略谈中国当代油画色彩的返璞归真
油画色彩的分析和理解,油画色彩的基本知识
油画色彩的分析和理解，油画色彩的基本知识:设计中的色彩是功能和情感的融合表达，在功能的表现上具有一定的共同认知个性（如红色表示警示，白色表示洁静）。
有心理学及相关研究表明：人的视觉器官在观察物体时，最初的20秒内色彩感觉时间占80%，而形体感觉时间占20%；2分钟后色彩占60%，形体占40%；5分钟后各占一半，并且这种状态将继承保持。
可见，色彩不仅给人的印象迅速，更有使人增加识别记忆的作用；它仍是最富情感的表达要素，可因人的情感状态产生多重个性，所以在设计中色彩恰到好处地处理能起到融合表达功能和情感的作用，具有丰硕的表现力和感染力。
据悉，目前手机业务已成为联想团体的三大业务之一，网上调查显示，以往的产品大都为男士所选用，为了开拓手机时尚设计的新风格，联想有意礼聘国际着名的服装设计师、跑车设计师，以及色彩方面的专家介入设计，以使联想手机在个性化设计上成为引领时尚的先锋，换言之，在不抛却男士这块相对较成熟的市场条件下，如何发展女性消费群体成为重头戏。
专家们提倡把色彩进步到一个很重要的地位。
糊口中当消费者购买一部手机时，首先是对其颜色发生爱好，才会有心去仔细了解产品的功能、特性。
假如颜色看不上，那么对于产品的功能就更谈不上去了解了。
由于消费者明白，他所购买的产品将会每天伴跟着他，假如他买一部自己不如意的产品，那么即是是自己跟自己过不去。
所以企业家们都明白，产品再好，色彩设计跟不上，即是自己砸了自己的牌子。
因此产品的颜色是产品促销的一种重要手段。
不同的性别会有不同的色彩选择，而同色调的产品又有着不一样的深刻含义，所以说，色彩在传播信息的过程中，运用了自身独占的特点，诠释着设计师和使用者的不同心声，起到了很好的桥梁作用。
二.色彩的性征研究因前提所限，笔者仅将常见的以下几种颜色作为研究对象，在调查讲演中也是围绕这几种颜色进行展开，下面就根据讲演数据分析和搜集的一些资料逐一说明它们的性别特征（有些颜色未作说明，主要是由于结果分析后的百分比较低，没有说明价值，或者是两性的选择几率相称，属于共有色）。
中国油画对中国画元素借鉴的演变
油画：注重写实， 强调光影效果，追 求立体感
中国画元素在油画 中的表现：将中国 画的意境融入油画 ，形成独特的艺术 风格
意境表达在油画中 的特点：通过光影 、色彩、构图等手 段，表达出中国画 的意境和神韵
03
中国油画对中国画元素的借鉴意义
章节副标题
丰富了中国油画的艺术语言
借鉴了中国画的线条和色彩， 丰富了油画的表现力
促进了的线条、 色彩和构图等元素
丰富了油画的表现形式 和内涵
促进了中西方艺术的交 流与融合
推动了中国画和油画的 创新与发展
04
中国油画对中国画元素的未来发展
章节副标题
油画对中国画元素的创新性借鉴
色彩运用：借鉴中国画的色彩运用，使油画更具有东方韵味 线条表现：借鉴中国画的线条表现，使油画更具有中国画的韵味 构图方式：借鉴中国画的构图方式，使油画更具有中国画的韵味 主题表达：借鉴中国画的主题表达，使油画更具有中国画的韵味
借鉴了中国画的构图和布局， 增强了油画的视觉冲击力
借鉴了中国画的意境和情感， 提升了油画的艺术内涵
借鉴了中国画的题材和主题， 拓宽了油画的表现范围
拓展了中国油画的创作思路
借鉴了中国画的线条和色彩，丰富了油画的表现力 借鉴了中国画的意境和构图，提升了油画的艺术价值 借鉴了中国画的题材和主题，拓宽了油画的创作领域 借鉴了中国画的技法和技巧，提高了油画的表现技巧
解
感谢观看
汇报人：
注重意境
油画色彩： 色彩丰富， 对比强烈，
注重写实
中国画色彩 运用：注重 线条和墨色 的变化，强 调意境和神
韵
油画色彩运 用：注重光 影和色彩的 变化，强调 立体感和真
实感
中国画色彩 特点：淡雅、 含蓄、意境
返璞归真
返璞归真“我喜欢恬淡的画面，让静静的阳光洒在其中。
”我喜欢田黎明的这句话，简单里透着平淡和真诚。
老话说“画品如人品”，他的画真的如人品恬淡，静谧，质朴，单纯。
田黎明的画在绘画形式和语言上确实与传统绘画形式不同，他追求的是最原本，古朴，人心中最真实的东西，同时也是一种高古的人格情怀。
那么是什么铸就了田黎明当代语境下这种朴素的艺术内涵呢。
我们知道中国文化有着两大审美元素，温柔敦厚与平淡天真。
而田黎明向往着“温柔敦厚”的笔墨生存，向往着“平淡天真”的笔墨境界。
它们贮存着中国画的核心，贮存着真、善、美的品与学之境，贮存着审美的文化理想，尤其是中国传统艺术所贮存的人文理想，温柔而天真，敦厚而平淡。
尤其在田黎明的作品中，他将中国古典诗词的文化学识和中国画艺术的精神相融合，让中国画艺术有更加深厚的文学基底，使画面更有内涵。
田黎明最喜欢的诗人就是东晋诗人陶渊明。
飞鸟、菊花、群山是我们经常见到的景象，我们却没有将其放在心中，而陶先生却把这些寻常景通过诗词留在我们心底，使我们更加向往单纯，朴素的自然空间。
这正与田黎明的心性气质相契合，所以他爱读陶翁的诗，爱从他的诗中找到温厚，淡然，归返自然的点。
田黎明的绘画艺术成就和绘画天性的形成，追根溯源，就是他的导师卢沉先生和周思聪先生对他的影响。
这种超越亲情的感情和先生们身体力行的人格魅力,深深感染了田黎明。
田黎明对平常人，平常物，平常景的关注和追求，也就源于卢先生的“得之自然者深，得之学问者浅”。
可见，田黎明绘画中的返璞归真早在心中深深的扎了根。
在漫长的探索中，田黎明一直将“平淡天真”作为自己绘画的学术理念和人文境界，加之生命的体验，修养的积淀，老师水墨现代化之路的影响，形成了田黎明发展道路上的三个自然探索阶段。
一、高古情怀的仰慕20世纪80年代后期，在北京掀起了一股“新文人画”的思潮，田黎明也参加了“全国新文人画展”。
当时的田黎明沉寂在对传统文人们的仰慕精神之中，学院的传统绘画教育理念，成了他飞向自然地翅膀，经过不断的生命体验，1984年创作的《碑林》，在艺术语言、艺术形式上和以前有了很大的不同，通篇田黎明用了纪念碑的形式和“平面浅浮雕”的表现手法表达了对先烈的尊敬。
浅析罗尔纯油画作品的色彩
浅析罗尔纯油画作品的色彩作者：范晓宇来源：《文艺生活·下旬刊》2017年第09期摘要：本文通过对罗尔纯油画作品的色彩分析以及与西方艺术家作品的对比，发现罗尔纯油画作品的色彩非常具有表现性特点，同时善于运用高纯度色彩，罗尔纯对色彩的运用促进了油画多样性的发展。
关键词：色彩；油画；罗尔纯中图分类号：J213 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2017）27-0036-01如果说笔墨是中国画的精髓，那么色彩无疑就是油画的生命。
、罗尔纯是中国第三代油画家代表之一，他早年在苏州美专的学习使他练就了一双慧眼，继承了老师颜文梁运色的传统--把画布当做颜料盘，这种方法增加了颜色的随机性，是真正的把画面作为主体。
罗尔纯早期的油画在用色上相对保守，色彩、色调相对暗沉，他也是当时油画界最早跳出模仿客观的写实模式、探索新方式的艺术家之一。
英国评论家迈克尔·苏立文称罗尔纯的作品似乎把中国油画几十年的清规戒律一扫而光。
①给中国油画带来了一缕耀眼的阳光。
一、表现性色彩罗尔纯的油画第一眼给人的感觉就是鲜艳亮丽、激情澎湃、充满张力，这主要归功于他对颜色有的放矢得运用。
罗尔纯非常喜欢梵高、塞尚等表现主义艺术家的色彩，并深受他们的影响。
表现主义艺术以极大的精神力度打破了传统的艺术规范，反映了西方艺术家主体精神的觉醒。
体现在绘画语言上，就是绘画语言的运用注重表现。
马蒂斯曾说：“我所追求的，最重要的就是表现。
②作品《山间小路》是罗尔纯描绘湖南农村乡间小路的场景，画面中摒弃刻板的素描造型，采用对角线构图将画面分成色彩冷暖不同的两部分，整个画面都用浓烈的颜色来表达，强烈的色彩对比在画面中得到均衡。
鲜红的土地，湛蓝的天空，冷峻的山脉，这一切都绝非自然的客观描摹，罗尔纯用看似不修边幅的笔触将这一切表达在自己的画面中。
湖南的红土地不禁染红了罗尔纯的作品，也浸透了他的赤诚之心，他用充满表现性的色彩，抒发了对家乡的热爱之情。
中国油画对国画元素的借鉴研究中期报告
中国油画对国画元素的借鉴研究中期报告中国油画是中国现代美术中的一种重要创新，它在西方绘画技法的基础上，吸收了中国传统文化的元素，既保留了西方油画的技法特色，也融合了中国画的意境和风格。
其中，中国油画对国画元素的借鉴是其一大特点。
本次研究的目的在于探究中国油画对国画元素的借鉴，解析其在中国现代美术中的历史特点和文化价值。
研究发现，中国油画借鉴了国画的特色，如笔墨意境、构图、色彩和题材等，同时也给国画注入了新的活力和文化内涵。
其中，国画元素在中国油画中的运用主要表现在以下几个方面：一、笔墨意境借鉴中国油画中的笔墨意境借鉴了国画的写意风格，其在绘画中强调表现物象的技法，注重对情感和氛围的表达。
这类作品以灵巧飘逸的线条和墨色润泽的表现手法，强调气韵生动的艺术效果。
这一特点的代表作有徐悲鸿的《奔马》和张大千的《千里江山图》等。
二、构图借鉴中国油画中的构图借鉴国画常用的一些手法，如夸张形态、强调对称、高空视角和大量留白等，这些构图手法能使画面更具视觉冲击力和表现力。
如齐白石的《借景斋花鸟》和林风眠的《山水画》等。
三、色彩借鉴中国油画在使用色彩上也吸收了国画的元素，如运用宋熙文色彩、壁画色彩、水墨色彩等，这些手法使画面色彩鲜明、饱和，别具一格。
王冬麟的《如梦令》和吴冠中的《蒙太奇图》等作品使用了大量的淡雅色彩和水墨效果。
四、题材借鉴中国油画中国传统民俗、历史趣事、景观风光等大量题材进行绘画，这些元素使中国油画与中国传统文化相得益彰。
如徐悲鸿的《黄土高原》和吴湖帆的《寒江漫步图》等。
综上所述，中国油画对国画元素的借鉴不仅是中国现代美术发展的重要历史特点，更是中西文化交流和融合的重要表现；其表现手法在中国现代美术史上也具有重要地位。
读黄润生油画艺术的绘画品质
读黄润生油画艺术的绘画品质黄润生是近些年来一直活跃在油画界的中青年画家，在文化部和中国美协举办的全国性美术大展中屡次获得大奖。
笔者每次有机会在画展、画册、网络上看到他的作品内心是无比激动的。
欣赏他的作品时你会倍感亲切，精到的写实与率性的写意同在一幅画中共处，却又交融为一，相得益彰。
他的作品和自身的努力以及对身边事物细微至深的敏感观察息息相关，这也成就了他的作品风格。
一、精到作品背后的坚守关于黄润生油画作品的精到和細腻他自己如是说：“我很迷恋画面的细节，希望画面能无限丰富又有条不紊。
每次画完一张画总感到身心疲惫又无比幸福。
我特别喜欢中国书画中“写”的意趣，在绘画过程中毛笔是我必不可少的工具。
毛笔的轻重缓急提按顿挫，会出现非常多的偶然效果，而这些偶然效果就像是“神遇”，可遇而不可求。
每次画画就像是探险一样，既有危机四伏的恐惧又有发现绝世仙境的憧憬。
”黄润生的艺术追求道路可谓充满“奇幻色彩”。
七十年代出生在四川广安，上世纪八十年代中师毕业，毕业后分配到当地一所小学当数学老师，当时的老师“身兼多职”不仅要教数学、语文、而且音乐、美术也要教，黄润生就这样接触到了美术，在此之间通过自学考试取得专科文凭。
直到1999年脱产在四川美术学院成人教育学院读教师专升本油画专业二年，2001年毕业后又回到了小学教书。
后来通过不断地学习考到西华师范大学美术学院。
在西华师范大学任教期间持续不断地坚持画画，期间陆陆续续参加了很多中国美协举办的画展，油画作品《夏夜》获得第四届“西部大地情”金奖；《深秋南街图》获得第四届全国青年美术作品展优秀奖；《飞跃LEAP》第十一届全国美展获提名奖，《3009城市景观》入选第十一届全国美展综合材料展等，这些获得更加肯定了他对自己绘画艺术的坚持和探索。
长期的实践积累使得自己熟练地掌握了油彩的特性，对于绘画不断的深入研究和追求，他希望自己能有所更大的突破，便考取了清华大学美术学院的艺术硕士。
在清华大学美术学院三年的学习中，无论在技法锤炼还是在画面认知上都有了些新的收获，硕士毕业后顺利考进成都画院专职画家。
探析油画风景写生中的色彩情感
探析油画风景写生中的色彩情感油画风景写生是一种通过色彩表达情感的艺术形式。
色彩在油画中是非常重要的因素，它能够传达出独特的情感和氛围。
油画风景写生中的色彩情感可以分为以下几个方面探析。
色彩的明暗对比能够传达出不同的情感。
在油画中，通过调整颜色的明暗变化，可以营造出明亮、活泼的氛围，也可以展现出阴暗、沉闷的情感。
在阳光明媚的景色中，明亮的色彩能够传达出温暖、愉悦的情感；而在暮色降临的景色中，阴暗的色彩则会给人一种忧郁、寂寥的感觉。
色彩的饱和度也能够传达情感。
饱和度高的色彩能够给人以强烈、积极的感受，而饱和度低的色彩则会显得柔和、安静。
在油画风景写生中，通过调整色彩的饱和度，可以表达出不同的情感。
使用高度饱和的红色和黄色能够传达出热烈、充满活力的感觉；而使用低饱和度的蓝色和绿色则会给人一种平静、宁静的情感。
冷暖色调也是表达情感的重要手段之一。
冷色调（如蓝色和绿色）能够传达出冷静、沉着的感觉，而暖色调（如红色和黄色）则会给人一种温暖、欢快的感觉。
在油画风景写生中，通过使用不同的冷暖色调，可以营造出不同的情感氛围。
使用蓝色和绿色能够表达出广阔的天空和自然的氛围，给人一种宽广、开阔的感觉；而使用红色和黄色则会给人一种炽热、火热的感觉。
油画风景写生中的色彩情感是通过色彩的明暗对比、饱和度、冷暖色调和明亮度等因素来表达的。
通过巧妙运用这些色彩要素，艺术家能够创造出不同的情感氛围，使观者产生不同的感受和情绪。
色彩在油画中具有独特的表现力，它能够将风景的美丽、情感的丰富直观地呈现在观者面前。
这也是油画风景写生的魅力之一。
返璞归真 如沐春风
返璞归真如沐春风作者：徐溪宏来源：《学园》2013年第23期【摘要】美术教育的更深层面渗透着以人为本的人文精神，这不但有利于陶冶情操、启迪智慧，还能滋养心灵、提高审美能力。
与此同时，美术教育能培养人敏锐的观察力和丰富的感情。
在进行美术教育的实践活动中，活跃的思维和旺盛的创造力能促使受教育者加强思维创新能力，从而获得全面协调的发展。
【关键词】美术教育人文素养审美【中图分类号】G642 【文献标识码】A 【文章编号】1674-4810（2013）23-0062-02一美术教育的内涵美术教育是人类活动的特有产物，它一方面从美术这一文化载体中汲取养分，又通过教育这一特殊的媒介广泛传播出去。
它是一种培养人并具有多个层次的社会文化现象，是人类传播美术思想、美术知识、美术历史和美术技巧的必然手段，也是人们传授造型技能、艺术审美经验和启迪智慧的方式。
早在先秦时期，孔子《论语·述而》中就提出“志于道，据于德，依于仁，游于艺”的修身观，认为艺术与审美活动对人的精神体验起着至关重要的作用。
“游于艺”而致“乐以教和”是孔子对人全面发展的要求，主张个体应当在客观世界的规律中获得全身心的自由。
直至近现代，著名美术教育家蔡元培先生明确提出“以美育代教育”的论说，则将美育推向了一个极其重要的地位，使其开始承载对生命终极关怀的使命。
二美术教育中蕴含的人文素养美术教育这门学科极具人文气息和文化内涵，它关注的是人生，是人的精神世界和灵魂的呼唤，同样也关注人与自然的和谐相处。
美术是人类社会独有的一种精神现象，它所闪耀出的人类智慧的火花以及承载的人文精神素养是人类历史发展进程中不可或缺的有机构成部分。
一部浩瀚无穷的美术史同样也是人类不断认识和洗涤自身心灵历程的具体形象的发展史。
美术作品是人类文化最早的载体之一，古今中外的优秀美术作品无不代表着人类艺术实践活动所取得的杰出成就，运用美术创作的形式来传达思想感情是人类发展历史中一种重要的文化行为。
中国油画民族化的理解
中国油画民族化的理解中国油画民族化是指中国油画在发展过程中逐渐形成独特的民族风格和特色。
油画作为一种西方绘画技法，最早于19世纪传入中国。
起初，中国的油画艺术家主要是模仿西方的绘画风格，缺乏自身的特色和创新。
然而，随着时间的推移，中国油画艺术家开始积极探索，试图将中国传统文化元素融入到油画创作中，从而形成了中国油画民族化的发展趋势。
这一趋势在20世纪上半叶得到了进一步的加强和发展。
中国油画民族化的理念主要体现在以下几个方面：一、题材选择。
中国油画民族化注重表现中国传统文化和民族精神。
艺术家们创作了大量以中国传统题材为主题的作品，如山水画、花鸟画、人物画等。
这些作品通过油画的形式，将中国传统文化的内涵和意境传达给观众。
二、表现手法。
中国油画民族化注重借鉴中国传统绘画的表现手法和技巧。
艺术家们大量使用水墨渲染、写意描绘等中国传统绘画技法，使油画作品更具中国特色。
同时，艺术家们也在色彩运用上进行了创新和探索，使色彩更加鲜艳、丰富，更符合中国人的审美观念。
三、艺术理念。
中国油画民族化提倡独立创新和自我表达。
艺术家们开始关注自身的文化身份和民族精神，通过油画表达自己对中国传统文化的理解和追求。
他们通过创作表达个体的情感和思想，使油画作品更富有个性和艺术性。
四、批判精神。
中国油画民族化也表现出对传统文化的批判和反思。
艺术家们在创作中不断挑战传统的审美观念和艺术形式，试图突破传统的束缚，追求个人独特的艺术表达。
这种批判精神使中国油画民族化不仅仅是对传统文化的传承，更是对传统文化的创新和超越。
中国油画民族化的发展过程充满了艰辛和探索。
艺术家们在传承传统的同时，也不断追求个人的创新和突破。
他们通过艺术创作传达自己对中国传统文化的理解和感悟，使中国油画逐渐形成了自己独特的风格和特色。
中国油画民族化的发展不仅丰富了中国的艺术文化，也为世界艺术注入了新的活力和创意。
中国油画艺术家们通过自己的努力和创作，将中国传统文化与西方绘画技法相结合，创造出了许多优秀的作品，赢得了国内外的赞誉和认可。
色彩在油画艺术中的情感表现
色彩在油画艺术中的情感表现(4篇)第一篇【摘要】色彩的丰富内涵给予了世间万物以不同的视觉观感，也给予艺术家们以创作的灵感。
现代油画艺术以不同于传统的视角审视画中的对象，主张绘画应该注重表现画家内心的情感。
画家的思想情感通过巧妙搭配融合的色彩凝结在作品中感染着观者。
【关键词】现代油画；色彩；情感表现现代油画艺术对色彩的运用灵活自由，不受客观事物真实形象的束缚，画家根据自身情感表达的需要从主观上选择合适的色彩。
画家如此便赋予了色彩以情感。
色彩的情感表现源于色彩在视觉方面的特质。
一、色彩的内涵及特质众多颜色包括无彩色和有彩色。
无彩色包含黑色，白色和各种深浅不一的灰色。
无彩色不具备色相和纯度的性质，只具备明度的性质。
明度越低，越接近于黑色，明度越高，越接近于白色。
有彩色是红橙黄绿青蓝紫等颜色，具备色相，纯度，明度三大因素。
色相是颜色区分的类别，即是颜色的名称。
纯度是色彩的纯净程度，含有色比例越高，色彩纯度越大，含有色比例越低，纯度越小。
明度是指色彩的明亮程度。
同一种色彩处在强光下明度高，处在弱光下则明度低显得灰暗。
颜色不同明度也不同。
在纯色中，黄色的明度最高，蓝紫色的明度最低，红、绿色为中间明度。
两种不同的颜色组合在一起会产生对比。
两者色相的差别大小会导致对比的效果不同。
例如一种色相的不同明度或不同纯度的对比，即同类色对比。
它的对比效果形成统一的风格，给人一种安静，稳重和高雅的感觉，但是有的时候也会因为单调显得缺乏活力。
又如红与蓝绿对比这种补色对比，会产生令人目眩，强烈有力的视觉效果，也同样有不协调感觉的可能。
二、现代油画的艺术主张油画在诞生之初是写实主义风格，后经过时代的发展变化，人们逐渐强调主观表现事物在绘画中的重要性。
后印象主义绘画常用较为强烈的色彩的对比，描绘事物的内部结构进而表达自己内心的感受。
后印象主义油画是是现代油画的先驱，在这以后便开始了油画的新纪元。
现代油画打破了事物表面形象对创作的桎梏，使画作成为含有情感的艺术品。
中国油画的艺术特色与当代价值
中国油画的艺术特色与当代价值油画作为一种重要的艺术形式，在中国的发展历程中也有着独特的特点和价值。
中国油画的艺术特色与当代价值，可以从多个角度来探讨。
一、风格特点中国油画的艺术特色主要表现为深厚的文化积淀，融合了中国传统文化与西方现代艺术的元素，呈现出独具特色的风格。
首先，中国油画注重表现主题和思想内涵。
传统文化的价值观和道德伦理基因在其中融合，通过对人物、风景、静物等不同题材的创作，呈现出深刻的社会意义和内在精神。
这种价值观多少影响了油画的神韵。
其次，中国油画在技法和表现手法上也有着自己的独特之处。
在色彩运用上，艺术家喜欢使用柔和的渐变色和清晰的黑白色彩来表现形态感和表情情绪。
此外还会融入中国的传统山水、人物和花鸟画等元素，形成国画与油画交融的独特艺术风格。
二、当代价值中国油画在当代的价值主要包括以下方面：1. 保存历史文化遗产油画是一种艺术形式，在表现历史人物、文化遗产和社会风情等方面有着重要的作用。
中国油画艺术家以独特的角度对历史文化进行了阐释和表达，保存了许多取之不尽的文化元素。
2. 反映当代社会现实中国油画不仅在传承历史文化方面有价值，还能通过表现当代社会现实，展现人们在经济、文化和个人生活等方面的体验。
艺术家通过油画表现出个体与社会的互动，反映出现代人的矛盾和压力。
3. 推动艺术创新发展中国油画艺术家在传统基础上勇于创新，在表现手法和技巧上不断突破，提高了油画的艺术表现力和观赏性。
同时，在与国外艺术家交流和互动中，中国油画也能更好地吸收和融合西方先进的艺术理念与风格。
结语中国油画的艺术特色与当代价值，在当今社会中有了更广泛的发展空间。
以油画为代表的艺术形式，不断地吸收和融合新的艺术形式，注入更多中国的文化元素和传统价值观，可以更好地表达出当代人的思想感受和内在需求，同时也为我们保留了许多珍贵的民族文化遗产。
中国当下油画色彩平面化语言表现分析
中国当下油画色彩平面化语言表现分析随着社会的发展和文化的交流，中国当代油画在艺术语言和表现形式上正在不断发展和完善。
色彩平面化是中国当代油画中一个重要的艺术表现手法。
本文将就中国当下油画色彩平面化语言表现进行分析和阐述。
一、色彩平面化的表现特点色彩平面化是指画家以平面的形式表现色彩，不再追求真实的透视和立体感，而是强调色彩在画面中的平面感和装饰感。
色彩平面化在20世纪初兴起于西方艺术，而在中国油画中的表现形式有所不同。
中国当代油画中的色彩平面化表现具有以下特点：1. 艳丽夺目的色彩在中国当代油画中，色彩平面化往往表现为鲜艳夺目的色彩，画家通过对色彩的处理和搭配，使得画面呈现出生动活泼、丰富多彩的视觉效果。
这种饱和度高、明亮的色彩给人以视觉冲击，强烈的表现出了画家对色彩的独特理解和运用。
2. 极简主义的构图在色彩平面化的表现中，画家往往采用简洁、明快的构图风格，将画面的各个色块、形状简化至最基本的表现形式，去除了繁复的细节，突出了整体的色彩氛围和构图结构。
这种简约的构图使得画面更加平面化，增强了色彩本身的表现力和视觉强度。
3. 艺术装饰的风格特征色彩平面化在中国当代油画中呈现出浓厚的艺术装饰的风格特征。
画家通过对色彩的运用和表现，将画面转化为一种装饰性的艺术形式，面对平面，大面积对色彩的调配直接包含了对美的诉求，使得画面在表现形式和观赏性上更具魅力。
色彩平面化作为中国当代油画中的一种重要艺术表现手法，具有丰富的表现意义，反映了当代社会和文化的特点，突显了画家对当代艺术表达形式的理解和创新。
1. 反映现代生活和文化氛围色彩平面化在中国当代油画中的表现形式鲜明地反映了现代生活和文化氛围。
随着社会的发展和经济的繁荣，人们的审美需求发生了巨大的变化，对于丰富多彩的生活方式和多元化的文化体验有着更多的追求。
色彩平面化的艺术表现形式正是对这种现代生活和文化氛围的一种艺术表达，通过鲜艳夺目的色彩和简洁明快的构图，使得画面更加贴近现代人的审美情趣，反映了当代生活和文化的多样性和活力。
常书鸿油画作品中东方意蕴的艺术语言
常书鸿油画作品中东方意蕴的艺术语言常书鸿（1899-1977）是中国现代艺术史上一位重要的油画家和美术教育家，他的作品常常融合了东方传统的意蕴与西方油画技法，形成了独特的艺术风格。
在常书鸿的油画作品中，我们可以深刻地感受到东方文化的独特魅力和艺术语言，他巧妙地运用线条、色彩和意境，展现了东方文化中的深邃内涵和神秘气息。
下面将从线条、色彩和意境三个方面来探讨常书鸿油画作品中东方意蕴的艺术语言。
在常书鸿的油画作品中，线条是他表现东方意蕴的重要手段之一。
常书鸿擅长用线条勾勒出中国传统文化中所蕴含的情感与哲思，他的线条起伏跌宕，有时柔美如水，有时刚劲有力，这种线条的表现力延伸至整幅画面之中，构成了一种独特的韵律美。
比如他的《柳暗花明》系列作品中，常书鸿用线条勾勒出蒙古草原上起伏的山丘，流畅的线条勾勒出了大漠孤烟的壮阔景象，呈现出中国传统山水画的意境，体现出东方文化中对自然景色的崇敬和敬畏之情。
常书鸿的油画作品中色彩的运用也是他表现东方意蕴的重要手段之一。
他善于用深邃的色彩搭配来营造出东方文化中独特的神秘氛围，让人感受到东方文化中情感的内敛与含蓄。
比如他的《汉宫秋月》系列作品中，常书鸿运用了深邃的蓝色和苍翠的绿色，营造出了宫殿深邃的夜色和清辉明月的神秘意境，使人仿佛置身于古代宫殿之中，感受到了中国古代帝王文化的厚重与神秘。
他的色彩运用犹如中国古代绘画中的渲染技法，将东方文化中富有内涵的色彩韵味表现得淋漓尽致。
在常书鸿的油画作品中，意境的营造更是他表现东方意蕴的精髓所在。
他的作品常常带有一种超脱尘世的意蕴，让人不由自主地沉浸感悟生命的意义和价值。
比如他的《佛宫新景》系列作品中，常书鸿通过线条和色彩的流畅运用，表现出了佛宫的神秘之美和超凡脱俗的气质，引领观者进入了一种超然物外的心灵体验。
他的作品中所展现的意蕴，经常具有一种禅意的意境，让人感受到东方文化中对心灵境界的追求和超脱世俗的向往。
常书鸿的油画作品中蕴含着丰富的东方意蕴，他通过线条、色彩和意境的运用，将东方文化中的深邃内涵和神秘气息表现得淋漓尽致。
色彩在油画创作中的作用及情感表现
色彩在油画创作中的作用及情感表现油画是一种以色彩为主要表现手段的艺术形式。
色彩在油画创作中具有非常重要的作用，不仅可以表达画家的个人情感和情感表达方式，也能够从艺术观赏者的角度来启迪观念，引起共鸣。
本篇文章将探讨色彩在油画创作中的作用及情感表现。
1. 表现事物的色彩和光影效果油画的色彩和光影效果是其最基础的表现手段，通过色彩的运用可以创造出各种不同的视觉效果，从而使观者产生不同的感受。
如笔者擅长的写实油画中，色彩可以表现事物的质感和光泽、强化光影的对比及景物的深度和透明感，营造出真实感。
2. 表达艺术家的情感和主题油画的色彩还可以表达艺术家的情感和主题，艺术家通过色彩来传达内心的感受和思想。
如梵高的《星夜》中，他使用了鲜艳明亮的色彩来展现他内心对夜空的热爱和对宇宙的浪漫想象，同时表达了对自然的感激和对宇宙奥秘的追求。
通过色彩让观者更加深刻地理解他的主题和感受。
3. 建立画面的氛围和情感油画的色彩可以通过氛围、色调和明暗来营造出某种情感和氛围。
如沙特尔的《午后的船》，他使用了浓重的蓝色和灰色搭配出安静、沉淀的氛围，表现出休闲、宁静的河景。
有时色彩也可以被运用于表现一种风格特征，如梵高的滴状笔触和鲜艳明快的色彩所特有的印象派风格。
色彩在油画中还可以表达各种不同的情感和情绪，创作者常常可以运用不同色彩来表现不同的情感状态。
1. 红色红色常常被用来表现强烈的情感，如愤怒、执着、爱情等。
如范高《星空》中通过红色浓郁的笔触和色调表达出他对宇宙的热情和梦想。
同时红色也可以传递出痛苦、悲伤的情感，如埃尔·格雷科的《藤蔓》中，用怒放的红花来代表女主人公的热情，但她却在浅灰色的背景中坠入了悲痛之中。
2. 黄色和橙色黄色和橙色是比较明快的颜色，经常被用来表现希望和欢愉。
如文森特·范高的《向日葵》中，油画中央用大量的黄色花朵呈现繁华生机，表现出对活力和美好的向往。
3. 蓝色蓝色常常被用来表现深度、内省和沉思，如毕加索的《蓝色时期》中，使用了深沉静谧的蓝色，表达了他压抑的心情和对未来的不安。
中国当代油画的“弱色”情结
浅谈中国当代油画的“弱色”情结>摘要：中国当代油画中对色彩的取向趋于多元化，经过多层次调和，稳定而微妙的低饱和度色彩在其中占了很大的比重。
从中国传统文化根源及中国艺术的发展分析中国艺术家的“弱色”情结，能更深的了解中国艺术的当代性。
一、有关弱色彩假如把色彩跟旋律中的高低音对应起来，色彩也有它的色值、色阶。
相对纯度高、明度高的色彩来说，我们姑且把低纯度、低明度、经过多层次调和的色彩称之为弱色彩。
西方漫长的古典绘画以素描关系带动并强化色彩的感染力，但形总是优先于色彩，而色彩只不过是体现、加强形的一种手段。
在印象主义引领的“色彩解放时代”，绘画的本质以及色彩的本质都在变化并逐步走向心灵和回归情感，色彩在绘画中焕发了更卓越的力量。
二、当代生活是当代人色彩取向的根源色彩除了诸如波长、明度、纯度等的物理属性外，社会属性也就是时代性与地域性等因素，是中国当代艺术产生“弱色”情结的关键。
在原始社会，动物血的红色，植物的绿色，矿物的研磨色应该是时代的特征色，随着历史车轮的碾过，各个时代的色彩必然也会因为各种因素发生着变化和更新。
当代社会是一个多元共生、加速发展、知识信息剧增的社会，其色彩的主调也必将是复杂和无序的，“弱色”恰好弱化和协调了这种矛盾性，在中国这个特征表现尤为明显。
每个民族都拥有自己独特的文化、生活及审美习惯，绘画也概莫能外。
因此油画进入中国就决定了它将融合中国的传统绘画形式。
中国传统画的“灰调”特征是很明显的。
首先，表现在其主要材料“墨”上。
中国画为什么要用墨色表现呢？老子云：“玄之又玄，众妙之门。
”玄色即墨色。
陈传席也在其《中国山水画史》中说：“老庄对于色彩主张‘素朴玄化’，反对错金镂彩，绚丽灿烂，老子‘五色令人目盲’，庄子‘五色乱目’，‘故素也者，谓其无所与杂也’‘，朴素而天下莫能与之争美’”。
影响所至，早期具有隐士思想的画家也摒区绚丽的‘五色’，取而代之的是‘素朴’的水墨山水画。
这种根植于中国人骨子里的“素色”观念也必然会影响到舶来的油画画种的色彩样式。
论忻东旺油画作品中的色彩语言
论忻东旺油画作品中的色彩语言
忻东旺是一位中国当代油画大师，他的作品融合了西方绘画技法和中国传统文化元素，形成独具特色的风格。
其中，色彩是忻东旺作品中一个非常重要的元素，下面就让我们来
探究一下他的色彩语言。
忻东旺的作品色彩非常鲜明浓郁，运用色彩对场景进行表现和符号化。
在他的作品中，颜色不仅是一种视觉效果，更是一种代表情感的表现。
比如在他的《桃源仙境》作品中，
通过用淡雅的绿色和粉色搭配，展现出一种优美和神秘的仙境气息，让观者体验到一种静
谧和梦幻的感受。
在忻东旺的作品中，颜色的运用是非常独特的。
他通常运用强烈的色彩对比度，以达
到画面的强烈感染力。
比如在他的《黄河之滨》作品中，黄河的水色和天空的蓝色形成了
强烈的对比，造成了画面的远近感和空间感，更加强调了景观的宏阔和震撼力。
忻东旺的作品中也经常使用暖色调和冷色调的对立，这种对立可以加深画面中的人物
和物体的表现力，更加突出表情和情感的表现。
在他的《假山若琴》作品中，通过使用红
色和蓝色的对比运用，强调出人物的激情和自由，让观者感受到这个画面的激情和张力。
总体来说，忻东旺的色彩语言非常独特，他用色彩将情感和思想表达得淋漓尽致，在
作品中描绘出一个丰富的深刻感和世界观。
无论是从色调还是饱和度，忻东旺的作品都非
常独树一帜。
他善于在画面中创造大气磅礴的场面，用色彩让人拥有一种强烈的精神共鸣。
忻东旺的色彩语言可以说是他作品中的一张张炫丽的名片，展现出他独具创意的表达方式
和无限的想象力，让观众感受到艺术的内在魅力和超越维度的精神追求。
浅谈色彩情感在现代油画创作中的表现论文
浅谈色彩情感在现代油画创作中的表现论文1 油画创作中色彩的基本概况1.1 色彩情感表现的基本内涵色彩作为一种特殊的油画表现语言，其本身是不能够表现出思想和情感的，但是人们却能够从油画的画面色彩当中感受到某种情感。
这种感受源于人们对生活的体验，源于人们对视觉经验的积累。
一旦人们的经验和油画中的色彩产生了一定共鸣的时候，则会充分左右欣赏者的情感，使其产生兴奋、激动、恐惧等情绪，从而产生了一种情感表现。
1.2 色彩与人之间的关系随着社会的不断发展，人们开始对色彩产生了不同的理解和认识，并且对色彩所产生的问题有了自己更为深入的理解和体会。
康定斯基曾经在其文章《论艺术精神》当中这样表述过：“当我们提到色彩的时候，就会在思想上浮现出两大类，首先是一种鲜明和暗淡的，其次便是冷与暖的。
”因此，在色彩与人类之间的关系上，我们可以分为以下几种：首先是由理论家、学者创造出来的一系列系统的色彩理论和相关体系;其次是生活中的色彩无处不在，人们对客观存在的色彩都会有最为直接的审美体验，因此人们对色彩的喜爱和熟悉程度都成了一种较为普遍的现象;最后由于社会的进步，新的材料、科学技术等的发展，从而科学家和艺术家不断创新，提供了一系列丰富的色彩经验。
1.3 色彩在油画情感表现中的重要性色彩承载了太多人类精神上的升华，并搭建了人与人心灵之间进行沟通的桥梁。
在一定程度上，色彩不仅仅勾画和形象地表现了事物的外部特点，而且还能够充分体现画家对世界的理解和自身的生活体验，进而揭示了创作者丰富的内心世界。
色彩拥有丰富的内涵特点，它融合了艺术家对生活的认识、理念、价值观，而且还结合了各类信息，形成了自己独有的表现体系。
这种体系的表现则会在一定程度上会与观赏者的心灵产生共鸣，从而引起人们的联想，油画创作在运用这种体系进行表现和创作时，会使创作者所表现的画面更具审美功能，而且能更好地表现和传达书法创作者所要表达的情感体验。
1.4 色彩的情感传达方式阿尔艾姆曾经对色彩作出这样的评论：“大脑中的许多秘密都是通过人们的眼睛表现出来的，眼睛是对外部信息进行首次加工的重要场所。
从传统审美角度阐述当代中国画笔墨存在的必要性
045当代水墨人物画创作该如何保持传统笔墨的精髓是我一直以来关心的问题，也是一直在努力解决的问题。
在天津美术学院的八年学习过程中，对传统绘画及现代创作略有研究。
本文通过自己的一些粗浅理解，从中国传统审美角度探索这一问题，在明白了中国画的本质和内在文化精神的基础上谈谈如何保持笔墨的独特性，论述当代中国画创作中笔墨的重要性和必要性。
一、中国传统绘画的特点绘画是中华传统文化中非常重要的一部分，它成长于中华民族的文化土壤之中，历经数千年的漫长历史，形成了独树一帜的艺术风格，具备鲜明的民族特征，并被历代画家发扬光大。
中国画是中华民族悠久而又博大精深的历史文化的体现，也是民族精神和民族气质的象征，它以独特的审美格调和艺术特色屹立于世界艺术之林，在数千年的发展中，形成了一套独特的理论体系和笔墨程式，这种体系与中国哲学思想紧密相关，或者说中国画不是简单的画种，而是中华文化的另一种表现形式。
中国绘画艺术从一开始就不单纯拘泥于绘画对象的外表形似，而更强调神似。
所谓“画意不画形”，形似只有外表的逼真，神似才能表现内在的本质精神。
这也是中国画最本质的特征，画面中的物体不是真实存在的物体，只是借助大自然景象来表达画家心中的想法，不受光影和空间的限制，只是参考对象，画出的是作者本人的向往。
清代画论家笪重光说过，“妙在虚实相生，无画处皆成妙景”。
虚实相生就像中国太极思想，阴柔并用，阳中有阴，阴中有阳，互生互动。
黄宾虹的绘画是表达中国古代易经思想最成功、最集中、最典型的杰作。
笔墨让中国画有了独特的审美效果，这种效果表面上是一种画面呈现的视觉效果，实际上则是承载了中华民族深刻的民族精神。
中国画不应该命名为“水墨画”，“水墨”的含义是为了与油画、版画、水彩的命名方式趋近，同样使用媒介来命名，让人们更容易理解接受这一画种，但究其根本，这种东西不是真实存在的物体，可以理解为一种特殊的画面构成，一种表现语言，亦可称为一种精神内涵。
笔墨，让中国画有了血肉，从古至今每一幅佳作都是作者用笔墨情怀来向观众诉说某种情绪。
浅谈油画调色之并置法
浅谈油画调色之并置法浅谈油画调色之并置法油画调色是油画技法中一个很重要的步骤，要是调色失败，那么自己也不能绘制出一幅理想的作品。
油画调色的方法是多种多样的，为了能更加深刻的了解油画调色的知识，我们把这些方法一一进行讲解，下面要讲的是油画调色方法中的并置法。
一起来了解吧。
油画调色的并置法就是把二种或多数颜色并列在一起，让他们通过空间和视觉生理混合，从而达到自己想要的色彩效果。
比如红、蓝小色点排列在一起时，从远处看，他是紫色的。
这种通过视觉生理混合得到的色彩是比较活跃、跳动和富有空气感的，当然是这相对在调色板混合出来的颜色而言。
油画颜色不调用清水,调出来的颜色不会流动、渗代。
容易保持清晰的笔触和色块(色点)的形状,可以象镶嵌画似的一笔笔、一块块地拼接,在一定的距离上看起来,形成完整的色彩形象。
所以在油画调色中色采并置的方法是比较常见的.。
在古典绘画中，散涂笔法的出现已经具有色彩并置的含义，不过当时的画家还没有认识到这个色彩理论。
很多年前还是有很多画家还用色彩并置法的，比如十八世纪法国画家毕托、十九世纪的德拉克洛瓦所运用的分离笔法。
到了后面新印象派、印象派画家，根据色彩的光学原理开始自觉地、大量地使用色彩并置的方法，使色彩并置发展成为一种专门的油画技法。
这种油画技法，在描绘、阳光的相互辉映的光色气氛,显得特别有表现力。
色彩并置的方法很容易获得一种装饰效果。
新印象派代表画家修拉的作品,带有明显的装饰趣味。
后面，很多画家都用到了色彩并置法，如纳比派画家波纳尔的点状小笔触、画家凡高所使用的条状笔触、奥地利维也纳分离派画家克里姆特用色点组成的风景画等。
上面就是油画调色并置法的相关知识点，当然这只是提到了一个大概，想了解这个并置法具体内容，可以到网上查阅更多这方面的知识点，想要熟练的掌握这个技法并不是一件很简单的事情，在掌握基础知识的同时，要自己多练习，从练习中去参透色彩并置法其中的奥秘及技巧所在。
油画绘制是一门艺术，希望越来越多的人喜他，并把这门技术传递下去。
当代人物油画然后鉴赏100字
当代人物油画然后鉴赏100字
1、《牧歌》高原草场的背景辽阔无垠，色彩简明、单纯，从内容与形式上突出画面中心的人物；用色沉稳不跳脱，因而红润的面庞更加显眼，晶莹的双眸盛满丰富的情意。
优秀的光影涂染加持了画面的质感，光线追随人物的正面，将朴实的藏民形象烘托得干净、利落，细腻的笔触描绘劳作的痕迹，画家以此向观者传递他对人物肯定与赞美。
2、《藏族小哥俩》虞升这一系列展现高原民族图影的油画，蕴含有牧歌生活的情调。
他的创作出发点是反映真实，而真实的力量一旦突破某个阈值，就从真实中现出美了。
画家首先做到了对描绘群体的特质与生活的真实把握。
他敏锐地捕捉到高原生活给予藏民群体的痕迹，除了物质性的描绘如民族特色的衣物首饰、紧紧跟随的牛马、劳作的工具，还有人物那昂扬的走姿，黝黑健康的皮肤，更有怡然自得、天真坚毅的神态。
3、《回家》碧空苍原，起居劳作，人的自由体现在对客观世界的熟稔与把控，对好坏、福祸之事的胸有成竹。
人物画不同于肖像画，肖像只要一个面孔，再多几分神韵；人物画却要艺术家展现描绘对象的整个生活，需要细节的组织，对表现群体的深刻体察，使得观者认为画中人物是正在生活的、正在经历一些事情的。
虞升做到了这一点，因此他作品中的人物给人以气完神足之感，在真实的基础上，人物内心的温柔、善意、淳朴，便也自然地显露，“活”起来了。
描绘生活之真，挖掘性情之善，最终形成虞升油画作品至
诚的动人之美。