音乐社会主义核心价值观教案我和我的祖国

第一单元

第6课时

社会主义核心价值观之歌教学设计

《社会主义核心价值观之歌》教学设计东方红学校刘世杰教学内容： 1、学唱《社会主义核心价值观之歌》 2、音乐知识：反复记号教学目标： 1、有感情演唱《社会主义核心价值观之歌》，唱准附点音符。 2、通过学唱《社会主义核心价值观之歌》歌曲，使学生深刻领悟社会主义核心价值观的内涵，懂得价值观的重要性，初步树立社会主义核心价值观。 3、懂得要从平时的一点一滴做起，用实际行动来体现社会主义核心价值观。教学重点：有感情演唱《社会主义核心价值观之歌》教学难点：领悟社会主义核心价值观的内涵，用实际行动来体现社会主义核心价值观。教具：电子琴，教学光盘教学过程：一、组织教学 1、师生音乐问好 2、建立课堂常规二、教授新课（一）学唱《社会主义核心价值观之歌》 1、了解社会主义核心价值观背景：党的十八大提出，倡导富强、民主、文明、和谐；倡导自由、平等、公正、法治；倡导爱国、敬业、诚信、友善，社会主义核心价值观。践行核心价值观不只是大人的事情，我们少先队员参与更重要，每一个微小的行动和力量都可以为实现我们伟大的中国梦做出贡献。

2、初听歌曲师：我们大家都能背诵24个字的社会主义核心价值观的内容，在此基础上编写创作了《社会主义核心价值观之歌》的歌曲。请大家先听一遍。找出你不理解的歌词。 3、理解歌词内容师：解释学生弄不懂的语句。 4、说一说少先队员应该怎样做才能实践社会主义价值观？ A、升国旗的时候，大声唱国歌，认真敬队礼就是爱国。 B、对老师有礼貌，给老人让座，遵守交通规则就是在践行文明准则。 C、不撒谎，勇于承认错误就是讲诚信。 D、帮助同学就是友善。 E、遵守学校的规章制度，不做违法的事就是法治。 F、知道好好学习好好锻炼，掌握本领就是少先队员的敬业。 4、学唱旋律（1）找出相同的旋律唱一唱。（2）学习休止符的唱法，连音线的唱法，反复记号的唱法。 5、填唱歌词 6、教师指导，鼓励生自信演唱。 7、找出唱不准确的地方重点指导。 8、完整演唱。 9、分组演唱，评价演唱效果。三、结束希望同学们用自己的实际行动来实现《社会主义核心价值观之歌》。

巴赫音乐创作及风格

“巴赫”在德语中的意思是“小溪”，但在广大古典音乐爱好者的眼中，这个名字更像是不可能被超越的高山，无法完全触及的海洋。约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（1685—1750）被认为是音乐史上最重要的作曲家之一，是欧洲音乐文化发展史中承前启后的关键人物，巴洛克时期音乐家的集中代表，被称为“不可超越的大师”，甚至被誉为“近代音乐之父”。 1685年，巴赫出生于德国中部的爱森纳赫，是几百年来巴赫音乐家族的第五代，基督信仰和音乐艺术，是这个家族给予巴赫的丰富产业，也是他日后达到艺术巅峰的有力支持和坚强保障。1700年入教堂唱诗班学习；1703-1708 年担任阿恩施塔特、米尔豪森教堂的管风琴师；1708-1717年担任魏玛公爵的宫廷管风琴师，后升为乐长；1717-1722年担任安哈尔特-克腾的宫廷乐长；1723-1750年担任莱比锡托马斯教堂的乐长。在莱比锡的27年是巴赫音乐创作最旺盛，作品艺术成就最高的时期。巴赫一生创作了大量优秀的器乐作品：古钢琴《平均律曲集》48首、6首《法国组曲》6首《英国组曲》以及晚年作品《赋格的艺术》；室内乐6首小提琴独奏奏鸣曲、6首大提琴独奏组曲、4首管弦乐组曲、6首《勃兰登堡协奏曲》（借鉴意大利大协奏曲的形式）等等。这些作品在一定程度上扭转了西方音乐史自中世纪以来，声乐处绝对主导地位的现象，使器乐作品创作有长足的进步，从而和声乐并驾齐驱，带进古典主义时期器乐音乐的繁荣。在宗教音乐领域，巴赫的作品更为丰富，管风琴作品《众赞歌前奏曲》大约170首；其中声乐作品康塔塔200多首（23首为世俗题材）和《马太受难曲》、《约翰受难曲》等充分展示了巴赫的音乐戏剧才能。其中《马太受难曲》是一部“具有深刻情感的壮丽的史诗般的戏剧”（强力推荐），是他的代表性作品。巴赫的宗教声乐作品一方面体现了他虔诚的新教信仰，另一方面也包含着从世俗人性观念出发对信仰的解释，其中所揭示的心理情感的深刻程度是同时代音乐家所不及的。巴赫的音乐创作与德国音乐艺术传统的紧密联系，德国管风琴音乐、新教的众赞歌是他艺术创作的基础。巴赫一生虽然没有离开过德国，但通过抄普学习的习惯，涉猎了当时许多其他国家的优秀音乐作品。在艺术创作上融合了意大利、法国各种体裁风格的艺术成就，并在在复调音乐中锤炼自己独特的音乐语言，强

幼儿教师民间音乐教育观念分析

幼儿教师民间音乐教育观念分析民间音乐的传承和保护已经成为社会各界关注的热点，本研究利用问卷旨在探讨幼儿教师关于民间音乐教育的观念，期翼能为深入有效地开展幼儿园民间音乐教育提供有益的思路一、问题的提出在我国璀璨丰富的文化艺术遗产宝库中，民间音乐占有很大比重。民间音乐对于儿童身体、审美、智慧、人格方面的发展都具有十分重要的意义。本研究拟通过问卷对教师的关于民间音乐教育的观念进行分析，描述教育活动背后的价值观、教学观，最后为深入有效地开展幼儿园民间音乐教育提供有益的思路。二、研究对象与工具本研究采用自编问卷《幼儿教师关于民间音乐教育的观念调查》，从态度动机、运用现状、教学方式三个维度进行调查，每个维度各包括9道题目。问卷编制完成后进行初测，信度为0.73，问卷信度较高。正式调查在上海、黄山、芜湖、合肥随机选取了100名幼儿教师作为研究样本。共发放问卷100份，回收92份，回收率92%，剔除无效问卷8份，运用SPSS17.0对所得数据进行分析。三、结果与分析（一）态度动机分析 1.态度分析调查表明，近96.74的幼儿教师喜欢民族民间音乐，近95.65%的参与者表示粗略了解本地的民间音乐，非常了解的仅占3.26%，近63.04%的参与者认为有必要或较有必要在幼儿园开展民间音乐教育。绝大多数教师认为开展民间音乐教育能够增强幼儿对本土文化的认同感，培育幼儿初步的民族意识；大多数教师认为有利于弘扬民族文化、还有家园合作。这说明教师对民间音乐的民族文化价值有较高认识，有继承弘扬民族文化的民族意识，同时也期盼能够建立其良好的外部保障体制，能够保证教师进行有效的民间音乐教育。 2.动机分析超过60.3%的调查参与者开展民间音乐教育的动机来自于一些外在因素，比如：幼儿园部要求、专家倡导、文化保护意识等，只有不到39.71%的调查者是因

为什么音乐学科将情感态度价值观作为三位目标的首位

为什么音乐学科将情感态度价值观作为三位目标的首位？情感态度价值观是音乐课程中的三维目标之一，在音乐教学中怎样贯彻三维目标、如何实现三维目标是我们音乐教师首要解决的问题。音乐课程中的三维目标，就是情感态度价值观、过程方法、知识技能。一般学科三维目标是知识技能、过程方法、情感态度价值观。“情感态度价值观”放在最后，而音乐却把“情感态度价值观”放在首位，主要是因为音乐是引起人情绪反应和情感体验的艺术。音乐学科是一门情感型学科，它是陶冶情操、涵养美感及最后人格的培养，包括爱国主义精神，都跟情感有关系，所以音乐主要的作用是在人的情感层面。在音乐学习中，讲到价值观，可以概括成两句话，一是按照所提供的中国母语文化，系统地学习中国的传统文化，尊重中国的传统文化，热爱中国的传统文化，同时也尊重世界各民族的这个音乐文化。二是这种音乐是世代相传的积淀下来的优秀的传统的音乐作品，不是当今的很多这个商品化的、商业化的流行音乐。这就叫价值取向。音乐的创作过程又是一个集体合作的过程，它包含了作曲家、演奏家、欣赏者。音乐的每一个部分都需要集体来完成，只有作曲家写在纸上，没人演奏，就不能成为音乐。所以，音乐在培养集体主义精神方面具有其他学科不可替代的作用。而在情感态度价值观的价值观方面，音乐也使人更能形成爱国主义和集体主义中的意识取向，当然也包括理解文化的多样性和尊重艺术等的价值取向。现代社会是一个包容而多元化的舞台，我们不能扼杀学生的音乐兴趣于萌芽中，不管他们喜欢什么，我们都要正确引导。众所周知，兴趣是学习的动力。对音乐持久的兴趣中，包括身心的健康，陶冶身心启迪智慧，人格的塑造等等，都是我们的终极目标，我们所做的一切也都要为达到这个目标服务。人生的发展，培养人对生活的乐观态度，包括人的一生当中音乐的伴随，其实都是在讲这样一个目标。因此，在音乐教学过程中要面向全体又要兼顾个体，要认真对待学生的学习热情、不要因为他不喜欢民歌就认为不是好学生。在学习了新课标后，对“丰富情感体验，培养良好的审美情趣和积极乐观的生活态度，促进身心的健康发展”有了新的认识，今后，要从纵向和横向的角度全面地认识和理解音乐课程目标，并把它渗透到每一堂音乐教学中去。

音乐教育的哲学基础

音乐教育的哲学基础音乐教育哲学基础的定位，关乎音乐课程价值、性质、基本理念、课程目标、课程内容及标准、课程实施等几乎是音乐课程的所有方面，可谓举足轻重。近百年来，我国中小学音乐课程秉承数千年中华文化的“乐教”传统，尊崇儒家“移风易俗莫善于乐”的思想，将“涵养美感，陶冶德性”（摘自1912年11月民国政府颁布的《小学校教则及课程表》第十条“唱歌要旨”）作为音乐教育的核心目标。百年间音乐教育的课程目标，虽然随着时代变迁和社会体制更迭有所变化而打上时代烙印，但以“涵养美感，陶冶德性”为课程价值基本取向的核心目标从未动摇。这一核心目标的本质，是中华民族朴素的“美育”思想。近20年来，随着国际音乐教育交流的频繁和便捷，20世纪后期及21世纪初期国外一些新的音乐教育理论、观点和发展潮流，经由不同渠道传入我国。一时间，有关音乐教育的哲学基础、课程核心目标和基本理念，呈现出众说纷纭，学派林立的景象。就音乐教育哲学基础而言，在学术界有较大影响的学说主要有：审美育人说创造力开发说音乐文化说多元文化认知说多样化的人类实践说全球视野说其中，审美育人说曾在较长时期均为中西方音乐教育所认同，进入现代社会后，随着其他多种音乐教育哲学理论的兴起，审美育人说在一些西方国家逐渐被边缘化，大有被音乐文化哲学取代的趋势。在这种理论思潮的背景下，“实验稿”中“以音乐审美为核心”的课程基本理念受到质疑和公开批评。批评的意见认为，这一理念的哲学基础（“审美说”）已经“过时”，“其认识论基础是反历史的”，提出应“将‘音乐作为文化’的音乐教育的文化哲学”取代“音乐审美哲学”，以“适应当今世界多元文化格局的多元文化音乐教育”（详见《中国音乐》2005年第四期第6-16页）。于是，音乐教育的哲学基础是什么？“标准”应如何进行音乐课程定位？还要不要坚持“以音乐审美为核心”的“课程基本理念”？这些问题，需在“标准”修订中给予正面回应。对于这一有争议的重大学术问题，“标准”修订组于2007年6月在青岛大学召开“音乐教育哲学基础”专题研讨会，邀集有关学者出席，深入探讨音乐“课

浅谈德彪西的音乐创作理念(一)

浅谈德彪西的音乐创作理念(一) 摘要：德彪西作为印象派音乐家不懈追求以实现的目标是：让音色具有广泛的艺术性含义，与旋律和声、节奏一样成为一种有效的音乐表现手段，而不仅仅作为一种物理现象。他试图用音乐作品来表现生动逼真的感觉世界，他不愿受传统规则的约束，这就要求他以一种全新的创作手法，来唤起人们想象中的世界。德彪西的印象派音乐，不仅仅是在音乐语言上和色彩上新的突破而创立了一种新的音乐风格，德彪西的音乐真正伟大之处是把这种独特的音乐语言和风格提高到了一个相当的艺术高度，使之成为音乐中堪与任何伟大作品媲美的可贵宝藏。关键词：德彪西；印象派；音乐创作20世纪新音乐的鲜明特征是印象派音乐，可以说印象派音乐的出现，从根本上第一次动摇了自17世纪以来至19世纪的传统大小调体系为本基发展起来的音乐格局。印象派音乐与德彪西的名字联系最为紧密，而且他的创作和实践也使20世纪的音乐真正有了划时代意义的开端。一、旋律的随意性和力求结构轮廓的模糊德彪西这种新的创作方式在旋律上表现为：对浪漫音乐习惯使用的旋律写法一贯是敬而远之，弃之不用。扩展、反复、模进、分裂，这些人们所熟悉的旋律发展模式在他的笔下变成一些短小、且不连贯的动机结合。二、在和声上，和弦功能被减弱，广泛应用色彩性的和弦德彪西音乐作品的成功，有一大半功绩归为和声手法的恰当适用，和声在德彪西的音乐中占有特殊的地位。他用和声来渲染气氛，变换色彩；用和声来组织乐曲结构，突出内涵。他不是以大小调作为构建和声的基础，而是将和声构筑在全音阶之上，这成为德彪西音乐中的一大特色。对音响效果的讲究使德彪西不断进行各种音列组合的尝试，如在各类和弦上加入附加音、非三度叠音和弦，全音阶和弦以及不协和和弦。三、在曲式结构上以表达他的音乐思想为原则德彪西音乐的曲式结构另辟蹊径。对传统的曲式原则与规范也大多不屑一顾，特别是对奏鸣曲式这种传统曲式中经典结构形式，他更表现出一幅冷漠的样子，似乎在他的音乐中根本不存在奏鸣曲式。德彪西具有对音乐结构整体把握能力，他有着大胆而又匀称，精确的结构思维方式，他的作品结构多以三部性为基础。四、在配器上充分挖掘和利用各种乐器所蕴藏的表现力正如印象派绘画追求色彩与光线在绘画中的重要作用一样，德彪西对音响与音色的兴趣，是基于他所要表现的各种瞬间的印象。作为印象派音乐大师，德彪西对庞大的管弦乐队编制，对乐器声部的完整组合和洪亮巨大的音响效果已经失去了兴趣。相反，他对管弦乐队中那些怪异、暗淡、轻柔的音响效果却极为推崇。因此在他的管弦乐队中，追求的是各种乐器在演奏中表现出新的音响效果手法和探索各种乐器不同组合产生的新的音乐表现方式。五、德彪西在音乐节奏方面也有很深的革新在德彪西的大部分作品中，都闪烁着他独特个性的光辉，也包容了他对人间一切美好事物的由衷赞颂。以德彪西为代表的印象派音乐，不仅仅是在音乐语言上和色彩上有了新的突破，而且他创立了一种新的音乐风格。德彪西的音乐真正伟大之处是把这种独特的音乐语言和风格提高到了一个相当的艺术高度，使之成为音乐中堪与任何伟大作品媲美的可贵宝藏。严格地说，以德彪西为主的印象派音乐作为一种创作手法存在已久，象征主义文学和印象主义绘画促成了他的繁荣。在浪漫主义时期，就有许多作曲家作品中带有某些印象派音乐风格的痕迹，钢琴诗人肖邦早已认志到色彩性音乐的重要性，挪威作曲家格里格那复杂、朦胧、富于色彩变幻的和声，也具有一定的印象主义风格。参考文献： 1]保罗霍尔姆斯.德彪西M].杨庭惠，译.南京：江苏人民出版社，1999.

奥尔夫音乐教育理念及其特点.

一、世界三大著名学校音乐教育体系： 1、达尔克罗兹音乐教育体系：（1865年---1950年）著名的瑞士作曲家、音乐教育家爱弥儿﹒雅克﹒达尔克罗兹，创立了20世纪最早的音乐教育体系。其体系的核心是“体态律动”。（1）所谓体态律动教学是从音乐本身入手，先让学习者聆听音乐，再引导他们通过身体运动去接触音乐的各种要素。体态律动教学把人体变成了一个能够理解音乐的要求、能够解释和表现音乐的乐器。通过这件人体乐器展示了音乐的核心要素，又通过学习者的内心听觉和情感强化了音乐的艺术性质。（2）体态律动的教学目的：培养学生对于节奏韵律的直觉

本能、对音乐情绪和表现的感受、对运动平衡的感觉、以及培养有规律的运动神经习惯和训练有节奏的心理。体态律动打开了音乐教育实践的一个新的领域。 2、柯达伊音乐教育体系：柯达伊·左尔坦（1882---1967）是20 世纪在国际上享有盛誉的匈牙利作曲家、民族音乐理论家、音乐教育家。以他的名字命名的“柯达伊教学法”是当今世界上影响深远的教育体系之一。其主要教育手段与内容：（1）民族音乐在教学中占有突出重要的地位。（2）以歌唱作为音乐教育的主要手段。（3）以首调唱名体系培养全面的音乐能力。二、奥尔夫音乐教育体系

（一）什么是奥尔夫音乐教育体系奥尔夫音乐教育是德国作曲家、指挥家、音乐教育家奥尔夫先生创立的一种音乐教育体系。它是当今世界最具创造力的音乐教育体系之一。奧尔夫将创造力称作他的教育理念的灵魂。并为挖掘、发展人类生而具有的探索、创造精神创立了一套科学而丰富多彩地教学方法。（二）奥尔夫教育理念及其特点 1、奥尔夫本人简介：（1）卡尔·奥尔夫（Carl Orff 1895----1982年），德国现代最著名的作曲家、教育家、指挥家。（2）在他的童年充满了音乐、诗歌、文学、戏剧的熏陶，这也为他日后在音乐戏剧和舞台音乐奠定了坚实的

我和我的祖国简谱

我和我的祖国简谱《我和我的祖国》的词作者是张黎。其作品远比他的名字传播更久。他早年是沈阳音乐学院

教师、吉林省作协专业作家。翻开上世纪七八十年代有名的《战地新歌》（集体署名），里面就有他的词作《红太阳照边疆》、《延边人民热爱毛主席》、《党的光辉照延边》，以后人们耳熟能详的《鼓浪屿之歌》、《亚洲雄风》、《篱笆墙的影子》等，也都是他的作品。张黎1932年出生在大连一个较富裕的家庭，少儿时受喜爱音乐的哥哥的影响。但快乐童年是短暂的，在日本殖民统治下，他受到屈辱和惊吓，有一次还差点被日本兵打死，以至一段时间听到“日本鬼子”几个字就哇哇大哭。12岁时家道中落……16岁参加解放军后，成为一名文艺兵，并进入东北鲁艺学习。那些年，也是他无忧无虑、热烈而快活的日子。但从25岁起就被打成右派，在没完没了的批斗检讨、下放改造中艰难度日，就是写作也不能署名……这种日子长达20年！直到1979年才到了北京，成为中央民族乐团创作室创作员、国家一级编导、中国音乐文学会副主席。尽管人生坎坷，但张黎对祖国的挚爱丝毫未改、歌唱“最亲爱的祖国”的追求也始终不变。特殊的人生经历，也是一首悲喜交加的悠长的“歌”，使得张黎潜移默化、积思蓄愤，养成了鲜明的个性。他的创作天赋和才华之火从未泯灭，一直苦苦追求、终生不悔……这些都促进了他的艺术灵性升华和堪称杰出的创作。《我和我的祖国》的作曲是秦咏城，1933生。曾任辽宁歌剧院创作员，辽宁乐团副团长，沈阳音乐学院副教授、院长。他在29岁时创作了中国第一部声乐协奏曲《海燕》。早期也为歌词谱曲，许多歌曲社会也十分熟悉，如《我为祖国献石油》、《毛主席走遍祖国大地》等。

音乐教育中的三维目标整合

【题目】音乐教育中的三维目标整合【内容提要】新的课程观在体现由“知识本位”向“人本位”转变的同时，必然要导致课程目标由单一的认知性目标转向情感、态度与价值观、过程与方法和知识与技能多种目标的有机整合。这是人的发展的需要，也是素质音教育的要求。要实现目标的有机整合首先要创设能激发学生学习兴趣的情境；二要在教学中使用新型的以合作、探究、比较、师生互动为主的学习模式，三合理运用多元教学评价，评价中承认学生多元智力的存在，注重对学生进行“学习过程”和“知识自我建构”的评价。【关键词】过程、体验；氛围、情境；新型学习模式；多元教学评价教育部颁发的《基础教育课程改革纲要（试行）》中关于基础教育课程改革的具体目标是：“改变课程过于注重知识传授的倾向，强调形成积极主动的学习态度，使获得基础知识与基本技能的过程同时成为学会学习和形成正确价值观的过程。”这段表述实际上包括和涵盖了三个维度的具体目标，即：情感态度与价值观，过程与方法，知识与技能。课程目标的设计建立在对人的生命存在及发展的整体关怀上，而不仅仅是认知性目标。过去，像智力、能力、情感、态度、学习过程、学习方法等均被排除于课程目标之外，其价值成为知识的附庸。而新的课程观在体现由“知识本位”向“人本位”转变的同时，必然要导致课程目标由单一的认知性目标转向情感态度与价值观、过程与方法和知识与技能多种目标的有机整合。这是人的发展的需要，也是素质教育的要求。如何在教学中实现三维目标的整合是一个亟待解决的问题。一、音乐教学三维目标的内在关系 (一)为什么把“情感态度与价值观”放在音乐课程目标的首位？传统的课程观由于过分强调认知而忽视了情感、态度在学习中的功能，从而导致把丰富、生动的教学活动局限于狭窄单调的认知主义框框中，这种缺乏情感内涵、充满理性的课程设计，使学生普遍感到学习的枯燥、单调，甚至恐惧、苦恼，丧失了学习的兴趣。新的课程观将情意因素提高到一个新的层面和高度来理解，赋予其在课程目标中重要的价值取向。如情感，不仅仅体现为学习兴趣、学习爱好和学习热情，更体现为情感本身的体验与内心世界的丰富；态度，在表现为学习追求、学习责任的同时，更表现在对生活的乐观、进取、向上的态度；价值观，既反映在个人价值方面，同时更反映在个人价值与社会价值自然价值的统一，等等。这三个具有独立意义的要素现已成为课程目标的重要组成部分。不同学科，其“情感态度与价值观”的取向和内涵是不同的。在音乐课程中，由于音乐课程的性质和价值所决定，必须突出其“情感态度与价值观”方面的目标，以体现音乐教育的本质是审美，是实施美育的主要途径这一特点。对于音乐课程来说，其特质是情感审美；其教育方式是以情感人，以美育人；其教育效应主要不在于知识

《作曲》课(首都师范大学博士专业课程)

《作曲与作曲技术理论》课程教学大纲课程代码：课程名称：作曲与作曲技术理论/ Composition＆the Theory of the Technique for Composition 学时学分：54学时/2学分适用专业：音乐学/作曲与作曲技术理论方向开课部门：首都师范大学音乐学院一、课程的地位、目的和任务本课程是音乐学专业作曲与作曲技术理论方向的专业课，是博士生对国内外音乐作品，尤其是当代音乐作品创作技法进行深入研究，并进行创作实践的课程。二、课程与相关课程的联系与分工本课程是音乐学专业作曲与作曲技术理论方向的专业课，主要进行创作实践和相关技术的研究。《二十世纪中外音乐文献研究》与《二十世纪配器技术研究》课程都是专业辅修课程，分别进行专项研究，以辅助专业课程的研究与创作实践。三、教学内容与要求绪论教学目标：了解20世纪的新音乐及其作品分析中值得注意的若干问题。第一章勋伯格的《钢琴小品六首》Op.19——关于调性的“模糊、游移、隐退、淡化” 和“自由无调性” 教学目标：通过研究勋伯格创作技法的演变过程，掌握现代作曲技法的缘起。重点与难点：关于勋伯格的生平和历史地位。他的早期音乐创作和晚期浪漫主义风格的关系。关于“自由无调性”的意义和勋伯格的自由无调性创作。勋伯格的五部钢琴独奏作品及其在风格上的演进意义，关于Opp．1ll、23、25、33ab的简要分析。对0p．19所含六段，小品的说明性分析，它们各自在自由无调性处理中的手法与特点。第一节与勋伯格及其创作有关的一般情况第二节关于勋伯格的钢琴独奏曲第三节关于《钢琴小品六首》0p．19的说明性分析

谈奥尔夫音乐教育的核心理念——原本性

谈奥尔夫音乐教育的核心理念——原本性卡尔.奥尔夫（Karl Orff,1895-1982），德国著名作曲家，音乐教育家。其创立的奥尔夫音乐教育体系是当今世界最著名、影响最广泛的三大音乐教育体系之一，历经七十余年仍保持着旺盛的生命力，在世界各地被广泛的传播、实践，对世界音乐教育产生了重大的影响。上世纪七十年代，奥尔夫音乐教育进入中国，因为与中国传统文化中的“乐教”的理念息息相通，逐步在中国音乐教育的沃土中生根、开花、结果，成为中国当代音乐教育史上在相当大的范围内被接受并颇具影响力的一种外国音乐教育体系，并且在中国创新、发展，不断创造着具有中国特色的、具有自己民族文化特点的新经验和新形式。奥尔夫曾经说过：“走遍世界的，不是我为表明这个理念而编写的东西，而是这个理念本身”。是什么样的一种音乐教育的理念，能够让其在新思想，新方法层出不穷的今天，不但没被淹没反而显示出更为强大的生命力来呢？奥尔夫音乐教育的核心理念，即是一种原本性的音乐教育。他曾说过：“我所有的观念，是关于一种原本性的音乐教育观念。”原本性一词并非奥尔夫所创用，但是，他将它发扬光大，使之成为其音乐教育体系中的基础理念。什么是原本性呢？原本性是指质朴的，简单的，单纯的，最自然的，清澈的，但同时也是能够诉诸心灵、反应内心的，最具表现力和感染力的一种形式，

就像不施脂粉的自然风貌一样。那什么是原本性的音乐呢？首先，音乐源于生活，它产自人民大众，与人们的生活关系密切；是人们在生活和劳动中自己创作，自己演唱的，表现的是人们内心的情感，是感情交流的媒介。不同特征的音乐表现不同的生活层面和感情需要，可以用来传授知识，组织集体劳动，记载历史变迁，举行仪式和进行交流。比如大家熟悉的劳动号子、山歌等。还有很多地区或民族进行人生的礼仪（诞生、成年、婚姻和死亡）或者祭祀甚至恋爱、交流，都要载歌载舞。因此，原本性的音乐是这样一种音乐：它能够表现心灵情感，能够让人跟随并释放感情。人不是仅仅作为听众，而是作为参与者参与其间；人也不仅仅做机械的跟随，而是以自己的内心情感相和；它和动作、舞蹈、语言紧密地结合在一起，是自然的、躯体的、每个人都可以学会、可以体验的，它不是表演，也不是舞台艺术，而是人的生活的有机组成部分，是自我流露和交流的需要，尤其是最适合儿童的音乐。正如《乐记》所述：“故歌之为言也，长言之也。说之故言之。言之不足故长言之。长言之不足故嗟叹之，嗟叹之不足，故不知手之舞之。足之蹈之也。” 其次，原本性音乐从音乐本身来说，它并不是什么大型的形式，也没有繁复的结构，只是提取的有关节奏、音响和旋律的一些音乐的基本素材。比如能代表某个民族音乐风格的节奏，或者能代表某个地域音乐风格的音阶走向等等。这些基本素材通过高质量的去运用，可

音乐教育的哲学读后感

《音乐教育的哲学》读后感吴丽玲最近读了《音乐教育的哲学》一书，它是由美国著名的音乐教育家贝内特·雷默所著，2003年5月人民音乐出版社出版发行了熊蕾翻译的中译本。这是一本系统论述美国音乐教育的音乐教育哲学专著。作者贝内特·雷默是美国著名的音乐教育学家，是美国音乐教育领域中审美教育的倡导者。过去，我一直认为读音乐理论没有美感，我读完此书后感觉音乐是听觉艺术，音乐欣赏是以具体音乐作品为对象，通过聆听来体验音乐，从而得到审美感受的一种活动。在音乐欣赏过程中，聆听无疑是最主要的方式，语言只是一种辅助手段。科普兰认为：“如果你要更好地理解音乐，没有比倾听音乐更重要的了，什么也代替不了倾听音乐。”我国普通高中艺术欣赏课教学大纲也指出音乐欣赏应以聆听音乐为主。教师恰当的讲解，可以引导学生更好地去体验、理解音乐。本书可以分为三个部分（十章）。第一部分雷默以美学中三个具有代表性的理论——思辨主义、绝对形式主义、绝对表现主义为例说明何种哲学可以成为音乐教育哲学，并详细论述了它们在艺术情感、艺术的意义、体验艺术中的不同，以及这些不同在音乐教育中是如何具体体现的。思辨主义认为音乐的价值存在于音乐本身之外（非音乐的体验），在音乐教育中的体现是“音乐（非音乐体验）被认为是使人变得更完美的有效途径”。绝对形式主义认为音乐的价值在于音乐

自身，“致力于培养天才儿童的音乐技能”；绝对表现主义则是对前两种的综合，“主张音乐提供有意义的认识体验”。第二部分阐述了音乐教育哲学在实践（普通音乐课、表演课）中的体现，指出了当时美国学校音乐教育存在的问题（音乐课不是核心课程，音乐课仅仅重视技能训练并偏重于音乐之外的体验等），并提出一些可供参考的方法。第三部分是对美国音乐教育未来的展望，提倡艺术教育朝人文方向转变。作为一本哲学方面的著作，本书有逻辑性强、结构层次清晰的特点。但更为重要的是，本书从很多角度并用很大篇幅阐述了音乐艺术的性质和价值，这是很多论及音乐教育的著作所不及的。正是这一特点，体现了雷默作为美国著名音乐教育家深厚的音乐修养，也为我们研究音乐教育提供了很好的参照。本书突现了一个前提，即音乐教育的基本性质和价值是由音乐的本质和价值决定的。雷默教授以这一前提为基础，通过对音乐艺术创作、体验、感觉、意义不同方面的论述，使我们更系统地体会到音乐教育的审美体验的实质，也让我们体会到作者的良苦用心——理解音乐教育价值的必要性。尤其是书中提到的“音乐是情感的一种语言吗？”“音乐是自我表现的一种手段吗？”这些看似简单的标题，都与我们的生活息息相关，可要解答它仅仅有音乐方面的知识是不够的，还需要从许多其他相关学科（解释学、美学等）的角度进行论述。本书的另一大特点就是具有很强的可操作性，雷默教授把音乐教育哲学渗透到实践中，提出了具体的实践方法。雷默认为采纳多视角和多种观点的合理成分是建构一种音乐教育的普

社会音乐观念对作曲家创作的影响

龙源期刊网 https://www.360docs.net/doc/e41634618.html, 社会音乐观念对作曲家创作的影响作者：董林庆来源：《艺术科技》2018年第09期摘要：音乐作品的品质直接取决于作曲家个人的心理等方面的素质状态，与此同时社会方面的影响对其创作和理念也是极其重要的。因为一个人生存的环境与其思想和精神文化的表现是有直接联系的，所以本文将浅析社会不同社会制度及社会环境下，作曲家作品的特色与主要风格表现方式之间的关系。关键词：社会观念;创作;发展音乐 1 社会对于音乐的现有态度随着时代的不断发展，人们对于文学及音乐等艺术方面创作的要求越来越高，不但要求其展现正确的思想道德观念，也要求作品能够与人的心灵产生共鸣，要将社会的道德观念、法律体制以及国家主要宣传的理念全部展现出来。一个作曲家的作品要想被广泛地传播，就必须接受国家层面、道德层面以及个人层面的考验。世界在发展，社会在进步，所以社会对于现行音乐即流行音乐、古典音乐、摇滚音乐等的要求也在不断发展、变化。[1]以当今最流行的民谣为例，社会对于它的要求就是：能够反映基层民众的心路历程并引其产生共鸣，同时在乐器的选用上，大多使用民谣吉他弹唱，或者以民谣吉他为主，结合其他元素乐器创新演奏。人们对于新事物的接受能力越来越高，新的音乐形式不断出现，社会对于多元化的音乐形式也展现了兼容并包的趋势。所以，目前音乐领域发展的空间广阔、形式多样，极大地刺激了作曲家的创作，优秀作品层出不穷，受众面也在不断扩大。基础的音乐教育在社会上扮演着十分重要的角色，由之前片面、固有的观念转化为现在的包容发展思想。各个高校对音乐特长生的专业需求也在不断提升，社会对于音乐创作人才的需求日益增长。 2 作曲家的创作理念音乐的历史原因也在根源上影响着音乐家的创作理念和发展方向，旋律、词作等方面限制了音乐必须在韵律的基础之上表达某种思想。并非只有音乐大师才有权利对音乐进行点评，而是这些人的点评对于音乐创作人来说更为深刻和具体，在其创作道路上起到了指引发展的作用。作曲家们拥有不同的创作理念，有的以批评为主，有的以歌颂为主，不同的创作理念创造出来的作品风格也迥然不同。[2]但是，每一个音乐作品都是为了表达某种思想。以批评为主的作品主要是抨击社会现实，希望以此来规范人们的言行，改变人们的思想;以歌颂为主要风格的作品主要是引导人们向善向美，起到社会教育和公德教育的作用。

浅谈对音乐教育理念的认识

浅谈对音乐教育理念的认识一、深入了解学生的心理需求我曾经听过这样一句话：“蹲下来，同孩子一起看世界。”我个人认为，音乐教育工作应该以学生为本，站在学生的角度，了解学生的心理需求，改革传统的音乐课，创造性地、灵活性地使用教材，引导学生主动探究，合作学习，建立新型的学习关系。 21世纪的音乐课，孩子们要学些什么？新的课程中贯穿始终并特别强调的是要经常给学生表演和表现的机会。因此，作为教师，在教学中注重到儿童的心理活动，合理地安排符合学生实际学习的内容，使他们在智力上、体力上和精神上都不会感到负担过重。二、建立现代的教育理论，钻研现代教学方法联合国教科文组织给“教育”下的定义是，教育是为了提高每个人的生活质量。学会认知，学会做事，学会共存，学会生存，是21世纪教育的四大支柱。知识重要，能力更重要。以人为本的教育思想作为素质教育的核心，对于音乐学科教育来说，尤其有他的优势和重要地位。所有这些迹象表明，音乐教师必须传统的教学观念。我们音乐教师在致力于现代教学方法运用中必须做到，在教学过程中与学生积极互动，共同发展。处理好知识传授与能力培养之间的关系，注重培养学生的独立自主，引导学生探究、创新，促进学生在教师指导下主动地、富有个性地学习。要尊重学生的人格，关注个体差异，满足不同的学生的学习需求，为学生对音乐的学习和发展提供丰富多彩的情境。

三、注重音乐课的气氛，理解真正的民主开放式教学。小学音乐教学有别于其他学科，它具有轻松愉悦、生动活泼、寓教于乐等特点。音乐教学是一个使学生身心主动参与的过程。在这个过程中，我们不能只限于一种教学方式，更不能拘泥于某种教学模式，应以灵活、有趣的教学手段引导学生人人参与，主动发展自己的个性，最大限度地激发其学习音乐的兴趣和热情，发挥他们的主体作用，培养高尚的审美情趣和审美意识，提高其音乐的综合素质，成为学习音乐，驾驱音乐的主人。四、教学观念、方法的创新。普通学校音乐教育的目的是培养学生将来一辈子热爱音乐、享受音乐的能力；是培养具有审美能力和艺术修养的公民。让学生在音乐学习中体验快乐，享受美好，是我们音乐教育者应关注的焦点和努力的方向。音乐知识与技能的学习是重要的，但小学艺术教育这一本质上审美教育，它既能培养德行，也能增进智力，但最主要的功能还是提高学生的艺术修养，这也就是中小学艺术教育的目的所在。最后我想说，新型师生关系的建立，是表现在师生间互相启迪、激励、唤醒、感染和净化等效应上。它更注重人的身心健康发展，人的创新精神的培养，以新的学习方式，使人获得终身学习的愿望和能力。在当今教育的新形势下，作为未来教师队伍中的一员，我们应不断更新教育观念，学习新的教育理念，不断充实自己，不断丰富自己，大胆

[哲学观,音乐教育,核心]浅谈音乐创造为核心的音乐教育哲学观

浅谈音乐创造为核心的音乐教育哲学观一、音乐创造为核心的音乐教育哲学观的含义与时代背景音乐是最富有创造性的艺术形式之一。音乐创造贯穿于人类音乐行为的全过程( 含音乐创作、音乐表演和音乐鉴赏) 。以音乐创造为核心的音乐教育, 指的是将创造贯穿于音乐教育的音乐创作、音乐表演和音乐鉴赏的全部实践过程, 使师生同为音乐的创造者、音乐教育的双主体, 在观念、行为、能力方面得以健全发展。这里的创造, 既包括音乐美的创造( 审美创造、立美创造) , 又包括音乐文化创造, 还包括音乐功能创造。二、从音乐艺术和音乐教育的特点来看音乐创造的核心地位对于音乐艺术的特点, 历来有从各种不同角度来进行取舍的不同解释。如: 从物质材料着眼的声音艺术, 从音乐善于表达感情着眼的感情艺术, 从时空着眼的时间艺术, 从教育和立美、审美着眼的美育, 从作为文化一个组成部分着眼的音乐文化等。音乐创造则是既突出音乐艺术的特点, 又强调人的音乐创造潜能和音乐对创造性思维能力成长的促进作用的一种音乐教育哲学观。三、音乐创造与音乐审美从音乐美学的角度来看, 音乐创造既与立美相关, 又与审美相关。如果我们把音乐作为一个过程, 那么, 音乐创造就既贯穿于立美的音乐创作、音乐表演, 也贯穿于审美的音乐鉴赏。立美与审美历来就是一对孪生兄弟。没有审美基础, 就谈不上立美具备较好的立美能力, 就必然具有较高的审美水平。此与所谓的眼、手关系相当。手高眼也高是一种理想的境界, 其中, 手眼相互促进, 共同提高。手低眼不一定低, 也可能眼高手低, 因为只要眼界高, 提出了一定的目标,才有希望通过努力达到手高。最怕的是眼低手也低。不可能存在手高眼低。因此, 如果提高了立美能力,审美能力的提高也就随之迎刃而解了。四、音乐创造与音乐实践音乐是一种富于实践性的艺术。因为无论是音乐创作、音乐表演, 或者是音乐鉴赏, 都必须通过音乐实践来实现。音乐创作要通过创作实践, 以乐谱中的模拟音响来表达作曲者对生活的感受; 音乐表演要通过演唱演奏实践, 将乐谱化为实际音响; 音乐鉴赏要通过对音响的听觉实践, 来感受、体验、分析音乐。实践音乐教育观强调了音乐课程的实践性特征, 注重通过学生亲身参与的实践活动来感受音乐、体验音乐、享受音乐。但是, 实践的最终目的是什么呢? 如果只是停留在为实践而实践, 或者只是感受、体验、享受音乐这一层次的话, 那么, 这一目的仍然还局限在为音乐而音乐。假若能够超越实践、提倡创造的话, 那就会使实践有一个升华, 提高到一个新的层次, 那就是使师生的每一次音乐实践, 每一次音乐教育实践, 都变成一次创造, 只是这一次, 只有这一次, 常创常新, 常唱常新, 常听常新,养成创造的习惯, 树立创新的追求, 长此以往,习惯自然, 日新、日新、又日新。五、音乐创造与音乐作为文化音乐创造必须有深厚的根基。此根就是母民族的优秀的音乐文化, 根应当深扎于母民族

古典主义音乐创作的主要形式和特点

古典主义音乐创作的主要形式和特点内容摘要：古典主义形成于维也纳的一种乐派，亦称“维也纳古典乐派”。在音乐界，古典主义并非是一个界限分明的概念，不同时期的音乐家对其有不同的理解和概念。当代音乐研究人常常认为在音乐创作上不存在所谓“古典时期”，仅仅有“古典风格”，但是这也不尽然。海顿、莫扎特和贝多芬是追崇古典时期的音乐家最为推崇的杰出代表，他们的创作风格基本成为了这个时期的典范，也为推崇古典主义音乐创作的音乐家们增加了不少底气。本文就古典主义音乐创作的风格和特点入手进行分析，试图在这一课题上作出一系列探究。关键词：古典主义音乐创作形式特点在音乐界，古典主义并非是一个界限分明的概念，不同时期的音乐家对其有不同的理解和概念。其中一种不很恰当的说法是将它指为流行音乐以外的音乐，包括所有种类的严肃音乐，并且不管它是何时创作的以及为什么目的而写的。也有人认为，古典主义音乐是大约1750年开始至1827年贝多芬逝世为止这一时期的音乐。实际上无论是哪一种解释或说明都明确的表示了这样一种结果：古典主义音乐作曲家在考虑音乐结构时都遵循一种基本概念，即一种调性间平衡的概念，无论是音乐的发展进行，还是音乐段落之间的平衡，都让听众在聆听一首乐曲时可以准确地知道紧接着出现的内容。当代音乐研究人常常认为在音乐创作上不存在所谓“古典时期”，仅仅有“古典风格”，但是这也不尽然。海顿、莫扎特和

贝多芬是追崇古典时期的音乐家最为推崇的杰出代表，他们的创作风格基本成为了这个时期的典范，也为推崇古典主义音乐创作的音乐家们增加了不少底气。一、古典主义音乐创作的特点。古典主义形成于维也纳的一种乐派，亦称“维也纳古典乐派”。它的代表人物是海顿（1732－1809）、莫扎特（1756－1791）和贝多芬（1770－1827）。古典主义时期的音乐创作都有着基本相同的特点，集中表现为它们都是理智和情感的高度统一，作品优美多情的旋律中大部分都能够表现出作者对命运、对灵魂的深刻思考，而这种深刻的思想内容又并非是通过强烈的节奏与音符来发泄的。他们的作品有相当一部分是柔软而抒情的，是与完美的艺术形式的高度统一的。在创作技法上，古典主义音乐作曲家也继承了欧洲传统的复调与主调音乐相结合的成就，确立了近代奏鸣曲曲式的结构以及交响曲、协奏曲、各类室内乐的体裁和形式，对西洋音乐创作的发展有深远影响。除此之外，古典主义时期的音乐创作在旋律上流畅优美，摒弃了复杂的对位手法，这样使这一时期的作品其旋律听来使人感到极为清晰。通常古典主义时期创作的作品伴奏部分都很清谈，基本用演奏低音固定音型，但是伴奏部分绝不会对旋律造成喧宾夺主的感觉。作曲家通常把乐句分得简洁而又规律，用一种可以预测的问答式进行作品的演奏行进，而这也是人们特别欣赏这一时期作品的地方。二、古典主义时期音乐创作的主要形式。歌剧院是古典主义时期的实验中心。意大利喜歌剧是与传统正剧

《音乐教育的哲学》读后感

读《音乐教育的哲学》有感综合组王鹃《音乐教育的哲学》一书由美国著名的音乐教育家贝内特·雷默所著，200 3年5月人民音乐出版社出版发行了熊蕾翻译的中译本。雷默的《音乐教育的哲学》对音乐教育的价值作了连贯、深入的哲学思考。虽然主要是针对美国20世纪70～80年代非专业音乐教学的情况，但对目前我国普通学校音乐教育仍然有着非常重要的参考价值。作为音乐教师我们都有这样的体会，我们努力向社会证明自己存在的合理性和重要性。我们告诉学生音乐很重要，但重要的原因却往往是其他学科也可以提供的，音乐艺术教育的独特性和必要性并没有体现出，这无疑是没有说服力的。目前我国高校音乐专业招生的分数也远低于其他专业，小学亦是如此。在世人仍然普遍认为，认知就是概念化，那些概念化认知的典范科目如数理化等被奉为“基础”课，在评判一个学生成功与否的标准是这些“基础”课程的考试分数的今天，以很低的分数考入高校的艺术类学生的内心压力可想而知。而作为一名毕业于武汉音乐学院这样的纯专业院校的我来说，更加深知这样的内心压力。这种状况下，音乐教师的地位也由音乐高考学生的入学录取分数决定。教师是否从提高审美能力的角度去组织教学已经不重要了。只要搞好活动，完成一些文艺方面的展示任务。这个教师就能得到社会的承认。然而，这种承认并不是对音乐教育价值的承认，而是对教育价值的承认。事实上，只有当普通大众认识到我们凭感觉对世界的理解与概念化认知同样重要，音乐就是一种独特的非概念化认知模式，是其它的认知模式无法替代的时候，人们才有可能真正尊重音乐，进而真正尊重音乐教育。要达到这个目标应该说是比较困难的，音乐教育事业要想受到重视，必须全体从业人员有着正确、坚定的信念。这种信念必须要有正确的理论基础来支撑，才能认清音乐和音乐教育的真正价值，从而确立自己作为一个音乐教育工作者的人生价值，并在此指引下改进音乐教育的方式，努力让音乐和音乐艺术教育逐步获得它应有的地位。雷默在《音乐教育的哲学》中论述了音乐的本质和价值及音乐教育的独特性和必要性。在这种坚实有力哲学基础上发展音乐教育事业，我们将会收到事半功倍的效果。雷默在第七章——体验音乐中认为：“音乐教育向来是，现在在某种程度上也仍然是非音乐教育，说重一点是反音乐教育。根据雷默的表述，我们可以这样认为：反音乐教育强调了音乐的非审美体验，音乐的审美功能成为它的一种手段，其本质是为其它非艺术教育的目的服务。长期以来，由于无法获得正确的哲学观点的指导，许多音乐教育工作者常常处于困惑的状态，有时不自觉地遵循一些本质上反音乐教育的哲学。”

如何看待音乐创作冲突和音乐观念的多元化

摘要：本文义2001年轰动乐坛的“卞谭之争”为起论点，根据两人艺术生涯、审美和创作观念等方面的差异，较为深刻地剖析了这次争论的原因以及如何对待音乐创作中的冲突和音乐观念多元化的问题，并对如何发展中国现代音乐提出了自己的一些见解。关键词：卞谭之争；创作冲突；音乐观念多元化在看过2001年轰动乐坛的“卞谭之争”视频后，就一直在思考有关音乐创作以及音乐接受上为什么会有如此剧烈的冲突，我们应该怎样看待和评价这种音乐观念上的不同，中国现代音乐之路又将走向何方，带着这些思考，笔者略抒己见，请同仁指正。 “卞谭之争”虽然场面有些尴尬，争论也早己平息，对卞祖善和谭盾两人的评价亦褒贬不一、众说纷纭，但这件事情却引起了音乐界对中国现代音乐创作、认识的深思，为其发展也带来了前所未有的推动力。这次争论涉及的范围很广泛，包括了音乐创作、音乐审美、音乐功能以及音乐的继承和发展等问题，争论的主题是重大而积极的，但争论的结局似乎并不尽人意。争论过程已无须赘述，我认为作为卞、谭二人的年龄、成长环境、受教育环境、创作和活动环境的差异造成两人对音乐创作和认识的观点不同是必然的。我们先来了解一下两位作曲家的生平和成就——卞祖善，1936年生于江苏镇江，1956年由上海音乐学院附中直升本科指挥系，师从杨嘉仁教授，1961年以优异成绩毕业后从事乐队指挥至今，现任中国交响乐团联盟主席，中国音乐家协会交响乐爱好者学会副会长，中国电影音乐学会特约理事，国家一级指挥，享受国务院颁发的政府特殊津贴。多年来，卞祖善一直手执指挥棒耀眼于舞台。近年来，他积累多年的音乐学养也如雪山融化般倾泻出来，他的声音经常出现在校园里，讲堂上，为追随音乐的人传道授业解惑。1999年，卞祖善正式退休后，开始全身心投入到交响乐的普及工作中。卞祖善说：“如果没有听众，交响乐便失去了发展的基础。听众需要引导，我愿为之努力，更令人由衷钦佩的是他已经以乐评人的身份，在最近12届维也纳新年音乐会中央电视台的转播现场，担任转播嘉宾、顾问，为观众点评演出，舞台上乐队、指挥、曲目的一切，从他脑海里简单搜索便开始源源不断地输送给广大观众，令观众在欣赏到动听音乐的同时，也享受到一场艺术教育和熏陶。谭盾，著名音乐家、作曲家幼年深受中华楚文化的影响，后来进入京剧团开始其京剧音乐家生涯，由此可见，谭盾先生并不缺少民族音乐的功底。1977年考入中央音乐学院作曲系，随赵行道、黎音海学习并取得作曲硕士学位。1986年毕业于中央音乐学院研究生院，1986年获美国哥伦比亚大学奖学金，赴美国哥伦比亚大学，随大卫·多夫斯基及周文中学习并获得音乐艺术博士学位。他是中央音乐学院“四大才子”之一，在校时创作的第一弦乐四重奏《风·雅·颂》运用民间曲调，中国宫廷音乐，庙堂赞歌等原始素材，给人清新、别致的感觉，获得了1983年德里斯顿·韦伯尔作曲比赛二等奖，被新闻界、艺术界称为“新潮音乐”“先锋派音乐”“崛起的一代”中的代表人物之一。到美国后，数家知名乐团聘他为乐团作曲，并出任bbc交响乐团(苏格兰)驻团作曲兼副指挥，1988年在美国举办了个人作品音乐会，这是中国音乐家在美国首次举办的音乐会。1999年因歌剧《马可波罗》获得格莱美作曲大奖；他为电影《卧虎藏龙》的作曲获得2001年奥斯卡金像奖“最佳原创配乐奖”；被《美国音乐》杂志评为2003年度“最佳作曲家”。谭盾的不同寻常的音乐理念和中国文化的底蕴让他走出了一条超越常规的音乐创作之路。他做出了水乐、石乐等离经叛道的音乐，他的作品和为人都各受争议，这些也是卞谭之争的主要内容。但这位被贴上另类标签的音乐大师热情似火的个性和对音乐的执著，也给人留下了深刻的印象。毫无置疑，作为我国音乐界前辈的卞先生和作为国际著名作曲家的谭盾先生成就都是辉煌的，他们都为国内音乐的普及发展以及走向世界做出了杰出的贡献。如果作为以批评者姿态出现的卞先生能用更宽广的胸怀去接受现代音乐作品，在批评中不要太过刻薄，在争论中

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