流行音乐作曲技巧
作曲常用技法（亲身学习经历）
作曲常⽤技法（亲⾝学习经历）编曲，即在DAW上对歌曲进⾏和声编写并搭配乐器，简单来说，就是做伴奏带~扒带，原答案中提到过，就是在DAW上把歌曲伴奏中的每⼀件乐器的每⼀个⾳符都听写出来，简称扒歌曲伴奏带或扒带。
听写下来歌曲的伴奏带就等于你把专业⾳乐⼈的编曲的技巧和套路复制了出来，你既复制出来就可以学习了，简直就是⼀个免费的教材~再补充⼀下关于旋律发展⼿法的知识：1.重复：即重复⼀段旋律，使主题得到巩固、乐思得到强调、性格得到统⼀。
它分为原样重复和变化重复。
作品举例：《⽉亮代表我的⼼》2.模进：即某⼀动机（旋律）在不同⾼度上的重复。
分为严格模进和⾃由模进。
作品举例：《酒⼲倘卖⽆》3.节奏重复：即将动机的节奏当成模板，在不同⾳⾼上予以重复，使作品集中、统⼀。
作品举例：《长江之歌》4.扩⼤和收缩：有两⽅⾯，⾳程还有节奏。
作品举例：（1）⾳程——《笑脸》（2）节奏——《咱们⼯⼈有⼒量》5.对⽐、延伸、发展：我个⼈喜欢⽤对⽐中的“倒印”⼿法，即AB两句旋律发展⽅式相反。
作者的亲⾝经历我⼤学没打算学⾳乐，和⼤多数⼈⼀样只想当爱好做⾳乐。
我之所以称⾃⼰为业余的独⽴⾳乐⼈，是因为我从初中开始就写些原创歌、组乐队、尝试编曲，并且在去年我送了⾃⼰⼀张专辑⼗⾸歌作为成⼈礼。
每⾸歌都是我⾃⼰创作的，词曲、编曲、混⾳、后期等⼯作也全部是我⼀⼈挑灯夜战，与学校的学习⽃争来的（你也知道⾼中的学习有多苦逼）；业余是因为技术、条件都还不够，录⾳找的还是录⾳棚。
（像千古留名、Airs Jack、半璧这群专业的⾼中时⽐我⽜多了，已经能够接活了，⽽我这300的⽔平真不好意思拿出⼿。
）所以，个⼈认为业余⾳乐⼈要有独⽴制作歌曲的能⼒，或者有负责歌曲制作中某⼀环的能⼒，不过通常来说技术、设备劣于专业⾳乐⼈的。
所以其实成为业余⾳乐⼈的门槛很低，钟兴民吴庆隆是⾳乐⼈，徐良汪苏泷也是⾳乐⼈，甚⾄隔壁⽼王特会写旋律，也可称为“业余⾳乐⼈”。
这时候，我期许能尽量专业⼜全⾯，以保证⽐隔壁⽼王要强。
歌曲作曲的一般技巧
歌曲作曲的一般技巧作曲当然要遵守音乐的规律，但各人的方法和技巧又有不同之处。
如，有的人习惯先有词后作曲，也有人习惯先有曲后填词的(香港、广东人多)。
有人先作一个总体的构思然后再动笔，有人完全按照感觉来写，认为按照下行5度和弦圈的经典走位来写旋律不会难听。
但我看，要创作一首完整的好歌曲，基本的技巧和方法还是不能没有的。
这里为大家讲解一下基本的创作技术问题。
一、主题一首歌的音乐，要有一个能够集中地概括整个作品的思想、感情、性格的音乐主题。
乐曲的长短要根据内容而定，象一条主线贯穿全曲。
歌曲的音乐主题往往是根据第一句歌词的特点所创作出来的，有些歌曲的主题，往往根据半句歌词加上衬字拉开来创作的，也有一些歌曲的主题，加了许多虚词和衬字把主题加长了。
一首歌乐曲主题的配制，首先是从研究歌词开始的，要进行反复吟颂，借此来了解歌词的意境，进行研究分析，并对歌词作修改和修整。
要形成准确、鲜明、生动的音乐主题形象，才能正确深刻地表现词意的思想内容;其次，对于体材也要选择合适的，根据内容需要量体裁衣，以增加作品的表现力和艺术感染力。
二、发展1、段落音乐的发展安排在合理的作品结构之中，歌词的结构是音乐段落结构的重要依据。
段落分一段体，两段体，三段体等。
比较常见的是两段体和三段。
段落可以分为对比和类似形式。
对比，如：前面比较舒缓，后面比较高昂;前面比较紧凑，后面比较庸散。
从文学上分析，如果你想用对比来创作的话，前面是叙事的话，后面一定要改成抒情。
从音乐上说，前面如果旋律比较平，后面就大胆的多点起伏，前面节奏多用4分音符的话，后面就用8分或16分音符。
从而起到对比的作用。
在编曲上可以更明显地看到，一般副歌部分总是比较高潮，而前面总比较缓慢。
但这也不是绝对的。
学吉他的人一定知道，是吉他入门的必弹曲。
如果写得好，那也是非常精致的东西。
但一段体对旋律要求非常高，旋律一定要好听，否则不行。
现在三段体的也很多，如陈亦讯的十年(也有人把第二段看作起承转合中的转)，那英的征服(在歌后面有一段把情绪推向高潮的人声部分)等等。
歌曲作曲的一般技巧有哪些
歌曲作曲的一般技巧有哪些一、主题一首歌的音乐，要有一个能够集中地概括整个作品的思想、感情、性格的音乐主题。
乐曲的长短要根据内容而定，象一条主线贯穿全曲。
歌曲的音乐主题往往是根据第一句歌词的特点所创作出来的，有些歌曲的主题，往往根据半句歌词加上衬字拉开来创作的，也有一些歌曲的主题，加了许多虚词和衬字把主题加长了。
一首歌乐曲主题的配制，首先是从研究歌词开始的，要进行反复吟颂，借此来了解歌词的意境，进行研究分析，并对歌词作修改和修整。
要形成准确、鲜明、生动的音乐主题形象，才能正确深刻地表现词意的思想内容;其次，对于体材也要选择合适的，根据内容需要量体裁衣，以增加作品的表现力和艺术感染力。
二、发展1、段落音乐的发展安排在合理的作品结构之中，歌词的结构是音乐段落结构的重要依据。
段落分一段体，两段体，三段体等。
比较常见的是两段体和三段。
段落可以分为对比和类似形式。
对比，如：前面比较舒缓，后面比较高昂;前面比较紧凑，后面比较庸散。
从文学上分析，如果你想用对比来创作的话，前面是叙事的话，后面一定要改成抒情。
从音乐上说，前面如果旋律比较平，后面就大胆的多点起伏，前面节奏多用4分音符的话，后面就用8分或16分音符。
从而起到对比的作用。
在编曲上可以更明显地看到，一般副歌部分总是比较高潮，而前面总比较缓慢。
但这也不是绝对的。
一段体的大多都是小歌，如兰花草，雪绒花等等。
学吉他的人一定知道，是吉他入门的必弹曲。
如果写得好，那也是非常精致的东西。
但一段体对旋律要求非常高，旋律一定要好听，否则不行。
现在三段体的也很多，如陈亦讯的十年(也有人把第二段看作起承转合中的转)，那英的征服(在歌后面有一段把情绪推向高潮的人声部分)等等。
数学里面有黄金分割点，人们在美术、音乐等艺术领域都很注意这个点。
按照美学观念它是最完美的点。
一首3分钟的歌，在黄金分割点上，大概2分多钟的时候，总是一个歌最最好听的地方，他或是高潮部分，也许是一首歌最最精华的部分，在编曲上尤其是这样。
周杰伦的作曲原理
周杰伦的作曲原理
周杰伦的作曲原理可以总结为以下几点：
1. 灵感获取：周杰伦的作曲灵感来源于日常生活、情感体验以及对音乐风格的独特理解。
他会将自己的心情和故事融入歌曲中，使作品更具个性化和情感深度。
2. 音乐基础：周杰伦具备扎实的音乐基础，包括和弦、旋律、节奏等方面的知识。
这使得他能在创作过程中灵活运用各种音乐元素，打造出独特的曲调。
3. 旋律创作：周杰伦的旋律线条流畅、富有变化，具有很高的辨识度。
他善于运用旋律表达情感，使歌曲更具感染力。
4. 和弦与伴奏：周杰伦在和弦选择和伴奏方面有着独特的见解，他会将多种乐器融合在一起，构建丰富的音色和层次感。
这使得他的歌曲听起来既富有创意，又具有较高的音乐性。
5. 风格融合：周杰伦善于将不同音乐风格融合在一起，如流行、摇滚、民谣、古典等。
这使得他的作品具有丰富的音乐色彩和独特的风格。
6. 不断尝试与创新：周杰伦在创作过程中，会不断尝试新的音乐元素和技巧，以追求音乐的多元化和个性化。
这使得他的作品始终保持新鲜感和活力。
综上所述，周杰伦的作曲原理在于将个人情感、生活经历与音乐技巧相结合，创造出具有独特风格和感染力的音乐作品。
如何写歌作曲 写作技巧
如何写歌作曲写作技巧写一首好歌不是一件容易的事情，需要不断的练习和积累，本篇文章将为大家介绍一些写歌作曲的技巧，帮助大家更好的创作音乐。
下面是本店铺为大家精心编写的5篇《如何写歌作曲写作技巧》，供大家借鉴与参考，希望对大家有所帮助。
《如何写歌作曲写作技巧》篇1写歌作曲是一种艺术，需要不断的练习和灵感的涌现。
下面是一些写歌作曲的技巧:1. 找到灵感来源：灵感是创作的源泉，可以通过生活中的经历、周围的人和事、文学作品、艺术作品等方式寻找灵感。
要保持敏感和开放的心态，记录下灵感闪现的瞬间。
2. 确定歌曲类型：在开始创作之前，需要确定歌曲的类型，是流行歌曲、摇滚歌曲、民谣歌曲还是其他类型的歌曲。
不同类型的歌曲有着不同的旋律和结构，需要在创作之前确定下来。
3. 创作旋律：旋律是歌曲的灵魂，需要在创作中着重考虑。
可以通过吉他、钢琴、口哨等方式创作旋律，注意旋律的流畅性和可听性。
4. 确定歌曲结构：歌曲的结构包括 intro、verse、chorus、bridge、outro 等部分。
根据歌曲类型和旋律来确定歌曲结构，注意歌曲结构的连贯性和逻辑性。
5. 填词：歌词是歌曲的重要组成部分，需要根据旋律和歌曲主题来填写。
注意歌词的语言表达和押韵技巧，让歌词和旋律相得益彰。
6. 编曲：编曲是将旋律和歌词转化为音乐的重要步骤。
可以通过各种乐器和音效来编曲，注意音乐的协调性和整体性。
7. 不断修改：创作是一个不断修改和完善的过程。
在创作过程中，要不断听取意见和反馈，对歌曲进行修改和完善，直到达到最佳效果。
写歌作曲需要不断的练习和积累，需要保持敏感和开放的心态，不断寻找灵感和尝试新的创作方式。
《如何写歌作曲写作技巧》篇2写歌作曲是一种创作过程，需要灵感、技巧和实践。
以下是一些建议和技巧，可以帮助你写歌作曲。
1. 寻找灵感：灵感是创作的源泉，可以来自生活、爱情、友情等方面。
观察周围的人和事，用心去体验生活，可以让你更容易找到创作的灵感。
创作音乐作品中的编曲与编配技巧
创作音乐作品中的编曲与编配技巧音乐创作是一项复杂而有挑战性的任务，其中编曲和编配技巧是不可或缺的要素。
通过巧妙的编曲和编配，音乐作品可以达到更加丰富多样的音乐效果和表达，并为听众带来更好的音乐体验。
本文将探讨音乐创作中的编曲与编配技巧，以及它们对音乐作品的影响。
一、编曲技巧编曲是指将作曲家创作的乐曲进行改编，以适应不同的演奏组合和表现形式。
在编曲过程中，需要考虑以下几个方面：1. 音色搭配：不同乐器的音色各具特点，通过合理选择、组合和安排乐器，可以丰富音乐的层次感和表现力。
比如，在流行音乐中常常使用吉他、贝斯和鼓等乐器来打造简洁明快的节奏感；而在交响乐中，管弦乐器则被广泛使用，以展现宏大的气势和情感。
2. 和声处理：和声是指音乐中不同音符的排列和组合关系。
通过巧妙处理和声，可以创造出多样的和声效果，使音乐更加富有层次和变化。
例如，使用和弦进行转位、逆行或颠倒等技巧，可以增加和声的张力和复杂度，使音乐更具吸引力。
3. 翻奏与变奏：翻奏是在保留原曲基本结构的前提下，对旋律进行重新演绎和处理，使之更具变化和创意。
变奏则是在原曲基础上进行改变和发展，通过改变音调、速度、节奏等元素，赋予音乐不同的情感和风格。
翻奏和变奏的技巧可以使乐曲增添新鲜感，吸引听众的注意力。
二、编配技巧编配是指将作曲家的音乐构思转化为具体的乐谱和演奏指导。
通过合理的编配技巧，可以实现音乐作品的精确演奏和表达。
1. 乐器配器的选择：乐器的选择直接影响到音乐作品的风格和效果。
根据音乐的风格和情感需求，选择合适的乐器来演奏和表现，可以使音乐更加贴合主题和表达。
比如，在舞台音乐剧中，通过使用弦乐器、管乐器和键盘乐器等多种乐器，以及人声的编配，可以创造出宏大而动人的音乐场景。
2. 节奏与和声的编配：在编配过程中，需要合理处理节奏和和声。
通过对旋律线与和声特征的结合和调整，可以使音乐更加连贯、和谐，增加整体音乐的表现力。
同时，编配也要考虑到不同乐器之间的配合和对话，使之相互呼应、协调，达到整体效果的最佳化。
作曲技巧：主旋律创作
作曲技巧：主旋律创作作曲是音乐创作的重要环节之一，而主旋律则是一首音乐作品中最为突出和引人注目的部分。
一个优秀的主旋律能够吸引听众的注意力，让人们对音乐产生共鸣。
本文将介绍一些关于主旋律创作的技巧，帮助作曲家们提升自己的创作水平。
1. 确定音乐风格和情感表达在创作主旋律之前，首先需要明确音乐的风格和情感表达。
不同的音乐风格有着不同的特点和要求，比如古典音乐追求优雅和庄重，流行音乐注重简洁和易记。
同时，音乐也是情感的表达工具，通过主旋律来传递情感是作曲的重要任务之一。
因此，在创作主旋律之前，需要明确自己想要表达的情感，并将其融入到音乐中。
2. 使用简洁而富有个性的音符组合一个好的主旋律应该是简洁而富有个性的。
使用简单的音符组合可以使主旋律易于记忆和理解，同时也能够给人留下深刻的印象。
在选择音符时，可以尝试使用一些具有辨识度的音符或音程，以增加主旋律的独特性。
此外，注意音符之间的连贯性和流畅性也是非常重要的，避免出现突兀或不和谐的音程跳跃。
3. 利用节奏和韵律营造动感和张力节奏和韵律是主旋律中不可或缺的元素，它们可以为音乐注入动感和张力。
通过合理运用不同的节奏模式和韵律变化，可以使主旋律更加生动有趣。
可以尝试使用一些复杂的节奏模式来增加主旋律的变化性，或者通过改变音符的长度和强弱来营造起伏和张力。
4. 运用音乐理论知识进行创作音乐理论是作曲过程中的重要参考工具，它可以帮助作曲家们更好地理解和运用音乐元素。
在创作主旋律时，可以运用一些常见的音乐理论知识，比如调式、和弦进行、音程等，来增加主旋律的丰富性和层次感。
同时，也可以尝试一些创新的和谐方式，以突破传统的音乐框架，创造出独特而富有个性的主旋律。
5. 借鉴他人的作品和经验作曲是一个不断学习和积累的过程，借鉴他人的作品和经验可以帮助我们更好地提升自己的创作水平。
可以选择一些优秀的音乐作品进行欣赏和分析，学习其中的创作技巧和思路。
同时，也可以与其他作曲家进行交流和分享，互相学习和启发。
教你如何写出流行歌曲
教你如何写出流行歌曲音乐是一种美妙的艺术形式，这种艺术以歌曲的形式表现出来，而流行歌曲则是高度受欢迎的一种音乐类型。
如果你想写一首流行歌曲，你需要了解一些基本原则和技巧。
第一步：寻找观众在创作一首流行歌曲时，了解你的听众非常重要。
你需要针对目标听众来创作歌曲，以确保它有吸引力，符合他们的口味。
要了解你的目标听众，你需要考虑他们的年龄，性别，文化背景和音乐偏好。
这些信息能够在你的歌曲中体现出来，并最终使他们感受到歌曲的共鸣。
第二步：选择合适的歌曲主题要写出一首流行歌曲，你不能选择一个过于狭窄或不相关的主题。
选择主题应该是由你的观众特点以及你自己的感受印象推动，歌曲主题要具有人们普遍接受和能够共鸣的特点。
例如：恋爱，生活，友情，家庭等，这些主题通常是流行歌曲中反复出现的主题。
第三步：编写歌词好的歌词是一首歌曲吸引听众的基础。
你需要将你自己的情感和想法融入在歌词里，以表现出歌曲主题的感情共鸣。
关键在于用方式和词汇选择相匹配的格式来表现出歌曲主题。
同时，使用有影响力的，有节奏感的歌词，能引起听众的共鸣。
第四步：作曲作曲过程与歌词编写过程类似，你需要根据主题，选择有节奏和激动人心的乐曲元素。
通常情况下，你应该根据歌曲主题选择适合的调性和旋律。
为了制作无论是合成乐器还是钢琴乐器的流行歌曲，你需要深入了解音乐理论。
第五步：编曲和录音编曲和录音环节旨在将你的乐曲元素混合在一起，以创造一首丰富而复杂的歌曲。
你可以使用各种音乐软件来执行一些高级技术，比如使用电脑进行采样和失真效果处理等。
至于录音环节，可以使用专业的声音录制工具来进行演唱部分制作。
总结：创作一首流行歌曲需要很多步骤，但每一步都至关重要。
了解你的听众，选择正确的主题，编写好的歌词，创作优秀的音乐组成部分和完美的制作技巧，都对于你开始写作流行音乐部分都有重要的贡献，你可以先尝试着寻找一些流行歌曲，学习它们的音乐结构，然后将这些学习体会应用到你的创新中。
只有保持不断的持续性创作，才能为以后编写更多出色的流行歌曲做准备。
[原创]怎样写歌-教你创作流行歌曲
![[原创]怎样写歌-教你创作流行歌曲](https://img.taocdn.com/s3/m/8c6d72b3ddccda38366baf27.png)
[原创]怎样写歌-教你创作流行歌曲怎样写歌-教你创作流行歌曲怎样写歌-教你创作流行歌曲(1)一)专业与业余音乐人的区别很多感兴趣新学流行音乐作曲的朋友,喜欢张口闭口的说跟我说,"我的流行音乐感觉比你这个专业的强!"这句话,对吗?呵呵,个人觉的很对,但是这个要看站在什么角度上看了,举一个例子,同样是踢足球的人,一个是经过专业训练的,一个是踢野路子的,放在一起比较, 有时候,看上去其实真的差不多.甚至踢野路子的足球技术与意识比专业的还强,但是当11 个专业足球运动员,与11个踢野球的足球运动员相遇时,比赛的结果不用看也知道.........这说明一个什么问题呢?问的好,呵呵,这说明如果你拿自己单个的作品去跟专业的比,真的差别不大,不就是整体差那么一点点儿么,不就是缺点儿好设备吗?如果给我装备,我的作品甚至会比专业的还好,很有牢骚吧,呵呵,但是当你与众多专业音乐人合作时,你会发现你跟本就跟不上他们的音乐思路与专业想法,这时你会发现你空有本事,但没有用武之地,你也不是大腕儿,谁会来迁就你呢?靠本事说话,如果你拿出10首作品与一个搞专业的10首作品进行比较,你就会在各个方面,强烈的感受到自己与专业的差距,不看后期制作的水平,也不听编曲的水平,只听简单的曲子,你也会发现自己写的歌,基本上都在一个音乐范围内打转,10首歌下来,基本上都是一个调调.想变都变不了.而专业的搞出来的作品.音乐色彩斑斓,风格多变,融合贯通了古今中外的很多音乐风格,这个就是专业与业余的最大区别.话说回来,有人就是说"我虽然其他方面比专业的差,但我的流行感觉就是比专业好,写的歌就是比专业的流行"对不对,我也认为非常对,为什么呢?因为专业的概念,不是以偏盖全,人不能只看自己的强项,而忽略了自己的弱项,所谓专业,代表着个人就是要靠音乐吃饭的,流行音乐只是音乐的一种,并不是每个专业的音乐人,都能有机会,全靠给别人写流行歌混饭吃,尤其是现在盗版这么厉害,坦白的说,仅靠几首歌曲的版权费用,根本养不活一个作者,那么专业的要养活自己,还要靠什么?靠市场的需要,需要你明天写出一首广告歌,那你就要晚上加班,明天交稿,需要你写几首民歌,下个星期,有唱民歌的歌手来选作品,那你就要这些日子狂写民歌,需要你过两天写一个晚会的歌,那你就要跟喝白开水似的,马上组织一下,把音乐与晚会主题结合起来,迅速交稿,需要你敲锣打鼓去卖身?% #@*......写的有点儿惨了^_^,总之当需要你写别人急需的东西时,你千万不能说,虽然我的音乐无敌,但我现在没有灵感,等我灵感来了吧,到时我写出来的肯定超级棒,呵呵,除非你是大师级的音乐人,别人会有耐心等你,否则等你写出来,黄花菜都凉了,这也是专业与业余最大的不同.业余与专业的区别还在于,专业的作者写出来的东西,比较稳定,前后作品水准起伏不大, 让人放心,而业余的可能就情绪化多了,水平忽高忽低,今天写的比专业的都专业,明天写的比业余的还业余,想想看,如果你去一个公司上班,老板是选择要一个情绪化的员工好, 还是用一个心理素质稳定的员工好?我想答案是显而易见的..... 好了,以上罗嗦了那么多,可能你看的也厌烦了,(P/S:本来就是的,我只想玩儿流行音乐作曲,其他的别跟我扯蛋^_^).行,马上切入主题,说说怎样进行简单的流行歌曲创作(二)学流行音乐作曲,需要什么样的基础很多人问我,"我喜欢流行音乐,喜欢作曲写歌,可是我没有基础,也没人教我......"很无奈是吧,^_^,其实流行音乐也好,其他音乐也好,作曲本身其实就是没人教的,老师教你的, 或书上教你的,也只是一个怎么来进行作曲的正确方式,写的好坏还是要看个人对音乐的理解感悟能力,作曲这个东西,感性的成分占的比较多,理性的成分相对要少一些,至于需要什么样的基础,什么样的老师......其实爱好就是你最好的老师,俗语说得好"熟读唐诗300首,不会作诗也会溜",说的就是这个意思,你流行歌曲听多了,自己肯定也能哼哼出几句原创的旋律来,无非是好与坏的分别,不同的只是专业的,会把它事后归纳整理,将来会写出一个完整的作品出来,而业余的只会把它用电脑录音的方式记录下来,可以不用作事后的修改整理,也许将来的某一天,不高兴了,就扔回收站里处理了,呵呵,写作方式不同而已,但这些都叫作曲.(三)正常的创作一首流行歌,需要学会什么才行好了,当你也能偶尔溜出一两句不知是什么调调,但至少确信是自己原创的曲子时,会很兴奋吧^_^,那么如何把这个曲子继续下去,让别人也能感觉到你写的这个作品比较完整成熟,听起来比较的专业呢?我想,对原创流行音乐作曲的新手们来说,这个还是最关心的问题吧,呵呵,个人建议就是你要学习一门乐器,最好是钢琴或吉他,要求也不高,能达到自弹自唱的水平就可以了,然后呢,再学点儿乐理知识,要求也不高,知道最基本的概念,知道什么叫和弦,什么叫移调,转调,大小调这些,只要你知道它们大概在书本的哪一页上,等具体哪一个问题不明白,自己随时翻出来看明白就可以了,不需要你死记硬背那些乐理知识,这个已经是最基本要求了,如果还有人问有什么再简单的方法,不用学不用记......嗯,那个嘛,你花钱雇我当枪手吧^_^(四)流行歌曲的正常创作方式 C---Am---F---G 好了,当你会吉他弹唱或钢琴弹唱以后,肯定对和弦有了一个大概了解,翻开乐理书,查查上面这几个和弦分别是由哪些音组成的,大概了解一下,不用死记硬背,因为以后你弹多了这些和弦,自然而然你就记得了,这个是80年代流行歌曲经常用到的和弦行进方式.我最初开始学习弹吉他的第一首歌<>(恰似你的温柔^_^),从头到尾就是这四个和弦弹下来的,新手们可以下载这首歌听听,感觉一下,是不是发现用这四个和弦写歌,对现代的我们来说,很简单,很老套?呵呵,可是现在依然有专业的音乐人爱用这个和弦行进方式写歌,至于效果出来以后,为什么我们听起来不土?不老套?那个是后期编曲制作的水平问题,不需要只想学流行作曲的你来管^_^好了,会了这个简单的和弦行进方式,你再学其他的和弦行进方式,一个行进方式对应一首歌,弹唱流行歌曲的书籍很多,自己找一本练去吧,这样一两个月,你就应该对流行歌曲建立了比较直观的认识与了解了,怎么样,终于知道和弦的好处了吧,恭喜你,你的作曲也入门了,这些就是流行歌曲的正常创作方式,虽然你没有觉察到它,但它确实已经灌输到你的脑子里了^_^,不信吗?那你肯定没去学钢琴或着是吉他弹唱,呵呵,就先写到这里吧怎样写歌-教你创作流行歌曲(2)一)如何快速确立自己的作曲风格睡醒了，继续写，呵呵。
tonica fugata 15作曲方法
tonica fugata 15作曲方法调性逃脱是一种作曲技巧，可以生成大量的音乐素材。
调性逃脱的起源可以追溯到巴赫时期的赞税复调，它通过将旋律和和声合并成一个整体，创造出非常复杂和丰富的音乐作品。
现代音乐中，调性逃脱已经成为一种非常流行的作曲方法，无论是在交响曲还是流行歌曲中都可以看到它的身影。
下面将详细探讨调性逃脱的15种作曲方法。
1.音型串联：这是调性逃脱中最基础的方法之一。
通过将一系列音型连续地串联在一起，创造出富有变化和动态的音乐作品。
这些音型可以根据作曲者的意图自由选择，可以是简单的旋律段落，也可以是复杂的和声结构。
2.轮廓模仿：这种方法通过模仿旋律的轮廓来创造和声和旋律的关联性。
通过在旋律中重复和变化一定的音程和音符，在整个作品中形成一种统一的音乐风格。
3.融合技巧：融合是调性逃脱中非常常用的一种方法。
通过将两个或多个旋律融合在一起，创造出新的旋律和和声。
融合可以是完全的和声叠加，也可以是部分的重叠。
4.随机运用：这是一种较为冒险的调性逃脱方法。
通过使用随机生成的音符和和声，给作品带来一种自由不确定的感觉。
这种方法需要作曲者有较强的音乐感觉和创造力，能够在随机性中找到有趣和富有表现力的音乐元素。
5.反向处理：反向处理是一种将旋律或和声以相反的顺序进行处理的方法。
这种方法可以带给作品一种新颖有趣的变化，增加作品的创造性和表现力。
6.转位处理：转位处理是一种将旋律或和声的音高按照一定规则进行转换的方法。
通过转位处理，原本简单的旋律和和声可以得到更加复杂和丰富的效果。
7.倒影处理：倒影处理是一种将旋律或和声以对称轴进行反转的方法。
通过倒影处理，作曲者可以获得一种镜像对称的音乐效果，增加作品的张力和复杂性。
8.混合处理：混合处理是一种多种调性逃脱方法的综合应用。
通过将不同的调性逃脱方法组合在一起，创造出更加复杂和多变的音乐作品。
9.累进处理：累进处理是一种逐渐增加旋律或和声复杂性的方法。
通过将简单的音乐元素逐步发展成复杂的音乐形式，作品可以具有更强的张力和表现力。
欣赏现代流行音乐中的弦乐器演奏和编曲技巧
欣赏现代流行音乐中的弦乐器演奏和编曲技
巧
在现代流行音乐中，弦乐器演奏和编曲技巧扮演着重要的角色。
弦乐器的声音能够为音乐增添丰富的层次和情感，使得作曲家和编曲家能够创作出让人耳目一新的音乐作品。
本文将深入探讨现代流行音乐中的弦乐器演奏和编曲技巧。
弦乐器是流行音乐中常见的乐器之一，它包括小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴等。
这些乐器具有独特的音色和表达力，在流行音乐中常常被用来表达深情款款的旋律或者是愉悦欢快的节奏。
首先，弦乐器的演奏技巧对于现代流行音乐的打击乐和节奏非常关键。
例如，在一首电子舞曲中，小提琴通常负责演奏高音部分，给音乐增添炽热的激情。
编曲家可以通过增加连奏或者使用颤音等技巧来增强旋律的情感表达，使得音乐更富动感和魅力。
其次，弦乐器的编曲技巧对于现代流行音乐中的和声与和弦构建非常重要。
在一首民谣或者流行歌曲中，大提琴或者低音提琴通常负责演奏和声部分，给音乐增添丰富的底线。
编曲家可以通过使用持续弦音或者弓技巧来营造温暖的氛围，使得音乐更具情感共鸣。
此外，弦乐器的效果特技也是现代流行音乐中不可忽视的一部分。
比如，在一首史诗般的摇滚乐曲中，中提琴可以通过使用扩音器等效果器来营造独特的音色和效果，使得音乐更具戏剧性和张力。
总结起来，现代流行音乐中的弦乐器演奏和编曲技巧对于音乐的创
作和表达具有重要的作用。
通过合理运用弦乐器的演奏技巧，能够为
音乐增添动感和情感；而通过精心编排弦乐器的声部和效果，能够创
造出独特的音乐韵味和效果。
因此，我们要充分欣赏弦乐器在现代流
行音乐中的精彩演奏和编曲技巧，体会其中所蕴含的情感和艺术魅力。
流行歌曲创作的秘诀
流行歌曲创作的秘诀在音乐界中，每年都会有数以百计的新歌发布。
然而，只有一小部分歌曲能够真正走红，成为流行的热门曲目。
对于那些创作更多歌曲并希望他们能获得成功的歌手和作曲家来说，流行歌曲创作的秘诀是什么呢？本文将揭示流行歌曲创作的秘诀，帮助您在音乐创作的道路上获得成功。
1.找到独特的主题流行歌曲通常与人们的情感和经历相关联。
因此，找到一个独特而广泛共鸣的主题非常重要。
这个主题可以是爱情、友谊、失恋、成长等等。
关键是要以一种新颖而引人入胜的方式探索这个主题，使听众可以产生共鸣，并在歌曲中找到自己的影子。
2.创造简单易记的歌词与旋律流行歌曲的特点是简单易懂的歌词和旋律。
这使得歌曲更易于人们吟唱和记忆。
精炼的歌词和明快的旋律是吸引听众的关键。
通过运用富有表现力的词汇和直接表达感情的方式，将故事情节用简洁而有力的方式传达给观众。
3.结合流行的音乐元素流行音乐是不断变化的，它们随着时代的发展而变得越来越多样化。
知道当前流行的音乐元素对于创作一首热门流行歌曲至关重要。
您可以借鉴一些流行音乐的特点，如特定的和弦进行、节奏和乐器编曲，来为自己的歌曲增添现代感。
4.利用社交媒体和流媒体平台在当今数字化的时代，社交媒体和流媒体平台已成为宣传音乐和吸引听众的重要工具。
通过在这些平台上展示自己的音乐作品，并与听众进行互动，您有机会积累更多的粉丝和支持者。
利用这些平台来提高曝光度并与听众建立联系，有助于您的歌曲更快地传播开来。
5.寻找合适的合作伙伴有时，与其他歌手、作曲家或制作人的合作能够产生令人耳目一新的作品。
他们可能带来与您不同的创意和经验，从而丰富您的歌曲创作。
与合适的合作伙伴合作，有助于发现和展示更多的音乐潜力。
流行歌曲创作的秘诀是多方面的，包括找到独特的主题、创作简单易记的歌词和旋律、结合流行的音乐元素、利用社交媒体和流媒体平台以及寻找合适的合作伙伴。
通过这些方法，您有机会创作出更多有趣和受欢迎的流行歌曲。
创作音乐是一种艺术，不要忘记保持原创性和个人风格，以便与众不同并取得成功。
音乐节奏的变化与作曲创作技巧
音乐节奏的变化与作曲创作技巧音乐是人类文化的重要组成部分，而节奏则是音乐中不可或缺的元素之一。
随着时代的演进和音乐风格的变革，音乐节奏也在不断发展和变化。
本文将探讨音乐节奏的变化对作曲创作技巧的影响。
一、古典音乐中的节奏在古典音乐时期，节奏被认为是音乐的基础。
作曲家们注重音乐的规律性和对称性，因此古典音乐中的节奏较为稳定和规范。
例如，巴赫的音乐以其复杂而精确的节奏而闻名，他的作品中节奏的变化主要体现在速度和强度的变化上。
二、浪漫音乐中的节奏随着浪漫主义的兴起，音乐的表现力和情感性成为作曲家们关注的焦点。
浪漫音乐中的节奏变得更加自由和多样化。
作曲家们开始运用不同的节奏模式和节奏变化来表达情感和情绪。
例如，肖邦的作品中常常出现富有个性的节奏变化，从而增加了作品的表现力和独特性。
三、现代音乐中的节奏随着现代音乐的发展，节奏的变化变得更加多样化和复杂化。
现代音乐中的节奏不再局限于传统的拍子和节拍，而是更加注重对音乐的节奏感的追求。
作曲家们开始运用复杂的节奏模式和多层次的节奏变化来创作音乐。
例如，斯特拉文斯基的《春之祭》中就出现了复杂而变化多样的节奏结构，给人一种强烈的动感和冲击力。
四、流行音乐中的节奏流行音乐是大众喜闻乐见的音乐形式，它通常以简单易懂的节奏和旋律为主。
流行音乐中的节奏变化相对较少，更多地注重旋律和歌词的表达。
然而，随着电子音乐的兴起，流行音乐中的节奏也开始变得更加多样化和复杂化。
电子音乐中常常运用各种节奏循环和节奏变化，使音乐更具有吸引力和创新性。
五、节奏对作曲创作技巧的影响音乐节奏的变化对作曲创作技巧有着重要的影响。
不同的节奏模式和节奏变化可以给作品带来不同的氛围和情感。
作曲家们可以通过运用不同的节奏元素来表达自己的创作意图和情感体验。
例如，在快速的节奏中可以表达出紧张和激动的情绪，而慢速的节奏则可以表达出沉静和深沉的情感。
此外，节奏的变化还可以增加作品的吸引力和独特性。
通过巧妙地运用节奏变化，作曲家们可以创造出独特而富有个性的音乐作品。
提升音乐创作效率的五大技巧
提升音乐创作效率的五大技巧音乐创作是一项需要耐心和创造力的艺术。
无论是作曲、编曲还是歌词创作，都需要投入大量的时间和精力。
然而，有时候我们可能会陷入创作的困境中，感觉思绪乱了线，无法产生好的作品。
为了提高音乐创作的效率，以下是五个实用的技巧，帮助你更好地创作音乐。
一、设定明确的目标和时间限制在开始创作之前，设定一个明确的目标是非常重要的。
你可以问自己，我希望创作出什么样的音乐作品？是一首欢快的流行歌曲，还是一段激情四溢的器乐曲？明确目标后，你可以更有针对性地进行创作，避免思绪的散漫。
同时，设定一个时间限制也能够帮助你提高创作效率。
给自己设定一个合理的时间，比如两个小时，专注于创作，不受其他事务的干扰。
这样能够迫使你更加专注，减少拖延的可能性。
二、创建一个创作环境一个良好的创作环境对于提高创作效率非常重要。
你可以选择一个安静、舒适的地方，远离嘈杂的环境和干扰因素。
保持房间整洁，让你的创作空间变得舒适和有序。
此外，合适的工具和设备也是创作的重要因素。
确保你的乐器或设备处于良好的状态，并且能够顺利使用。
如果你是一名电子音乐制作人，可以学习使用专业的音乐软件和设备，提高你的创作效率。
三、寻找灵感的途径创作音乐需要源源不断的灵感。
有时候，我们可能会陷入创作的瓶颈中，感觉无法产生新的创意。
这时候，你可以尝试一些寻找灵感的途径。
听一些新的音乐，探索不同的风格和流派。
参加音乐会或音乐节，与其他音乐人交流和分享。
阅读一些音乐相关的书籍或文章，了解不同的音乐理论和创作方法。
这些都能够帮助你开拓思路，激发创作灵感。
四、制定创作计划和工作流程制定一个创作计划和工作流程能够帮助你更好地组织和安排创作过程。
你可以先进行一些预备工作，如收集素材、整理思路等。
然后，根据你的目标和时间限制，制定一个详细的创作计划，包括每个阶段的时间安排和任务分配。
在创作过程中，你可以采用一些有效的工作流程，如先确定主旋律，再进行编曲或歌词创作。
音乐作曲的旋律发展与变奏手法
音乐作曲的旋律发展与变奏手法音乐作曲是一门充满创造力和想象力的艺术，旋律发展与变奏手法是其中的重要组成部分。
通过对旋律的发展和变奏，作曲家能够创造出独特而丰富的音乐作品，给人们带来无尽的音乐享受。
旋律的发展是指在音乐作品中，通过逐步变化和发展旋律主题，使之更加丰富和生动。
作曲家可以通过改变旋律的音高、节奏、音色等元素，使旋律在音乐作品中不断演变和发展。
例如，贝多芬的《命运交响曲》中的开头旋律，通过不断的重复和变奏，逐渐演变成强烈的音乐表达，给人们带来强烈的感受和震撼。
旋律的变奏是指在音乐作品中，通过对旋律主题进行变化和改编，创造出新的音乐形式和效果。
作曲家可以通过改变旋律的音符顺序、节奏模式、和声伴奏等手法，使旋律变得更加多样化和富有变化。
例如，巴赫的《哥德堡变奏曲》中，他通过对一个简单的主题进行多次变奏和发展，创造出了一部富有变化和想象力的作品。
旋律的发展和变奏手法在音乐作曲中有着广泛的应用。
作曲家可以通过这些手法来表达自己的情感和思想，使音乐作品更加丰富和深入人心。
在古典音乐中，旋律的发展和变奏常常被用于交响乐、奏鸣曲等大型音乐作品中，使之更加富有层次和内涵。
而在流行音乐中，旋律的发展和变奏则常常被用于歌曲的编曲和改编中，使之更加吸引人和耳熟能详。
除了在音乐作品中的应用，旋律的发展和变奏手法也常常被用于音乐教育和演奏中。
学习音乐的人们可以通过学习和演奏旋律的发展和变奏，提高自己的音乐表达能力和创造力。
同时，演奏家们也可以通过对旋律的发展和变奏进行个性化的演绎，使音乐作品更加生动和饱满。
然而，旋律的发展和变奏手法并非一成不变的。
随着时代的变迁和音乐风格的发展，作曲家们也在不断创新和探索新的旋律发展和变奏手法。
例如，现代音乐中的返祖旋律运用和电子音乐中的循环变奏等，都是对传统旋律发展和变奏手法的新的尝试和应用。
这些创新和变化使得音乐作曲的旋律发展和变奏手法更加多样化和丰富，给人们带来了新的音乐体验和感受。
作曲中如何运用音乐的张力和解决
作曲中如何运用音乐的张力和解决音乐是一门艺术，作曲家通过创作音乐来表达自己的情感和思想。
在作曲的过程中，如何运用音乐的张力和解决，是一个非常重要的问题。
本文将从不同的角度来探讨这个问题。
首先，我们来看看什么是音乐的张力。
音乐的张力是指音乐中的紧张感和冲突感，是指音乐中的各种音符、旋律和和声之间的关系。
作曲家可以通过运用不同的音符和和声，来创造出不同的张力。
例如，高音和音符和低音和音符之间的对比，可以产生高低音的张力；和声中的不和谐音符和和谐音符之间的对比，可以产生和声的张力。
作曲家可以根据自己的需要，来运用不同的音符和和声，来创造出不同的张力。
其次，我们来看看如何解决音乐中的张力。
解决音乐中的张力，是指通过一系列的音符和和声，来达到音乐的和谐和平衡。
作曲家可以通过一些技巧和手法，来解决音乐中的张力。
例如，通过音符的重复和变化，可以达到音乐的平衡和和谐；通过和声的转变和变化，可以达到音乐的统一和和谐。
作曲家可以根据自己的需要，来运用不同的技巧和手法，来解决音乐中的张力。
然后，我们来看看作曲中如何运用音乐的张力和解决。
在作曲中，作曲家可以通过创造音乐的张力和解决，来表达自己的情感和思想。
通过创造音乐的张力，作曲家可以表达自己的内心世界和情感；通过解决音乐的张力，作曲家可以表达自己的思考和观点。
作曲家可以根据自己的需要，来运用不同的音符和和声，来创造出不同的张力和解决。
通过运用音乐的张力和解决，作曲家可以创造出独特而丰富的音乐作品。
最后，我们来看看作曲中如何运用音乐的张力和解决的一些实例。
在古典音乐中，贝多芬的《命运交响曲》就是一个很好的例子。
这首交响曲通过创造音乐的张力和解决，来表达人生的起伏和命运的无常。
通过运用不同的音符和和声，贝多芬创造出了强烈的张力和解决，使整个交响曲充满了激情和动力。
在流行音乐中，抒情歌曲《春天里》也是一个很好的例子。
这首歌曲通过创造音乐的张力和解决，来表达爱情的甜蜜和忧伤。
音乐学音乐风格与作曲技巧
音乐学音乐风格与作曲技巧音乐是一门综合性的艺术，包含着多种风格和作曲技巧。
通过学习音乐学，我们可以更好地理解不同的音乐风格，并了解背后的作曲技巧和创作方法。
本文将探讨音乐学中的音乐风格和作曲技巧，并介绍它们对音乐创作的影响。
一、音乐风格音乐风格是指音乐作品在音乐元素、形式、节奏、演奏方式等方面的表现特点和风格特征。
不同的音乐风格代表着不同的音乐文化和时代背景。
音乐学的一个重要任务就是研究和分析各种音乐风格的形成和发展。
1. 古典音乐古典音乐是西方音乐史上一种重要的音乐风格，起源于18世纪欧洲。
它以对称、和谐、规范的音乐结构为特点，注重作品的内在逻辑和情感表达。
古典音乐的作曲技巧包括对调性的运用、形式结构的处理以及音乐表达手法的运用。
贝多芬、莫扎特等都是古典音乐的代表作曲家。
2. 流行音乐流行音乐是一种大众化的音乐风格，强调节奏感和通俗易懂的旋律，能够迅速打动听众。
流行音乐的作曲技巧主要包括简洁明快的和弦进行、重复性的旋律构建和高度商业化的制作手法。
摇滚、流行乐、嘻哈等都是流行音乐的重要流派。
3. 民族音乐民族音乐是不同地域、民族所创作的独特音乐风格，反映着民族文化和民族认同。
不同的民族音乐有着不同的声音特点和表现方式，如中国的古筝音乐、印度的印度音乐等。
民族音乐的作曲技巧通常与特定的乐器和音阶相关，体现了传统的民族音乐表达方式。
二、作曲技巧作曲技巧是艺术家在创作音乐时所运用的技巧和手法。
不同的音乐风格和作曲目的需要不同的技巧来表达。
以下是一些常见的作曲技巧：1. 和声和声是音乐中不同音符同时发声的组合，用于丰富音乐的层次感和和谐感。
作曲家通过和声的运用来创造不同的音乐效果，如和声进行的稳定感、和声处的张力等。
2. 曲式曲式是音乐作品的整体结构，通常由不同的乐章和段落组成。
常见的曲式有奏鸣曲、交响曲、奏鸣曲等。
作曲家通过不同的曲式来组织音乐材料，从而提供对听众的音乐体验。
3. 音色音色是音乐中不同乐器或人声所具有的独特音质。
流行歌曲词曲创作
流行歌曲词曲创作
流行歌曲作曲创作是一个广泛而复杂的领域。
它同时涉及到音乐与文学和创作等诸多方面，从而使得这个领域具有不可预测性和多变性。
但是，虽然有时候这种不可预测性和多变性可能会对创作过程带来挑战，但是如果你能够了解一些专业的流行歌曲作曲创作技巧，你就可以更好的实现自己的音乐梦想。
流行歌曲的词曲创作是一个综合性的创作过程，需要对词曲的结构和形式有所了解，同时与时俱进的熟悉流行音乐的演变和发展趋势。
创作流行歌曲的第一步通常是让音乐人和作家一起讨论，明确主题和内容，这样便能开始展开工作。
在创作流行歌曲的过程中，词和曲的相互作用至关重要。
通常情况下，作曲家会先创作音乐，在此基础上歌手和词作者一起加入歌词和旋律，这样就能更好的实现词曲的结合。
因此，作曲家需要深入了解歌词和主题，这样就能更好的创造出合适的音乐来匹配歌曲的主题和情感。
在创作流行歌曲的过程中，还需要考虑到公众对音乐的接受度。
流行乐观念不断变化，每年都会出现新的潮流，如何满足听众需要是一个难以回避的问题。
因此，作曲家需要始终保持对市场的关注和了
解音乐的发展方向。
另外，运用先进的音乐制作和录音技术也能够提升创作质量。
使用高质量的音频采集设备，对音乐进行制作和混音处理，可以使得歌曲听起来更加动听和引人入胜。
此外，使用数字音频工作站和其他制作软件，可以更好地处理音频和音乐制作的效果，提高录音质量和音乐质量。
总的来说，创作一首好的流行歌曲需要耐心和努力，需要不断学习和探索。
只有对音乐和歌曲有深入的了解，才能够创作出优秀的流行歌曲作品，满足听众的需求并获得广泛认可。
学习如何写歌
如何写歌早期的人用棍子在有槽的木头上敲打，或者敲打头骨，那时的人们已经在写歌了。
随着进化的进程，我们熟悉了比“啊啊”更多的词语，有很好的旋律，并且有成堆的马歇尔音箱在歌曲中表达我们自己像以前一样强大的强烈意愿。
现在向你展示如何做！方法1方法一：聆听大师1从头开始。
开始的是要知道什么最适合自己。
很多作曲家，像彼得·加布里埃尔，在创作出歌曲前他们都写出歌词。
他们会唱出无意义的音节只是为了获得歌词和歌曲融合的感觉。
其中最著名的，历史上大多数被掩埋的歌曲都是这样创作出来的。
作曲家早晨是伴着他脑子里的旋律起床的，并唱着“炒鸡蛋，哦你有如此可爱的腿”伴随着歌词他完成了这首歌曲。
他最终想明白了，那就是保罗·麦卡特尼写的“昨天”这首歌。
举一个关于技巧的好例子，在大约1:40的时寒冷的风更顺候听彼得·加布里埃尔的歌曲。
他的“歌词”听起来就像词语。
别的作曲家先写出歌词，或者和作词家一起工作。
想到理查德•罗杰斯和奥斯卡·汉默斯坦，杰瑞加西亚和罗伯特·亨特，或者乔·斯特拉和米克·琼斯。
很多人觉得行到锄头更加困难，诗歌和歌曲有很大的区别，没有坚实的音乐基础将会有很多障碍需要克服。
不过，当灵感罢工，谁会真的在乎她会先用词或旋律抓住灵感并运用它。
一个作曲家知道如何很好的与作词者一起工作：埃尔顿·约翰，把歌词放到伯尼·托平的音乐中。
当它做的很好，它就非常好！2计算出结构。
大多数歌曲有一个可辨认的公式：开场曲，合唱中的一个或两个音节，两者之间搭建一下，跟着另一个主歌和副歌便创作出来了。
“开场曲”。
这是完全有帮助的，是合唱的一部分，或者有些是完全即兴的。
举个例子，披头士的“岩石浣熊”创作开始于一个爱说话的介绍，描述字符并为歌曲奠定基础。
“韵律”。
这是大多数的歌曲——虽然不一定是最重要的部分。
这是一种阐述，描述一个场景，人或者一种情感。
通常有两个或三个韵律成一排,有相同的音乐结构,相同的韵和诗歌的音步,但有不同的歌词。
- 1、下载文档前请自行甄别文档内容的完整性，平台不提供额外的编辑、内容补充、找答案等附加服务。
- 2、"仅部分预览"的文档,不可在线预览部分如存在完整性等问题,可反馈申请退款(可完整预览的文档不适用该条件!)。
- 3、如文档侵犯您的权益，请联系客服反馈,我们会尽快为您处理(人工客服工作时间：9:00-18:30)。
流行音乐作曲技巧
从事音乐教学这几年来，有很多学生经常问：老师，能不能教我们作曲啊，等等问题，今天，我就把作曲的一写基本技巧和大家分享一下。
首先说明一下，作曲也不要觉得很难啊，但有很多人会唱歌不一定会作曲，作曲做得好的人呢大多都是乐感好，怎样才乐感好呢？其实主要是多听歌，重要的事说三遍：多听歌！多听歌！多听歌！
你学好作曲的理论，不一定你写的歌就好听，理论只是一个让你不出错的工具，至于好不好听完全得靠你对音乐认知的积累。
作曲的话，我给大家举几个例子，举例你能通俗易懂些。
（一）通常的流行音乐一般都四制体（四句一个乐段）的进行，如：A A1 A2 B
我不知道你们理解四制体是什么概念，比如：《菊花台》这首歌：第一句A :你的泪光，
第二句A1 :柔弱中带伤
第三句A2:苍白的月弯弯
第四句B：勾住过往。
以上一个小乐段就有四个小乐句组成，再比如说《童年》，这个大家都熟：
第一句A:
池塘边的榕树上，知了在声声叫着夏天
第二句A1:
操场边的秋千上，只有蝴蝶停在上面
第三句A2:
黑板上老师的粉笔，还在拼命唧唧喳喳写个不停
第四B:
等待着下课，等待着放学，等待游戏的童年。
也是四个乐句组成的一个小乐段，很多流行歌曲都有一定作曲套路，也许你听着“套路”这个词语不好听，其实就是一种创作风格，我想这样你能接受。
有的歌只有三句，其实它的第三句有点长，相当于两小节甚至三个小节，说来也是属于四制体。
不管是三句还是四句的四制体它们有什么特点呢？
它们的特点是：第一句A和第二句A1、第三句A2旋律听上去相象或相近，旋律变化很小，只是变化几个符。
到第四句变化稍有点大，感觉第四句就是对前几句再作总结。
其实副歌作曲也是一样有这个特点。
我建议，平时我们想到一些很好听的旋律，要把它记录下来，不忘录就会浪费了。
(二) 还有一种四制体的形式是：A（起）A（承）B（转）C（总）。
怎么理解“起\承\转\总”，我还是用《童年》来举例吧
比如：第一句A:池塘边的榕树上，
知了在声声叫着夏天（这是一首歌的开始，我们叫起）
第二句A1:操场边的秋千上
只有蝴蝶停在上面（这一句跟开始一句很象，我们叫承）
第三句B:黑板上老师的粉笔
还在拼命唧唧喳喳写个不停（这一句的旋律跟前两句相近的前提下，还有个变化就是过渡，因为要准备过渡到第四句，作总结了，我们叫转）
第四C:等待着下课，等待着放学，等待游戏的童年（这一句旋律就是对前三句总结，所以叫总或者合）
没有听过《童年》的同学可以下载听听，感觉一下才知道。
特别要说第三句，为什么叫转，因为第三句的旋律已经开始有过渡的味道，要准备收尾，很多歌曲都需要这个转，如果不“转”会怎么样呢？收尾会觉得突然，听音乐的人会听起来会觉得你这个旋律怪怪的。
当然，当你有一定创作基础后，音乐的创作有时候根据灵感来，有时候也不受到这些约束，你创作感觉好的时候，旋律与节奏都可能会有些复杂。
比如林俊杰的《记得》，前面四句没有一句相象的。
这说明什么，说明他当时创作时感觉很好灵感很在，没有受到什么约束，很随心地写出当时的情感表达。
作曲是用音符把旋律记录下来，就像文学作者一样，有灵感的时候用文字来创作形成作品，音乐人却用音符记录创作形成作品，摄影师用照片记录生活，不管作曲也好，作文也好，摄影也好，都一定很诚肯，在真实诚肯的基础上凭自己的灵感来抒发情感，当你有一定创作基础了，这样的同学可以不要受框框套套约束，大胆发挥。
把自己的情写出来，情景交融才是最好的作品。
那今天给大家讲这个四制体的作曲技巧，就是在你作曲初期什么头绪都没有的时候，学会一些流行音乐的套路，以后在鉴赏别人的音乐作品时，也能够带着一个作曲创作的思维去欣赏或学习。
当你真正
有创作基础了，也许就不用再受什么拘束，大胆诚肯的带着你的感情去创作，这样才是最好作曲，创作出来的作品才是最有价值的，有的好的作品，也许只有那一瞬间才有那一种情感，我们要学会把它写下来，或者，用手机录音把你那一瞬间想表达的情感用音乐的旋律哼出来，记录好，下来再用音符谱出来。
当然，同学们在作曲的时候，最好会些乐器，比如吉它，钢琴等，这样创作起来会对你有很大的帮助。
好了，今天就说这么多，希望对你有收获。
做音乐，就是要多听歌，要诚肯，要像摄影师一样，能及时捕捉到那一瞬间的情感或情绪，认真做好记录，做出好的作品，相信你能做到，加油！。