话。这理论剌激产生了后来许多派别的出现。但是此一理论的戏剧，往往容易产生噱头之类的副效果，引发“不严肃”、“不稳重”、“荒诞”的批评。不过，此理论确实在启发艺术家们开启智慧，寻求新的方法等方面起着积极的影响和作用。