尤伦斯当代艺术中心(UCCA)国际国内艺术家四大展览
罗伯特·劳森伯格：跨越图像与现成品的界限
罗伯特·劳森伯格：跨越图像与现成品的界限作者：杨晨来源：《中国摄影》2016年第06期尤伦斯当代艺术中心（UCCA）于2016年6月12日至8月21日在大展厅呈现大型展览“劳森伯格在中国”，展出美国艺术大师罗伯特·劳森伯格（Robert Rauschenberg ， 1925—2008年）的巨作《四分之一英里画作》（The 1/4 Mile or 2 Furlong Piece， 1981—1998年），该作品由190部分组成，长度约305米。
这是该作品自2000年以来的首次展出。
劳森伯格的一系列拍摄于1982年访问中国期间的彩色照片《〈中国夏宫〉研究》（1983年）也同时展出。
而此次距劳森伯格1985年在中国美术馆的划时代性的展览“劳生柏作品国际巡回展”已经时隔30年，当年的展览被认为是与国内美术界的“85美术新潮”的运动不谋而合。
在1980年代的中国，迫切的想要了解西方，了解我们之外的世界。
当时的我们津津乐道却又道听途说着马塞尔·杜尚的“现成品艺术”、杰克逊·波洛克的行动绘画、伊夫·克莱因坠入虚空的行为、约瑟夫·博伊斯的社会雕塑，以及安迪·沃霍尔的丝网印刷。
而劳森伯格在中国美术馆为国人带来了一次伟大的、跨越媒介限制以及意识形态的真实接触。
据统计，展览开幕式当天约有9000人的到访，而在接下去一个月的展期中，大约先后有30万人参观了展览，不出意外地收获了众多的质疑，迷惑以及热爱。
本次展览的主打作品《四分之一英里画作》可视为一件独立的回顾性作品，创作历程横跨17年，反映劳森伯格创作生涯中几乎全部的重要主题，如“白色绘画”“混合体”“纸板箱”“过剩”等系列，其中很多是由现成图像组成的拼贴作品或艺术家的摄影作品。
时过境迁，如今我们这样回顾他，认为他是打破诸多媒介平台的先驱，同时也完全跨越了生活与艺术之间的藩篱。
绘画、摄影、雕塑、丝网、综合材料、舞台布景、服装道具、声音装置等都在其涉猎的范围之中。
尤伦期VS今日美术馆
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张永和
双访张永和：警惕与诊断近期，时代周报与南方都市报分别对张永和进行了专访。
张表达了两个非常鲜明的观点，一是“对中国热衷奇观性建筑十分警惕”，二是“建筑师该把城市的病症说出来、说清楚”……其一：我对中国热衷奇观性建筑十分警惕时代周报张永和。
建筑师，建筑教育家，非常建筑工作室主持建筑师；美国注册建筑师；美国伯克利加利福尼亚大学建筑系硕士；北京大学建筑学研究中心负责人、教授；2002年美国哈佛大学设计研究院丹下健三教授教席；2005年9月就任美国麻省理工学院（MIT）建筑系主任。
张永和一张嘴，就是胡同味儿，悠悠的带着儿化音，说什么都像跟你商量，漫不经心地抖个包袱。
他把“设计”这个词完完整整地念成“shè jì”，那个“计”字决不发轻声，似是要强调两个字皆有含义。
让他给自己的讲座起名字，他说就叫“设一个计”。
一开始，人们说，这是“张开济的儿子”，后来张永和做出了二分宅、席殊书屋，最终成了普利兹克奖评委团里的首位中国面孔，大家才改口说“张开济是张永和的父亲”。
9月30日，《张永和：唯物主义》作品展在北京尤伦斯当代艺术中心（UCCA）开幕，除了建筑之外，也有张永和在其他领域的设计作品。
挫折感强烈的那些年1993年到1996年这三年之间，张永和都在中国美国两边跑，忙了3年，“什么事也没干成”。
那是张永和挫折感特别厉害的时候。
“我觉得不行，两边跑，教书我也不踏实，对不起学生，国内业务我也顾不好，所以我最终决定回到北京。
”他刚从国外回来时，很少有人懂他的设计。
刚回国的那几年，方案做了很多，却还是没有建筑做出来。
结果，张永和的第一个建筑是自己的住宅。
半年里他和夫人鲁力佳做了四五个设计，只有一个盖成了，而且是只画了个草图，就被人拿去盖了，结果—“可想而知，一塌糊涂。
”张永和的挫折感更强了。
后来他发现中国不承认个人，只认公司，又回到美国后就注册了一个公司，花了7.5美元。
公司需要个名字，因为那时候他们老盖不成房，鲁力佳就开玩笑说取名叫“非建筑”吧，也就是无建筑的意思。
基于IMC理论的奢侈品体验营销传播分析——以CHAUMET为例
基于IMC理论的奢侈品体验营销传播分析——以CHAUMET为例摘要：本文通过对CHAUMET尚美巴黎于2021年金秋在北京三里屯太古里举办的“Tiara Dream冠冕绮梦沉浸式互动体验大展”进行整体的活动复盘，从实际操作的角度去展示整合营销传播理论如何在最新传播媒介及科技手段的背景下，进行实际商业传播活动。
本次论文通过文献研究发和描述性研究法，得出CHAUMET的本次活动运用整合营销传播的全渠道传播，多方位沉浸式体验与消费者沟通，持续强化品牌的优势产品在商品高度重合时代下的独有性，为品牌在消费者心智的占领及长期发展建立坚实基础。
关键词：奢侈品；整合营销传播；体验式营销；CHAUMET尚美巴黎一、绪论（一）研究背景自从2020年初新冠疫情肆虐以来，奢侈品行业所受的影响，不仅体现在销量的减少方面，而且被疫情影响后，商品的传播模式也发生了改变。
整合营销传播自20世纪80年代提出到90年后传入中国，虽短短几十年的理论，却能够广泛地应用在各行业的商品市场部和广告公司的商业运营中。
各大奢侈品牌在维系自身调性的基础上，同样也在拥抱整合营销传播理论，从各个方面进行产品整合营销，在以与消费者沟通的前提下，立足于企业的长远发展为长线目标，进行营销活动，让企业长久获益。
（二）研究主要内容以IMC整合营销传播理论作为基础视角，针对时尚产业中的传统奢侈品，对其品牌进行全方位、全链路地分析当前奢侈品市场活动状况，将顶级珠宝奢侈品牌CHAUMET开展的——Tirara Dream冠冕绮梦沉浸式互动体验大展，作为具体案例进行分析，通过实践策略和整体的活动效果呈现，从整合营销传播的角度进行拆解，阐述时尚奢侈品在后疫情时代是怎样展开市场活动。
在对于整合营销传播理论的过往研究及梳理后，确定基本活动思路，以“消费者建立有效沟通为基础”，“统一品牌对外传播口径为根本”，“高度整合并互通多渠道为手段”，达到让受众认识品牌并能有实际销售转化且长久在公众心中产生影响，达到让品牌长远地收益本次活动。
国庆节的国内外艺术展览推荐
国庆节的国内外艺术展览推荐国庆节是中国的重要节日之一，不仅是庆祝国家成立的日子，也是人们放松、旅游的好时机。
正值国庆佳节，很多艺术展览也将在国内外举行，为观众呈现精彩纷呈的艺术盛宴。
本文将为您推荐几个值得关注的国内外艺术展览，让您在假日里充分享受艺术之美。
国内展览推荐1. 北京艺术博览会时间：10月1日至10月7日地点：中国国际展览中心简介：北京艺术博览会是中国最大的国际艺术展览盛会之一，每年都吸引了众多艺术品收藏家、艺术家和观众的关注。
展览涵盖了从古代文物到现代艺术品的各个领域，为观众展示了丰富多样的艺术作品。
2. 上海国际艺术博览会时间：9月30日至10月3日地点：上海展览中心简介：上海国际艺术博览会（SH Contemporary）是中国最具规模和影响力的国际当代艺术博览会之一。
展览将展示当代艺术家的最新作品，同时也为艺术家、收藏家和观众提供一个交流和合作的平台。
3. 成都国际摄影展时间：10月1日至10月15日地点：成都现代美术馆简介：成都国际摄影展是中国西南地区最重要的摄影艺术盛会之一。
展览将展示本土和国际摄影师的作品，从不同的视角呈现摄影艺术的多样性和魅力。
国外展览推荐1. 纽约现代艺术博物馆（MoMA）展览时间：9月30日至10月31日地点：纽约现代艺术博物馆简介：纽约现代艺术博物馆是全球最重要的现代艺术博物馆之一，其展览以世界级艺术家的作品为主，展示了不同时期和风格的艺术。
2. 巴黎卢浮宫博物馆展览时间：9月30日至10月31日地点：巴黎卢浮宫简介：巴黎卢浮宫博物馆是世界上最著名的艺术博物馆之一，拥有丰富的艺术珍品。
展览将展示从古埃及艺术到现代绘画的各个时期的艺术作品，为观众提供了一次跨越时空的艺术之旅。
3. 伦敦大英博物馆展览时间：9月30日至10月31日地点：伦敦大英博物馆简介：伦敦大英博物馆是世界上最大的博物馆之一，收藏了来自世界各地的珍贵文物。
展览将展示各个文化背景下的艺术作品，让观众领略不同文明的独特之美。
85新潮
1985年前后，上山下乡回城的知青一代在思想解放、伤痕文艺、对人性和人道主义的反思等方面已经结束。后面的新一代人主要出生于五十年代后期、六十年代初，他们试图在西方的现代哲学和先锋派艺术的学习背景下，真正将中国的思想和文艺提升到现代派的世界水平。新一代人迅速占据各大出版社和媒体，出版翻译介绍各种西方现代派哲学和文艺，那个时候中国还没有加入国际版权条约，学术著作的翻译和出版很随便，短短数年间就在社会上出现了现代派出版热，这个气候影响了年轻一代艺术家。
参与过’85新潮的一些中坚力量或者积极分子有不少已经成为现在的社会主流，’89大展组委会中担任联络的范迪安已是中国美术馆馆长，负责宣传的费大为现在是尤伦斯美术馆馆长，在1980年代中期以“父亲”出名的罗中立已是重庆市文联主席、中国美术家协会副主席、四川美院院长，1980年代末还在各地流浪的王广义已是艺术明星和千万级富翁。一些重要的批评家像栗宪庭已被江湖尊为教父。
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85新潮是由当时美研所的一些批评家命名的，这些批评家以美研所主办的《中国美术报》为阵地，在1985年到1989年的四年间，不断介绍欧美现代艺术，并在头版头条上介绍年轻一代的前卫艺术。现在著名的一些艺术家像罗中立、王广义等都是在这几年间脱颖而出的。严格地说，’85新潮并非一个艺术流派，主要是一场艺术运动。这个运动实际上也是1980年代精英文化运动的社会大潮的一个支流。
前几天在798工厂尤伦斯美术馆的’85新潮展览的开幕式，是一个只有达官贵人、中外资本家和艺术名流入场的新贵聚会，正式叫法是“VIP酒会”。而18年前曾使一代青年热血沸腾不顾一切的新潮作品则像文物一样被安上了玻璃罩子，供中外新贵把玩。’85美术新潮走到这一步，实际上是真正收场并神话终结的标志。按照法国哲学家布尔迪厄的象征资本理论，一代人通过反叛获得代表一个时代文化姿态的资格，成为那一代人的形象符号，这就是象征资本。象征资本到竞价转卖的资本市场，就能出售变成现金。确信无疑的是，今天，’85新潮已成为一个金字招牌，具有市场交换价值。
日本设计师原研哉ppt课件
三：“设计的诸相”。展现的是原研哉横跨各个时期的包装、标 识、书装以及海报的实物设计作品，其中包括在中国的各个项目作品， 把时期不同、对象不同的实物设计作品集于一堂，这对于原研哉自己 都可以说是个反观进而反思的大好机会。
由于原研哉是大学教授，又是美术教材的编者，所
以不少中小学的美术教师也受邀观展，得以与原研哉共同 探讨艺术教育的话题。希望可以通过为美术教师提供观展、 交流的机会，让美术教师将设计的理念和美学感悟传递给 更多的孩子。
• 展览的主要目的是 展示“平面设计的空 间到底有多大”。世 界正在飞速变化，设 计界亦如此。在宏观 层面，平面设计是应 该积极主动地去给自 己制造机会，去主动 尝试平面设计在未来 能以什么样的方式渗 透到更广泛的领域中 去。
原研哉简介
•在银座松屋百货更新设计中，横跨 空间到平面实践整体设计的方向。 在梅田医院指示标志设计画中，则 表现出触觉在视觉传达中的可能性。
•知识点二：原研哉主持的设计 项目及其策划的展览
主持的项目
1998：长野冬季奥运开、闭幕式节目纪念册，展现了 深植日本文化原的设计理念。
2001：银座松屋百货再造项目， 横跨空间到平面实践整 体设计的方向。
位于山口县光市区的梅田医院，是 一所妇科和小儿科的专门医院。医 院是由建筑设计师隈研吾设计的， 原研哉先生负责该医院的标识系统 （VI系统）。
•
建筑师隈研吾曾设计过山口县的梅田医院，那是一所
产科和小儿科专科医院。事后，他介绍原研哉设计医院的
中国十大民营美术馆
中国十大民营美术馆作者：卢娜周珍来源：《财富生活》2017年第08期北京尤伦斯当代艺术中心尤伦斯当代艺术中心（UCCA）是一座服务于公众，独立的公益性艺术机构，位于北京798艺术区核心地带，于2007年由比利时收藏家尤伦斯夫妇创建。
根据统计，UCCA已举办逾90场艺术展览、吸引了超过150万人次的观众。
另外，尤伦斯当代艺术中心的艺术商店作为全国最好的艺术设计类纪念品商店，也为798浓厚的当代艺术商业倾向提供了重要的语境平衡。
作为中国展览制造的先锋，UCCA不仅为许多国内知名艺术家举办个展，还支持了一批国内最重要的策展项目，比如2007年的“85新潮：中国第一次当代艺术运动”、2009年的“中坚：新世纪中国艺术的八个关键形象”以及2013年鲍栋和孙冬冬的标志性展览“ON/OFF”等等。
同时，作为国际性的艺术机构，UCCA亦是一个向本土观众介绍和展示如奥拉维尔·埃利亚松、提诺·赛格尔、宫岛达男、泰伦·西蒙、斯特林·鲁比等国外杰出艺术家的创作的重要平台。
地址：北京798艺术区开放时间：周二至周日10：00-19：00（周一闭馆）上海龙美术馆龙美术馆是由中国收藏家刘益谦、王薇夫妇创办的私立美术馆，目前在上海浦东和徐汇滨江同时拥有两个大规模的场馆——龙美术馆（浦东馆）和龙美术馆（西岸馆），构成独特的“一城两馆”的艺术生态，重庆馆也于2016年5月底开幕，“两城三馆”的艺术构架是目前国内最具规模和收藏实力的私立美术馆。
作为国际知名的艺术品收藏家，刘益谦、王薇的收藏涵盖中国传统艺术、现当代艺术、“红色经典”艺术，以及亚洲和欧美的当代艺术等各种门类。
开馆第一年，海量藏品的库房就此闻名。
如今，美术馆开始展示一批优异的原创作品，其中徐震、丁乙的个展已成为中国艺术年历的重要亮点。
除去这些最新的当代艺术委托项目以外，龙美术馆的地下层还藏有大量传统水墨画及现代中国油画。
地址：（浦东馆）上海市浦东新区罗山路2255弄210号；（西岸馆）上海市徐汇区龙腾大道3398号开放时间：（浦东馆）周二至周日10：00-17：30，16：30停止入场；周一闭馆。
云观影一场艺术院线在线化的实践
14影视制作15影视制作白凌雁：柏林电影节选片往往偏重政治性，具有较强的社会性，有一部分也很实验。
今年新总监上任，影片类型更多元了，从竞赛单元的选片就可以看出，《删除历史》《西伯利亚》都是很大胆、很挑战的选择。
二月末柏林电影节期间，“和观云影院”顺势策划了一期“柏林女子”主题放映，选取了这两年部分由和观映像引进的柏林电影节获奖作品，具有话题性，契合时事，能够引起多数观众的共情或者讨论，作为初期选片策展的标准之一，先引起关注，将潜在的观众聚集起来。
其次是选取的艺术电影要相对普世，观影门槛不能过高。
我们希望能通过“和观云影院”培养普通观众对于艺术电影的兴趣，打破普通观众对于艺术电影的刻板印象，传达艺术电影的态度。
在很多没有接触艺术电影的观众眼里，艺术电影是实验的、缓慢的、冗长的、无趣的、孤立的，事实上艺术电影也确实存在观影门槛，有一些影片背后所附加的庞杂的文化背景和知识体系，作者电影背后导演想要阐释的种种理念情感，常常是横跨在电影和观众之间的鸿沟。
由浅入深，先从信息量较小的影片入手，配合映后嘉宾的专业解说，能够让观众从多角度更深入的了解所观看的电影，一个原本枯燥的镜头经过解说变得鲜活，模糊的情节变得更清晰有力。
观众理解了，感兴趣了，持续的观影欲望自然而然被调动起来。
与此同时，在同各个合作方的合作中，我们的选片标准也在发生变化，比如说同折叠宇宙的云观影合作，折叠宇宙针对科幻的定位包容性很强，所以我们选取了不同类型的科幻题材；同极地光影合作则根据他们的特质挑选了北欧制片的艺术电影，策划“北欧黑色幽默电影赏”；同CNEX 合作的纪录片专场“窥探人生”也收获了很多好评，尤其是顾晓刚导演做客的《种植人生》“放映厅”，气氛很火热。
同时这些不同主题的观众也在融合，科幻迷对纪录片也有了兴趣，北欧控开始关注亚洲艺术电影，观众自行细分了艺术电影的整体框架，解锁适合自己的新类型。
对于这一新形式的云影展来说，我们现在还没有特别固定的选片标准，在选片策展前，先确定我们想要吸引的是哪部分观众，能否成功到达，可以转化哪部分观众，能邀请哪些映后嘉宾进行前中后期的效果评估……有很多因素都在左右最终的选片 果，需要不断调试。
一位天才的诞生——毕加索作品展亮相尤伦斯当代艺术中心
一位天才的诞生——毕加索作品展亮相尤伦斯当代艺术中心作者：暂无来源：《艺术品鉴》 2019年第7期供图 UCCA尤伦斯当代艺术中心作为现代艺术史上最为大胆、最具原创性、最为多产的天才画家，毕加索的盛名，不仅因为他创作了《亚威农的少女》《格尔尼卡》等传世杰作，更因他有着丰沛的创造力和多姿多彩的生活。
毕加索留下了大量多层面的艺术作品，在绘画、素描之外，还包括雕刻、陶器、版画、舞台服装等造型表现。
对于作品，毕加索说：“我的每一幅画中都装有我的血，这就是我的画的含义。
”2019年6月15日，一个令人期待许久的展览《毕加索——一位天才的诞生》在北京798艺术区开幕。
由UCCA尤伦斯当代艺术中心和国立巴黎毕加索博物馆合作呈现的这次大展，为中国的观众带来了世界上最重要的毕加索画作收藏。
展览基于国立巴黎毕加索博物馆的馆藏，从中精心挑选出103件作品，全面回顾毕加索创作生涯的前三十年，力求呈现出毕加索从早期到中期的艺术成长经历。
此次展览由国立巴黎毕加索博物馆藏品总监艾米利娅·菲利普策划，并专为此次在中国于UCCA的呈现而进行构思设计与组织，囊括34件绘画、14件雕塑以及55件纸上作品。
展览所呈现的作品涵盖了青年毕加索的艺术发现与酝酿时期，其风格经历了从学徒时代的学院派现实主义，到战后向古典风格的回归；从蓝色时期和粉色时期交替出现的忧郁和情感相关主题，到他具有开创性的原始主义探索等诸多变化。
与惯常将毕加索的艺术生涯简化为一系列严格定义和相互封闭的创作时期的策展方式有所不同，此次展览在不同创作阶段之间保留了开放性和穿越性的视角，由此呈现同时存在于毕加索身上多种看似矛盾的艺术语言，也使观众得以体察这些艺术风格转变背后的历史与个人生活现实。
“毕加索——一位天才的诞生”划分为六个不同章节：“早期毕加索”聚焦于毕加索自童年时期开始的创作及艺术家早期受到的影响，在这一阶段，他创作了《戴帽子的男人》（1895）和《古典雕塑石膏像写生习作》（1893-1894）；在“蓝色和粉色毕加索”阶段，艺术家放弃模仿前辈的后印象派绘画风格，转而塑造真正意义上最早的个人风格，并逐渐确立了最初的艺术身份，其作品包括《疯子》（1905）和《兄弟俩》（1906）；“驱魔人毕加索：《阿维尼翁的少女》的革命”展现了艺术家简化形式和空间的探索，在寻找、发明新的艺术语言的过程中，他创作了《自画像》（1906）等作品，并孕育杰作《阿维尼翁的少女》（纽约现代艺术博物馆，1907），开启了一场彻底改变二十世纪艺术的革命；“立体主义者毕加索”中，艺术家对“标志物”等符号元素的运用催生出了立体派作品，如《弹曼陀林的男子》（1911）和《壁炉旁的男人》（1916）；“多变毕加索”着眼于艺术家对古典的致敬、引用与革新，《恋人》（1919）、《习作》（1920）等作均展现出毕加索独特的艺术探索，艺术家为俄罗斯芭蕾舞团出品的舞剧《三角帽》（1919）设计的舞台布景、服装和幕布亦在这一部分中呈现；展览的最后部分展示了艺术家1927年至1972年较为晚期的一系列杰出绘画和雕塑作品，这些作品清晰地展示了毕加索青年时期的艺术实验所产生的影响，亦勾勒出贯穿他创作生涯的主题与基本原则。
Z世代为何选择“看展式社交”？
Z世代为何选择“看展式社交”？暑假，各大博物馆、美术馆的展览一票难求。
深圳博物馆的三星堆展览、广东省博物馆的宋元书画大展、广东美术馆的意大利当代雕塑艺术展……越来越多的年轻人选择展馆作为他们休闲娱乐的好去处。
室外骄阳似火，室内热情洋溢，两相对比，更觉得这种热潮“来势汹汹”。
文：张诗溦 图：本刊资料库2022年“莫瑞吉奥·卡特兰：愿你在此”展览现场 参赛者与观众共同感受《足球场》这件作品带来的热烈氛围图源：UCCA尤伦斯当代艺术中心“看展式社交”热度几何“看展式社交”这类新兴生活方式有多受欢迎，数据最能直观体现。
SAAS 服务商“在艺云”发布的《艺术产业数字化发展报告》显示，自2019年9月以来，画廊、美术馆线下预约观展超过100万人次，30岁以下的用户占56%，40岁以下占81%。
2021年全国博物馆举办展览3.6万场，接待观众近8亿人次，其中主要人群为青少年群体。
今年1－5月，最受欢迎景区前10类中，博物馆、展览馆排在第4名，“95后”预订博物馆的订单占比达到25%。
由此可见，“看展式社交”不是虚假的泡沫，而是一场真真切切由年轻人发起的“新生活革命”。
顾名思义，“看展式社交”就是约上三五好友，逛各种好看、有趣的展，或是打卡创意设计，或是体验新奇活动，一边看展、交流，一边在社交媒体上发布动态，使得看展的社交属性不断增强。
为何选择“看展式社交”“看展式社交”兴起的原因肯定是多方面的。
经济基础决定上层建筑，当一个国家或是社会经济发展到了一定水平，精神需求就会日益增长，看各类展览就是其中一个外在的体现；近几年，国家对文化建设的重视有目共睹，各地争当“博物馆之城”，将建立美术馆的数量纳入地方考核指标，平均不到两天就有一家博物馆建成开放，以及平均每25万人拥有一家博物馆的发展目标的实现，才使得大量看展的活动有了物理的空间；社交媒体的兴起也让“明星效应”大大增强，许多人会去明星看过的展览“打卡”“朝圣”；“文化创意与策划”“策展”“文物与博物馆学”专业的相继设立，也为社会的文化产业发展输送了一大批中坚力量；在当下的大环境背景下，年轻人自发地用更多的方式去探索自己的城市，“附近游”兴起，“新周末经济”模式悄然产生……近现代艺术呈现的高度提纯和极端抽象并不会让年轻人打退堂鼓，伍子钊或许是许多人的缩影。
俱乐部——焦兴涛雕塑展
焦兴涛这个户外的展览空间特别让人印象深刻，体量巨大的红色的建筑框架，把头顶上的天空划分成田字格，有一种“降临”的剧场感。
我觉得“俱”“乐”“部”三个字的原意特别好，艺术，如果能让大家都快乐起来，无论如何总算有些“用处”，虽然“有用”又有什么用……“太空奇谈”UCCA沙丘美术馆展览现场 图片由“UCCA 尤伦斯当代艺术中心提供”田霏宇 韩馨逸 胡伟 陈哲 于伯公（排名不分先后，按发言顺序排列）作为2021年UCCA 沙丘美术馆呈现的首个展览，展览“太空奇谈”汇集了国内外12位（组）具有广阔“行星视野”的艺术家，涵盖装置、影像、行为、摄影等多媒介作品。
本次展览通过基于“行星意识”创作的作品为观众勾勒出一幅宏大的宇宙图景。
面对当下人类文明不断加速运行所制造的离散身份，参展艺术家通过实践追索集体无意识的形成，对人类的自我认知、现行社会运转机制和未来发展范式等议题展开了探讨和反思……李敏敏虽然设计研究者对于设计与社会的关系，即究竟是设计是置身于社会之中，还是并列于社会之侧，仍然存在争论，但是，可以肯定的是，设计与社会从来不曾分离。
因而，在设计的研究中必定要整合社会科学的框架，而社会学的视野、理论与方法必然是其中的一个重要部分。
设计不仅构成了人类社会的物质性创造，也参与了人类社会意义系统的建构……俱乐部——焦兴涛雕塑作品展The Club—The Sculptural Works of Jiao Xingtao焦兴涛 Jiao XingtaoAbstract: In The Club—The Sculptural Works of Jiao Xingtao , Jiao Xingtao has created the vague and open rhetoric to encourage everyone to participate in the exhibition. The humorous and joyful works also include the embrace of reality. This exhibition is full of various “signals” of urban life, which depict interpersonal relationships and relations between people and space, between people and the world; also, this exhibition freezes a miniature of social spectacle. Everyone can be temporary actors of this exhibition, becoming members of the club, and rehearsing the future based on the past.Keywords: public art, urban life, social spectacle俱乐部——焦兴涛雕塑作品展2020年12月18日—2021年5月1日策展人：卢征远学术主持：隋建国主办单位：OCAT 、上海浦江华侨城展览地点：上海中意文化广场摘要：在“俱乐部——焦兴涛雕塑作品展”中，艺术家焦兴涛营造了模糊而开放的修辞来欢迎每个人的参与，在充满幽默和欢乐的作品中夹杂着对现实的拥抱。
萨拉·莫里斯的奥德赛
萨拉·莫里斯的奥德赛作者：暂无来源：《北方美术（天津美术学院学报）》 2018年第6期编者按：萨拉·莫里斯是一位出生于英国的70 后，目前工作、生活于纽约。
此次展览她将自己的绘画和影像并置于展厅中，将整个展览制成了一件装置，所构造的影片和绘画之间反复徘徊的分裂感，令观众仿佛置身迷宫。
展览中最让中国观众感兴趣的作品无疑是影像《北京》。
这部作品拍摄于2008 年奥运会期间的北京，它以一位外国人的视角记录了正在经历变化的中国，观众可以从中了解一些外国人对中国的理解。
莫里斯在接受记者采访时如此描述她的作品：“我觉得《北京》中的有些时刻给人留下一种不安的感觉，有些时刻又非常美丽，充满了欢庆，而它也的确带有对于未来惴惴不安的视角，而我们的当下正在面对这些问题。
”这或许也是她对中国的整体印象。
尤伦斯当代艺术中心（UCCA）于3 月24 日至6 月17日推出个展“萨拉·莫里斯：奥德赛”。
此次展览在全球范围内首次完整展出艺术家萨拉·莫里斯的全部影像作品，共十四部。
这些影像作品呈现艺术家在一系列空间进行的开放性探索，这些空间逐渐成型于萨拉对建筑、主体、情境和日常运转方式的全面概览中。
所有影像置于一个为展览特别设计的、原为工厂厂房的UCCA 大展厅中，另外，萨拉的绘画、素描和一件专为UCCA 大展厅设计的巨幅墙上绘画组成了影像的宏大背景。
展览名称暗示萨拉·莫里斯创作轨迹也可以十年为计量标准来进行划分，正如特洛伊战争持续了十年，而奥德修斯则漂泊了十年才回到家乡伊萨卡：莫里斯于1998 年拍摄其首部作品《中城》，2008 年她拍摄了影片《北京》，而在2018 年，她回到了这座激发了其创作《北京》这部影片与数幅绘画的城市。
她的艺术创作过程同样是奥德赛式的，其间充满了无数异国旅行，也历经了与试图迫使她改变既定航线的人、事、权力之间的反复纠缠。
萨拉·莫里斯的绘画与其影像作品齐头并进，艺术家将之称为一枚硬币的两面。
重要的不是找钱：—份来自UCCA的筹款清单
圆桌Table Talk尤伦斯当代艺术中心的筹款渠道主要包括四个，第一个是个人捐赠；第二个是晚宴及慈善义拍；第三个是自造血；第四个是企业赞助、政府拨款。
重要的不是找钱：一份来自UCCA的筹款清单记者：王金坪近几年，伴随着民营美术馆兴建热潮而来的，是大部分美术馆运营资金捉襟见肘的困境。
毕竟，偌大一个美术馆，日常运营、人员工资、行政开支、硬件建设、媒体宣传、公共教育活动、展览项目等耗资不菲，如果美术馆全年对外开放，并且按时更新展览，即使是每年几千万元的预算，仍需要精打细算。
在中国，民营美术馆运营所需的巨额资金往往来自于创建者或者所属企业，比如大量的地产企业旗下美术馆运营资金多来自地产企。
UCCA成，近几年创，在，UCCA。
目前，这，赞助理事会不仅带，。
当然，本着开放和自愿，是美术，最有，去年UCCA组织，整合。
，UCCA；应有些；帮；在艺。
，UCCA会举办年度庆典晚宴和筹款拍卖会，所有到场的嘉宾需要捐桌子费。
举办筹款拍卖会的目的是为馆内的公共教育项目筹款，拍品均来源于艺术家捐赠。
此前的三届慈善晚宴均是由尤洋操刀的，起初他并不关心能筹到多少钱，只是尝试建立一个模式。
但是，结果远远超出了预期，根据UCCA网站的信息显示，第一届晚宴筹到了四五十万，第二届筹到了156万，第三届筹到900万，占到年度运营成本的15%。
参加宴会的主力最初是赞助理事会的50名成员，他们为晚宴带来了各界的朋友。
第一年的晚宴规模大概是140人；第二年增加至300人，炙手可热，一桌难求；2014年由于空间不足，仅能容纳340席位，导致当夜UCCA爆满。
对于很多企业或者画廊来说，他们需要买一整桌，以便于带着艺术家或者收藏家朋友参加，晚宴的诱惑源于在座的300多位嘉宾，他们是中国当代艺术圈最核心的资源。
而对于UCCA来说，通过整合社会资源，既完成了美术馆在文化上的研究，又完成了筹款任务。
UCCA创始人尤伦斯男爵夫妇。
，为真正的文。
，UCCA 设置多个会员，会员、电影打折、在商，但是UCCA 的，仅限于租给商业。
曹斐：时代舞台
曹斐：时代舞台Cao Fei: Staging the Era曹斐 田霏宇 Cao Fei Philip TinariAbstract: “Cao Fei: Staging the Era” is first major solo show in China and largest and most comprehensive career retrospective to date assembles works from the artist’s two decade-long career. As one of China’s most prominent contemporary artists, Cao Fei uses multimedia formats—film, video, virtual reality, and installation—to surreally depict the dramatic social changes of a globalizing China and the state of the individual under such conditions.Keywords: retrospective, era, transformation曹斐：时代舞台2021年3月12日—6月6日展览地点：UCCA 尤伦斯当代艺术中心摘要：“曹斐：时代舞台”是艺术家曹斐迄今为止规模最大、最为全面的回顾展，也是于中国大陆举办的首个机构个展, 展览对其过去二十多年的创作实践和艺术发展脉络进行集中呈现与梳理。
作为中国最杰出的当代艺术家之一，曹斐运用影像、戏剧、虚拟现实技术和装置等多元媒介，以超现实的表现方法反映了全球化浪潮下中国社会的时代变迁，以及社会疾速发展对个体生活的影响。
关键词：回顾展，时代，变迁1- 2“曹斐：时代舞台”UCCA 尤伦斯当代艺术中心展览现场图片由UCCA 尤伦斯当代艺术中心提供图片摄影：Stefen Chow42Copyright©博看网 . All Rights Reserved.艺术家，那时候当代艺术离我很远，我想成为更可见的电影导演，我当时其实是误闯进入当代艺术领域的。
经典文本的空间化叙事-UCCA尤伦斯“寒夜”群展
在新媒体艺术日益发展的今天，艺术作品的呈现形式已不再局限于架上或是平面化，这极大地改变了传统艺术的叙事方式，传递了崭新的艺术理念。
声光电的应用与时间、空间完美结合，使得观者产生更为丰富的视听感受，从而与艺术作品或装置发生更为紧密的联系和更为深刻的互动。
借助数字媒体多样化的表现形式，艺术家们得以将目光投向更为广阔的天地，从大千世界的横轴，追溯至浩瀚历史的纵轴，从天文地理，到文史哲学，艺术的边界由着重“美术”一门，到熔音乐、摄影、电影等多门狭义学科于一炉，实现跨学科的融汇与交流，表达变得更为丰富自由。
文学作品具有漫长的叙事线索，而艺术展览着重于片段式的截取和叙述，二者如何实现跨媒介的对话，采用怎样的艺术语言，如何将文本空间平移到展览空间，是值得我们探讨和研究的问题。
尤伦斯当代艺术中心（UCCA ）于2017年9月15日至12月17日举办的群展“寒夜”，立足于著名文学家巴金先生的经典同名小说，邀请四位青年新锐艺术家——陈轴、刘诗园、娜布其、李然进入文本，揣摩主要人物的心理与情感状态，以作品人物的视角，进行一场“创作——扮演”式的艺术实验，与观者实现一种跨越时空的交流。
在创作过程中，艺术家们保持沟通，在角色关系中彼此回应。
展览最终呈现的，既是艺术家对于人物处境的理解，也是对自身现状的反观。
巴金的小说《寒夜》，故事发生于20世纪40年代的重庆，讲述了一个知识分子家庭在国家危难和社会变革之间动荡不定直至分崩离析的故事。
主人公文宣、妻子树生、妻子情人奉光、文宣母亲四人之间产生了种种剪不断理还乱的纠葛与波折。
以小见大，以个人的命运起伏暗喻着时代的光辉与暗影。
艺术家陈轴“扮演”的是男主人公文宣——一位为了生计不得不放弃理想而与现实妥协的郁郁不得志的文人，虽本性憨厚纯良，但总摆脱不掉悲剧性的影子，在社会与家庭的夹缝中委曲求全。
陈轴基于人物性格和际遇创作出的影像作品名为《蓝洞》，作品分为视频和装置两部分。
视频反映了当代年轻人生活与沟通几乎完全依赖手机的现状，大家在社交软件上频频收发讯息，却从没有真正进入彼此的生活，靠近彼此的内心，看似近在咫尺，实则貌合神离。
国际理解教育在美术学科中的渗透
国际理解教育在美术学科中的渗透1.陈垠2.曾渝杰1.成都市龙泉驿区同安中学校四川成都 6101002.成都市龙泉驿区第四小学校四川成都 610100摘要：如今我们所处的是开放的时代，在国际理解中除了语言的交流，视觉艺术也占据了相对重要的位置。
《全日制义务教育美术课程标准》指出，美术以视觉形象承载和表达人的思想观念、情感态度和审美趣味，丰富人类的精神和物质世界，美术教学内容应使学生初步了解中外优秀美术作品的文化价值。
因此我们在初中美术教学中渗透国际理解教育，是适应时代的要求。
关键字：国际理解美术学科渗透一、引入经典的美术作品经典的美术作品是指具有典范性、权威性、经久不衰的传世之作，经过历史选择最有价值的作品。
早期的美术作品是特定时代经济、政治、宗教、文化等社会生活和科技手段的产物，又是人们审美需要的产物，它还可以通过自身的造型和形象因素向人们提供许多信息。
在几万年前世界上不同的地方人类用红泥、木炭或动物的鲜血等简陋的工具材料，在岩壁或洞窟上创作出世界上最早的岩画，这些作品所描绘的是人们集体狩猎的场面，原始岩画中简单质朴的绘画手法。
从一个侧面使我们了解当时生产力的发展水平，例如七年级教材中第一课中法国的洞窟壁画作品《马》，非洲岩画作品《狩猎》。
文艺复兴时期《蒙娜丽莎》是达·芬奇艺术创作的另一大亮点，人物形象面容柔和、嘴角含笑，没有突兀的边界和死板的轮廓线，在人物与背景之间也有着轻柔的过渡，在光影的处理上用较弱的对比，使得画面整体呈现出一种柔和、朦胧之感。
这一画作的女性形象体现了达·芬奇浓厚的人文主义关怀和人文主义审美，这副作品又将他的艺术理念传播给大众，从而推动了艺术史和艺术观念的进步。
后来的“现实主义”画派，他们主张艺术应以实际生活为基础，以自然为范本，画家应该走出画室去表现普通人的生活，他们歌颂劳动，赞美自然，将劳动者作为艺术创作的对象。
七年级教材《如何欣赏美术作品》这一课中，学生了解到如何运用描述、分析、解释、评价来赏析法国库尔贝的作品《筛谷的妇女》。
ucca沙丘美术馆简介
ucca沙丘美术馆简介？UCCA沙丘美术馆位于北戴河渤海海岸，距离北京300公里。
美术馆由OPEN建筑事务所主持设计，展厅由一系列形似洞穴的细胞状空间构成。
自然光为部分室内展厅提供光源，几个户外展厅则朝向开阔的海滩。
UCCA是中国领先的独立当代艺术机构，每年推出展览，注重与在地环境的互文关系。
美术馆由UCCA战略合作伙伴阿那亚建设且提供资金支持，于2018年10月起对公众开放。
在中国北部渤海湾的一段沙滩上，OPEN设计了一座消隐的美术馆，如同藏于沙丘之下的神秘洞穴。
将美术馆选址于沙丘之下，既是对自然的敬畏，也是一种保护：因为美术馆的存在，这片沙丘将永远不会人为“被推平”，从而维护了千百年累积下来但也十分脆弱的沙丘生态系统。
一系列细胞状的连续空间，构成了沙丘美术馆里丰富的功能，包括大小形态各异的展厅、接待厅和咖啡厅等。
建筑的主入口是嵌入沙丘里的一个隧道般的洞口。
经过长长的、幽暗的隧道，进入到一个圆顶有柔和天光的接待厅，然后空间豁然开朗——人们步入中央展厅，那里，一束光线从高高的穹顶上倾泻而下，空间弥漫着静谧而神圣的精神光辉。
从沙丘美术馆内部看海，透过不同的洞口、在不同的时间里，大海都是不一样的风景。
一部通往沙丘顶部观景平台的螺旋楼梯，引领人们从洞穴的暗处循着光线拾级而上，直到突然置身于天空与大海的广袤之间。
这座美术馆不仅在设计理念与空间形态上突破传统，也尽可能地实现了建筑的可持续性。
它的设计体现了建筑师对于环境与生态的深刻关照，同时创造了一个人与艺术、与自然对话的独特场所。
On a quiet beach along the coast of northern China's Bohai Bay, the UCCA Dune Art Museum is carved into the sand, where it gently disappears. The decision to create the art museum underneath the dunes surrounding it was born out of both the architects' deep reverence for nature and their desire to protect the vulnerable dune ecosystem, formed by natural forces over thousands of years. Because of the museum, these sand dunes will be preserved instead of leveled to make space for ocean-view real estate developments, as has happened to many other dunes along the shore. A series of cell-like contiguous spaces accommodate differently-sized galleries, a café, and some ancillary spaces. After passing through a long, dark tunnel and a small reception area, the space suddenly opens up as visitors enter the largest multifunctional gallery. There, a beam of daylight from the skylight above silently yet powerfully fills the space. Various openings framed by the building allow visitors to observe the ever-changing expressions of the sky and sea throughout the day. A spiral staircase leads to a lookout on top of the sand dune, guiding curious audiences from the dark recesses below to the vast openness above. Formally and conceptually innovative, and deeply committed to sustainability, the Dune Art Museum's design creates an engaging and non-traditional encounter with art, provoking visitors to thoughtfully contemplate the fundamental relationships between human, nature and art.。